Historia del cómic

La historia del cómic ha seguido caminos diferentes en distintas partes del mundo. Se remonta a precursores como la Columna de Trajano en Roma , los jeroglíficos egipcios y el Tapiz de Bayeux .

Los primeros ejemplos de uso de la ilustración por parte de los humanos para contar historias se remontan a las pinturas rupestres de hace más de 50 000 años. ^{[ 1 ]} Ejemplos de arte secuencial primitivo se pueden encontrar en los jeroglíficos egipcios , los frisos griegos , la Columna de Trajano de Roma (dedicada en el año 110 d. C.), la escritura maya , los tapices medievales como el Tapiz de Bayeux y los manuscritos cristianos ilustrados . En las pinturas medievales, varias escenas secuenciales de la misma historia (generalmente bíblica) aparecen simultáneamente en la misma pintura.

Una antigua tradición en la India, que posiblemente se remonta al menos al año 700 a. C., consistía en que los cineastas narraban historias que se presentaban simultáneamente en imágenes pintadas (también el origen del teatro de sombras con títeres articulados). ^{[ 2 ] [ 3 ]}

Fue necesaria la invención de las técnicas de impresión modernas para llevar la forma a un público amplio y convertirla en un medio de comunicación de masas . ^{[ 4 ]}

Los primeros materiales impresos se centraban en temas religiosos , con versiones de la Biblia profusamente ilustradas como medio de amplia difusión que combinaba numerosas imágenes con texto para llevar las enseñanzas del cristianismo a los analfabetos.

Durante los siglos XVII y XVIII, los grabados comenzaron a abordar aspectos de la vida política y social , y también a satirizar y caricaturizar . En ocasiones, los grabados contenían varias imágenes para narrar múltiples escenas, como por ejemplo en las representaciones de Frans Hogenberg de la Furia Española (1576) y el asesinato de Enrique III de Francia (1589). ^{[ 5 ]}

Las dos primeras de seis láminas de la serie "Matrimonio a la moda" de Hogarth. La primera muestra la firma de un contrato matrimonial entre el acaudalado Lord Squanderfield y el humilde padre comerciante de la novia. ^{[ 6 ]} La segunda muestra una mañana en el hogar de la pareja después de una noche fuera. El perro saca un sombrero del bolsillo del marido, lo que podría aludir a la infidelidad, ya que la esposa ya lleva un sombrero. ^{[ 7 ]}

Uno de los primeros creadores británicos de series secuenciales de arte satírico fue William Hogarth (1697-1764). Hogarth creó siete conjuntos de imágenes secuenciales sobre "Temas morales modernos". ^{[ 8 ]} Una de sus obras, El progreso de un libertino , se componía de varios lienzos, cada uno reproducido como un grabado, y los ocho grabados juntos creaban una narrativa. Con el desarrollo de las técnicas de impresión, debido a los avances tecnológicos de la Revolución Industrial , se establecieron revistas y periódicos. Estas publicaciones a veces utilizaban ilustraciones como medio para comentar temas políticos y sociales, ilustraciones que se conocieron como " caricaturas " a partir de 1842.

Si bien las obras que se conservan de estos períodos, como A True Narrative of the Horrid Hellish Popish Plot (c. 1682) de Francis Barlow , así como The Punishments of Lemuel Gulliver y A Rake's Progress de William Hogarth (1726), pueden considerarse que establecen una narrativa a través de varias imágenes, no fue hasta el siglo XIX cuando los elementos de dichas obras comenzaron a cristalizarse en la tira cómica .

El globo de diálogo también evolucionó a lo largo de los siglos, desde los orígenes medievales del filactero , una etiqueta, generalmente en forma de pergamino, que identificaba a un personaje ya sea nombrándolo o utilizando un breve texto para explicar su función. Artistas como George Cruikshank ayudaron a codificar dichos filacteres como globos en lugar de pergaminos , aunque en ese momento todavía se les llamaba etiquetas . Ahora representaban la narrativa, pero con fines de identificación en lugar de diálogo dentro de la obra, y los artistas pronto los descartaron en favor de escribir el diálogo debajo de las viñetas. Los globos de diálogo no se reintrodujeron en la forma hasta que Richard F. Outcault los utilizó para el diálogo. ^{[ 9 ]}

The Glasgow Looking Glass , publicada en 1826, fue posiblemente la primera revista de cómics. Publicación satírica, posteriormente conocida como The Northern Looking Glass , satirizaba la moda y la política de la época. ^{[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]} Contaba con la mayoría de los elementos que conforman el cómic moderno, incluyendo imágenes con subtítulos que muestran una narrativa continua, a menudo contada por entregas, y el uso de bocadillos de diálogo, sátira y caricatura. ^{[ 13 ]}

Rodolphe Töpffer , artista suizo francófono , fue una figura clave a principios del siglo XIX. Sus historias ilustradas secuencialmente, con el texto compartimentado bajo las imágenes, se reimprimieron por toda Europa. En 1837, publicó Histoire de Mr. Vieux Bois , que también se publicó en Estados Unidos en 1842 como The Adventures of Obadiah Oldbuck . ^{[ 14 ]} La falta de leyes de derechos de autor en aquella época propició la proliferación de ediciones piratas , y las traducciones crearon un mercado en ambos continentes para obras similares. ^{[ 15 ]} En 1845, Töpffer formalizó sus ideas sobre el relato ilustrado ( en francés : histoire en estampes ) en su Ensayo sobre fisonomía ( Essai de physiognomonie ): «Construir un relato ilustrado no significa que debas erigirte en un maestro artesano, para extraer todo el potencial de tu material, ¡a menudo hasta los restos! No significa simplemente idear caricaturas con un lápiz naturalmente frívolo. Tampoco es simplemente dramatizar un proverbio o ilustrar un juego de palabras . Debes inventar una especie de obra, donde las partes estén dispuestas según un plan y formen un todo satisfactorio. No te limitas a escribir un chiste o a poner un estribillo en pareados. Haces un libro: bueno o malo, sobrio o tonto, loco o sensato». ^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]}

