Historia del anime

La historia del anime se remonta a principios del siglo XX, y las primeras películas verificables datan de 1917. ^[1] Antes de la llegada del cine, Japón ya contaba con una rica tradición de entretenimiento con figuras pintadas de colores que se movían por la pantalla de proyección en utsushi-e (写し絵) , un tipo particular de espectáculo japonés de linterna mágica popular en el siglo XIX. Posiblemente inspirados en los espectáculos de fantasmagoría europeos , los artistas de utsushi-e usaban diapositivas mecánicas y desarrollaron proyectores de madera livianos (furo) que se sostenían con la mano para que varios intérpretes pudieran controlar cada uno los movimientos de diferentes figuras proyectadas. ^{[2] [3]}

La segunda generación de animadores a finales de la década de 1910 incluyó a Ōten Shimokawa , Jun'ichi Kōuchi y Seitarō Kitayama , comúnmente conocidos como los " padres " del anime. ^[4] Las películas de propaganda , como Momotarō no Umiwashi (1943) y Momotarō: Umi no Shinpei (1945), siendo esta última la primera película de anime, se realizaron durante la Segunda Guerra Mundial . Durante la década de 1970, el anime se desarrolló aún más, con la inspiración de los animadores de Disney, separándose de sus raíces occidentales y desarrollando géneros distintos como el mecha y su subgénero de súper robots . Los programas típicos de este período incluyen Astro Boy , Lupin III y Mazinger Z. Durante este período, varios cineastas se hicieron famosos, especialmente Hayao Miyazaki y Mamoru Oshii .

En la década de 1980, el anime se convirtió en algo común en Japón, experimentando un auge en la producción con el aumento de la popularidad de anime como Gundam , Macross , Dragon Ball y géneros como el robot real , la ópera espacial y el ciberpunk . Space Battleship Yamato y Super Dimension Fortress Macross también lograron un éxito mundial después de ser adaptados respectivamente como Star Blazers y Robotech .

La película Akira de 1988 se convirtió en un éxito internacional. Más tarde, en 2004, los mismos creadores produjeron Steamboy , que se convirtió en la película de anime más cara. El viaje de Chihiro compartió el primer premio en el Festival de Cine de Berlín de 2002 y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación en 2003, mientras que Inocencia: Ghost in the Shell se presentó en el Festival de Cine de Cannes de 2004 .

Antes del cine, Japón ya tenía varias formas de entretenimiento basadas en la narración de historias y las imágenes. El emakimono y el kagee se consideran precursores de la animación japonesa. El emakimono era común en el siglo XI. ^[5] Los narradores itinerantes narraban leyendas y anécdotas mientras el emakimono se desenrollaba de derecha a izquierda en orden cronológico, como un panorama en movimiento . ^[5] El kagee fue popular durante el período Edo y se originó a partir del juego de sombras de China. ^[5] Las linternas mágicas de los Países Bajos también fueron populares en el siglo XVIII. ^[5] La obra de papel llamada Kamishibai surgió en el siglo XII y siguió siendo popular en el teatro callejero hasta la década de 1930. ^[5] Las marionetas del teatro bunraku y las estampas ukiyo-e se consideran antecesoras de los personajes de la mayoría de las animaciones japonesas. ^[5] Finalmente, el manga fue una gran inspiración para la animación japonesa. Los dibujantes Kitazawa Rakuten y Okamoto Ippei utilizaron elementos cinematográficos en sus tiras a principios del siglo XX. ^[5]

Según Natsuki Matsumoto, la primera película animada producida en Japón puede haber surgido en 1907. Conocida como Katsudō Shashin (活動写真, "Foto de actividad") , por su representación de un niño con traje de marinero dibujando los personajes de katsudō shashin , la película se encontró por primera vez en 2005. Consiste en cincuenta fotogramas estampados directamente sobre una tira de celuloide . ^{[6] [7]} Sin embargo, esta afirmación no ha sido verificada y es anterior a la primera exhibición conocida de películas animadas en Japón. La fecha y la primera película exhibida públicamente es otra fuente de controversia: si bien no se conoce definitivamente ninguna animación producida en Japón antes de 1916, existe la posibilidad de que otras películas ingresaran a Japón y que no hayan surgido registros conocidos que demuestren una exhibición anterior a 1912. ^[1] Los títulos de las películas han surgido a lo largo de los años, pero no se ha demostrado que ninguno sea anterior a este año. Se sabe que la primera animación extranjera se encontró en Japón en 1910, pero no está claro si la película alguna vez se mostró en un cine o se exhibió públicamente. Yasushi Watanabe encontró una película conocida como Fushigi no Bōrudo (不思議のボールド, "Miracle Board") en los registros de la compañía Yoshizawa Shōten (吉沢商店) . La descripción coincide con Humorous Phases of Funny Faces de James Blackton , aunque el consenso académico sobre si se trata o no de una verdadera película animada es discutido. ^[1] Según Kyokko Yoshiyama, la primera película animada llamada Nippāru no Henkei (ニッパールの変形, "La transformación de Nippāru") se mostró en Japón en el Asakusa Teikokukan (浅草帝国館) en Tokio en algún momento de 1912. Sin embargo, Yoshiyama no se refirió a la película como "animación". La primera película animada confirmada que se mostró en Japón fue Les Exploits de Feu Follet de Émile Cohl el 15 de mayo de 1912. Si bien se han encontrado especulaciones y otras "películas de truco" en Japón, es el primer relato registrado de una exhibición pública de una película animada bidimensional en el cine japonés. Durante este tiempo, las animaciones alemanas comercializadas para su lanzamiento en el hogar se distribuyeron en Japón. ^[1] En 1914, los dibujos animados estadounidenses y europeos se introdujeron en Japón, ^[8] inspirando a creadores japoneses como Junichi Kouchi y Seitaro Kitayama , ^[9] ambos considerados los "padres del anime".

