JoAnne Carson

Las primeras pinturas construidas de Carson fueron obras grandes y complejas que presentaban astutas referencias al arte modernista , imágenes fragmentadas interpenetrantes y formas construidas y objetos encontrados (por ejemplo, televisores destripados, sillas de madera, guitarras, contraventanas) que camuflaba con pintura ilusionista y perspectivas multiplicadoras de tipo cubista . ^{[ 19 ] [ 6 ] [ 30 ] [ 31 ] [ 24 ]} Críticos como Ken Johnson las describieron como obras de tipo remolino o "tornado" que explotaban el espacio superficial de la pintura tradicional, reuniendo caprichosamente elementos generalizados en un vórtice referencial que destacaba por su atención a la composición y el acabado. ^{[ 32 ] [ 33 ] [ 12 ]} Susan Freudenheim de Art in America sugirió que obras como The Broken Pitcher (1982) o Palettable (1981) ^{[ 34 ]} representaban tanto una lucha edípica "purgativa" contra los maestros modernistas como una reinterpretación de ellos, comparando la primera obra con "un encuentro entre un huracán y Naturaleza muerta de Cézanne , ca. 1900". ^{[ 6 ]}

Después de la residencia de Carson en Roma (1983-1984), escritores como Peter Frank notaron una nueva síntesis de influencias renacentistas , indicada por paletas más ricas y detalles pictóricos, así como por su mayor interés en la figura humana, las leyendas y los mitos. ^{[ 5 ] [ 3 ] [ 35 ] [ 36 ] [ 16 ]} Estas pinturas eran estructuralmente más planas, pero texturalmente más densas, sus superficies repletas de juegos de palabras, símbolos, ilusiones, patrones ornamentados y ambigüedad espacial; en algunas, los elementos y objetos fragmentados hacían referencia a obras cubistas de Juan Gris y Braque (por ejemplo, Vista del callejón , 1983), mientras que las obras narrativamente más elaboradas recordaban las viñetas de Hieronymus Bosch y Giorgio de Chirico (por ejemplo, Serpientes y escaleras , ^{[ 10 ]} 1985). ^{[ 37 ] [ 38 ] [ 39 ] [ 40 ]} Dan Cameron los describió como dirigidos "directamente al presente posmoderno", su imaginería narrativa "dividida entre un pasado romantizado y un presente que sufre de agotamiento mediático". ^{[ 4 ] [ 22 ]} La curadora del MCA Chicago, Lynne Warren, los llamó "rapsodias sobre la riqueza visual solo posible en el siglo XX". ^{[ 3 ]}

A finales de la década de 1980, Carson volvió a un trabajo más escultórico que las críticas destacaron por su mayor urgencia, su sensibilidad cada vez más surrealista y sus inquietantes referencias al cuerpo, la identidad fragmentada, la pérdida y el deseo. ^{[ 41 ] [ 42 ] [ 25 ]} Carnival of Values ​​(1990) tipificó este trabajo; era un gran lienzo ovalado que presentaba a un hombre con sombrero bombín, al estilo de Magritte, superpuesto sobre el chasis de un televisor con brazos y piernas que sobresalían y un gran ojo en el centro, rodeado de números tridimensionales que parecían relojes y un sombrero invertido lleno de sangre que se derramaba. ^{[ 42 ]} Este trabajo culminó con el relieve transicional de figura-planta, de tamaño mayor que el natural, Tree of Desire (1993), cuya forma y simbolismo fecundo señalaron la inminente adopción por parte de Carson de la imaginería relacionada con la naturaleza. ^{[ 7 ]}

Durante la década de 1990, el trabajo de Carson pasó de la pintura al relieve pintado a esculturas de pared meticulosamente detalladas centradas en plantas (por ejemplo, Yellow Rose , 1999) ^{[ 43 ]} a escultura tridimensional independiente a principios de la década de 2000; ^{[ 2 ] [ 44 ] [ 45 ]} ella ha comparado su proceso durante ese tiempo con la construcción de grandes dibujos en el espacio. ^{[ 46 ]} Su relieve de 1999 Wood Nymph combinó fantasía, realidad e ilusión en una figura de ocho brazos, que empuñaba un pastel y carecía de torso, similar a Kali , que parecía emerger de una sección transversal de secuoya de California, que en realidad era madera, fibra de vidrio, tela y yeso perfectamente integrados bajo una chapa de vetas de madera en trampantojo . ^{[ 44 ]} La exposición individual de Carson en 2001 en la galería Plus Ultra consistió en una única escultura independiente: el Bouquet de nueve pies de altura, de resina termoplástica y aguamarina , un arreglo de color turquesa-púrpura helado que mezclaba flores reconocibles, anatómicamente correctas e imaginarias, ligeramente siniestras. ^{[ 2 ] [ 9 ]} Roberta Smith escribió que la fragilidad y la escala exagerada de la obra generaban una belleza descaradamente decorativa y "vertiginosa", y metáforas que abordaban temas desde la ingeniería genética hasta la tolerancia social y la coexistencia. ^{[ 2 ]}

