Kendall Shaw

George Kendall Shaw (30 de marzo de 1924 - 18 de octubre de 2019) fue un pintor estadounidense afincado en Nueva Orleans , cuya trayectoria abarcó diversos estilos artísticos, desde el expresionismo abstracto hasta el arte pop , el minimalismo , el diseño y el color, con una marcada emotividad, el uso de patrones, formas y colores vibrantes como elementos predominantes. La obra de Shaw incluye una serie de 30 pinturas basadas en la Torá del Antiguo Testamento , así como trabajos recientes con colores puros que él denominó "minimalismo cajún".

Shaw nació en Nueva Orleans y cursó allí la escuela secundaria. En 1943, se alistó en la Armada de los Estados Unidos , donde fue operador de radio en un bombardero en picado SPB Dauntless mientras buscaba submarinos alemanes frente a la costa del Atlántico medio. Después de la guerra, asistió al Instituto Tecnológico de Georgia y a la Universidad de Tulane , graduándose de Tulane en 1949 con una licenciatura en Química. De 1950 a 1951, tomó cursos de arte y química orgánica en la Universidad Estatal de Luisiana , estudiando con el pintor visitante O. Louis Guglielmi. En 1951, Shaw se mudó al área de la ciudad de Nueva York como investigador químico para Stauffer Chemical . En Nueva York, continuó su relación con Guglielmi en The New School , donde también estudió con Stuart Davis y en el Museo de Brooklyn con Ralston Crawford . ^{[ 1 ] [ 2 ]} De Davis, adquirió los conceptos de usar el color como música, con todas las formas en una pintura positivas, sin que ninguna domine a las demás. ^{[ 3 ]}

En 1953, dejó Stauffer Chemical, decidido a dedicarse a su arte, y regresó al sur profundo donde probó suerte en la prospección de petróleo. En 1957, Shaw regresó a Tulane, donde enseñó y se graduó en 1959 con una Maestría en Bellas Artes (MFA). Durante este período, Shaw fue asistente de enseñanza de Ida Kohlmeyer y Kurt Kranz, también estudió con George Rickey , y particularmente con Mark Rothko , quien enseñaba en Tulane. De Rothko, Shaw adquirió su uso del color para transmitir sentimiento y emoción, y su visión de que una buena pintura debe comunicar las emociones del pintor directamente al observador, particularmente a través del color. ^{[ 4 ]} Rothko le enseñó, como dice Shaw, "que la pintura es un animal vivo, y el color es su sangre". ^{[ 5 ]} En 1961, Shaw se convirtió en residente permanente de la ciudad de Nueva York, trabajando, durante una carrera docente de 25 años, como profesor asistente en la Escuela de Arquitectura de Posgrado de la Universidad de Columbia; Directora interina de la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn e instructora en Hunter College ; Lehman College ; el Fashion Institute of Technology y la Parsons School for Design en The New School. ^{[ 6 ]}

