Cerámica de la antigua Grecia

Cuando se extrae la arcilla de la tierra, está llena de piedras, conchas y otros elementos inservibles que deben eliminarse. Para ello, el alfarero mezcla la arcilla con agua y deja que todas las impurezas se depositen en el fondo. Este proceso se llama levigación o elutriación . Se puede repetir varias veces. Cuantas más veces se repita, más fina quedará la arcilla.

El alfarero amasa la arcilla y la coloca en el torno . Una vez en el torno, puede darle forma de cualquiera de las muchas figuras que se muestran a continuación, o cualquier otra que desee. La alfarería torneada data de aproximadamente el 2500  a. C. Antes de esto, se empleaba el método de enrollado para construir las paredes de la vasija. La mayoría de los jarrones griegos se hacían en torno, aunque, como en el caso del Ritón , también se encuentran piezas hechas con moldes (las llamadas piezas "plásticas") y se añadían elementos decorativos, ya sea a mano o con moldes, a las vasijas torneadas. Las piezas más complejas se hacían por partes y luego se ensamblaban cuando la arcilla estaba en estado de cuero, uniéndolas con barbotina, momento en el que el alfarero volvía al torno para darles la forma final. A veces, un joven ayudaba a girar el torno. ^{[ 21 ] [ 22 ]}

Una vez hecha la vasija, el alfarero la pintaba con un engobe de arcilla de grano ultrafino; la pintura se aplicaba en las zonas que debían volverse negras tras la cocción, según los dos estilos distintos: el de figuras negras y el de figuras rojas. ^{[ 23 ]} Para la decoración, los pintores de vasijas utilizaban pinceles de distinto grosor, herramientas de punta fina para las incisiones y probablemente herramientas de un solo pelo para las líneas de relieve. ^{[ 24 ]}

Una serie de estudios analíticos han demostrado que el llamativo brillo negro con lustre metálico, tan característico de la cerámica griega, surgió de la fracción coloidal de una arcilla ilítica con un contenido muy bajo de óxido de calcio. Este engobe de arcilla era rico en óxidos e hidróxidos de hierro, diferenciándose del utilizado para el cuerpo del vaso en cuanto al contenido de calcio, la composición mineral exacta y el tamaño de partícula. La fina suspensión de arcilla utilizada para la pintura se producía mediante la adición de diversos defloculantes a la arcilla (potasa, urea, posos de vino, cenizas de hueso, cenizas de algas, etc.) o recolectándola in situ de yacimientos de arcilla ilítica tras periodos de lluvia. Estudios recientes han demostrado que algunos oligoelementos en el vidriado negro (en particular el Zn) pueden ser característicos de los yacimientos de arcilla utilizados en la antigüedad. En general, diferentes grupos de investigadores proponen distintos enfoques respecto a la producción del engobe de arcilla utilizado en la antigüedad. ^{[ 25 ] [ 26 ] [ 27 ]}

La cerámica griega, a diferencia de la cerámica actual, se cocía solo una vez, utilizando un proceso muy sofisticado. ^{[ 28 ]} El efecto de color negro se lograba mediante la variación de la cantidad de oxígeno presente durante la cocción. Esto se realizaba en un proceso conocido como cocción trifásica que implicaba condiciones oxidantes-reductoras alternas. Primero, el horno se calentaba a unos 920–950  °C, con todas las ventilaciones abiertas, lo que permitía la entrada de oxígeno a la cámara de cocción y hacía que tanto la vasija como el engobe adquirieran un color marrón rojizo (condiciones oxidantes) debido a la formación de hematita (Fe ₂ O ₃ ) tanto en la pintura como en el cuerpo de arcilla. Luego se cerraba la ventilación y se introducía madera verde, creando monóxido de carbono que transformaba la hematita roja en magnetita negra (Fe ₃ O ₄ ); en esta etapa, la temperatura disminuía debido a la combustión incompleta. En una fase final de reoxidación (a unos 800-850  °C), se abrió el horno y se reintrodujo el oxígeno, lo que provocó que la arcilla reservada sin engobe volviera a adquirir un color rojo anaranjado, mientras que la zona engobada del jarrón, que había sido sinterizada/vitrificada en la fase anterior, ya no podía oxidarse y permaneció negra.

