Tsuguharu Foujita

Foujita nació en 1886 en Ushigome, un antiguo distrito de Tokio que ahora forma parte del distrito de Shinjuku . Era hijo de Fujita Tsuguakira Fujita, director médico del ejército. ^{[ 1 ]} Dos años después de su nacimiento, la familia se mudó a Kumamoto , en la isla de Kyushu . Tras la muerte prematura de su madre y el posterior segundo matrimonio de su padre, la familia regresó a Tokio en 1892. ^{[ 2 ]}

Foujita desarrolló un interés por la pintura en la escuela primaria y, en su adolescencia, decidió convertirse en pintor. ^{[ 3 ]} Cuando tenía catorce años, una de sus acuarelas se exhibió en la Exposición Universal de París como una de las obras representativas de estudiantes japoneses de secundaria. ^{[ 3 ]}

Foujita comenzó a estudiar francés en la escuela secundaria y esperaba estudiar en Francia después de terminar sus estudios. Sin embargo, su padre, tras consultar con su amigo Ōgai Mori , cirujano y novelista que había vivido anteriormente en Alemania, lo animó a continuar sus estudios de bellas artes en Japón. Se matriculó en 1905 en lo que hoy es la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio y estudió con Seiki Kuroda , quien impartía yōga , pintura de estilo occidental. ^{[ 4 ]} También tomó cursos de nihonga , pintura de estilo japonés, dirigidos por Seihō Takeuchi y Gyokushō Kawabata. ^{[ 3 ]}

Foujita conoció a su primera esposa, Tomiko Tokita, maestra de escuela, durante un viaje a la prefectura de Chiba, durante el cual realizó varias pinturas para su diploma, incluyendo el primer autorretrato conocido del artista. Los dos se casaron en 1911. ^{[ 5 ]}

Foujita se graduó en 1910. Expuso ese mismo año en el Salón Hakuba-Kai (Asociación del Caballo Blanco), organizado por Seiki Kuroda, que buscaba popularizar el yōga entre el público japonés, y posteriormente en las dos primeras exposiciones organizadas por Tokyo Kangyo, una estructura que promovía el arte y la industria. ^{[ 6 ]} Sin embargo, sus pinturas fueron rechazadas durante tres años consecutivos en el Salón Bunten , una exposición anual organizada por el Ministerio de Educación. ^{[ 7 ]} Las pinturas de Foujita en esta época —antes de mudarse a Francia— a menudo estaban firmadas como "Fujita", en lugar de la versión francófona "Foujita" que adoptó más tarde.

Inseguro de su estilo personal y sin haber perdido nunca de vista su sueño de viajar a París, Foujita decidió partir en 1913, a los 27 años. Se acordó que recibiría una renta vitalicia de su padre durante tres años, de modo que el artista regresaría a su hogar y a su esposa en Japón a los 30 años. ^{[ 6 ]}

Foujita se mudó a París en 1913, en una época en que florecían los artistas extranjeros, con la esperanza de desarrollar su sensibilidad artística y obtener reconocimiento en la capital artística europea. ^{[ 8 ]} Se instaló en Montparnasse y rápidamente se integró a la ecléctica escena artística de la zona que, al carecer de un estilo o disciplina definidos, más tarde se conocería como la École de Paris (Escuela de París). ^{[ 9 ]} Se mudó a las residencias de artistas de Bateau-Lavoir . ^{[ 10 ]} Pronto entabló amistad con el pintor japonés Riichirō Kawashima , quien tenía muchas conexiones en la escena artística parisina, ^{[ 11 ]} ya que compartían un estudio. ^{[ 12 ]} Foujita también desarrolló amistad con el fotógrafo Shinzo Fukuhara , quien despertó su interés por la fotografía. ^{[ 12 ]}

Si bien muchos artistas japoneses que llegaron a París tendían a vivir aislados entre ellos y tenían dificultades para adaptarse al estilo de vida parisino, Foujita se esforzó enormemente por integrarse en su nuevo entorno. ^{[ 13 ]} Comenzó a firmar sus pinturas con la grafía de su nombre que parecía francesa, Foujita, en lugar de Fujita, y perfeccionó su francés. También se distinguió de muchos de sus colegas japoneses, quienes buscaban demostrar su dominio de la pintura al óleo, ya que Foujita trabajaba principalmente con acuarela. ^{[ 14 ]}

