Kazuo Yagi

Yagi nació en Kioto el 4 de julio de 1918. Fue el primer hijo del alfarero Issō Yagi , cuyo taller se encontraba en el barrio de Gojōzaka de Kioto, el centro tradicional de la cerámica kyōyaki (cerámica de Kioto). ^{[ 1 ]} Issō fue uno de los primeros reformadores de la cerámica, afirmando su potencial como forma de arte. Quizás por esta razón, Yagi fue enviado a tomar clases de escultura. ^{[ 2 ]} En 1937 se graduó del programa de escultura de la Kyoto Shiritsu Bijutsu Kōgei Gakkō (Escuela de Arte y Artesanía de la Ciudad de Kioto, hoy Kyoto Shiritsu Geijutsu Daigaku o Universidad de las Artes de la Ciudad de Kioto ). ^{[ 3 ]}

Tras graduarse en la universidad, Yagi se convirtió en aprendiz en el Kokuritsu Tōjiki Jikenjō (Instituto Nacional de Investigación Cerámica), que había estado dirigido por el Ministerio de Agricultura y Comercio desde 1920. Se unió a la Nihon Tōchō Kyōkai (Asociación Japonesa de Escultura Cerámica) por invitación de su fundador, el escultor de cerámica Ichiga Numata. Numata se formó en la manufactura de porcelana francesa de Sèvres y pasó un tiempo en el taller de Auguste Rodin , aprendiendo el arte de la escultura cerámica. ^{[ 2 ]} Numata creó esculturas de animales en arcilla roja gruesa, lo que inspiró a Yagi a intentar crear obras similares. ^{[ 4 ]} Yagi también trabajó en el taller de Numata.

En 1939, fue reclutado por el ejército y enviado a China para el servicio militar, pero fue dado de baja al año siguiente debido a una enfermedad. A su regreso, se unió a la sociedad de exposiciones de nihonga de vanguardia Rekitei Bijutsu Kyōkai (Asociación de Arte Progreso) . Trabajando en contra de la estética tradicional, el grupo exploró las tendencias de la pintura europea de vanguardia de Wassily Kandinsky , los artistas surrealistas y la Bauhaus . Además de pinturas, la sociedad exhibió obras de cerámica , fotografía , ikebana y bordado en sus exposiciones. ^{[ 5 ]} A través de esta sociedad de exposiciones , Yagi se familiarizó con las obras de arte de la vanguardia europea. ^{[ 6 ]} Sin embargo, después de que la sociedad se disolviera debido a la Segunda Guerra Mundial , Yagi dejó temporalmente de trabajar en cerámica y se convirtió en profesor durante el tiempo que duró la guerra.

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial , Yagi dejó su trabajo como profesor y se dedicó de nuevo a la cerámica. Sus obras se exhibieron en la segunda y tercera edición de la Nihon Bijutsu Tenrankai («Nitten», la exposición colectiva patrocinada por el gobierno). También expuso en la Exposición Municipal Anual de Kioto («Kyōten»), donde ganó un premio por su obra Kinkanshoku («Eclipse Anual»), y en exposiciones de la Asociación Pan-Real de Arte. En 1946, participó en la creación del Seinen Sakutōka Shudan (Colectivo de Jóvenes Alfareros), un grupo que buscaba establecer nuevas expresiones en la cerámica acordes con la sociedad de posguerra. ^{[ 3 ]} El colectivo organizó tres exposiciones colectivas antes de disolverse en 1948. ^{[ 7 ] [ 8 ]} Yagi también participó en actividades artísticas de vanguardia fuera de la alfarería y la cerámica; por ejemplo, fue miembro fundador del Gendai Bijutsu Kondankai (Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo) en 1952. ^{[ 9 ]}

En 1948, Yagi y sus colegas Osamu Suzuki , Hikaru Yamada, Yoshisuke Matsui y Tetsuo Kano, del Seinen Sakutōka Shudan, fundaron Sōdeisha («Asociación de Arrastrarse por el Barro»), un grupo de arte cerámico de vanguardia . ^{[ 7 ]} Su manifiesto, inspirado en el lenguaje surrealista , declaraba sus objetivos radicales para la cerámica, proclamando: «Nos unimos no para ofrecer un “cálido lecho de sueños”, sino para aceptar nuestra existencia a plena luz del día». ^{[ 10 ]} Como grupo, se comprometieron a dejar de hacer referencia a modelos de cerámica antiguos y a no presentar sus obras a la Nitten ni a otras exposiciones de salón. En cambio, organizaron sus propias exposiciones colectivas anuales independientes. A diferencia de los salones con jurado, las exposiciones de Sōdeisha no distinguían entre bellas artes y cerámica, difuminando la frontera, como se refleja en sus obras. ^{[ 11 ]} Sōdeisha continuó activa después de la muerte de Yagi en 1979, y finalmente se disolvió en 1998. ^{[ 12 ]}

