Ha Chong Hyun

Ha Chong Hyun ( en coreano : 하종현 ; nacido en 1935) o Ha Chong-hyun es un artista surcoreano. Hoy en día, a través de su serie Conjunction (1974-presente), Ha es más conocido como un destacado exponente de la tendencia artística monocromática coreana conocida como Dansaekhwa . ^[¹^]^:⁷^[²^]^:¹³ Sin embargo, la trayectoria de la práctica de Ha desde la década de 1960 hasta la actualidad se caracteriza más fundamentalmente por sus amplias exploraciones de la materialidad y las formas de desafiar las convenciones de la creación artística.

En sus primeros experimentos artísticos a lo largo de las dos décadas posteriores al fin de la Guerra de Corea , Ha alternó entre la pintura abstracta y las instalaciones, demostrando a la vez su dominio de una amplia gama de materiales y buscando la hibridación entre distintas categorías artísticas, al tiempo que reflexionaba, posiblemente, sobre la transformación urbana contemporánea de Corea del Sur. Si bien sus experimentos con lo que convencionalmente se caracteriza como abstracción gestual y geométrica sirvieron como base para su acercamiento a la materialidad, su participación en el colectivo artístico AG (fundado en 1969) lo llevó a explorar aún más la materialidad a través de medios no pictóricos, abarcando la escultura y las instalaciones. En 1974, comenzó a centrarse exclusivamente en la pintura al iniciar su serie Conjunction .

La obra de Ha ha sido objeto de frecuentes estudios críticos e histórico-artísticos. Sus trabajos se han contextualizado a menudo dentro de exposiciones y escritos sobre Dansaekhwa, pero su experimentalismo inicial constituye una parte vital del arte coreano de las décadas de 1960 y 1970.

Biografía

Ha Chong Hyun nació en Sancheong , Keishōnan-dō ( provincia de Gyeongsang del Sur ), Corea, Imperio de Japón, en 1935, y pasó parte de su infancia en Japón, en Moji (actualmente parte de Kitakyushu, prefectura de Fukuoka). ^{[ 3 ]}^{: 7} Tras la independencia de Corea en 1945, Ha regresó a Corea. ^{[ 4 ]}^{: 8}

En 1959, obtuvo su licenciatura en el Departamento de Pintura de la Universidad de Hongik . Entre sus profesores en la Universidad de Hongik se encontraban Kim Whanki y Yoo Yongkuk . ^{[ 4 ]}^{: 8} Ha fue profesor en su alma mater durante más de 30 años y decano de la Facultad de Bellas Artes de 1990 a 1994. Ha recibió un doctorado honoris causa de la misma institución en 2000.

A lo largo de su trayectoria artística, Ha se ha destacado como representante y líder del panorama artístico coreano. Sus primeras obras se presentaron en la Bienal de la Juventud de París en 1967, la Bienal de París en 1965 y 1971, la Bienal de São Paulo en 1967 y 1977, y la Trienal de la India en 1975. En 1969, Ha se convirtió en miembro fundador y presidente de la Asociación de Vanguardia Coreana (AG, activa entre 1969 y 1975). Como miembro de la AG, participó en cuatro exposiciones de la asociación con obras como instalaciones y paneles de alambre de púas. También participó en la Bienal de Seúl (organizada por la AG en 1974) y colaboró con la revista de la asociación . Fue presidente de la Asociación de Arte de Corea (1986-1989), comisario de la 43.ª Bienal de Venecia (1988) y director del Museo de Arte de Seúl (2001-2006).

Actualmente, Ha vive y trabaja en Seúl.

Obras de arte destacadas

Primeros experimentos: 1960–1968

Las pinturas de Ha tras su graduación universitaria se centraron inicialmente en la abstracción gestual , combinando capas gruesas de pintura al óleo de tonos sombríos con elementos de collage sobre lienzo. Obras realizadas entre 1962 y 1965 muestran la superposición de pinceladas amplias por parte de Ha, así como su manipulación de la pintura húmeda para inscribir gestos o incisiones, o para aprovechar su cualidad líquida al gotear sobre el lienzo. Para las obras realizadas en 1962 y 1963, el acto final de Ha fue quemar la superficie de la pintura con fuego. ^{[ 1 ]}^{: 9} Dos obras de 1965 demuestran la elección de Ha de lacerar el lienzo, perturbando sus fibras cubiertas de pintura y exponiendo sus hilos individuales. Ha participó en la Bienal de París de 1965 con una de estas obras. ^{[ 1 ]}^{: 27}