Su red pronto incluyó a artistas de muchas nacionalidades. Después de trasladar su estudio a la Cité Falguière, conoció a los pintores Amedeo Modigliani y Chaim Soutine , ^{[ 15 ]} tomó clases de danza con Raymond Duncan y visitó los estudios de Pablo Picasso y Diego Rivera . ^{[ 12 ]} Este fructífero encuentro, durante el cual Foujita descubrió el cubismo , lo llevó a conocer a Guillaume Apollinaire , Georges Braque , Fernand Léger , Erik Satie , Kees van Dongen , Jean Metzinger , André Derain y Pierre Bonnard . ^{[ 16 ]} Su visita al estudio de Picasso lo introdujo al estilo " ingenuo " de Henri Rousseau , ya que Picasso poseía una de las obras de Rousseau y la tenía colgada en su pared. ^{[ 17 ]}

1914 marcó el estallido de la Primera Guerra Mundial y el comienzo de un período complicado para Foujita. Muchos artistas extranjeros abandonaron París para luchar en la guerra. La mayoría de los artistas japoneses también optaron por regresar a casa. Sin embargo, tras haber comprado un terreno en las afueras de París, donde construyeron una modesta casa, Foujita y Kawashima decidieron quedarse. ^{[ 18 ]} En los meses siguientes, los dos artistas trabajarían como voluntarios, junto con el escultor Ossip Zadkine , para la Cruz Roja. ^{[ 18 ]} En septiembre, regresaron a su casa y la encontraron destruida. Además, Foujita atravesaba dificultades económicas porque su padre ya no podía enviarle su renta vitalicia debido a la guerra. ^{[ 18 ]}

Tras la partida de Kawashima a Tokio en 1915, Foujita se trasladó a Londres en enero de 1916. Durante este período, Foujita terminó su relación con su esposa Tomiko. También informó a su padre que ya no necesitaba apoyo financiero y que permanecería indefinidamente en Europa. ^{[ 19 ]} Foujita regresó a París a principios de 1917. ^{[ 20 ]} En marzo, conoció a Fernande Barrey , quien había sido modelo de Modigliani, en el Café de la Rotonde . Trece días después, Foujita y Fernande se casaron. ^{[ 21 ]}

Fernande fue fundamental para el primer éxito profesional del artista en París. Pocas semanas después de casarse con Foujita, le mostró al marchante de arte Georges Chéron algunos de sus dibujos. Chéron fue al estudio de Foujita y compró todas las obras que le mostró. ^{[ 22 ]} También consiguió un acuerdo entre Foujita y la Galerie Chéron, donde realizó sus primeras exposiciones individuales. ^{[ 19 ]} Su primera exposición individual, en la que presentó 110 de sus acuarelas, fue un gran éxito. ^{[ 23 ]} El artista comenzó a exponer con más frecuencia en París y en 1920 se convirtió en miembro del Salon d'Automne . ^{[ 24 ]}

Este éxito coincidió con la llegada de los locos años veinte a París, una época de relativa prosperidad económica que impulsó un sólido mercado del arte y una vibrante vida nocturna. Foujita era un asiduo de los clubes y eventos más populares, fácilmente reconocible gracias a su característico corte de pelo a tazón y sus gafas redondas.

