Helen Hardin

Helen Hardin (28 de mayo de 1943 - 9 de junio de 1984) (nombre tewa: Tsa-sah-wee-eh, que significa "Pequeño abeto en pie") fue una pintora nativa americana . ^[2] Comenzó a hacer y vender pinturas, participó en el Proyecto de Arte Indio del Suroeste de la Universidad de Arizona y apareció en la revista Seventeen , todo antes de cumplir los 18 años. Crear arte era un medio de expresión espiritual que se desarrolló a partir de su educación católica romana y su herencia nativa americana. Creó obras de arte contemporáneas con patrones geométricos basados ​​en símbolos y motivos nativos americanos, como el maíz, las katsinas y los jefes. En 1976 apareció en la serie de artistas indios americanos de PBS.

Helen Hardin nació el 28 de mayo de 1943 en Albuquerque , Nuevo México , hija de Pablita Velarde , artista de Santa Clara Pueblo , y Herbert Hardin, un ex oficial de policía europeo-estadounidense y Jefe de Seguridad Pública. La primera lengua de Hardin fue el tewa . ^{[2] [3]} Fue nombrada Tsa-Sah-Wee-Eh en una ceremonia de nombramiento en el Pueblo de Santa Clara aproximadamente un mes después de su nacimiento. ^[4] Hardin fue criada por su madre artista y su familia en el Pueblo de Santa Clara y fue a la escuela y vivió entre el mundo anglosajón durante gran parte de su vida. Se veía a sí misma como "anglosajón socialmente e india en [su] arte". ^[5] A los seis años Hardin ganó el primer premio por un dibujo. ^[5] Sus obras se vendieron cuando tenía nueve años con las de su madre en eventos ceremoniales de Gallup . Aunque estaba influenciada por las técnicas y obras de su madre, Hardin quería crear su propio estilo. ^{[3] [5]} Su relación con su madre se hizo cada vez más difícil a medida que Hardin se volvía más artística y como consecuencia del divorcio de sus padres en 1957 ^[6] o 1959. ^[7]

Estudió dibujo ^{[3] en} la escuela secundaria St. Pius X de Albuquerque , una escuela católica parroquial. ^[5] En el verano de 1960, Hardin asistió al Proyecto de Arte Indio del Suroeste de la Universidad de Arizona , financiado por la Fundación Rockefeller . ^{[4] [5]} También mientras estaba en la escuela secundaria, apareció en la revista Seventeen . ^[5] En 1961 y 1962 asistió a la Universidad de Nuevo México , donde estudió arquitectura y arte, ^{[4] [5]} aunque su madre quería que estudiara negocios. Su madre también dijo que no le gustaban sus pinturas. ^[7] Hardin consideraba que su propio trabajo no era tradicional, sin embargo, estaba influenciada por pictografías nativas , petroglifos y diseños de cerámica y las obras de su maestro Joe Herrera, que era un cubista ^[3] del Pueblo Cochiti . ^[7]

La relación de Hardin con su novio de la secundaria, Pat Terrazas, ^[5] continuó después de la graduación y tuvieron una hija, Margarete Bagshaw , en 1964. ^[4] Hardin tuvo que aprovechar oportunidades furtivas para pintar porque tanto su novio como su madre lo desaprobaban. ^[7] Se fue a Bogotá , Colombia en 1968 como un respiro de la relación abusiva con Terrazas y una relación enfermiza con su madre. ^{[5] [6]} Dijo de esa época: "Me desperté al hecho de que tenía veinticuatro años, estaba atrapada en una [relación] infeliz y no estaba pintando. No sabía quién era ni qué era. En busca de la libertad personal, tomé a Margarete... y dejé el país". ^[7]

Fue una artista de estudio que, desde los años 1960 hasta mediados de los años 1970, dio conferencias y expuso pinturas en la galería Enchanted Mesa de Albuquerque . ^[4] Las primeras obras artísticas de Hardin se caracterizaban por su realismo tradicional ^[2] y las firmaba con su nombre tewa, Tsa-Sah-Wee-Eh. Su espiritualidad y los "ángeles" protectores y solidarios de su vida la influenciaron. ^[3]

Para crear sus obras se aplicaron hasta 26 capas de pintura (incluyendo tintas, acrílicos, aerógrafo y barniz); Hardin pintó pequeños puntos llamados punteados; salpicó pintura con un cepillo de dientes, como la cerámica Anasazi; y aplicó lavados transparentes. ^[3]

En 1964, Hardin pintó la pintura Medicine Talk para su primera gran exposición individual en Enchanted Mesa. ^[8] Mientras estaba con su padre en 1968 en Bogotá , Colombia, comenzó a pintar en serio y tuvo una exitosa exhibición en la Embajada de los Estados Unidos, ^{[5] [7]} donde vendió 27 pinturas. ^[2] Dado que su reputación en los Estados Unidos estaba ligada al éxito de su madre, no había estado segura del grado en que tuvo éxito basado en su propio mérito. En Colombia su éxito se basó únicamente en su talento. ^[7]

Cuando regresó a Estados Unidos, su arte se volvió más geométrico y abstracto, y utilizó pinturas de colores profundos. La revista New Mexico Magazine dijo que Hardin había aportado una "nueva apariencia" al arte nativo americano . ^{[6] [7]} La ​​publicidad fue un punto de inflexión en su carrera, la cual la llevó a un mayor éxito y reconocimiento. ^[7] En 1971 realizó una exposición en la Ciudad de Guatemala. ^[5]

