Jacobello del Fiore

Es probable que Jacobello del Fiore naciera alrededor de 1375, ya que en el momento de su matrimonio en 1394, todavía estaba bajo la tutela de su padre, Francesco del Fiore. ^{[ 3 ]} Si bien se sabe que Jacobello del Fiore se casó en 1394, se desconoce la identidad de su esposa, así como si tuvo hijos. El padre de Jacobello, Francesco, también era pintor: en 1376 aparece documentado en un contrato como el director de la cofradía , u organización dedicada a reconocer las obras de caridad cristianas, Scuola dei Pittori. ^{[ 4 ]} Francesco dirigía un taller que incluía a Jacobello y a sus dos hermanos, Nicola (quien murió en 1404, cuando Jacobello tenía entre veinte y treinta años) y Pietro. ^{[ 4 ]}

Aunque la obra más antigua de Jacobello que se conserva y está confirmada data de 1407, se cree que es el pintor de una Crucifixión de la Colección Matthiesen y de la Virgen con el Niño de Piazzo Giovaneli, ambas pintadas a finales del siglo XIV. ^{[ 5 ]} El Crucifijo era un tema común en las primeras obras de Jacobello, aunque como tema era un foco bastante común de muchos pintores de la época. ^{[ 6 ]} El historiador de arte Andrea de Marchi fue el primero en sugerir que un solo autor era responsable de estas pinturas «neo- giottoescas » inspiradas en los pintores continentales Altichiero y Jacopo Avanzi y acuñó el nombre desconocido del autor como «Maestro de la Virgen de Giovaneli». ^{[ 7 ]} En la Crucifixión de Matthiesen , Cristo cuelga de su cruz en el centro de la escena, dividiendo a los seguidores de Cristo a la izquierda con los soldados a la derecha. ^{[ 8 ]} Estos detalles revelan que el autor de la pintura debió estar familiarizado con el movimiento gótico tardío del continente y también tuvo formación veneciana, debido a la representación de Longino que atraviesa a Cristo con una lanza y al centurión que ordena que se rompan las piernas de Cristo, dos figuras que también aparecen en la Crucifixión de Altichiero en el Oratorio de San Giorgio, y también la muralla de la ciudad que cierra la escena, una técnica utilizada por Paolo Veneziano. ^{[ 9 ]} De manera similar, el historiador de arte Carlo Volpe señaló que una serie de pequeños paneles de la Pasión pintados en la década de 1390 —– Agonía en el huerto (Pinturas Vaticanas), Lamentación (Pinturas Vaticanas), Camino al Calvario ( Colección Real Británica ) y Arresto de Cristo ( colección privada)– comparten una influencia paduana y una similitud estilística con la Crucifixión de Matthiesen . ^{[ 10 ]} De Marchi también atribuye La Virgen de la Humildad en un museo provincial en Lecce al "Maestro de la Virgen Giovaneli", ^{[ 7 ]} conectando así esta obra con la Crucifixión de Matthiesen y también con los paneles de la Pasión.

En 1401, Jacobello envió un políptico , que desde entonces se ha perdido, a la iglesia de San Cassiano en Pesaro , donde fue visto por el historiador de arte del siglo XVIII Luigi Lanzi . ^{[ 11 ]} La Virgen de la Humildad en Lecce, según la historiadora de arte Illeana Chiappini di Sorio, bien pudo haber pertenecido a este políptico. ^{[ 12 ]} Así, la Virgen de la Humildad , como hipotetiza el historiador de arte Daniele Benati, conecta todas las obras anteriores del "Maestro de la Virgen de Giovaneli" con nada menos que Jacobello del Fiore.

El año 1401 marca una transición en la carrera de Jacobello, pasando de un estilo gótico más arcaico, empleado en la última década del Trecento y plasmado en la Crucifixión de Matthiesen , a un estilo más moderno centrado en la línea , como se aprecia en la Virgen y Crucifixión con Dolientes y Santos de Giovaneli , perteneciente a una colección privada francesa. ^{[ 13 ]} Este último, como subraya De Marchi, aún deriva de Altichiero y Jacopo Avanzi, pero trasciende el estilo más austero de la Crucifixión de Matthiesen al emplear una flexibilidad gótica más suelta. ^{[ 14 ]} Ambas obras probablemente fueron pintadas entre 1401 y 1407, fecha de la primera pintura verificada de Jacobello que se conserva. ^{[ 13 ]}