Han sobrevivido pocas animaciones completas realizadas durante los inicios de la animación japonesa. Las razones varían, pero muchas son de naturaleza comercial. Después de que se emitieran los clips, los carretes (que eran propiedad de los cines) se vendían a cines más pequeños del país y luego se desarmaban y vendían como tiras o fotogramas individuales. El primer anime que se produjo en Japón que ha sobrevivido hasta nuestros días, The Dull Sword , se estrenó el 30 de junio de 1917, pero existe una disputa sobre qué título fue el primero en obtener ese honor. Se ha confirmado que Dekobō Shingachō: Meian no Shippai (凸坊新画帳・名案の失敗, "Nuevo libro ilustrado lleno de baches: el fracaso de un gran plan") se realizó en algún momento de febrero de 1917. Un título con el nombre de Nuevo libro de arte de Tokobo: Imosuke's Boar Hunt (凸坊新畫帖 芋助猪狩の巻) es la primera película nacional de anime. ^[1]

Los primeros cortometrajes de anime fueron realizados por tres figuras destacadas de la industria. Ōten Shimokawa fue un caricaturista político y dibujante de cómics que trabajó para la revista Tokyo Puck . Fue contratado por Tenkatsu para hacer una animación para ellos. Debido a razones médicas, solo pudo hacer cinco películas, incluida Imokawa Mukuzo Genkanban no Maki (1917), antes de regresar a su trabajo anterior como dibujante de cómics. Otro animador destacado en este período fue Jun'ichi Kōuchi . Era un caricaturista y pintor, que también había estudiado pintura con acuarela. En 1912, también entró en el sector de los dibujantes de cómics y fue contratado para una animación por Kobayashi Shokai más tarde en 1916. Es considerado el animador japonés técnicamente más avanzado de la década de 1910. Sus obras incluyen alrededor de 15 películas. El tercero fue Seitaro Kitayama , uno de los primeros animadores que hizo animaciones por su cuenta y no fue contratado por grandes corporaciones. Finalmente fundó su propio estudio de animación, el Kitayama Eiga Seisakujo , que más tarde cerró debido a la falta de éxito comercial. Utilizó la técnica de la pizarra y, más tarde, la animación en papel, con y sin fondos preimpresos. Sin embargo, las obras de estos pioneros fueron destruidas después del Gran Terremoto de Kanto de 1923. [ ^5] Las obras de estos dos últimos pioneros incluyen Namakura Gatana ("Una espada obtusa", 1917) y una película de 1918 Urashima Tarō , que se cree que fueron descubiertas juntas en un mercado de antigüedades en 2007. ^[10] Sin embargo, más tarde se estableció que este Urashima Tarō era muy probablemente una película completamente diferente con una historia similar a la película de 1918 de Kitayama, y ​​por lo tanto ya no se le atribuye. A partir de octubre de 2017, el Urashima Tarō de Kitayama sigue sin descubrirse. ^[11]

Yasuji Murata , Hakuzan Kimura, Sanae Yamamoto y Noburō Ōfuji fueron estudiantes de Kitayama Seitaro y trabajaron en su estudio de cine. Kenzō Masaoka , otro animador importante, trabajó en un estudio de animación más pequeño. Muchas de las primeras películas animadas japonesas se perdieron después del terremoto de Tokio de 1923 , incluida la destrucción de la mayor parte del estudio de Kitayama, con artistas tratando de incorporar motivos e historias tradicionales en una nueva forma. ^[12]

Los animadores de antes de la guerra se enfrentaron a varias dificultades. En primer lugar, tuvieron que competir con productores extranjeros como Disney , que eran influyentes tanto en el público como en los productores. ^[13] Las películas extranjeras ya habían obtenido beneficios en el extranjero y podían venderse a precios inferiores a los que los productores nacionales necesitaban para alcanzar el punto de equilibrio. ^{[14] [15]} Por tanto, los animadores japoneses tuvieron que trabajar de forma barata, en pequeñas empresas con solo un puñado de empleados, lo que luego dificultó la competencia en términos de calidad con productos extranjeros que eran en color, con sonido y promocionados por empresas mucho más grandes. Hasta mediados de la década de 1930, la animación japonesa generalmente usaba animación recortada en lugar de animación celuloide porque el celuloide era demasiado caro. ^[16] Esto dio como resultado una animación que podía parecer derivada, plana (ya que el movimiento hacia adelante y hacia atrás era difícil) y sin detalles. ^[17] Pero así como los animadores japoneses de posguerra pudieron convertir la animación limitada en algo positivo, maestros como Yasuji Murata y Noburō Ōfuji pudieron realizar maravillas que hicieron con la animación recortada.

Sin embargo, animadores como Kenzo Masaoka y Mitsuyo Seo intentaron llevar la animación japonesa al nivel de las obras extranjeras introduciendo animación por celuloide, sonido y tecnología como la cámara multiplano . Masaoka creó el primer anime sonoro , Chikara to Onna no Yo no Naka , estrenado en 1933, ^{[18] [19]} y el primer anime hecho completamente con animación por celuloide, The Dance of the Chagamas (1934). ^[20] Seo fue el primero en utilizar la cámara multiplano en Ari-chan en 1941.

Sin embargo, tales innovaciones eran difíciles de apoyar puramente desde un punto de vista comercial, por lo que la animación de antes de la guerra dependía considerablemente del patrocinio, ya que los animadores a menudo se concentraban en hacer películas de relaciones públicas para empresas, películas educativas para el gobierno y, finalmente, obras de propaganda para el ejército. ^[21] Durante esta época, la censura y las regulaciones escolares desalentaban la visualización de películas por parte de los niños, por lo que el Monbusho (el Ministerio de Educación) apoyaba y alentaba el anime que podía tener un valor educativo. Esto resultó importante para los productores que habían experimentado obstáculos para estrenar su trabajo en los cines tradicionales. La animación había encontrado un lugar en el uso escolar, político e industrial.

En la década de 1930, el gobierno japonés comenzó a imponer el nacionalismo cultural . Esto también condujo a una estricta censura y control de los medios publicados. Se instó a muchos animadores a producir animaciones que reforzaran el espíritu japonés y la afiliación nacional. Algunas películas se proyectaron en salas de noticieros, especialmente después de que la Ley de Cine de 1939 promoviera documentales y otras películas educativas. ^[22] Este apoyo ayudó a impulsar la industria, ya que se formaron empresas más grandes a través de fusiones e impulsaron a los principales estudios de acción en vivo como Shochiku a comenzar a producir animación. ^[23] Fue en Shochiku donde se produjeron obras maestras como Kumo to Chūrippu de Kenzō Masaoka . Sin embargo, la reorganización de la industria en tiempos de guerra fusionó los estudios de largometrajes en tres grandes empresas.