Aunque la descripción de una sola cocción con tres etapas puede parecer económica y eficiente, algunos estudiosos afirman que es igualmente posible que cada una de estas etapas se limitara a cocciones separadas ^{[ 29 ]} en las que la cerámica se somete a múltiples cocciones, en atmósferas diferentes. En cualquier caso, la reproducción fiel del proceso que implicó un extenso trabajo experimental que llevó a la creación de una unidad de producción moderna en Atenas desde el año 2000, ^{[ 30 ]} ha demostrado que los jarrones antiguos pueden haber sido sometidos a múltiples cocciones de tres etapas después de ser repintados o como un intento de corregir fallas de color ^{[ 25 ]} La técnica que se conoce principalmente como la "técnica de reducción de hierro" fue descifrada con la contribución de académicos, ceramistas y científicos desde mediados del siglo XVIII hasta finales del siglo XX, es decir, Comte de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns y Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies (1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993). Estudios más recientes realizados por Walton et al. (2009), Walton et al. (2014), Lühl et al. (2014) y Chaviara & Aloupi-Siotis (2016), mediante el uso de técnicas analíticas avanzadas, proporcionan información detallada sobre el proceso y las materias primas utilizadas. ^{[ 31 ]}

Los jarrones del período protogeométrico ( c. 1050-900  a. C.) representan el retorno de la producción artesanal tras el colapso de la cultura palaciega micénica y la posterior Edad Oscura griega . Es una de las pocas formas de expresión artística, además de la joyería, de este período, ya que la escultura, la arquitectura monumental y la pintura mural de esta época nos son desconocidas. Hacia el 1050  a. C., la vida en la península griega parece haberse estabilizado lo suficiente como para permitir una marcada mejora en la producción de cerámica. El estilo se limita a la representación de círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos, pero colocados con evidente cuidado y notable destreza, probablemente con la ayuda de compases y múltiples pinceles. ^{[ 34 ]} El yacimiento de Lefkandi es una de nuestras fuentes más importantes de cerámica de este período, donde se ha encontrado un ajuar funerario que evidencia un distintivo estilo protogeométrico eubeo que perduró hasta principios del siglo VIII. ^{[ 35 ]}

El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a. C. Se caracterizó por nuevos motivos, que rompieron con la representación de los periodos minoico y micénico : meandros, triángulos y otras decoraciones geométricas (de ahí el nombre del estilo), a diferencia de las figuras predominantemente circulares del estilo anterior. Sin embargo, nuestra cronología para esta nueva forma de arte proviene de piezas de exportación halladas en contextos datables en el extranjero.

En el estilo geométrico temprano (aproximadamente 900-850 a. C.) se encuentran únicamente motivos abstractos, en lo que se denomina el estilo "Dipylon Negro", caracterizado por el uso extensivo de barniz negro. En el estilo geométrico medio (aproximadamente 850-770 a. C.), aparece la decoración figurativa: inicialmente son bandas idénticas de animales como caballos, ciervos, cabras, gansos, etc., que se alternan con las bandas geométricas. Paralelamente, la decoración se vuelve más compleja y ornamentada; el pintor se resiste a dejar espacios vacíos y los llena con meandros o esvásticas . Esta fase se denomina horror vacui (miedo al vacío) y no cesará hasta el final del período geométrico.

A mediados de siglo comienzan a aparecer figuras humanas, cuyas representaciones más conocidas son las de los vasos hallados en Dipylon , uno de los cementerios de Atenas . Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente procesiones de carros o guerreros, o escenas funerarias: πρόθεσις ( prótesis ; exposición y lamento de los muertos) o ἐκφορά ( ekphora ; traslado del ataúd al cementerio). Los cuerpos están representados de forma geométrica, excepto las pantorrillas, que son bastante prominentes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo , llamado «escudo de Dipylon» por su dibujo característico, cubre la parte central del cuerpo. Las patas y los cuellos de los caballos, así como las ruedas de los carros, están representados uno junto al otro sin perspectiva. La mano de este pintor, llamado así en ausencia de firma, es la del Maestro de Dipylon , que pudo ser identificada en varias piezas, en particular ánforas monumentales. ^{[ 37 ]}

Hacia el final del período aparecen representaciones mitológicas, probablemente en el momento en que Homero codifica las tradiciones del ciclo troyano en la Ilíada y la Odisea . Sin embargo, en este punto la interpretación supone un riesgo para el observador moderno: un enfrentamiento entre dos guerreros puede ser un duelo homérico o un simple combate; un barco averiado puede representar el naufragio de Odiseo o de cualquier marinero desventurado.