La producción de Foujita a principios de la década de 1920 comenzó a concentrarse en tres géneros distintos: autorretratos, escenas de interiores (incluyendo numerosas naturalezas muertas) y desnudos. Hubo gran interés en el estilo de Foujita, que a menudo se percibía como una fusión original de elementos "orientales" y "occidentales". ^{[ 25 ]}

Los artistas japoneses en París que practicaban la pintura de estilo occidental fueron descritos generalmente por los críticos contemporáneos como simples copistas o, en palabras de André Warnod, "querían ser europeos a toda costa". ^{[ 26 ] : 38} Sin embargo, Foujita fue considerado la excepción a esta regla. Warnod afirma que Foujita "sabía mirar con sus propios ojos y pintar según su temperamento, sin preocuparse demasiado por los demás": comparado con otros pintores japoneses, Foujita era visto como alguien con "personalidad". ^{[ 26 ] : 39} El historiador de arte Asato Ikeda ha argumentado que "a diferencia de otros artistas japoneses en la ciudad, Foujita [dirigió] sus pinturas al público francés negociando con éxito la herencia artística de su país y creando algo original desde la perspectiva de la historia del arte europeo". ^{[ 27 ]}

Las obras de Foujita a finales de la década de 1910 incorporaron una mezcla de estilos. Desde el comienzo de su estancia en París, Foujita aprovechó su proximidad al Louvre para estudiar a artistas como Rafael , Rembrandt y Leonardo da Vinci . ^{[ 26 ] : 40} En 1917, Foujita comenzó a dibujar figuras de manera muy estilizada, a menudo de perfil, que parecen inspirarse tanto en la pintura primitiva medieval como en los retratos simplificados de Amadeo Modigliani. El artista, fuertemente influenciado por la pintura italiana, también representó temas cristianos como la Virgen con el Niño y la Crucifixión de Cristo . Estos temas pronto desaparecerían de la obra de Foujita, pero posteriormente dominaron su producción artística a partir de 1951.

Sus obras fueron apreciadas como la armoniosa fusión de la estética japonesa y europea. ^{[ 28 ]} Una de estas pinturas, Desnudo reclinado con Toile de Jouy , para la cual posó la modelo francesa Kiki de Montparnasse , tuvo un gran éxito en el Salón de Otoño de 1922. ^{[ 29 ]} Esta obra hacía referencia al género clásico del desnudo, así como a ejemplos franceses más recientes como la Olympia de Édouard Manet . Se inspiró en artistas de ukiyo-e como Suzuki Harunobu y Kitagawa Utamaro , quienes dejaban la piel de sus figuras femeninas sin color, ^{[ 30 ]} aunque pintó a la modelo y artista de artistas negros Aïcha Goblet en un estilo más cubista. ^{[ 31 ] [ 32 ]} Foujita escribió que el objetivo de sus desnudos era "representar la calidad del material más bello que existe: la piel humana". ^{[ 33 ]}

A finales de la década de 1920, Foujita recibió un importante encargo parisino que puso de manifiesto su capacidad para crear dentro de la tradición artística japonesa. Pintada en el Cercle de l'Union Interalliée, un exclusivo club social y gastronómico, la obra presenta dos paneles de kachō-ga , o pinturas de pájaros y flores, realizados al estilo yamato-e . ^{[ 30 ]}

En 1922, Foujita conoció a Lucie Badoul, ^{[ 34 ]} a quien llamó "Youki", palabra japonesa para "nieve", y ella se convirtió en una de sus modelos. ^{[ 35 ]} En 1924, se divorció de Fernande, ^{[ 36 ]} y en 1929, se casó con Youki. ^{[ 37 ]} Alrededor de la época de su matrimonio con Youki, Foujita tenía serios problemas financieros. Había estado viviendo una vida lujosa de celebridad en París, pero no había pagado impuestos desde 1925. Ahora, las autoridades fiscales lo alcanzaron y le exigieron el pago completo. ^{[ 38 ]} Foujita partió hacia Japón con Youki, con la esperanza de poder recuperar sus pérdidas exponiendo allí. ^{[ 39 ]} La recepción de Foujita en Japón fue mixta. El público general llenó su primera exposición individual allí, y sus obras se vendieron bien, pero los críticos lo tacharon de artista mediocre que imitaba el estilo occidental. ^{[ 40 ]} Foujita regresó a Francia vía Estados Unidos, viajando a Hawái, San Francisco y Nueva York. Mientras estaba en Nueva York, se enteró del crac de Wall Street . ^{[ 41 ]} Regresó brevemente a Nueva York para organizar una exposición individual en la Galería Paul Reinhardt, pero la muestra no tuvo éxito. ^{[ 41 ]}