Durante la Segunda Guerra Mundial , el Ejército Imperial Japonés encargó más películas animadas , ^{[24] [25]} que mostraban al astuto y rápido pueblo japonés venciendo a las fuerzas enemigas. Esto incluía películas como Momotarō: Umi no Shinpei ( Momotarō: Sailors Sacred ) (1943) de Maysuyo Seo, que se centraba en la ocupación japonesa de Asia . ^[26]

En los años de posguerra, los medios japoneses a menudo estuvieron influenciados por los Estados Unidos, ^[9] lo que llevó a algunos a definir el anime como cualquier animación emanada de Japón después de 1945. ^{[27] : 5} De hecho, el término en sí se volvió cada vez más común en este período de tiempo. ^[28]

El anime y el manga comenzaron a florecer en las décadas de 1940 y 1950, con películas extranjeras (y diseños de dibujantes estadounidenses), ^[29] influyendo en personas como Osamu Tezuka . ^[30]

En la década de 1950, comenzaron a aparecer estudios de anime en todo Japón. Hiroshi Takahata compró un estudio llamado Japan Animated Films en 1948, renombrándolo Tōei Dōga , ^[15] con la ambición de convertirse en "el Disney del Este". Mientras estaba allí, Takahata conoció a otros animadores ^[31] como Yasuji Mori , quien dirigió Doodling Kitty , en mayo de 1957. Sin embargo, para el público japonés, no fue hasta el lanzamiento de Panda and the Magic Serpent en octubre de 1958 que Japón entró de lleno en el mundo de la animación profesional. ^[13] Mientras que los animadores comenzaron a experimentar con sus propios estilos, utilizando técnicas occidentales, ^[25] Tezuka Osamu comenzó a dibujar manga shonen ^[32] como Rob no Kishi (Knight of the Ribbon), que más tarde se convirtió en Princess Knight , tratando de atraer a las lectoras, al mismo tiempo que fue pionero en el manga shoujo .

Toei Animation fue fundada y produjo el primer largometraje de anime en color en 1958, Hakujaden ( El cuento de la serpiente blanca , 1958). Se estrenó en los EE. UU. en 1961, al igual que Panda y la serpiente mágica . ^[33] Después del éxito del proyecto, Toei lanzó un nuevo largometraje de animación anualmente. ^{[34] : 101}

Osamu Tezuka fundó Mushi Production en 1961, después de que expirara su contrato con Toei Animation. El estudio fue pionero en la animación televisiva en Japón y fue responsable de series de televisión tan exitosas como Astro Boy , Kimba the White Lion , Gokū no Daibōken y Princess Knight .

Mushi Production también produjo el primer anime que se transmitió en los Estados Unidos (en NBC en 1963), aunque Osamu Tezuka se quejaría de las restricciones en la televisión estadounidense y las alteraciones necesarias para su transmisión. ^[35] El primer anime mostrado en los Estados Unidos es Animal Baseball Match (動物大野球戦) que se realizó en 1949 pero se mostró en 1957.

En la década de 1960, comenzó a formarse el estilo único del anime japonés, con personajes de ojos grandes, bocas grandes y cabezas grandes. ^[25] La primera película de anime que se transmitió fue Moving Pictures en 1960. En 1961 se estrenó la primera serie de televisión animada de Japón, Instant History , aunque no consistió completamente en animación. ^{[34] : 90} Magic Boy , conocida en Japón como Shōnen Sarutobi Sasuke (少年猿飛佐助, "El niño Sarutobi Sasuke ") , es una película animada japonesa de 1959 estrenada el 25 de diciembre de 1959. Lanzada como el segundo anime cinematográfico de Toei Animation , la película fue estrenada en cines en Estados Unidos por Metro-Goldwyn-Mayer el 22 de junio de 1961, ^[36] convirtiéndola en la primera película de anime en estrenarse en el país, seguida de Panda and the Magic Serpent el 8 de julio de 1961. Estas películas fueron lo suficientemente populares como para allanar el camino para que siguieran otros animes. Astro Boy , creada por Osamu Tezuka, se estrenó en Fuji TV el 1 de enero de 1963. ^{[15] [37]} Se convirtió en la primera serie de anime mostrada ampliamente al público occidental, especialmente a los de los Estados Unidos, ^{[38] [39] : 31} volviéndose relativamente popular ^[13] e influyendo en la cultura popular estadounidense, con compañías estadounidenses adquiriendo varios títulos de productores japoneses. ^{[40] : 95} Astro Boy fue muy influyente para otros animes en la década de 1960, ^[41] y fue seguido por una gran cantidad de anime sobre robots o el espacio. Si bien Tezuka lanzó muchos otros programas animados, como Kimba the White Lion (basado en su propio manga), ^[9] el anime despegó, los estudios lo vieron como un éxito comercial. ^{[39] : 33} La década de 1960 también trajo el anime a la televisión y a Estados Unidos. Estos primeros acuerdos realizados entre productores en los EE. UU. y Japón prometieron la expansión de la animación a otros lugares alrededor del mundo. ^[42]

En 1963 se presentó Sennin Buraku como el primer anime "de medianoche" ^[41] y la primera serie de televisión de anime de Toei Doga, Wolf Boy Ken . Mushi Pro continuó produciendo más televisión de anime y tuvo éxito con títulos como Kimba the White Lion en 1965. Lo que se considera el primer anime de chicas mágicas , Sally the Witch , comenzó a transmitirse en 1966. La televisión de anime original de Speed ​​Racer comenzó en 1967 y fue traída a Occidente con gran éxito. Al mismo tiempo, se emitió una adaptación de anime de Princess Knight de Tezuka , lo que lo convirtió en uno de los pocos animes shoujo de la década. La primera adaptación de anime del manga Cyborg 009 de Shotaro Ishinomori se creó en 1968, luego de la adaptación cinematográfica dos años antes. " Attack no.1 " de 1969, el primer anime shoujo de deportes fue uno de los primeros en tener éxito en el horario estelar japonés y también fue popular en toda Europa, particularmente en Alemania bajo el nombre de "Mila Superstar".