La Crucifixión de Matthiesen contiene alusiones a Jerusalén y a imágenes bíblicas como el Gólgota , el lugar donde Jesús fue crucificado. El estilo gótico antiguo que Jacobello solía emplear, ejemplificado en la Crucifixión de Matthiesen , se caracteriza por una composición y una postura distintivas de las figuras en vista frontal o lateral, líneas fluidas y colores vivos, aunque la paleta de colores de la Crucifixión de Matthiesen es especialmente brillante. ^{[ 3 ]}

En 1407, Jacobello pintó un tríptico de la Virgen de la Misericordia con los santos Santiago y Antonio Abad, que actualmente se encuentra en la iglesia de Santa Maria delle Grazie en Pesaro, pero que originalmente estaba destinado a la iglesia de Santa Maria en Montegranaro . ^{[ 11 ]} Este tríptico, según Benati, revela el interés de Jacobello por las últimas tendencias artísticas: su técnica y estilo son modernos, y la nariz aguileña de la Virgen apunta a la influencia del Michelino da Besozzo de Lombardía . ^{[ 15 ]} Influencias similares encontradas en el tríptico de Jacobello de la Adoración de los Magos en el Museo Nacional de Estocolmo lo sitúan cronológicamente cerca del tríptico de la Virgen de la Misericordia . ^{[ 15 ]}

Se cree que en 1408 Jacobello completó otra escena de la Crucifixión con la ayuda del tallador de madera Antonio di Bonvesin para una iglesia parroquial en Casteldimezzo, en Pesaro. ^{[ 11 ]} Se cree que al año siguiente pintó una tabla para Pesaro, vista por primera vez por Lanzi y posteriormente identificada hipotéticamente por el crítico de arte Keith Christiansen como perteneciente al Políptico de la Beata Michelina. ^{[ 16 ]} Estas dos pinturas demuestran su creciente reputación profesional, alcanzada antes de la muerte de su padre entre 1409 y 1411. ^{[ 11 ]}

Como prueba de su prominencia, en 1412 la señoría veneciana empleó a Jacobello con un salario anual de cien ducados , un estipendio que posteriormente se redujo a 50 ducados debido a la guerra de Venecia con Dalmacia . ^{[ 17 ]}

Entre 1409 y 1415, se cree que Jacobello recibió el encargo de decorar la Sala del Maggior Consiglio (Salón del Gran Consejo) en el Palacio Ducal , lo que le puso en contacto directo con pintores avanzados de la península como Gentile da Fabriano , Pisanello y Michelino da Besozzo . ^{[ 18 ]} La influencia de Fabriano y Michelino se puede apreciar en el Políptico de la Beata Michelina de 1409, mencionado anteriormente , y en la posterior Virgen de la Misericordia entre los santos Juan Bautista y Juan Evangelista en la Accademia de Venecia , probablemente pintada a mediados de la década de 1410. ^{[ 19 ]} La influencia de Michelino se puede observar en la figura del infante de extremidades robustas y en las áreas de decoración de pastiglia en relieve de la Virgen de la Misericordia , y además en el León de San Marcos de 1415 (in situ) , específicamente en la cola abstracta y las alas decorativas del animal. ^{[ 18 ]}

La influencia de Fabriano se aprecia en el uso que hace Jacobello de lujosos drapeados y una sofisticación decorativa; sin embargo, en lugar de adoptar la atención empírica de Fabriano al detalle de la naturaleza y la estructura de la superficie, Jacobello, como señala Benati, mantuvo un uso estilizado y abstracto de la línea y una devoción por las apariencias metálicas, confiriendo a su obra un aspecto heráldico . ^{[ 19 ]} Esta decisión consciente, como argumenta Benati, marca un cambio en el estilo de Jacobello que regresa fielmente a sus primeras influencias de la tradición local del Trecento de Lorenzo Veneziano . ^{[ 19 ]}

Encargado por la ciudad costera adriática de Fermo , este retablo (Museo Cívico de Fermo) es considerado su obra maestra. ^{[ 18 ]} El primer registro de la obra data de 1763, cuando se registró en el inventario de la iglesia de Santa Lucía en Fermo. ^{[ 20 ]} Las pinturas, restauradas en 1950, resaltan la refulgente belleza del estilo gótico que no pretende ser naturalista. ^{[ 20 ]} En cambio, Jacobello retoma el estilo narrativo de Paolo Veneziano y sus raíces venecianas, en contraposición a seguir la misma dirección que Gentile y Pisanello. ^{[ 18 ]}