Si bien las obras maduras de Shaw derivan de su fascinación por los ritmos de la energía, había comenzado a alejarse de la abstracción geométrica y los tonos grises de los minimalistas para adoptar un estilo más fluido y vivo de colores, cuadrículas y patrones. ^{[ 7 ]} Sin embargo, se dio a conocer por primera vez por una serie de pinturas de siluetas de 1962-1966 de acción deportiva llena de energía que rozaban la abstracción con formas recortadas sin rasgos de figuras o incluso partes del cuerpo involucradas en la acción, como una mano o una pierna, colocadas sobre un fondo austero de dos o tres colores contrastantes, como blanco sobre rojo y negro sobre gris. ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]} A finales de la década de 1960, Shaw había comenzado a recurrir a sus raíces de Nueva Orleans del jazz y los brillantes multicolores del Mardi Gras y las casas de Nueva Orleans y la flora subtropical. Experimentó con paneles de color sólido que hacían que los espacios de pared a escala humana formaran parte de la pintura, reforzando esto en algunas obras pintando los bordes del lienzo. ^{[ 11 ] [ 12 ]} A mediados de la década de 1970, se convirtió en uno de los artistas involucrados en la creación del movimiento Pattern and Decoration (P&D). ^{[ 13 ]} Utilizó sus propios patrones inventados a partir de la energía rítmica, en lugar de basarse directamente en sistemas de patrones históricos. ^{[ 14 ]} Sus notas de color no se resolvieron completamente en configuraciones más grandes y patrones predecibles. En cambio, las interacciones minúsculas de colores adyacentes establecieron patrones similares a mosaicos y cuadrículas rítmicas de pequeños rectángulos y círculos. Los cuadrados formados por una acumulación de diagonales y formas fueron delineados por colores contrastantes. Los cuadrados estabilizaron los centros de muchas de las pinturas, mientras que las modulaciones y armonías multicolores se mezclaron y cambiaron a lo largo de la superficie de la pintura como el jazz, las variaciones de colores y formas sobre un tema de color. ^{[ 15 ]} Experimentó utilizando pequeños espejos como parte de los patrones de color para reflejar la luz de vuelta al espectador, ^{[ 16 ]} así como incorporando tela, botones y cintas. Su serie de pinturas de Emma Lottie de este período fue creada en memoria de la madre sufragista de su padre, quien luchó para acabar con el trabajo infantil y lograr que Nueva Orleans creara un sistema de agua y alcantarillado para erradicar las enfermedades transmitidas por el agua que asolaban la ciudad. Los patrones de color se entrelazan en las pinturas como si fueran un acolchado, intercalados con fragmentos de cinta, tela y piedras preciosas que aluden a los bordados de su abuela. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]} Al igual que otros en Pattern and Decoration, se interesó por el vestuario teatral y el diseño de escenografía, y trabajó con Herbert Machiz, el director, en varias producciones teatrales, incluyendo «Los caballeros de la mesa redonda» de Jean Cocteau y «El primer lector», un musical con letra de Gertrude Stein . ^{[ 20 ] [ 21 ]}

En la década de 1980, añadió un nuevo elemento: atornillar pinturas cuadradas similares de varios tamaños unas sobre otras para lograr un efecto de capas, donde cada capa servía como patrón y esquema de color para contrastar o complementar a las demás. La más destacada de estas es “Sunship for John Coltrane” (1990), ^{[ 22 ]} cedida en préstamo al Museo Ogden de Arte del Sur y exhibida allí . ^{[ 23 ] [ 24 ]} En la década de 1990, comenzó a pintar capas sobre cinta adhesiva, para luego retirarla y crear patrones, formas y líneas de color melódico como una forma de improvisación. ^{[ 25 ]} Si bien las pinturas son abstractas y no representacionales, utilizan la visión científica de Shaw de que el mundo está compuesto de partículas energizadas en flujo constante. A través de la fuente de energía de la luz surge el color, convirtiendo a los colores mismos en fuentes de energía que pueden comunicar emociones, estados de ánimo y quizás un significado trascendental al espectador. Las cuadrículas en un ángulo de 45 grados de este período no son rígidas. En cambio, se crean como líneas de puntos de modulaciones y variaciones de color, muy al estilo de los puntillistas franceses. ^{[ 26 ]} El contrapunto de los colores, líneas y formas hace que se mezclen y fluyan entre sí, creando diferentes subpatrones que resuenan dentro de la pintura y que “obligan continuamente al ojo a un movimiento de escaneo”. ^{[ 27 ]} El diseño de cuadrícula se rompe aún más por pinceladas salpicadas en la pintura, que Shaw utiliza como un elemento dionisíaco de desorden en la lógica apolínea detrás de las cuadrículas. ^{[ 28 ] [ 29 ]} En la década de 1980, Shaw comenzó una serie de pinturas sobre eventos de la Torá del Antiguo Testamento utilizando todos los elementos que había incorporado a su obra. Continuó con esta serie de 30 pinturas hasta 2011, cuando 21 de sus pinturas surabstractas se exhibieron en la Iglesia Luterana de San Pedro en la ciudad de Nueva York. "Artes Visuales" . Iglesia Luterana de San Pedro .