El anime de larga duración Sazae-san también comenzó en 1969 y continúa hoy con más de 6.500 episodios transmitidos en 2014. Con una participación de audiencia del 25%, la serie sigue siendo el anime más popular transmitido. ^{[33] : 725}

Durante la década de 1970, el mercado cinematográfico japonés se contrajo debido a la competencia de la televisión. ^[43] Esto redujo el personal de animación de Toei y muchos animadores fueron a estudios como A Pro y Telecom Animation. Mushi Production se declaró en quiebra (aunque el estudio fue revivido 4 años después), y sus antiguos empleados fundaron estudios como Madhouse y Sunrise . Muchos animadores jóvenes fueron empujados a la posición de director, y la inyección de talento joven permitió una amplia variedad de experimentación. Una de las primeras producciones televisivas exitosas a principios de la década de 1970 fue Tomorrow's Joe (1970), un anime de boxeo que se ha vuelto icónico en Japón. 1971 vio la primera entrega del anime Lupin III . Contrariamente a la popularidad actual de la franquicia, la primera serie duró 23 episodios antes de ser cancelada. La segunda serie (que comenzó en 1977) tuvo un éxito considerablemente mayor, abarcando 155 episodios en tres años.

Otro ejemplo de esta experimentación es la serie de televisión Heidi, Girl of the Alps de Isao Takahata de 1974. Este programa fue originalmente difícil de vender porque era un drama realista simple dirigido a niños, y la mayoría de las cadenas de televisión pensaban que los niños necesitaban algo más fantástico que los atrajera. Heidi fue un éxito internacional, popular en muchos países europeos y tan exitoso en Japón que permitió a Hayao Miyazaki y Takahata comenzar una serie de anime de base literaria ( World Masterpiece Theater ). Miyazaki y Takahata dejaron Nippon Animation a fines de la década de 1970. Dos de las producciones aclamadas por la crítica de Miyazaki durante la década de 1970 fueron Future Boy Conan (1978) y Lupin III: El castillo de Cagliostro (1979). Doraemon , que se emitió en TV Asahi en 1979, se ha convertido en la serie de anime más popular y popular de todos los tiempos.

Durante este período, la animación japonesa llegó a Europa continental con producciones dirigidas a niños europeos y japoneses, siendo los ejemplos más pronunciados la mencionada Heidi pero también Barbapapa y Vicky el Vikingo . En concreto, el anime y el manga encontraron audiencias receptivas en Italia, Alemania y Francia; el este y sudeste de Asia; y en toda América Latina. ^[44] El interés de cada país aumentó en la producción de Japón, que se ofrecía a bajo precio. ^{[45] [46]} En la década de 1970, la animación japonesa censurada se mostró en la televisión estadounidense. Por ejemplo, los personajes transgénero fueron censurados en Battle of the Planets , una adaptación estadounidense de Science Ninja Team Gatchaman . ^[47]

Otro género conocido como mecha surgió en esta época. Algunas de las primeras obras incluyen Mazinger Z (1972-1974), Science Ninja Team Gatchaman (1972-1974), Space Battleship Yamato (1974-1975) y Mobile Suit Gundam (1979-1980).

En contraste con los programas orientados a la acción, los programas para el público femenino como Candy Candy y La rosa de Versalles ganaron gran popularidad en la televisión japonesa y más tarde en otras partes del mundo. ^[45]

En 1978, ya se emitían más de cincuenta programas por televisión. ^[48]

En la década de 1980, el anime comenzó a experimentar una "renovación de la calidad visual" gracias a nuevos directores como Hayao Miyazaki e Isao Takahata , quienes fundaron Studio Ghibli en 1985, y Katsuhiro Ōtomo . ^[9] El anime comenzó a lidiar con historias más matizadas y complejas, mientras que Boy's Love continuó impactando las normas culturales, arraigándose en el este de Asia, ya que países como Corea del Sur, Tailandia y China ingirieron estas exportaciones de la cultura pop japonesa. ^{[49] [50] : 3} El cambio hacia las óperas espaciales se hizo más pronunciado con el éxito comercial de Star Wars (1977). El género de ciencia ficción, en su conjunto, tuvo una fuerte influencia en la animación japonesa, dando forma a su dirección creativa. ^[28]

Esto permitió que la ópera espacial Space Battleship Yamato (1974) fuera reeditada como película para cine. Mobile Suit Gundam (1979) también tuvo éxito y fue reeditada como película para cine en 1982. El éxito de las versiones para cine de Yamato y Gundam se considera el comienzo del auge del anime de los años 1980 y de la " Segunda Edad de Oro del Cine Japonés ". ^[51]

En Japón, comenzó a desarrollarse una subcultura cuyos miembros más tarde se llamaron otakus en torno a revistas de animación como Animage y Newtype . Estas revistas se formaron en respuesta al abrumador fandom que se desarrolló en torno a programas como Yamato y Gundam a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980.

En los Estados Unidos, la popularidad de Star Wars tuvo un efecto similar, aunque mucho menor, en el desarrollo del anime. ^{[ cita requerida ]} Gatchaman fue reelaborado y editado en Battle of the Planets en 1978 y nuevamente como G-Force en 1986. Space Battleship Yamato fue reelaborado y editado en Star Blazers en 1979. La serie Macross comenzó con The Super Dimension Fortress Macross (1982), que fue adaptada al inglés como el primer arco de Robotech (1985), que se creó a partir de tres títulos de anime separados: The Super Dimension Fortress Macross , Super Dimension Cavalry Southern Cross y Genesis Climber Mospeada . La secuela de Mobile Suit Gundam , Mobile Suit Zeta Gundam (1985), se convirtió en la ópera espacial de robots reales más exitosa en Japón, donde logró una calificación televisiva promedio de 6.6% y un pico de 11.7%. ^{[ 52 ]}

La subcultura otaku se hizo más pronunciada con la adaptación de Mamoru Oshii del popular manga Urusei Yatsura (1981) de Rumiko Takahashi . Yatsura convirtió a Takahashi en un nombre familiar y Oshii se alejaría de la cultura de los fanáticos y adoptaría un enfoque más autoral con su película de 1984 Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer . Esta ruptura con la subcultura otaku le permitiría a Oshii experimentar más.