Cuando Foujita regresó a París en 1930, seguía con problemas económicos, ^{[ 41 ]} y compartía piso con Robert Desnos, a quien había conocido en 1928. Durante este tiempo, Foujita experimentó con la pintura en un estilo más surrealista . En 1931, Youki y Desnos se convirtieron en pareja, ^{[ 42 ]} y Foujita, que seguía teniendo problemas con sus impuestos atrasados ^{​​[ 43 ]} y sufrió la bancarrota, ^{[ 44 ]} partió hacia Sudamérica con Madeleine Lequeux, ^{[ 45 ]} una exbailarina conocida como Mady Dormans que trabajaba en el Casino de París . ^{[ 43 ]}

Foujita y Madeleine viajaron juntos a Brasil , donde permanecieron en Río de Janeiro durante cuatro meses. Durante este tiempo, conocieron a Ismael Nery , quien pintó el retrato de Foujita. ^{[ 43 ]} Después de Brasil, fueron a Argentina . Su exposición en Buenos Aires tuvo mucho éxito y se quedó cinco meses. ^{[ 46 ]} Posteriormente, viajaron a Bolivia, Perú y Cuba. ^{[ 43 ]}

Foujita viajó entonces a México , llegando en noviembre de 1932, donde permaneció durante siete meses. ^{[ 47 ]} Foujita se sintió inspirado por el Movimiento Muralista Mexicano , liderado por Diego Rivera, con quien había entablado amistad en París. Impresionado por el esfuerzo de colaboración emprendido por el gobierno y los artistas locales, Foujita, como describe el historiador de arte Asato Ikeda, «sostenía que el arte no debía producirse solo para individuos adinerados, sino también para las masas y el público en general. En otras palabras, su viaje a Sudamérica le hizo tomar conciencia de los roles sociales y políticos que el arte público a gran escala podía desempeñar». ^{[ 48 ]}

También visitó al artista Tamiji Kitagawa en su casa de Taxco . ^{[ 49 ]} Foujita había conocido a Kitagawa a través de una exposición de las obras al aire libre de sus alumnos que había recorrido Europa. Foujita quedó tan impresionado por las obras de los alumnos de Kitagawa que mandó traer sesenta de los lienzos a Japón para una exposición que se celebró en 1936. ^{[ 50 ]} Después de su visita a México, Foujita viajó por el suroeste de Estados Unidos y luego se dirigió a San Francisco y Los Ángeles, donde continuó exponiendo y siendo tratado como una celebridad. ^{[ 47 ]}

Foujita regresó a Japón con Madeleine a finales de 1933. A Madeleine le resultó difícil adaptarse a la cultura japonesa. ^{[ 51 ]} En febrero de 1935, regresó a París, pero volvió un año después. ^{[ 52 ]} En junio de 1936, falleció inesperadamente. ^{[ 53 ]} Poco después, Foujita inició una relación con Kimiyo Horiuchi, quien en 1954 se convirtió en su quinta esposa. ^{[ 54 ]}

Durante este período, las pinturas de Foujita comenzaron a estar dominadas por temas clásicos japoneses, como geishas , ​​luchadores de sumo y pescadores. Sus acuarelas y óleos recibieron críticas negativas cuando se exhibieron en el XXI Salón Nika en 1934. Los críticos consideraron que su visión de Japón era anticuada y se asemejaba a la de un extranjero, y un crítico señaló que «las personas y las escenas representadas por este pintor no pertenecen al Japón vivo y actual, sino que son vestigios desgastados del pasado». ^{[ 55 ] : 51} El gusto de Foujita por el Japón de antaño se confirmó aún más en 1937 cuando construyó una casa tradicional japonesa. ^{[ 55 ] : 56}

1937 marcó el comienzo de la Segunda Guerra Sino-Japonesa . Foujita buscó contribuir al esfuerzo bélico yendo al frente, y estos voluntarios civiles formaron la Asociación de Artistas de Guerra del Japón Imperial. ^{[ 56 ] : 313 [ 57 ]} En 1938, Foujita comenzó a trabajar con la Oficina de Información de la Armada Imperial como artista de guerra ^{[ 58 ]} y creó su primera pintura de guerra ( sensō ga ), Incendio del Aeropuerto de Nanchang . ^{[ 59 ]}