Las ocho escenas del retablo representan a Santa Lucía visitando la tumba de Santa Ágata, distribuyendo sus posesiones a los pobres, negándose a sacrificar a los ídolos, resistiendo la atracción de los bueyes hacia un burdel, siendo quemada en la hoguera, siendo apuñalada en la garganta, recibiendo la Sagrada Comunión antes de morir y, finalmente, siendo colocada en su tumba. ^{[ 18 ]} Jacobello sitúa las tres primeras escenas en medio de una arquitectura de estilo gótico y las cinco últimas en espacios abiertos con rocas y hierba, que en sus detalles recuerdan los tapices franceses tejidos al estilo de mil flores . ^{[ 20 ]} Además, Jacobello captura la extravagancia de la vestimenta del siglo XV en la quinta escena que representa su fallida quema en la hoguera. ^{[ 20 ]}

En 1433, Jacobello erigió una tumba en honor a su padre Francesco en San Giovanni e Paolo (actualmente perdida). ^{[ 21 ]} Jacobello vistió la efigie de su padre con una túnica larga para enfatizar su prestigio social. ^{[ 21 ]} Benati señala que este monumento de piedra no solo resalta la elevación de los artistas de la época, de simples artesanos a miembros venerados de la sociedad, sino que también celebra la vocación de la pintura, una profesión que para 1433 le había brindado a Jacobello gran riqueza y fama. ^{[ 21 ]}

Benati concluye: «Fue Jacobello quien tuvo que afrontar el reto de renovar la cultura figurativa local desde dentro, gradualmente, y quien finalmente logró conectar el hilo que la unía a sus principios del siglo XIV. A la luz de su adhesión juvenil al estilo neogiottoesco de Padua, podemos comprender mejor con qué agudeza, a partir de 1407, buscó adaptar la novedad del estilo gótico tardío lombardo a la sensibilidad local». ^{[ 22 ]}

Se cree que durante la década de 1430 fue mentor del joven Carlo Crivelli , quien más tarde sería conocido por sus pequeñas y coloridas témperas de paisajes, frutas, flores y otros accesorios. ^{[ 23 ]} El hijo adoptivo de Jacobello, Ercole del Fiore, aparece en un registro de 1461 que indica su vocación como pintor. Jacobello murió en 1439 a los sesenta años.

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La Virgen con el Niño es una pintura que se alinea con sus contemporáneas y es comparable a ellas. Por ejemplo, la forma en que retrata al niño es, como era de esperar, tosca: el niño parece un adulto reducido a escala y encogido en proporción a María. Esto se debe en parte a que las representaciones renacentistas de niños eran menos sofisticadas que las de adultos.

Sin embargo, los historiadores del arte han señalado que el ambiente general de la Virgen María y el Niño Jesús es inesperadamente tierno y amoroso en comparación con las obras bizantinas que esta pieza evoca. La postura de María es menos rígida que en la mayoría de las representaciones: está ligeramente girada hacia Jesús y lo mira, dos características poco comunes en las obras que Jacobello habría tomado como inspiración. En cuanto al Niño Jesús, su postura es relajada y extiende la mano hacia su madre, lo que también contrasta con el precedente establecido por otras pinturas. Estas elecciones estilísticas distinguen la obra de Jacobello de la de sus contemporáneos, así como de la de los modelos bizantinos anteriores.

El panel sobre el que se realizó esta pintura está adornado con tallas ornamentales, intrincadas y especializadas, en lugar de un fondo pintado. Una capa lisa de oro cubre la mayor parte del espacio alrededor de la Virgen María y Jesús. Jacobello opta por usar colores sólidos y crear patrones e interés visual mediante la talla, en vez de un paisaje pintado como fondo, aunque la vegetación y el follaje están presentes en la pintura. Los halos se representan mediante delicadas tallas alrededor de las cabezas de las figuras.

Como en muchas obras de Jacobello, el sombreado de los personajes de este cuadro no parece provenir de una fuente de luz realista o singular. Esto era común en la pintura de la época, ya que la iluminación y el sombreado realistas, mediante la consideración de una fuente de luz, aún no se habían popularizado. Si bien la representación de la ropa y las telas es avanzada, la representación del follaje y las plantas como parte del paisaje es plana y bidimensional, dadas las influencias bizantinas de esta pintura. Las piernas de la Virgen María aparecen desproporcionadamente largas.