La serie Naissance de Ha , iniciada en 1967, continuó con una técnica de laceración para combinar áreas tejidas de lienzo con textura de estera y pinturas de tonos obangsaek dentro del contexto de composiciones geométricas . Ese mismo año, Ha adoptó geometrías y paletas de colores similares para su serie Libro Blanco sobre Planificación Urbana (1967–c. 1969) , pinturas al óleo sobre lienzo, una de las cuales presenta una mitad inferior plegada en pliegues a modo de acordeón. Cabe destacar que, en la serie Libro Blanco sobre Planificación Urbana , los historiadores de arte Kyung An y Yeon Shim Chung han encontrado múltiples capas de alusiones al Seúl en rápida transformación de finales de la década de 1960, desde los patrones dancheong de la antigua arquitectura coreana (que entonces comenzaba a ser reconocida y conservada como patrimonio nacional) hasta los debates sobre urbanización que se desarrollaban en las páginas de la revista Space . ^{[ 1 ]}^{: 22, 30}^{[ 2 ]}^{: 17}

Los académicos y críticos han interpretado de diversas maneras la trayectoria de estas primeras pinturas. Muchos se hacen eco del crítico Lee Yil, uno de los primeros defensores del trabajo de Ha, ^{[ 4 ]}^{: 12} al dividir el trabajo de Ha a mediados de los sesenta con los términos pintura informal y luego abstracción geométrica (que Lee relacionó con el constructivismo y para la cual varios otros han recurrido al término Op art ). ^{[ 4 ]}^{: 9}^{[ 1 ]}^{: 9}^{[ 2 ]}^{: 13}^{[ 5 ]}^{: 26}^{[ 6 ]}^{: 17} Mientras que algunos historiadores del arte argumentan que Ha intentó extender su pintura más allá de la bidimensionalidad, hacia los espacios de la escultura e incluso la arquitectura, ^{[ 3 ]}^{: 125}^{[ 2 ]}^{: 22} la historiadora del arte Kim Mikyung llegó incluso a pedir una interpretación de la obra temprana de Ha que mire más allá de los términos y categorías del modernismo euroamericano: "Con respecto a su transición en el espacio de un año a partir de 1965, las críticas formadas desde las tradiciones occidentales podrían presentarla como un giro brusco de las tendencias del Informal hacia la forma y distribución geométrica o el Op art…". ^{[ 7 ]}^{: 50} En cambio, Kim encuentra que la obra de Ha antes y después de 1965 tiene continuidad; en sus palabras, "para revelar como lo hace característicamente, el material, para acentuar las propiedades de la materia". ^{[ 7 ]}^{: 50} De hecho, en un ensayo para la primera exposición individual de Ha en Seúl en 1974, Lee Yil concluyó que "una conciencia de la receptividad material", a partir de la cual "el material adquiere vida propia", caracteriza fundamentalmente la obra temprana de Ha. ^{[ 5 ]}^{: 26}

Los años de AG: 1969–1975

Además de ser presidente del grupo AG y contribuir a la revista AG, Ha Chong Hyun fue uno de los pocos artistas que participó en las cinco exposiciones que AG organizó. ^{[ 1 ]}^{: 28} Para las obras que presentó en las exposiciones de AG, Ha abandonó el pincel para experimentar con la yuxtaposición de otros materiales y objetos de maneras que, como los describió el curador Yoon Jin Sup, enfatizaban el contraste. ^{[ 8 ]}^{: 14} En la segunda exposición de AG en 1971, Ha presentó Counter-Phase (1971), ^{[ 7 ]}^{: 52} que yuxtaponía dos pilas de periódicos: una con noticias impresas y la otra en blanco. Al año siguiente, Ha se dedicó a hacer obras con resortes de alambre sobre panel. La obra de Ha, 72(B) (1972) , mostrada en la tercera exposición de la AG, ^{[ 3 ]}^{: 26} consiste en resortes que se extienden horizontalmente desde los lados izquierdo y derecho del plano pictórico, luego se encuentran en el medio y se desbordan hacia adelante en una masa similar a una melena. Durante este tiempo, Ha también comenzó a trabajar con alambre de púas, envolviéndolo alrededor de lienzos tensados o desmantelándolo en púas individuales con las que perforaba repetidamente el lienzo.