En abril de 1939, el ejército reorganizó la Asociación de Artistas de Guerra del Japón Imperial como la Asociación de Arte del Ejército, que encargó pinturas de guerra monumentales bajo la supervisión de un nuevo presidente, Matsui Iwane, quien era un oficial militar en activo. ^{[ 56 ] : 313 [ 60 ] : 170} Foujita y su colega artista, Saburō Miyamoto, fueron miembros destacados, ^{[ 61 ]} y en 1943 Foujita se convirtió en vicepresidente. ^{[ 56 ] : 319 [ 62 ]} A pesar de sus fuertes vínculos con la Asociación de Arte del Ejército, Foujita decidió regresar a París en abril de 1939. Él y Kimiyo permanecieron allí durante poco más de un año, dejando Francia y regresando a Japón en mayo de 1940 después de la invasión alemana de Bélgica . ^{[ 63 ]}

Al regresar a Tokio, Foujita se dedicó como artista apoyando el esfuerzo bélico. ^{[ 60 ] : 172} Se convirtió en el principal artista de guerra de la nación durante la Segunda Guerra Mundial , ^{[ 64 ]} creando una prolífica cantidad de pinturas de guerra ^{[ 65 ]} y supervisando exposiciones especiales para el ejército. ^{[ 66 ]} Recibió importantes encargos, como la Batalla de Nomonhan , pintada en 1941, una pintura monumental que mide 1,5 m × 4,5 m (4 pies 11 pulgadas × 14 pies 9 pulgadas) . ^{[ 60 ] : 175} A pesar de que la pintura representa una de las mayores derrotas militares que los japoneses habían experimentado hasta ese momento , se centra en glorificar la valentía de los soldados japoneses.        

Masaaki Ozaki divide la producción bélica de Foujita en dos períodos: las pinturas del primer período, como La batalla de Nomonhan , tenían como objetivo documentar la guerra y elevar la moral de las tropas. ^{[ 55 ] : 58} El segundo período, sin embargo, fue una época en la que los japoneses experimentaron más derrotas que victorias. El pueblo japonés comenzó a perder la confianza y el esfuerzo bélico se volvió más desesperado. Las fuentes de las pinturas de Foujita no fueron los campos de batalla en sí, sino su imaginación, lo que dio como resultado composiciones dramáticas impactantes que Ozaki compara con las representaciones del infierno que se encuentran en la pintura clásica japonesa. ^{[ 55 ] : 58} La historiadora de arte Aya Louise McDonald también señala que sus composiciones se enriquecieron aún más gracias al conocimiento que Foujita tenía de la pintura francesa del siglo XIX en el Louvre. ^{[ 60 ] : 180}

Su pintura más famosa de este período es Última resistencia en Attu , terminada en agosto de 1943, que representa una batalla contra las tropas estadounidenses en las Islas Aleutianas . En lugar de rendirse a los estadounidenses, los soldados japoneses que permanecieron en combate se suicidaron. La obra recibió respuestas viscerales de los espectadores, quienes lloraron o rezaron frente a ella, como si fuera un altar. ^{[ 67 ] : 34} Foujita realizó pinturas de estilo similar a Última resistencia en Attu hasta el final de la guerra en 1945.