En 1845, los dibujos satíricos , que aparecían regularmente en periódicos y revistas, recibieron un nombre: caricaturas . (En arte, una caricatura es un boceto a lápiz o carboncillo que se pinta posteriormente). La revista británica Punch , lanzada en 1841, se refería a sus «dibujos humorísticos a lápiz» como caricaturas, en una alusión satírica al Parlamento de la época, que en ese momento organizaba una exposición de caricaturas o bocetos preparatorios. Este uso se popularizó y perdura hasta nuestros días. ^{[ 19 ]} Entre las revistas similares que contenían caricaturas en Europa continental se encontraban Fliegende Blätter y Le Charivari , mientras que en Estados Unidos eran populares Judge y Puck . ^{[ 20 ]}

En 1865, un periódico alemán publicó Max y Moritz, de Wilhelm Busch . Busch perfeccionó las convenciones del arte secuencial, y su obra fue una influencia clave dentro de este género. Rudolph Dirks se inspiró en la tira cómica para crear The Katzenjammer Kids en 1897. ^{[ 21 ]}

Las décadas de 1920 y 1930 presenciaron nuevos auges en la industria. El mercado de antologías de cómics en Gran Bretaña se centró en el humor infantil , con publicaciones como The Dandy y The Beano . En 1929, Hergé creó la tira cómica Las aventuras de Tintín para el suplemento belga Le Petit Vingtième ; esta se recopiló con éxito en un álbum de cómics y creó un mercado para obras similares. En Estados Unidos, durante ese mismo período, las tiras cómicas de los periódicos ampliaron su temática más allá del humor, con el lanzamiento de tiras de acción, aventuras y misterio . También comenzó la recopilación de este tipo de material con The Funnies , una colección de reimpresiones de tiras cómicas, publicada en formato tabloide en 1929.

Pronto surgió un mercado para este tipo de cómics . El primer cómic moderno de estilo estadounidense , Famous Funnies: A Carnival of Comics (que también era una recopilación de tiras cómicas de periódicos), se publicó en EE. UU. en 1933 ^{[ 29 ]} y, para 1938, las editoriales ya imprimían material original en el nuevo formato. Fue entonces cuando se lanzó Action Comics #1 , con Superman en la portada. La popularidad del personaje rápidamente consagró los cómics de superhéroes como el género definitorio del cómic estadounidense. El género perdió popularidad en la década de 1950, pero recuperó su dominio desde la década de 1960 hasta finales del siglo XX.

En Japón, país con una larga tradición ilustrativa, los cómics gozaron de una enorme popularidad. Conocido como manga , este género japonés se consolidó tras la Segunda Guerra Mundial gracias a Osamu Tezuka , quien amplió la extensión de sus obras hasta alcanzar cientos de páginas y desarrolló un estilo cinematográfico fuertemente influenciado por los dibujos animados de Disney de la época. El mercado japonés amplió su oferta para abarcar obras de diversos géneros, desde la fantasía juvenil y el romance hasta la fantasía para adultos. El manga japonés se publica habitualmente en grandes antologías de varios cientos de páginas, y sus historias se han utilizado durante mucho tiempo como fuente de inspiración para adaptaciones al cine de animación . En Japón, estas películas se denominan anime , y muchos creadores trabajan simultáneamente en ambos formatos, lo que genera una estrecha relación entre ellos.

Durante la segunda mitad del siglo XX, los cómics se convirtieron en un artículo muy popular entre los coleccionistas , y desde la década de 1970, las editoriales de cómics estadounidenses han fomentado activamente el coleccionismo y han orientado una gran parte de la publicación y producción de cómics para atraer directamente a la comunidad de coleccionistas.

El doble uso moderno del término «cómic» , como adjetivo que describe un género y como sustantivo que designa un medio completo, ha sido criticado por resultar confuso y engañoso. En las décadas de 1960 y 1970, los dibujantes de cómics underground utilizaban la grafía «comix» para distinguir su obra de las tiras cómicas convencionales y los cómics juveniles. Su trabajo estaba dirigido a un público adulto, pero solía ser cómico, por lo que la etiqueta «cómic» seguía siendo apropiada. El término « novela gráfica » se popularizó a finales de la década de 1970, aunque se había acuñado al menos dos décadas antes, para desvincular este material de dicha confusión. ^{[ 30 ]}

En la década de 1980, los estudios sobre cómics comenzaron a florecer en los EE. UU., ^{[ 31 ]} y se observó un resurgimiento de la popularidad de los cómics, con Alan Moore y Frank Miller produciendo obras de superhéroes notables y Calvin & Hobbes de Bill Watterson y The Far Side de Gary Larson siendo sindicados.

Los webcómics han ganado popularidad desde mediados de la década de 1990. Desde los inicios de la World Wide Web , los artistas han podido autopublicar cómics en Internet a bajo costo. Los proveedores de alojamiento diseñados específicamente para webcómics, como Keenspot y Modern Tales , permiten una especie de sindicación de webcómics. Scott McCloud describió en 2000 cómo los creadores de cómics en línea pueden revolucionar el medio al adoptar el espacio digital y utilizar técnicas como el lienzo infinito . Los webcómics se volvieron más prolíficos a principios de la década de 2000, cuando prestigiosos premios de cómics como los premios Eagle y Eisner comenzaron a agregar categorías para cómics digitales . ^{[ 32 ]}

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