La subcultura otaku tuvo cierto efecto en las personas que ingresaban a la industria en esa época. Las más famosas de estas personas fueron el grupo de producción amateur Daicon Films, que luego se convertiría en Gainax . Gainax comenzó a hacer películas para las convenciones de ciencia ficción de Daicon y fueron tan populares en la comunidad otaku que se les dio la oportunidad de dirigir la película de anime de mayor presupuesto (en ese momento), Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (1987).

Durante este período se realizó uno de los animes más influyentes de todos los tiempos, Nausicaä del Valle del Viento (1984). La película le dio un prestigio adicional al anime, lo que permitió que se financiaran muchos proyectos experimentales y ambiciosos poco después de su estreno. También permitió al director Hayao Miyazaki y a su colega de toda la vida Isao Takahata crear su propio estudio bajo la supervisión del ex editor de Animage Toshio Suzuki . Este estudio se conocería como Studio Ghibli y su primera película fue Laputa: El castillo en el cielo (1986), una de las películas más ambiciosas de Miyazaki.

El éxito de Dragon Ball (1986) introdujo el género de las artes marciales y se volvió increíblemente influyente en la industria de la animación japonesa. Influyó en muchas más series de manga y anime de artes marciales, entre ellas Hajime no Ippo (1989), Baki the Grappler (1991), Naruto (2002) y The God of Highschool (2020).

La década de 1980 trajo el anime al mercado de videos domésticos en forma de animación de video original (OVA), ya que los programas estaban cambiando de un enfoque en superhéroes a robots y óperas espaciales, ^[25] con la animación de video original (OVA u OAV) llegando al mercado en 1984, con un rango de duración. ^[13] Los videos domésticos abrieron las compuertas, presentando a los espectadores, especialmente a los occidentales, a las películas de anime. ^[38] Aunque el anime se distribuyó ampliamente a través de la piratería internacional en las décadas de 1980 y 1990, ^[40] antes de los días de la piratería en línea , continuó sobreviviendo. El anime se recuperó en los EE. UU., Y se convirtió en una de las exportaciones televisivas de Japón a medida que el país se convertía en la "autoridad líder mundial" en entretenimiento. ^{[27] : 19–20} El primer OVA fue Dallos de Mamoru Oshii (1983-1984). Programas como Patlabor tuvieron sus inicios en este mercado y demostraron ser una forma de probar animaciones menos comercializables frente a las audiencias. Los OVA permitieron el lanzamiento de anime pornográfico como Cream Lemon (1984); el primer OVA hentai fue en realidad Lolita Anime del poco conocido estudio Wonder Kids , también lanzado en 1984.

La década de 1980 también fue testigo de la fusión del anime con los videojuegos. La emisión de Red Photon Zillion (1987) y el posterior lanzamiento de su juego complementario se considera una estrategia de marketing de Sega para promover las ventas de su recién lanzada Master System en Japón.

El anime deportivo, como se le conoce ahora, hizo su debut en 1983 con una adaptación al anime del manga de fútbol Captain Tsubasa de Yoichi Takahashi , que se convirtió en el primer anime deportivo de éxito mundial. Sus temas e historias fueron una fórmula que se utilizaría en muchas series deportivas que le siguieron, como Slam Dunk , Prince of Tennis y Eyeshield 21 .

A finales de los años 80 se produjo un número cada vez mayor de películas experimentales y de alto presupuesto. En 1985, Toshio Suzuki ayudó a reunir fondos para la película experimental de Oshii Angel's Egg (1985). Los estrenos en salas se volvieron más ambiciosos, y cada película intentaba superar en calidad o gasto a sus predecesoras, inspirándose en el éxito de crítica y público de Nausicaä . Night on the Galactic Railroad (1985), Tale of Genji (1986) y Grave of the Fireflies (1988) eran películas ambiciosas basadas en importantes obras literarias de Japón. Películas como Char's Counterattack (1988) y Arion (1986) eran espectáculos de presupuestos suntuosos. Este período de presupuestos suntuosos y experimentación alcanzaría su cenit con una de las producciones cinematográficas de anime más caras de la historia: Royal Space Force: The Wings of Honneamise (1987). Kiki's Delivery Service (1989) de Studio Ghibli fue la película más taquillera de 1989, recaudando más de 40 millones de dólares en taquilla.

A pesar del fracaso comercial de Akira (1988) en Japón, trajo consigo una base de fans internacional mucho más grande para el anime. Cuando se mostró en el extranjero, la película se convirtió en un éxito de culto y, finalmente, en un símbolo del medio para Occidente. El fracaso nacional y el éxito internacional de Akira , combinado con el estallido de la burbuja económica y la muerte de Osamu Tezuka en 1989, marcaron el final de la era del anime de los años 80.

En 1995, Hideaki Anno escribió y dirigió el controvertido anime Neon Genesis Evangelion . Este programa se hizo popular en Japón entre los fanáticos del anime y se hizo conocido por el público en general a través de la atención de los medios de comunicación. Se cree que Anno originalmente quería que el programa fuera el anime otaku definitivo, diseñado para revivir la industria del anime en declive , pero a mitad de la producción también lo convirtió en una dura crítica de la subcultura. Culminó en la exitosa pero controvertida película The End of Evangelion que recaudó más de $ 10 millones en 1997. Las muchas escenas violentas y sexuales en Evangelion hicieron que TV Tokyo aumentara la censura del contenido de anime. Como resultado, cuando Cowboy Bebop se transmitió por primera vez en 1998, se mostró muy editado y solo se emitieron la mitad de los episodios; también ganó una gran popularidad tanto dentro como fuera de Japón.

Evangelion inició una serie de programas de mechas llamados "post- Evangelion " u "orgánicos". La mayoría de estos eran programas de robots gigantes con algún tipo de trama religiosa o compleja. Estos incluyen RahXephon , Brain Powerd y Gasaraki . También dio lugar a programas de anime experimentales nocturnos que se convirtieron en un foro para el anime experimental como Boogiepop Phantom (2000), Texhnolyze (2003) y Paranoia Agent (2004). También se lanzaron películas de anime experimental en la década de 1990, en particular el thriller ciberpunk Ghost in the Shell (1995), ^[53] que tuvo una fuerte influencia en Matrix . ^{[54] [55] [56]} Ghost in the Shell , junto con Evangelion y el western espacial neo-noir Cowboy Bebop , ayudaron a aumentar aún más el conocimiento del anime en los mercados internacionales. ^[57]

En 1997, La princesa Mononoke de Hayao Miyazaki se convirtió en la película de anime más cara hasta ese momento, con un coste de producción de 20 millones de dólares. Miyazaki revisó personalmente cada una de las 144.000 celdas de la película, ^[58] y se estima que redibujó partes de 80.000 de ellas. ^[59] 1997 también fue el año del debut de Satoshi Kon , Perfect Blue , que ganó los premios a la "Mejor película" y "Mejor animación" en el Festival Fantasía de Montreal de 1997. También ganó premios en el Festival de Cine Fantasporto de Portugal.