Tras la derrota de Japón, las Potencias Aliadas en Japón se esforzaron por recopilar todas las pinturas de guerra para enviarlas a Estados Unidos, con la ayuda de Foujita. ^{[ 67 ] : 36} Las pinturas nunca fueron oficialmente "devueltas" a Japón, sino que fueron puestas en "préstamo indefinido" al Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio , que las recibió entre 1970 y 1977. ^{[ 67 ] : 36}

Foujita recibió muchas críticas públicas después de la guerra en Japón. Se defendió afirmando que los artistas eran pacifistas por naturaleza, pero la Asociación de Arte de Japón ( Nihon Bijutsu-kai ) lo incluyó en la lista de artistas responsables de la guerra en 1946. ^{[ 68 ]} Aunque el nombre de Foujita no apareció en la lista de criminales de guerra publicada por el Cuartel General en 1947, ^{[ 69 ]} su reputación se vio afectada, ^{[ 47 ]} en parte debido a que utilizó su arte como propaganda para el ejército imperial japonés y a su negativa a afrontar las acusaciones sobre su papel como artista de guerra. ^{[ 70 ]} El poeta estadounidense Harry Roskolenko intentó apoyar a Foujita organizando una exposición de sus pinturas en las Galerías Kennedy and Company de Nueva York, pero ninguna de las pinturas se vendió. Foujita y Roskolenko culparon a Yasuo Kuniyoshi , quien describió a Foujita como fascista, imperialista y expansionista. ^{[ 71 ]} Finalmente, Foujita decidió abandonar Japón definitivamente. ^{[ 72 ]}

Foujita consiguió un visado para Estados Unidos con la ayuda de Henry Sugimoto y comenzó a impartir clases en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn en marzo de 1949. ^{[ 73 ]} Foujita realizó otra exposición, pero una vez más fue tachado de fascista por artistas, entre ellos Ben Shahn , quien organizó una manifestación en su contra. Sus pinturas de la época reflejan nostalgia por París. Descontento y sintiéndose rechazado en Nueva York, Foujita buscó regresar a París, y una vez que se le concedió el visado, ^{[ 74 ]} Foujita y Kimiyo se mudaron de nuevo a Francia en enero de 1950. ^{[ 75 ]} Foujita declaró que nunca volvería a irse. ^{[ 74 ]}

La pareja se mudó a Montparnasse, donde Foujita comenzó a pintar escenas callejeras que llamó "Paisajes de París". ^{[ 76 ]} Se involucró brevemente en el diseño de vestuario, creando los trajes "japoneses" para la representación de Madame Butterfly en La Scala en mayo de 1951, ^{[ 77 ] [ a ]} ​​e hizo ilustraciones para un libro de René Héron de Villefosse. ^{[ 76 ]} En 1954, Foujita se casó con Kimiyo. ^{[ 78 ]} Obtuvieron la nacionalidad francesa en 1955, renunciando a su nacionalidad japonesa, y Foujita fue nombrado oficial de la Legión de Honor por el estado francés en 1957. ^{[ 3 ]} La pareja se convirtió al catolicismo y fue bautizada en la Catedral de Reims el 14 de octubre de 1959, con René Lalou, director de la Casa de Champagne Mumm , y Françoise Taittinger como padrinos. Foujita adoptó el nombre cristiano de Léonard. ^{[ 79 ]}

Tras su conversión en 1959, Foujita dedicó la mayor parte de su producción a la creación de temas religiosos. ^{[ 80 ]} En 1962, Foujita ideó un proyecto para construir y decorar su propia capilla , como Matisse lo había hecho antes. Foujita esperaba que la estructura, llamada Capilla de Nuestra Señora de la Paz y construida con la ayuda de la financiación de Lalou, ^{[ 81 ]} simbolizara la culminación de su carrera. ^{[ 82 ]} De hecho, la capilla también sería el último proyecto del artista. Desde 1963 hasta su apertura al público en 1966, diseñó casi todos los aspectos de la estructura, ^{[ 83 ]} decorando el interior con frescos de escenas bíblicas, muchas de las cuales ilustraban la vida de Cristo . ^{[ 84 ]}

Apenas unos meses después de la inauguración de la capilla, a Foujita le diagnosticaron cáncer. Falleció el 29 de enero de 1968 en Zúrich , Suiza . ^{[ 85 ]} Inicialmente fue enterrado en la capilla, pero Kimiyo hizo trasladar su cuerpo al cementerio de Villiers-le-Bâcle , cerca de ella. En 2003, su ataúd fue reinhumado en la Capilla Foujita bajo las losas, en la posición que él había previsto originalmente al construir la capilla. ^{[ 86 ]}

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