La escultura posterior de Carson adquirió una cualidad más colorida y caprichosa, ofreciendo variaciones independientes sobre la mutación y la decoración a través de formas híbridas inventadas de flores y animales. ^{[ 47 ] [ 48 ] [ 26 ]} Obras como Puppet's Dream (2004), Blue (2006) y Sampler (2007) representaban criaturas entrelazadas de seis, cuatro y dos patas que brotaban grupos festivos de flores, espirales, hojas y pompones que oscilaban entre lo orgánico y lo sintético; en la escultura posterior, Chlorophylia (For a World without Color) (2017), Carson volvió al monocromo gélido de Bouquet . ^{[ 49 ] [ 8 ] [ 50 ] [ 51 ]} Carson exhibió su escultura extensamente en galerías y lugares como la American Academy of Arts and Letters, el Brooklyn Museum of Art y el National Academy Museum. ^{[ 9 ] [ 26 ]}

Carson volvió a la pintura en la década de 2010, expandiendo pictóricamente el mundo de sus esculturas con paisajes imaginarios y futuristas y retratos florales que sugieren dramas narrativos con plantas como protagonistas. ^{[ 52 ] [ 1 ]} Sus dibujos forman un paso visual y conceptual entre su pintura y escultura; todos fueron exhibidos juntos en sus muestras, "Hyper Flora" (2018, Big Town Gallery) y "¡Levántate y brilla!" (retrospectiva de 2019, Sage College of Albany ). ^{[ 8 ] [ 51 ] [ 53 ]} Al igual que su trabajo temprano, la pintura posterior de Carson se nutre de influencias del arte "elevado" como el Cubismo y el Surrealismo, así como de inspiraciones de la cultura popular, como los dibujos animados de Looney Tunes . ^{[ 8 ] [ 52 ] [ 54 ]} Los críticos los describen como espectáculos exagerados y alucinógenos que "se tambalean al borde de lo pintoresco y lo grotesco", ^{[ 7 ]} poblados por vegetación híbrida antropomórfica, viva con pétalos expresivos y patrones sintéticos, parecidos a píxeles ( Early Spring , 2011) u ojos, colmillos y extremidades animadas ( Knotty Pine , 2016); ^{[ 55 ] [ 52 ] [ 8 ]} las reseñas los han comparado con las imágenes fantásticas del cineasta Tim Burton , Los Simpson y La pequeña tienda de los horrores . ^{[ 56 ] [ 48 ] [ 53 ]}

Los críticos consideran que la intención de esta obra posterior es tragicómica, tanto aleccionadora como celebratoria. ^{[ 14 ] [ 8 ] [ 57 ]} Aborda directamente la fetichización histórico-artística de la naturaleza como espiritual, auténtica (por ejemplo, la obra de Constable y la Escuela del Río Hudson ) o nutridora feminizada, así como las ansiedades contemporáneas con respecto al uso agresivo de la tierra, el cambio climático, el pasado " arcadio " perdido y lo que es "natural" en una era de clonación, ingeniería genética y manipulación tecnológica; Carson describe esto último como "el deseo paradójico de la cultura de creer en la ciencia como la nueva alquimia". ^{[ 57 ] [ 8 ] [ 14 ] [ 28 ]} Al mismo tiempo, los escritores consideran el deleite en la energía y el crecimiento desbordantes, el color exuberante y la mutación extraña en obras como Wishful Thinking y Breezy (ambas de 2019) como un testimonio de la posibilidad de la belleza y el ingenio de la vida, incluso en condiciones extremas. ^{[ 8 ] [ 14 ] [ 28 ] [ 53 ]}

Desde 2011, Carson ha cultivado un gran jardín escultórico en terrazas en su propiedad en la zona rural de Shoreham, Vermont , ^{[ 58 ]} que ella concibe como una pintura de paisaje dimensional y viva y una práctica que se superpone a su arte, con inspiración fluyendo en ambas direcciones. ^{[ 15 ] [ 14 ] [ 28 ] [ 7 ]} Al igual que las formas en sus pinturas y esculturas, el jardín es un híbrido de domesticado y salvaje, orgánico y "sintético" (como en diseñado por el hombre), que combina piedras de pizarra, topiarios de hoja perenne con forma de espirales cónicas, árboles frutales, hortensias y una extensa variedad de plantas perennes; ^{[ 28 ] [ 7 ]} el escritor Ric Kasini Kadour describe el jardín como semejante a uno que el Dr. Seuss podría haber plantado. ^{[ 28 ]}