A finales de los años 1990 también se produjo un breve resurgimiento del género de los superrobots , que había perdido popularidad debido al auge de los programas de robots reales y mechas psicológicos como Gundam , Macross y Evangelion . El resurgimiento del género de los superrobots comenzó con Brave Exkaiser en 1990, y dio lugar a remakes y secuelas de programas de superrobots de los años 1970 como Getter Robo Go y Tetsujin-28 go FX . Después de esto se produjeron muy pocos programas populares de superrobots, hasta Tengen Toppa Gurren Lagann en 2007.

Junto con su contraparte de súper robots, el género de robots reales también estaba en declive durante la década de 1990. Aunque se produjeron varios programas de Gundam durante esta década, muy pocos de ellos tuvieron éxito. Los únicos programas de Gundam en la década de 1990 que lograron un rating televisivo promedio de más del 4% en Japón fueron Mobile Fighter G Gundam (1994) y New Mobile Report Gundam Wing (1995). No fue hasta Mobile Suit Gundam SEED en 2002 que el género de robots reales recuperó su popularidad. ^[52]

En 1998, más de cien programas de anime se emitieron en televisión en Japón, ^[48] incluida una serie popular basada en la franquicia de videojuegos Pokémon . Otras series de anime de la década de 1990 que obtuvieron éxito internacional fueron Dragon Ball Z , Sailor Moon y Digimon; el éxito de estos programas trajo reconocimiento internacional al género de superhéroes de artes marciales, el género de chicas mágicas y el género de acción y aventuras, respectivamente. En particular, Dragon Ball Z y Sailor Moon fueron dobladas a más de una docena de idiomas en todo el mundo. Otro gran éxito fue el anime One Piece , basado en el manga más vendido de todos los tiempos, que aún continúa.

La tendencia de la " era Evangelion " continuó en la década de 2000 con animes de mechas inspirados en Evangelion como RahXephon (2002) y Zegapain (2006); RahXephon también tenía como objetivo ayudar a revivir los diseños de mechas al estilo de los años 70. La cantidad de producciones de anime comenzó a disminuir después de alcanzar su punto máximo en 2006 debido a formas alternativas de entretenimiento, menores ingresos por publicidad y otras razones, y TV Tokyo siguió siendo uno de los únicos canales que transmitían programas de anime. ^[15] Aun así, el anime comenzó a ingresar a los hogares estadounidenses como nunca antes, y los fanáticos pudieron tener en sus manos los originales en japonés del anime que vieron, gracias a Internet. ^[60]

El género de robots reales (incluidas las franquicias Gundam y Macross ), que había declinado durante la década de 1990, revivió a principios de la década de 2000 con el éxito de programas como Mobile Suit Gundam SEED (2002), Eureka Seven (2005), Code Geass: Lelouch of the Rebellion (2006), Mobile Suit Gundam 00 (2007) y Macross Frontier (2008). ^[61]

El resurgimiento del género de los superrobots al estilo de los años 70 comenzó con GaoGaiGar en 1997 y continuó hasta los años 2000, con varios remakes de series clásicas como Getter Robo y Dancougar , así como títulos originales creados en el molde de los superrobots como Godannar y Gurren Lagann . Gurren Lagann en particular combinó el género de los superrobots con elementos de programas de robots reales de los años 80, así como programas "post- Evangelion " de los años 90. Gurren Lagann recibió los premios a la "mejor producción televisiva" y al "mejor diseño de personajes" de la Feria Internacional de Anime de Tokio en 2008. ^[62] Esto finalmente culminó con el lanzamiento de Shin Mazinger en 2009, un resurgimiento completo de la primera serie de superrobots, Mazinger Z.

En esa época, Takashi Murakami inició un movimiento artístico llamado Superflat que combinaba la cultura pop japonesa con el arte posmoderno . Murakami afirma que el movimiento es un análisis de la cultura japonesa de posguerra a través de los ojos de la subcultura otaku . Su deseo también es deshacerse de las categorías de arte "alto" y "bajo" creando un continuo plano, de ahí el término "superflat". Sus exposiciones de arte han ganado popularidad en el extranjero y han influenciado a un puñado de creadores de anime, particularmente a los de Studio 4 °C. ^[63]

La tendencia del anime experimental nocturno popularizada por Serial Experiments Lain también continuó en la década de 2000 con anime experimental como Boogiepop Phantom (2000), Texhnolyze (2003), Elfen Lied (2004), Paranoia Agent (2004), Gantz (2004) y Ergo Proxy (2006). Elfen Lied en particular se emitió en la red premium subsidiaria AT-X , lo que le permitió al director Mamoru Kanbe superar los límites de la violencia, la desnudez y los temas de la historia, así como emplear elementos artísticos únicos como obras de arte inspiradas en el pintor austríaco Gustav Klimt . ^[64]

Antes del boom masivo de compañías como Funimation y Adult Swim, ver o incluso obtener anime en los Estados Unidos era bastante difícil debido a que el valor de mercado y el interés en los estados eran bastante bajos y muchas compañías de radiodifusión no se molestaban en transmitir los programas. Esto se debió a una serie de factores, uno de los cuales fue traducir el programa. En la actualidad, tenemos anime que está doblado con voces en inglés, lo que lo hace más fácil para el público occidental. Sin embargo, a principios de los 90, cuando el anime estaba comenzando a volverse popular, eso no estaba disponible. Muchos fanáticos del género traducían el programa ellos mismos y lo publicaban en línea para que otros lo vieran. ^[65] Esta tendencia continuaría hasta el 2 de septiembre de 2001. Fue entonces cuando el programa Cowboy Bebop se emitió por primera vez en la red de transmisión Adult Swim y fue el primer anime en transmitirse por televisión en vivo. ^[66] El programa fue un éxito instantáneo, el único problema fue que el horario de transmisión era tarde y de noche, lo que significa que la audiencia estaba sujeta a un pequeño número de personas. ^[67]

Además de estas tendencias experimentales, la década de 2000 también se caracterizó por un aumento del arte de estilo moe y del diseño de personajes bishōjo y bishōnen . Hubo una creciente presencia y popularidad de géneros como el romance, el harem y los fragmentos de la vida real .