Por último, están las escuelas locales que aparecen en Grecia. La producción de vasijas era en gran medida prerrogativa de Atenas; está bien documentado que, como en el período protogeométrico, en Corinto, Beocia, Argos , Creta y las Cícladas , los pintores y alfareros se contentaban con seguir el estilo ático . A partir del siglo VIII a. C., crearon sus propios estilos: Argos se especializó en escenas figurativas, mientras que Creta se mantuvo fiel a una abstracción más estricta. ^{[ 38 ]}

El estilo orientalizante fue producto de la efervescencia cultural en el Egeo y el Mediterráneo oriental durante los siglos VIII y VII a. C. Impulsados ​​por los vínculos comerciales con las ciudades-estado de Asia Menor , los objetos de Oriente influyeron en un arte figurativo altamente estilizado pero reconocible. Marfiles, cerámica y objetos de metal de los principados neohititas del norte de Siria y Fenicia llegaron a Grecia, al igual que productos de Urartu y Frigia , en Anatolia ; sin embargo, hubo poco contacto con los centros culturales de Egipto o Asiria . El nuevo estilo se desarrolló inicialmente en Corinto (como protocorintio) y posteriormente en Atenas entre el 725 a. C. y el 625 a. C. (como protoático). ^{[ 39 ]} 

Se caracterizó por un vocabulario de motivos más amplio: esfinge , grifo , leones , etc., así como un repertorio de animales no mitológicos dispuestos en frisos a lo largo del cuerpo del jarrón. En estos frisos, los pintores también comenzaron a aplicar lotos o palmetas. Las representaciones de figuras humanas eran relativamente raras. Las que se han encontrado son figuras en silueta con algunos detalles incisos, quizás el origen de las figuras de silueta incisas del período de figuras negras. Hay suficiente detalle en estas figuras como para que los estudiosos puedan discernir la mano de varios artistas diferentes. Los rasgos geométricos se mantuvieron en el estilo llamado protocorintio, que adoptó estos experimentos orientalizantes, pero que coexistió con un estilo subgeométrico conservador.

La cerámica de Corinto se exportaba por toda Grecia, y su técnica llegó a Atenas, impulsando el desarrollo de un estilo menos marcadamente oriental en la ciudad. Durante este período, conocido como protoático, aparecen motivos orientalizantes, pero los rasgos siguen sin ser muy realistas. Los pintores muestran preferencia por las escenas típicas del período geométrico, como procesiones de carros. Sin embargo, adoptan el principio del dibujo lineal para reemplazar la silueta. A mediados del siglo VII a. C., aparece el estilo en blanco y negro: figuras negras sobre fondo blanco, acompañadas de policromía para representar el color de la piel o la vestimenta. La arcilla utilizada en Atenas era mucho más anaranjada que la de Corinto, por lo que no se prestaba tan fácilmente a la representación de la piel. Entre los pintores orientalizantes áticos se encuentran el Pintor de Analatos , el Pintor de Mesogeia y el Pintor de Polifemo .

Creta , y especialmente las islas Cícladas, se caracterizan por su predilección por los jarrones conocidos como «plásticos», es decir, aquellos cuyo vientre o cuello está moldeado con la forma de la cabeza de un animal o de un hombre. En Egina , la forma más popular del jarrón plástico es la cabeza de un grifo. Las ánforas melanesias, fabricadas en Paros , muestran escaso conocimiento de las tendencias corintias. Presentan un marcado gusto por la composición épica y un horror vacui, que se expresa en la abundancia de esvásticas y meandros.

Finalmente, se puede identificar el último estilo importante del período, el estilo de la cabra salvaje , tradicionalmente atribuido a Rodas debido a un importante descubrimiento en la necrópolis de Kameiros . De hecho, está extendido por toda Asia Menor , con centros de producción en Mileto y Quíos . Predominan dos formas: los enochoes , que copiaban modelos de bronce, y los platos, con o sin pie. La decoración se organiza en registros superpuestos en los que animales estilizados, en particular cabras salvajes (de donde proviene el nombre), se persiguen en frisos. Numerosos motivos decorativos (triángulos florales, esvásticas, etc.) llenan los espacios vacíos.