De manera consistente, académicos, curadores y críticos han abordado la complejidad de la relación de las obras de arte mencionadas con el ambiente político y el aumento de la represión de la libertad de expresión durante el régimen de Park Chung Hee . Mientras que algunos han considerado que estas obras hacen declaraciones políticas explícitas, ^{[ 1 ]}^{: 10, 30}^{[ 6 ]}^{: 8}^{[ 9 ]}^{: 19, 21} otros han especificado que las conexiones con su contexto político contemporáneo residen en un nivel más latente. En particular, las historiadoras de arte Kim Mikyung y Joan Kee han propuesto que, respectivamente, el ambiente represivo y la omnipresencia de la presencia militar durante esos años impregnaron inevitablemente estas obras. ^{[ 3 ]}^{: 22}^{[ 7 ]}^{: 53}

Simultáneamente durante los primeros años de la década de 1970, Ha realizó varias obras con permutaciones de "Relación" en su título . En 1971, realizó una obra de Relación en la Universidad de Hongik acumulando arena en grandes montones con forma de pirámide en la base de las columnas del edificio de la universidad. ^{[ 2 ]}^{: 15} En 1972 en la Galería Gin en Tokio, Ha exhibió Relación 72-11 (1972) , que consistía en un pedestal de madera precariamente posado sobre una cuerda y, en otra parte de la misma galería, un segundo pedestal de madera de pie en el suelo con un lazo de cuerda que lo rodeaba. ^{[ 2 ]}^{: 28} Para una tercera obra, creada para unir obras de los artistas Lee Ufan y Kim Kulim para formar colectivamente el grupo "Terme relationnel" dentro de la séptima Bienal de París, Ha vertió cemento húmedo en los sacos que originalmente lo empaquetaban, donde se secó. ^{[ 2 ]}^{: 26} En particular, debido a que se mostró junto con la obra de Lee Ufan y se contextualizó mediante un ensayo del catálogo escrito por Lee Ufan, la obra "Terme relationnel" de Ha se puso en diálogo con la definición fenomenológica del arte de Lee Ufan que influyó en las prácticas artísticas del Mono-ha . ^{[ 2 ]}^{: 27} No obstante, Joan Kee sostiene que la obra de Ha Chong Hyun no encaja completamente dentro de las definiciones de Mono-ha; subraya que las obras de Ha durante estos años tenían como objetivo perturbar "las líneas que separan la pintura de la escultura" en una medida mucho mayor que la de los artistas japoneses del Mono-ha. ^{[ 3 ]}^{: 22}

Serie Conjunción : 1974–presente

La obra que Ha considera la primera de su serie Conjunction fue Obra 74-A (1974), ^{[ 3 ]}^{: 127} para la cual Ha colocó listones de madera envueltos en papel marrón sobre una capa de pintura al óleo blanca, luego enderezó los materiales de manera que la pintura espesa rezumara hacia abajo, entre los listones.

Las pinturas de Conjunction de Ha se presentaron públicamente por primera vez en junio de 1974 en la Galería Myeongdong en Seúl. ^{[ 3 ]}^{: 131}^{[ 5 ]}^{: 212} Las obras de Conjunction presentadas fueron sus primeras incursiones en su "método desde atrás" ( baeapbeop ), para el cual comenzó con arpillera estirada como plano pictórico, luego empujó la pintura a través de las fibras de la arpillera, desde atrás hacia adelante de la obra. Para algunas de estas pinturas, enderezó la obra para que la pintura goteara por su superficie; para otras, luego barrió el lienzo para distribuir, difundir y suavizar la pintura. En estas primeras versiones de Conjunction, Ha Chong-hyun optó por usar solo pintura blanca. Como ha señalado Joan Kee, Ha eligió el blanco porque contrastaba fuertemente con la arpillera oscura y terrosa, hasta el punto de que su interacción enfatizaría la materialidad de la pintura, lo que, a su vez, socavaría las interpretaciones de sus pinturas basadas únicamente en el simbolismo de la blancura, asociado a la filosofía zen y la tradición premoderna. ^{[ 3 ]}^{: 141}

A medida que Ha continuaba con su serie Conjunction hasta finales de la década de 1970 y más allá, utilizó cada vez más herramientas como cuchillos, paletas, pinceles y alambre para extender y/o inscribir formas sobre la pintura después de empujarla a través de arpillera, a veces de maneras que terminaron aplanando sus gestos iniciales de pintar desde atrás. También pasó a otros tonos de pintura, primero mezclando pinturas para asemejar el tono del cáñamo; según Joan Kee, esta fue una elección para asegurar que el plano pictórico, el gesto y el soporte tuvieran cada uno el mismo peso en la definición de la obra. ^{[ 4 ]}^{: 21–22} A principios de la década de 1980, Ha recurrió a usar pinturas negras, azul marino, verdes y grises, un color por obra. En iteraciones más recientes (desde c. 2014), Ha ha experimentado con quemar la superficie de las pinturas Conjunction y ha empleado colores dancheng brillantes , ambos reminiscentes de sus primeras pinturas de la década de 1960.