El anime basado en novelas eroge y visuales aumentó su popularidad en la década de 2000, siguiendo una tendencia iniciada a fines de la década de 1990 con obras como Sentimental Journey (1998) y To Heart (1999). Algunos ejemplos de estas obras incluyen Green Green (2003), SHUFFLE! (2006), Kanon (2002 y 2006), Fate/Stay Night (2006), Higurashi no Naku Koro ni (2006), Ef: A Tale of Memories (2007), True Tears (2008) y Clannad (2008 y 2009).

Muchos programas han sido adaptados de manga y novelas ligeras , incluidos títulos populares como Yu-Gi-Oh! (2000), Inuyasha (2000), Naruto y su serie secuela Naruto Shippuden (2002 y 2007), Fullmetal Alchemist y su adaptación fiel al manga Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2003 y 2009), Monster (2004), Bleach (2004), Rozen Maiden (2005), Aria the Animation (2005), Shakugan no Shana (2005), Pani Poni Dash! (2005), Death Note (2006), Mushishi (2006), Sola (2007), La melancolía de Haruhi Suzumiya (2006), Lucky Star (2007), Toradora! (2008), K-On! (2009), Bakemonogatari (2009) y Fairy Tail (2009); Estos programas suelen durar varios años y consiguen una gran cantidad de seguidores. Sin embargo, se siguen produciendo títulos de anime originales con el mismo éxito.

La década de 2000 marcó una tendencia de énfasis en la subcultura otaku . Una crítica notable de esta subcultura otaku se encuentra en el anime de 2006 Welcome to the NHK , que presenta a un protagonista hikikomori (socialmente retraído) y explora los efectos y consecuencias de varias subculturas japonesas , como otaku , lolicon , suicidio en Internet , juegos multijugador masivos en línea y marketing multinivel .

En contraste con el fenómeno mencionado anteriormente, también ha habido más producciones de anime nocturno para un público no otaku . El primer esfuerzo concentrado provino del bloque Noitamina de Fuji TV . El horario de 30 minutos de los jueves a última hora se creó para mostrar producciones para mujeres jóvenes en edad universitaria, un grupo demográfico que ve muy poco anime. La primera producción, Honey and Clover, fue un éxito particular, alcanzando un índice de audiencia del 5% en Kantou, muy alto para el anime nocturno. El bloque se ha estado ejecutando ininterrumpidamente desde abril de 2005 y ha producido muchas producciones exitosas únicas en el mercado del anime moderno.

Ha habido resurgimientos de dibujos animados estadounidenses como Transformers , que generó cuatro nuevas series: Transformers: Car Robots en 2000, Transformers: Micron Legend en 2003, Transformers: Superlink en 2004 y Transformers: Galaxy Force en 2005. Además, se produjo una adaptación al anime de la serie GI Joe titulada GI Joe: Sigma 6 .

El resurgimiento de series de anime anteriores se vio en las formas de Fist of the North Star: The Legends of the True Savior (2006) y Dragon Ball Z Kai (2009). Las series posteriores también comenzaron a recibir resurgimientos a fines de la década de 2000 y principios de la década de 2010, como con la tetralogía Rebuild of Evangelion de Studio Khara (2007-2021) y las nuevas adaptaciones del manga Appleseed XIII de Masamune Shirow (2011) y Ghost in the Shell: Arise (2013-2016).

La década también amaneció con un renacimiento de largometrajes de anime de alto presupuesto, como Millennium Actress (2001), Metropolis (2001), Appleseed (2001), Paprika (2006), y la más cara de todas fue Steamboy (2004) que costó $ 26 millones para producir. Satoshi Kon se estableció junto con Otomo y Oshii como uno de los principales directores de películas de anime, antes de su muerte prematura a la edad de 46 años. Otros directores de cine más jóvenes, como Mamoru Hosoda , director de La chica que saltaba a través del tiempo (2006) y Summer Wars (2009), también comenzaron a alcanzar prominencia.

Durante esta década, los largometrajes de anime fueron nominados y ganaron importantes premios cinematográficos internacionales por primera vez en la historia de la industria. En 2002, El viaje de Chihiro , una producción de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki , ganó el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín y en 2003, en la 75.ª edición de los Premios Óscar , ganó el Premio Óscar a la Mejor Película de Animación . Fue la primera película no estadounidense en ganar el premio y es una de las dos únicas en hacerlo. También se ha convertido en la película de anime más taquillera , con una taquilla mundial de 274 millones de dólares .

Tras el lanzamiento del bloque de programación Toonami en Cartoon Network en los Estados Unidos en marzo de 1997, el anime experimentó un aumento gigantesco en el mercado norteamericano. El anime apto para niños como Pokémon , Yu-Gi-Oh!, Digimon , Doraemon , Bakugan , Beyblade , Sonic X y la adaptación de One Piece de 4Kids Entertainment han recibido distintos niveles de éxito. Esta era también vio el auge de la animación influenciada por el anime , en particular Avatar: la leyenda de Aang y su secuela La leyenda de Korra , Megas XLR , Código Lyoko , Ben 10 , Chaotic , Samurai Jack , The Boondocks , RWBY y Teen Titans . Como tal, el anime se afianzó aún más en los hogares estadounidenses con el lanzamiento de Adult Swim por Cartoon Network en 2001, dirigido a aquellos en la "multitud de intercambio de OVA y cintas", con una nueva formación de fandom. ^[68] Sin embargo, este fandom era exclusivo y elitista y se esperaba que los recién llegados supieran cómo usar IRC , algo de japonés básico, etc.

En el Festival de Cine de Cannes de 2004 , Ghost in the Shell 2: Innocence , dirigida por Mamoru Oshii , compitió por la Palma de Oro y en 2006, en la 78.ª edición de los Premios Óscar , El castillo ambulante , otra película producida por Studio Ghibli y dirigida por Hayao Miyazaki, fue nominada a Mejor Película de Animación. 5 centímetros por segundo , dirigida por Makoto Shinkai , ganó el premio inaugural Asia Pacific Screen Award a la Mejor Película de Animación en 2007 y, hasta ahora, las películas de anime han sido nominadas para el premio todos los años.