La cerámica de figuras negras es la que más se suele imaginar al pensar en la cerámica griega. Fue un estilo popular en la antigua Grecia durante muchos años. El período de figuras negras coincide aproximadamente con la era que Winckelmann designó como Arcaica media a tardía , desde c. 620 a 480 a. C. La técnica de incidir figuras silueteadas con detalles que las hacen vívidas, que ahora llamamos método de figuras negras, fue una invención corintia del siglo VII ^{[ 40 ]} y se extendió desde allí a otras ciudades-estado y regiones, incluyendo Esparta , ^{[ 41 ]} Beocia , ^{[ 42 ]} Eubea , ^{[ 43 ]} las islas griegas orientales ^{[ 44 ]} y Atenas.

La cerámica corintia, estudiada exhaustivamente por Humfry Payne ^{[ 45 ]} y Darrell Amyx ^{[ 46 ],} puede rastrearse a través del tratamiento paralelo de figuras animales y humanas. Los motivos animales tienen mayor prominencia en el vaso y muestran la mayor experimentación en la fase temprana de la cerámica corintia de figuras negras. A medida que los artistas corintios adquirieron confianza en su representación de la figura humana, el friso animal disminuyó en tamaño en relación con la escena humana durante la fase media y tardía. A mediados del siglo VI a. C., la calidad de la cerámica corintia había disminuido significativamente hasta el punto de que algunos alfareros corintios disimulaban sus vasijas con un engobe rojo imitando la cerámica ateniense superior.

En Atenas, los investigadores han hallado los primeros ejemplos conocidos de pintores de vasos firmando sus obras. El primero es un dinos de Sophilos (ilustrado abajo, BM, c. 580 ), lo que quizás indique su creciente ambición como artistas al producir las obras monumentales que se exigían como lápidas, como por ejemplo el Vaso de Francisco de Cleitias . Muchos estudiosos consideran que las mejores obras de este estilo pertenecen a Exequias y al Pintor de Amasis , quienes destacan por su sensibilidad para la composición y la narrativa.

Hacia el año 520  a. C. se desarrolló la técnica de figuras rojas, que fue introducida gradualmente en forma de vaso bilingüe por el Pintor de Andokides , Oltos y Psiax . ^{[ 47 ]} Las figuras rojas eclipsaron rápidamente a las figuras negras, sin embargo, en la forma única de la ánfora panatánica, las figuras negras continuaron utilizándose hasta bien entrado el siglo IV a. C.

La técnica de figuras rojas fue una invención ateniense de finales del siglo VI a. C. Era completamente opuesta a la de figuras negras, que tenía un fondo rojo. La posibilidad de plasmar detalles mediante la pintura directa, en lugar de la incisión, ofreció nuevas posibilidades expresivas a los artistas, como perfiles de tres cuartos, mayor detalle anatómico y la representación de la perspectiva.

La primera generación de pintores de figuras rojas trabajó tanto con figuras rojas como negras, así como con otros métodos, incluyendo la técnica de Six y el fondo blanco ; este último se desarrolló al mismo tiempo que las figuras rojas. Sin embargo, en veinte años, la experimentación dio paso a la especialización, como se observa en los jarrones del Grupo Pionero , cuya obra figurativa era exclusivamente de figuras rojas, aunque conservaron el uso de figuras negras para algunos ornamentos florales tempranos. Los valores y objetivos compartidos de los Pioneros, como Eufronio y Eutímides, indican que se trataba de un movimiento casi autoconsciente, aunque no dejaron más testimonio que su propia obra. John Boardman afirmó sobre la investigación de su obra que «la reconstrucción de sus trayectorias, su propósito común, incluso sus rivalidades, puede considerarse un triunfo arqueológico». ^{[ 48 ]}

La siguiente generación de pintores de vasos del período Arcaico tardío ( c. 500 a 480 a. C.) aportó un naturalismo cada vez mayor al estilo, como se aprecia en el cambio gradual del perfil del ojo. En esta fase también se observa la especialización de los pintores en la pintura de vasijas y copas, destacando los pintores de Berlín y Kleophrades en la primera categoría, y Douris y Onesimos en la segunda.