Los historiadores del arte presumen que el pequeño panel de la Crucifixión en Ohio era una parte de una obra mayor o retablo. Cristo se presenta en el mismo plano que las demás figuras del cuadro, pero parece mucho más grande que cualquier otra persona en la composición. El predominio proporcional de Cristo en la composición ejemplifica una técnica común del Renacimiento utilizada para enfatizar un sujeto. La mayor parte del color brillante de esta pieza proviene de la vestimenta, con tonalidades que van del rojo al azul y al naranja. El color de la vestimenta se ve especialmente acentuado por los tonos de piel de las figuras, que se han atenuado y desvanecido con el tiempo. ^{[ 25 ]}

Aunque la multitud que rodea a Jesús pueda parecer dispersa al azar, en realidad se sitúa en una especie de secuencia o línea temporal, e incluye a figuras importantes como San Juan y María Magdalena. Las figuras tienen un significado secuencial y cronológico al observarlas de izquierda a derecha, ya que narran la historia que conduce a la crucifixión representada en la pintura. La composición muestra un uso rudimentario de la perspectiva: si bien no parece haber un punto de fuga o una línea de horizonte fijos o estándar, la madera de la cruz y la piedra del muro tras Cristo parecen tener profundidad. Las rocas presentes en primer plano están representadas de forma realista en cuanto a las sombras.

La Crucifixión demuestra el dominio de Jacobello en anatomía humana y sus intentos por representar las figuras en posturas más naturales y realistas que en el pasado. Esta obra, una de las más famosas, es utilizada por los historiadores del arte para ilustrar la evolución de Jacobello y sus primeros intentos de diferenciarse de los estilos artísticos ítalo-bizantinos que lo precedieron.

La Virgen con el Niño es considerada por los historiadores del arte como una de las obras más importantes y representativas de Jacobello. Utiliza las proporciones humanas más realistas de toda su obra, a pesar de haber sido creada durante una etapa en la que sus obras se inspiraban en la sensibilidad bizantina de los artistas venecianos de principios del siglo XIV. La representación del Niño Jesús en esta obra es inusualmente realista y está proporcionada con precisión a la forma en que un bebé pequeño se vería y estaría posicionado junto a su madre.

Aunque el estado actual de la Virgen con el Niño es deficiente, los colores se han conservado bastante bien y mantienen su viveza. En su estado original, se presume que la Virgen con el Niño fue una de las obras más brillantes de Jacobello, especialmente si se compara con las paletas de colores más oscuras de sus piezas posteriores, de inspiración gótica, como La justicia entre los arcángeles Miguel y Gabriel y La coronación de la Virgen . El brillo de esta obra proviene principalmente de la vestimenta de la Virgen María y el Niño Jesús. María luce un gran estampado llamativo en una de sus telas, una característica única de esta pintura dentro del repertorio de Jacobello. La Virgen con el Niño tiene un fondo dorado sólido, aunque carece de la compleja ornamentación, el tallado o los patrones presentes en otras de sus obras. Los halos se crean mediante la textura del panel.

Esta obra es importante en la trayectoria de Jacobello a ojos de los historiadores del arte porque ilustra su evolución a lo largo del tiempo y también muestra su influencia, ya que las obras de otros artistas como Antonio Vivarini y Giambono emulan esta obra. ^{[ 2 ]}

El tríptico de la Virgen de la Misericordia representa a la Virgen María en posición central, flanqueada a un lado por San Juan Bautista y al otro por San Juan Evangelista . La Virgen María está rodeada de una multitud de personas. Las figuras ocupan poca profundidad, y el fondo liso y dorado presenta escasa ornamentación en forma de tallas o motivos.

Esta obra representa el inicio del regreso de Jacobello al estilo por el que originalmente sentía afinidad: la pintura veneciana de principios del siglo XIV, inspirada en el arte bizantino. La paleta de colores y el sombreado de las figuras se asemejan más a algunas de las primeras obras de Jacobello, como la Crucifixión, que a sus obras posteriores, de inspiración gótica, como La Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel. Si bien los historiadores del arte consideran este movimiento una vuelta a un estilo anterior por parte de Jacobello, no lo consideran una regresión en cuanto a su destreza técnica.

Los elementos de esta obra que corroboran las afirmaciones de estos historiadores del arte son la representación de la tela, el cabello y la piel, en comparación con las obras anteriores de Jacobello. La iluminación y el sombreado de las prendas y telas son consistentes, los tejidos presentan mayor detalle que en otras obras de Jacobello, y las sutiles texturas distinguen una tela aterciopelada de una más sedosa. Se emplean efectos adicionales, como el deshilachado de la figura de la izquierda y los intrincados detalles de los ribetes de algunas prendas.