En 1950, Yagi recibió un reconocimiento internacional temprano cuando varias de sus obras fueron incluidas en una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York , titulada Objetos domésticos japoneses. ^{[ 13 ]} Las obras fueron adquiridas por Antonin Raymond y Noémi Raymond a petición de Philip Johnson , entonces curador de Arquitectura y Diseño del MoMA. ^{[ 14 ]}

Yagi y los miembros de Sōdeisha continuaron experimentando con nuevas expresiones en la cerámica. Yagi se inspiró notablemente en la obra de Isamu Noguchi , quien visitó Japón en 1950 y 1952 y produjo varias obras de cerámica inspiradas en la cerámica japonesa prehistórica de los períodos Yayoi y Kofun , con escultura abstracta. ^{[ 15 ]} Su habilidad para crear esculturas con arcilla como síntesis de la estética japonesa y occidental impulsó las propias aspiraciones de Yagi de llevar la cerámica hacia nuevas direcciones. Sin embargo, a diferencia de Noguchi, quien simplemente utilizaba la arcilla como medio, Yagi no aspiraba a destruir por completo la tradición cerámica en Japón, sino que pretendía llevar ese legado al límite con nuevos tipos de cerámica. ^{[ 16 ]}

En 1954, Yagi presentó su primera obra de cerámica no funcional, Zamuza-shi no sanpō (El paseo del Sr. Samsa). Al rechazar la funcionalidad del recipiente cerámico, la obra de Yagi abrió un nuevo género en el mundo de la cerámica japonesa: el llamado obuje-yaki (" objeto cocido en horno "). Tras el debut de esta obra, Yagi y los miembros de Sōdeisha comenzaron a rechazar gradualmente más y más elementos de la cerámica tradicional, como el uso del torno y del esmalte . Los miembros de Sōdeisha comenzaron a experimentar con obras de cerámica completamente sin esmaltar. ^{[ 17 ]}

A finales de la década de 1950, los miembros de Sōdeisha comenzaron a trabajar con estilos claramente individuales, en lugar de utilizar materiales y métodos similares. ^{[ 17 ]} Por ejemplo, en 1957, Yagi comenzó a trabajar con kokutō ("cerámica negra"). ^{[ 18 ]} Estas obras se incluyeron en la exposición La Nueva Pintura y Escultura Japonesa, organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York y que se inauguró en el Museo de Arte de San Francisco antes de itinerar a otros lugares. ^{[ 19 ] [ 20 ]}

En 1962, Yagi y su colega de Sōdeisha, Yamada, fundaron Mon Kōbō (Taller de la Esquina), una empresa de diseño industrial donde diseñaron objetos cerámicos funcionales destinados a la producción en masa. ^{[ 21 ] [ 22 ]} Los diseños estaban pintados con engranajes de reloj sumergidos en pigmento negro pintado sobre engobe blanco, que recuerdan a la cerámica china de Cizhou . ^{[ 23 ]} Estos diseños son evidencia del interés constante de los artistas en la cerámica como objetos funcionales.

Yagi se convirtió en profesor de la Universidad de Artes de la Ciudad de Kioto en 1971. ^{[ 24 ]} Ese mismo año, él y el diseñador gráfico Ikkō Tanaka diseñaron las medallas para los Juegos Olímpicos de Invierno de 1972 en Sapporo . Yagi diseñó el anverso de la medalla, que pretendía evocar la nieve y el hielo de Japón, y Tanaka diseñó el reverso. ^{[ 25 ]}

A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, los miembros de Sōdeisha , incluido Yagi, experimentaron principalmente con formas de modernizar el uso del engobe y los pigmentos. ^{[ 26 ]} Yagi comentó que, en última instancia, estaba tratando de encontrar una manera de armonizar la estética de la pintura moderna con la estética shibui ("sobrio, sobrio, discreto") de la cerámica japonesa. ^{[ 27 ]} A finales de la década de 1940, Yagi ya estaba profundamente influenciado por las imágenes de la cerámica de Pablo Picasso , particularmente por la capacidad de las obras para funcionar tanto como recipiente como medio de representación. Yagi talló la imagen de un rostro en una jarra de este período ( Jarra con figura incrustada, 1949). ^{[ 28 ]} Aunque la imagen recuerda a Picasso, el uso de pigmento oscuro sobre engobe blanco recordaba a las antiguas cerámicas chinas de Cizhou y a las cerámicas coreanas de buncheong . ^{[ 29 ]} Las obras de Yagi seleccionadas para la exposición del MoMA de 1951 fueron descritas como "influenciadas por Klee , Miró y Picasso . Si bien su técnica es tradicional, sus formas presentan una nueva perspectiva en el arte japonés y son de su propia invención". ^{[ 30 ]}