La crítica y la erudición sobre la serie Conjunction de Ha Chong-hyun se centran en la interacción de dos o todos los siguientes aspectos: (1) la pintura como registro del compromiso físico del artista con sus materiales, ^{[ 5 ]}^{: 211–220}^{[ 8 ]}^{: 16} (2) la materialidad de la pintura y la arpillera como resaltada por su interacción orgánica, ^{[ 4 ]}^{: 24}^{[ 5 ]}^{: 26} y (3) la activación de la tridimensionalidad del plano pictórico por parte de Ha al pintar desde el reverso de su obra. ^{[ 3 ]}^{: 96}^{[ 8 ]}^{: 14} Por ejemplo, el historiador de arte Phil Lee ha explicado el significado del título de la serie como doble: describe la conjunción del cuerpo del artista que se encuentra con sus materiales y la conjunción de un material que se encuentra con otro. ^{[ 5 ]}^{: 213} Otro ejemplo es la interpretación de Conjunction de Yoon Jin Sup ; Yoon considera que Ha «derroca la "convención" en la pintura» de la bidimensionalidad al centrarse en su reverso, ^{[ 8 ]}^{: 14} así como «[revela] la relación antagónica entre los diferentes materiales del lienzo de cáñamo, el pigmento y el óleo». ^{[ 8 ]}^{: 17} Entre sus interpretaciones de Conjunction , algunos estudiosos se han alejado crítica y abiertamente del simbolismo cultural orientalizante. Como ha señalado Joan Kee, «los comentaristas de Ha —y, de hecho, de los artistas de [D]ansaekhwa en general— ponen a prueba con demasiada frecuencia la paciencia de sus lectores al invocar referencias ambiguas al zen, la caligrafía o la naturaleza sin abordar adecuadamente la naturaleza fundamentalmente materialista de sus compromisos». ^{[ 4 ]}^{: 24} De manera similar, Phil Lee ha argumentado que «lo significativo es descubrir no solo la belleza coreana (asiática), sino también la resonancia universal encarnada en las obras de [Ha]». ^{[ 5 ]}^{: 220}

Serie Post-Conjunción : 2010-presente

En 2010, Ha inició su serie Post-Conjunction con la declaración de que tomaría la decisión crítica y deliberada de explorar más a fondo el color. ^{[ 5 ]}^{: 213} Muchas obras de Post-Conjunction se realizan dejando caer pintura desde la parte posterior del lienzo alrededor de formas circulares, o comprimiéndola entre listones de madera, que se envuelven en materiales como lona o arpillera, ocasionalmente chamuscados por el fuego, y dispuestos en filas sobre el plano pictórico. En ocasiones, después de este goteo, Ha repasa la superficie con herramientas adicionales —alambre, pincel— para perturbar las delineaciones geométricas de la pintura. De colores brillantes, a menudo con colores obangsaek , estas obras van más allá de Conjunction para interrogar el impacto del color sobre la materialidad, como ha observado Joan Kee. ^{[ 4 ]}^{: 29}

Colecciones públicas y privadas

Fundación de Arte y Cultura de Ilshin, Seúl, Corea del Sur
Instituto de Arte de Chicago , Chicago, EE. UU.
Museo de la Universidad Femenina Ewha, Seúl, Corea del Sur
Museo de Fukuoka, Fukuoka, Japón
Museo de Arte de Gwangju, Gwangju, Corea del Sur
Museo de Arte Moderno de Gyeonggi, Ansan, Corea del Sur
Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima, Hiroshima, Japón
Museo de Arte Hoam, Yongjin, Corea del Sur
Museo de Arte Hongik, Universidad Hongik, Seúl, Corea del Sur
Leeum, Museo de Arte Samsung, Seúl, Corea del Sur
M+, Hong Kong
Museo de Arte de la Prefectura de Mie, Mie, Japón
Museo de Arte de Miyagi, Miyagi, Japón
Museo de Bellas Artes, Boston, EE. UU.
Museo de Arte Moderno, Ciudad de Nueva York, EE. UU. ^{[ 10 ]}
Museo de Arte Moderno de Toyama, Toyama, Japón
Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, Gwacheon, Corea del Sur
Galería Posco, Seúl, Corea del Sur
Colección Rachofsky, Dallas, EE. UU.
Museo de Arte de Seúl, Seúl, Corea del Sur
Museo Olímpico de Arte de Seúl, Seúl, Corea del Sur
Museo Solomon R. Guggenheim , Ciudad de Nueva York, EE. UU.
Museo de Arte de la Ciudad de Shimonoseki, Shimonoseki, Japón
Museo Metropolitano de Arte de Tokio, Tokio, Japón ^{[ 11 ]}

Referencias

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[:7-6] Yau , John y Robert C. Morgan (2021). Ha Chong-Hyun: Regreso al color . Nueva York: Galería Tina Kim. ISBN 9780983446590.

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[9] Dagen, Phillipe (2008). Ha Chong Hyun . Seúl, Corea del Sur: Gana Art Gallery.

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