La superficie rocosa del extremo izquierdo de la imagen está representada con maestría, y se aprecia una notable mejora en la representación de la vegetación en esta pintura en comparación con la Virgen con el Niño . Dado que se desconoce la fecha de creación de la Virgen con el Niño , los historiadores del arte pueden utilizar el Tríptico de la Virgen de la Misericordia como referencia para determinar que esta obra se completó antes que la primera. El follaje del Tríptico de la Virgen de la Misericordia está coloreado con precisión, sombreado de forma realista y con capas adecuadas. El cabello es rizado y estilizado, y la piel se representa de forma similar a como aparece en las obras anteriores de Jacobello del mismo estilo, aunque aquí se aprecian arrugas más realistas.

La composición de esta pieza favorece una sensibilidad de inspiración bizantina debido a la forma en que las distintas representaciones de figuras están delimitadas y seccionadas. La diferencia proporcional entre las representaciones humanas es más drástica que en otras obras de Jacobello. La gente común que rodea a la Virgen María es tan pequeña que la Virgen la protege bajo su vestimenta. Las figuras presentan proporciones corporales más estilizadas de lo habitual en Jacobello. Su exagerada delgadez se observa especialmente en las piernas expuestas de la santa de la izquierda. Los halos son menos etéreos que en otras obras de Jacobello.

Pintado para el Magistrato del Proprio en el Palacio Ducal en 1421 (ahora en las Gallerie dell'Accademia , Venecia), y también conocido simplemente como El Tríptico de la Justicia , Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel estableció un estilo distintivo que dictó la pintura veneciana durante más de una década. ^{[ 18 ]} La figura central representa tanto la justicia como Venecia, con una balanza en una mano y una espada de castigo en la otra. ^{[ 18 ]} El pergamino detrás de su cabeza dice: "Llevaré a cabo la amonestación de los ángeles y la palabra sagrada: gentil con los piadosos, severa con los malvados y altiva con los orgullosos". ^{[ 18 ]} En el panel izquierdo, San Miguel lucha contra un dragón y sostiene un pergamino que pide a Venecia/Justicia que "encomiende las almas purificadas a las balanzas de la benignidad". ^{[ 18 ]} En el panel derecho, el ángel Gabriel se declara mensajero de María y pide a Venecia que guíe a los hombres a través de la oscuridad. Como tribunal civil y penal, esta comisión celebra ambas funciones del Magistrato del Proprio. ^{[ 1 ]} El San Miguel de Giambono y el retablo de la Virgen con Santos de Michele di Matteo rinden homenaje a este tríptico, testimonios de su influencia. ^{[ 18 ]}

La Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel es una de las obras más famosas de Jacobello. Es uno de sus cuadros más largos, con más de 400 centímetros de ancho, y marca la cúspide de su transición estilística hacia una sensibilidad más gótica. Esto se aprecia en la composición, en la postura y disposición de las figuras, y en otros detalles sutiles.

El cambio estilístico que experimentó Jacobello se atribuye, según muchos historiadores del arte, a Gentile de Fabriano, a quien la República de Venecia encargó pintar la Sala del Gran Consejo del Palacio de los Dogos, líderes religiosos de Venecia. Al aceptar este encargo, Gentile pintó con inspiración gótica cortesana. Este estilo influyó en muchos artistas venecianos de la época que, hasta entonces, habían practicado un estilo pictórico veneciano de principios del siglo XIV, más influenciado por el arte bizantino.

La obra «La Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel» se diferencia de algunas de las obras anteriores de Jacobello por su textura. Si bien el uso de la textura para definir el borde y el fondo ya se había visto en algunas de sus obras previas, como « La Virgen con el Niño» , aquí la textura describe la armadura y los elementos decorativos de ambos arcángeles, parte de la vestimenta de la mujer que representa a la Justicia, la empuñadura de su espada, su corona y sus balanzas. La representación de animales también es poco común en Jacobello, pero se aprecia aquí con los dos leones venecianos que flanquean a la Dama Justicia . Las aureolas de los dos arcángeles son más detalladas y complejas que las de las figuras en otras obras de Jacobello. Se observa una mejora en la representación de la tela, la piel humana, el cabello y el sombreado uniforme. El nivel de detalle de esta obra es una de las razones por las que los historiadores del arte la consideran la cúspide de la fase gótica de Jacobello, importante no solo como un hito en su carrera, sino también como una progresión de sus habilidades y destrezas técnicas. Fue el conocimiento que Jacobello adquirió y el dominio de la técnica que logró a través de esta obra lo que le permitió, posteriormente, volver a sus raíces con confianza, cuando sus trabajos se inclinaron más hacia un estilo de inspiración bizantina.