Yagi y los miembros de Sōdeisha estuvieron a la vanguardia de un cambio importante en el mundo de la cerámica japonesa: la transición de la cerámica como objetos de uso cotidiano a objetos exhibidos en exposiciones y rara vez manipulados. Si bien la cerámica fue excluida inicialmente de la exposición de Nitten, durante la vida de Yagi se incluyó y estas obras fueron perdiendo gradualmente su funcionalidad cotidiana. ^{[ 31 ]} Las exposiciones independientes de Sōdeisha cuestionaron aún más los límites entre el arte y la cerámica.

Obuje-yaki (" objeto cocido en horno ") describe el desafío más radical a la separación entre cerámica y escultura, ya que las obras se crean con arcilla y se cuecen en un horno , pero no tienen función y se aprecian principalmente por su forma visual. Zamuza-shi no sanpō ( El paseo del Sr. Samsa ) de Yagi, de 1954, es ampliamente considerado como el primer y más famoso ejemplo de obuje-yaki. ^{[ 16 ]} Debutó en la exposición Sodeisha de 1954 y se mostró nuevamente en la primera exposición individual de Yagi en el Forumu Garō (Galería Formes) en Tokio en diciembre de 1954. El título de la obra hace referencia a Gregor Samsa , el hombre que se convierte en cucaracha en La metamorfosis de Franz Kafka . ^{[ 32 ]} La obra está compuesta por un gran anillo de arcilla que se sostiene verticalmente sobre una serie de pequeñas patas en forma de tubo que recuerdan a la cucaracha epónima. Debido a su orientación vertical, el objeto carecía de una función o uso claro. Y aunque Yagi utilizó el torno de alfarero para crear el anillo primario de arcilla y los tubos, rechazó conscientemente la función tradicional del torno de alfarero de elevar la arcilla hasta darle forma de vasija. ^{[ 33 ]}

A pesar de introducir una obra tan radical en el mundo de la cerámica japonesa, ciertos aspectos de Zamuza-shi no sanpō demuestran el compromiso constante de Yagi con la preservación de aspectos clave de la cerámica japonesa y su historia. El obuje-yaki de Yagi nunca se apartó de la arcilla cocida en horno y a menudo hacía referencia a la loza prehistórica o a las técnicas de vidriado chinas. El vidriado de Zamuza-shi no sanpō es jōkon-yū , un vidriado a base de ceniza de madera que es bastante translúcido pero se solidifica formando gotas y vetas marrones sobre la superficie del objeto. ^{[ 8 ]} En los círculos alfareros de Kioto, este se consideraba un tipo de vidriado de baja calidad, tosco y barato. ^{[ 34 ]} El esfuerzo de Yagi por utilizar materiales cerámicos tradicionales de formas novedosas también puede verse como parte de un esfuerzo mayor por reexaminar el papel y la forma de las artes tradicionales japonesas en el período inmediatamente posterior a la guerra. ^{[ 35 ]}

Aunque Zamuza-shi no sanpō es uno de los ejemplos más famosos de obuje-yaki, formaba parte de una tendencia más amplia en la cerámica japonesa. Tras la guerra, se produjo un gran esfuerzo en el mundo de la cerámica japonesa para elevar esta práctica del ámbito artesanal al artístico. El trabajo de Yagi con obuje-yaki puede considerarse parte de una reacción contra la cerámica mingei (arte popular) y el movimiento artesanal, que estaba inextricablemente ligado a las ideologías nacionalistas que impulsaron el militarismo japonés de las décadas de 1930 y 1940. Al alinear la cerámica con las artes en el período de posguerra, Yagi y otros lograron ampliar los límites de lo que constituía "cerámica". ^{[ 36 ]} Este impulso también se vio influenciado por la exposición a los nuevos desarrollos del arte europeo y estadounidense durante la ocupación estadounidense , que atrajo la atención hacia los estilos tradicionales de la cerámica y el potencial de innovación. ^{[ 35 ]}