En 2004, ya se emitían más de doscientos programas por televisión. ^[48]

En 2006, los graduados de la Universidad de California, Berkeley lanzaron Crunchyroll en 2006, ^[69] convirtiéndose en el primer "servicio de transmisión de anime", un modelo utilizado más tarde por Netflix , Funimation y Amazon.com a finales de la década de 2010.

En mayo de 2012, el bloque de programación Toonami en los Estados Unidos fue relanzado como un bloque de acción orientado a adultos nocturno en Adult Swim , trayendo más anime popular sin cortes a una audiencia más amplia en la televisión por cable. Además de transmitir o retransmitir anime doblado lanzado anteriormente, el bloque (así como el propio Adult Swim) ha supervisado el estreno mundial de lanzamientos doblados en inglés para varios animes, incluidos, entre otros: Durarara!! (2010), Deadman Wonderland (2011), Hunter x Hunter ^{[ ancla rota ]} (2011), Sword Art Online (2012), JoJo's Bizarre Adventure (2012), Attack on Titan (2013), Kill la Kill (2013), Space Dandy (2014), Akame ga Kill! (2014), Parasyte -la máxima- (2014), One-Punch Man (2015), Dragon Ball Super (2015), My Hero Academia (2016), Boruto: Naruto Next Generations (2017) y Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba (2019). ^[70]

El 1 de septiembre de 2013, Hayao Miyazaki anunció que El viento se levanta (2013) sería su última película, ^[71] y el 3 de agosto de 2014, se anunció que Studio Ghibli estaba "deteniendo temporalmente la producción" luego del lanzamiento de Cuando Marnie estuvo allí (2014), lo que corrobora aún más la finalidad del retiro de Miyazaki . Las decepcionantes ventas de la película de regreso de Isao Takahata , El cuento de la princesa Kaguya (2013), también se han citado como un factor. ^[72] Varios miembros destacados del personal, incluido el productor Yoshiaki Nishimura y el director Hiromasa Yonebayashi , se fueron para formar su propio Studio Ponoc , que se estrenó con Mary y la flor de la bruja (2017). ^{[73] [74] [75]} Tanto Ghibli como Miyazaki volvieron posteriormente a la producción para la película de 2023 El niño y la garza , ^[76] mientras que Takahata murió el 5 de abril de 2018 de cáncer de pulmón. ^[77]

Varias compañías internacionales de distribución de anime, como ADV Films , Bandai Entertainment y Geneon Entertainment , cerraron debido a los bajos ingresos, y sus activos se dividieron en nuevas compañías como Sentai Filmworks o se entregaron a otras compañías. ^[78]

En 2011, Puella Magi Madoka Magica se emitió en Japón. El anime fue un cambio con respecto a los animes de chicas mágicas habituales, ya que este anime contenía temas más oscuros, complejos y sangrientos de lo que normalmente tendría el anime mágico. El anime tuvo una gran recepción por parte de los críticos, ya que Andy Hanley de Anime Network del Reino Unido lo calificó con un 10 sobre 10 por su contenido emocional y su evocadora banda sonora.

Tanto Attack on Titan como The Wind Rises reflejan un debate nacional en torno a la reinterpretación del Artículo 9 de la Constitución de Japón , con el pacifismo de Miyazaki en la película siendo criticado por la derecha política , ^[79] mientras que Attack on Titan ha sido acusado de promover el militarismo por personas de países asiáticos vecinos, a pesar de estar destinado a mostrar los aspectos inquietantes y desesperados del conflicto. ^[80] El género del anime mecha (así como las películas japonesas de kaiju ) recibió un homenaje occidental con la película de 2013 Pacific Rim dirigida por Guillermo del Toro . ^[81]

Los servicios de transmisión occidentales como Netflix y Amazon Prime Video se involucran cada vez más en la producción y concesión de licencias de anime para los mercados internacionales. ^{[82] [83]}

En 2015, se emitieron en televisión un récord de trescientas cuarenta series de anime. ^[48]

La popularidad y la demanda mundial del anime siguieron aumentando durante la década debido a la pandemia de COVID-19 y la amplia disponibilidad del medio en los servicios de transmisión. ^{[84] [85] [86] [87]}

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba the Movie: Mugen Train se convirtió en la película japonesa más taquillera y la película más taquillera del mundo en 2020. ^[88] También se convirtió en la película con mayor recaudación en el cine japonés, porque en 10 días recaudó 10 mil millones de yenes (95,3 millones de dólares; 72 millones de libras esterlinas). ^[88] Superó el récord anterior de El viaje de Chihiro, que tardó 25 días. ^[88]

En 2021, las adaptaciones de anime de Jujutsu Kaisen , Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba y Tokyo Revengers estuvieron entre los 10 programas de televisión más discutidos a nivel mundial en X (entonces conocido como Twitter). ^{[89] [90]}

En 2022, Attack on Titan ganó el premio a la "Serie de televisión más demandada del mundo en 2021" en los Global TV Demand Awards. Attack on Titan se convirtió en la primera serie en un idioma distinto del inglés en ganar el título de Programa de televisión más demandado del mundo, anteriormente en manos de solo The Walking Dead y Game of Thrones . ^[91]

En 2023, el tema de apertura Idol de YOASOBI de la serie de anime Oshi no Ko encabezó la lista Billboard Global 200 Excl. US con 45,7 millones de reproducciones y 24.000 copias vendidas fuera de los EE. UU. "Idol" se ha convertido en la primera canción japonesa y canción de anime en encabezar la lista Billboard Global, además de ocupar el primer lugar en la lista Top 100: Global de Apple Music . ^{[92] [93]}

En 2024, El niño y la garza de Studio Ghibli recibió el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación , lo que lo convirtió en el segundo premio Oscar ganado por Hayao Miyazaki . ^[94] Se convirtió en la segunda película en idioma no inglés en ganar el premio después de El viaje de Chihiro . ^[95]

• Historia de la animación
• Historia del cómic
• Historia del manga

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• Historia del Anime: Osamu Tezuka