Esta pintura también se considera más metafórica y simbólica que otras obras de Jacobello, incluso que aquellas cargadas de simbolismo, como la Coronación de la Virgen y la Crucifixión , porque La justicia entre los arcángeles Miguel y Gabriel , como indica el título, contiene una manifestación física del concepto de justicia. Esta obra está dividida en tres secciones, lo que lleva a los historiadores a sospechar que La Crucifixión fue concebida originalmente como una división, siendo la Crucifixión misma la pieza central.

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Una de las obras más grandes descubiertas de Jacobello, esta pintura mide casi 300 centímetros de ancho y alto, y representa la entrada de la Virgen María al cielo, simbolizada metafóricamente por su hijo Jesús, quien la corona ante una gran multitud. El borde de la pintura es rectangular en la parte inferior, con dos esquinas, y redondeado en la parte superior, formando un alargamiento. En el centro se encuentran Jesús y María, sentados en elaborados tronos.

El entorno arquitectónico está repleto de figuras de gran importancia religiosa, que conforman una especie de audiencia ceremonial para la coronación de María. Estas figuras forman parte del canon bíblico cristiano y de la Iglesia Católica, ya fallecidas, y, según la tradición, acompañan a la Virgen María en su camino al cielo. Hay figuras sentadas a la izquierda y a la derecha de Jesús y María, e incluso debajo de ellos, tanto dentro de las columnas de la estructura sobre la que se sientan, como en una capa inferior, entre la vegetación que se encuentra bajo la base del edificio. La vestimenta de estas figuras permite distinguir, mediante el color de la tela, a diferentes tipos de personas, como apóstoles, mártires, santos, vírgenes y ángeles. La pintura presenta una coloración oscura, aunque resulta difícil determinar cómo se compara su estado actual con el de la obra original en cuanto al color.

Las aureolas de Jesús y María se representan como círculos dorados opacos detrás de sus cabezas. Si bien el ambiente de la obra es reverente y ceremonial, también presenta elementos festivos, como un coro angelical, instrumentos musicales y follaje que alude al Jardín del Edén . Jesús y María aparecen representados con un tamaño significativamente mayor que las demás figuras para enfatizar su importancia.

Durante muchos años después de su muerte, Jacobello del Fiore no recibió el reconocimiento que los expertos consideran apropiado hoy como uno de los principales artistas venecianos de su época. ^{[ 26 ]} Keith Christiansen escribe en su libro sobre Gentile da Fabriano: «Jacobello del Fiore sufre una mayor incomprensión crítica que cualquier otro artista veneciano temprano. R. Longhi lo juzgó como una personalidad menor que Niccolò di Pietro o Zanino porque sus obras parecían estar profundamente vinculadas a la pintura veneciana más que a la continental. De hecho, Jacobello fue el mayor artista local de su generación». ^{[ 27 ]} Historiadores del arte como Daniele Benati han aclarado el papel de Jacobello como vínculo entre el emergente estilo gótico tardío de los artistas de Lombardía y la tradición local del Trecento de los pintores venecianos, restituyendo su importante papel en el arte veneciano y los estilos cambiantes de la época. ^{[ 22 ]} Benati concluye: «Fue Jacobello quien tuvo que afrontar el reto de renovar la cultura figurativa local desde dentro, gradualmente, y quien finalmente logró conectar el hilo que la unía a sus principios del siglo XIV. A la luz de su adhesión juvenil al estilo neogiottoesco de Padua, podemos comprender mejor con qué agudeza, a partir de 1407, buscó adaptar la novedad del estilo gótico tardío lombardo a las sensibilidades locales». ^{[ 22 ]}

No se conoce ningún retrato de Jacobello. A pesar de su influencia y prominencia en el panorama pictórico veneciano del Renacimiento de principios del siglo XV, Jacobello del Fiore no es recordado como una figura clave del Renacimiento. Las pinturas de Jacobello del Fiore constituyen fuentes primarias fundamentales tanto para historiadores del arte como para investigadores aficionados que deseen comprender a este artista.