Hacia el inicio y el final del período clásico de la pintura de figuras rojas ( c. 480-425 a. C.), se habían desarrollado varias escuelas distintas. Los manieristas asociados al taller de Myson y representados por el Pintor de Pan conservan los rasgos arcaicos de los drapeados rígidos y las poses torpes, combinándolos con gestos exagerados. Por el contrario, la escuela del Pintor de Berlín, representada por el Pintor de Aquiles y sus contemporáneos (quienes podrían haber sido sus alumnos), favorecía una pose naturalista, generalmente de una sola figura sobre un fondo negro sólido o de lecitos sobrios sobre fondo blanco . Polignoto y el Pintor de Cleofonte pueden incluirse en la escuela del Pintor de Nióbide , ya que su obra muestra cierta influencia de las esculturas del Partenón , tanto en la temática (por ejemplo, la centauromaquia de Polignoto, Bruselas, Musées Royaux A. & Hist., A 134) como en la sensibilidad compositiva.

Hacia finales de siglo, el estilo suntuoso de la escultura ática, presente en la balaustrada de Nike, se refleja en la pintura de jarrones contemporánea, con una atención cada vez mayor a los detalles secundarios, como el cabello y las joyas. El Pintor de Meidias suele ser el más asociado con este estilo.

La producción de vasos en Atenas cesó alrededor del 330-320 a. C., posiblemente debido al dominio de Alejandro Magno sobre la ciudad, y había experimentado un lento declive durante el siglo IV, en consonancia con la inestabilidad política de Atenas. Sin embargo, la producción de vasos continuó en los siglos IV y III a. C. en las colonias griegas del sur de Italia, donde se pueden distinguir cinco estilos regionales: el apulio , el lucano , el siciliano , el campano y el paestano . Allí floreció la pintura de figuras rojas, con la particularidad de incorporar la pintura policromada y, en el caso de la colonia de Panticapeum , a orillas del Mar Negro , el dorado propio del estilo de Kerch . Hemos conservado la obra de varios artistas notables, como el Pintor de Darío y el Pintor del Inframundo , ambos activos a finales del siglo IV a. C., cuyas escenas policromadas y repletas de detalles a menudo exploran una complejidad emocional nunca antes alcanzada por pintores anteriores. Su obra representa una fase manierista tardía en el desarrollo de la pintura de vasos griega.

La técnica del fondo blanco se desarrolló a finales del siglo VI a. C. A diferencia de las técnicas más conocidas de figuras negras y rojas, su coloración no se conseguía mediante la aplicación y cocción de engobes , sino mediante el uso de pinturas y dorado sobre una superficie de arcilla blanca. Esto permitía un mayor grado de policromía que las otras técnicas, aunque los vasos resultantes eran menos llamativos visualmente. La técnica adquirió gran importancia durante los siglos V y IV a. C., especialmente en forma de pequeños lecitos que se convirtieron en ofrendas funerarias típicas. Entre sus representantes más importantes se encuentran su inventor, el Pintor de Aquiles , así como Psiax , el Pintor de Pistoxenos y el Pintor de Tánatos .

Los jarrones de relieve y plástico alcanzaron gran popularidad en el siglo IV a. C. y su fabricación continuó durante el período helenístico. Se inspiraron en el llamado «estilo rico», desarrollado principalmente en el Ática después del 420  a. C. Sus principales características eran las composiciones con múltiples figuras, el uso de colores añadidos (rosa/rojizo, azul, verde, dorado) y el énfasis en figuras mitológicas femeninas. El teatro y las artes escénicas constituyeron otra fuente de inspiración.

El Museo Arqueológico de Delfos posee algunos ejemplos particularmente notables de este estilo, incluyendo un jarrón con Afrodita y Eros . La base es redonda y cilíndrica, con asa vertical y bandas negras. La figura femenina (Afrodita) aparece sentada, con himatión . Junto a ella se encuentra una figura masculina, desnuda y alada. Ambas figuras llevan coronas de hojas y su cabello conserva restos de pintura dorada. Los rasgos de sus rostros están estilizados. El jarrón tiene fondo blanco y conserva en varias partes restos de pintura azulada, verdosa y rojiza. Data del siglo IV a. C.

En la misma sala se conserva un pequeño lecito con decoración plástica que representa a una bailarina alada. La figura lleva un tocado persa y un vestido oriental, lo que indica que ya en aquella época las bailarinas orientales, posiblemente esclavas, se habían puesto de moda. La figura también está cubierta de color blanco. La altura total del jarrón es de 18 centímetros y data del siglo IV a. C.