A medida que su carrera maduraba y ganaba confianza, Hardin se hizo conocida por pintar obras complejas que combinaban imágenes coloridas y símbolos de su herencia indígena americana con técnicas de arte abstracto moderno. Su obra incorporaba con frecuencia imágenes de mujeres, jefes, kachinas y diseños de cerámica de los pueblos indígenas, e integraba elementos modernos a medida que avanzaba su carrera. Por ejemplo, las pinturas de kachinas y jefes con mantas integraban patrones geométricos hechos con plantillas de dibujo, reglas y transportadores. ^[3] Los kachinas, o mensajeros celestiales, tenían un significado espiritual especial, similar a los santos de su tradición católica, que conectaban a las personas de la tierra con el cielo. ^[6]

Fue filmada en 1976 para una serie sobre artistas indígenas estadounidenses para Public Broadcasting System (PBS), siendo la única mujer pintora incluida. ^{[5] [9]} Otros artistas filmados incluyeron a RC Gorman , Charles Loloma , Allan Houser , Joseph Lonewolf y Fritz Scholder . ^[10]

La galería Via Gambaro, fundada por Retha Walden Gambaro y Stephen Gambaro para destacar a los artistas nativos americanos contemporáneos, incluyó el trabajo de Hardin en su Exposición Nacional de Arte de Mujeres Indígenas Americanas de 1980. ^[9]

La Madre Abundante, realizada en 1980, representa dos aspectos de la maternidad de la cultura Pueblo y Hopi: la Madre Maíz y la Madre Tierra. El cultivo y consumo de maíz era tan central para la cultura Pueblo que era "... una entidad viviente con un cuerpo similar al del hombre en muchos aspectos... la gente construía su carne dentro de la suya". En la obra, la fertilidad de la mujer está simbolizada por los granos de maíz azul de su cuerpo. ^[11] En 1981 realizó el autorretrato Metamorfosis : "Los rasgos estaban contenidos dentro de un círculo perfecto, un arquetipo junguiano de plenitud psíquica y el símbolo para Hardin de la vida misma, pero todo lo demás en la pintura estaba fragmentado, irregular y asimétrico", dijo Jay Scott, su biógrafo, sobre los "fragmentos atormentados de su vida". ^[6]

Entre 1980 y 1984, realizó 23 grabados en cobre, incluida una serie que incluía Mujer cambiante, Mujer medicina y Mujer que escucha. Mujer creativa estaba destinada a ser parte de la serie, pero murió antes de que se creara. Estos grabados retrataban los aspectos "intelectuales, emocionales y sensibles" de la feminidad. ^[12]

A Hardin se le encargó crear ilustraciones de libros infantiles para Clarke Industries y diseñar monedas para la serie Historia de los indios americanos de Franklin Mint . ^[5]

El trabajo de Hardin fue parte de Stretching the Canvas: Eight Decades of Native Painting (2019-21), una muestra del Museo Nacional del Indio Americano George Gustav Heye Center. ^[13]

En 1973, Hardin se casó con Cradoc Bagshaw, un fotógrafo profesional. ^{[14] [4]} Su relación con su madre mejoró en la década de 1980 y Velarde comenzó a apoyar su trabajo. A Hardin le diagnosticaron cáncer de mama en 1981 ^[6] y murió en Albuquerque, Nuevo México, el 9 de junio de 1984. ^[15]

Recibió honores por su trabajo en el Museo Heard , la Exposición Nacional de Artes Indígenas de Scottsdale, el Centro de Arte Philbrook , el Ceremonial Intertribal en Gallup, Nuevo México, y el Mercado Indígena de Santa Fe . ^{[4] [5]} En estos espectáculos ganó el premio "Best of Show", el primer premio y grandes premios. ^[5]

Sus obras se encuentran en las colecciones de:

Entre sus obras se incluyen:

• LouAnn Faris Culley. "Helen Hardin: una retrospectiva". American Indian Art 4, verano de 1979, 68-75.
• Jane B. Katz, editora. Esta canción nos recuerda: autorretratos de nativos americanos en las artes. Boston: Houghton Mifflin, 1980.
• Betty LaDuke. Mujeres artistas: visiones multiculturales. Trenton, NJ: Red Sea Press, Inc., 1992.
• Kate Nelson. Helen Hardin: Una línea recta curvada. Santa Fe , Little Standing Spruce Publishing, 2012. 978-0-9857636-1-9.
• Jay Scott, Changing Woman: The Life and Art of Helen Hardin , Northland Publishing, 1989, ISBN 0-87358-489-9 (tapa dura), ISBN 0-87358-567-4 (tapa blanda)  
• Farris, Phoebe (1999). Mujeres artistas de color: un libro de consulta biocrítico para artistas del siglo XX en las Américas . Westport, Connecticut: Greenwood Press. pág. 62. ISBN 0-313-30374-6.OCLC 40193578  .

• Un viaje trascendente a través de la línea materna: un viaje con Helen Hardin, artista del suroeste, por Kate Donohue, 2001 Archivado el 4 de marzo de 2016 en Wayback Machine
• La guía del coleccionista: Helen Hardin