Su obra posterior extendió su pintura modular original de mediados a finales de la década de 1960, cuando la modularidad y el minimalismo comenzaron a utilizarse tanto en la pintura como en la escultura. Shaw empleó arreglos de paneles verticales planos de color sólido diseñados para colgarse separados a distancias específicas. Los intersticios no son uniformes, sino que varían según la escala humana. El espacio de la pared entre las unidades se convierte así en una parte inseparable de la pintura. ^{[ 30 ]} Los colores ricos y contrastantes pintados en los laterales de los paneles contribuyen a esta integración con la pared. ^{[ 31 ]} La intención es hacer que la pared sea menos una barrera o un recinto para el observador, dando vida a la pintura-pared como un plano pictórico expandido que aporta unidad al espacio. ^{[ 32 ]} Las dimensiones de los paneles de 8' x 2' contribuyen a la presencia humana en esta relación pintura-pared basada en el módulo humano de Le Corbusier de un hombre con las manos levantadas sobre la cabeza. Los paneles pueden ser unidades individuales o pueden estar atornillados en pares. Las distancias colocadas entre ellos corresponden directamente a los diferentes anchos de los paneles de 1' y 2'. Las unidades completas constan de tres o cuatro paneles en tres o cuatro colores estrechamente relacionados. ^{[ 32 ]} En una rebelión contra los colores limitados y sombríos del Minimalismo, el trasfondo de Nueva Orleans de Shaw y el Mardi Gras influye en el brillo, el ritmo y las combinaciones de colores de las unidades. ^{[ 33 ]} Las pinturas modulares se basan en la visión del Expresionismo Abstracto de que "el color reflejado en un panel es energía vibrante que, en un campo amplio, crea una reacción emocional en el observador que podría conducir a un sentimiento sublime". ^{[ 32 ]} Las emociones que Shaw espera transmitir son las alegrías de vivir y una celebración de la vida. En enero de 2017, el National Arts Club de la ciudad de Nueva York honró al Sr. Shaw por sus contribuciones artísticas nombrándolo miembro honorario vitalicio. ^{[ 34 ]}

Shaw falleció en su casa de Brooklyn, Nueva York, en octubre de 2019.

2016 1GAP Gallery, Nueva York, NY;( https://www.1gapgallery.com/kendallshaw/ ); 2016 Wake Forest University , Hanes Gallery, Wake-forest, NC;( https://hanesgallery.wfu.edu/kendall-shaw/ ); 2015 National Arts Club , Nueva York, NY; 2012 Lowe Art Gallery, Hudson Guild, Nueva York, NY (con Danny Simmons); 2011 St. Peter's Lutheran Church, Nueva York, NY; 2011 Skoto Gallery, Nueva York, NY; 2007 Ruskin Gallery/ East Anglia University , Cambridge, Inglaterra; 2004 Ogden Museum of Southern Art ; Pierro Art Gallery, South Orange, NJ; 2001 Tulane University , Nueva Orleans, LA.; 1999 Marsh Art Gallery, University of Richmond Museums, Richmond, VA.; 1998 The Gallery Space of South Orange, NJ; 1992 Espacio de Artistas , Nueva York, NY; 1982, 1981, 1979 Lerner/Heller Gallery, Nueva York, NY; 1976 Galería Alessandra, Nueva York, Nueva York; 1972 Galería John Bernard Myers, Nueva York, Nueva York; 1968, 1967, 1965, 1963 Galería Tibor de Nagy, Nueva York, NY

2024 Hollis Taggert Gallery, Nueva York, NY, Ritmo dinámico: abstracción geométrica desde la década de 1950 hasta la actualidad ; 2019-2020 Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles, Ca. Con placer: patrón y decoración en el arte estadounidense, 1972-1985 ; 2018-2019 Museo Ogden de Arte del Sur, Nueva Orleans, La., "BIG"; 2018-2019 Ludwig Forum, Achen, Alemania, "Patrón y decoración: ornamento como promesa" ; 2017 I Love John Giorno : comisariada y producida por Ugo Rondinone. Hunter College y otras doce ubicaciones en Manhattan; 2016 Blue Door Art Center, Yonkers, NY, "Inclusión" ; 2014 Galería Anita Shapolsky, Nueva York, NY, The Hard Line ;( http://www.anitashapolskygallery.com/the-hard-line/ ); 2014 Galería Tibor De Nagy, Nueva York, NY, Starting Out: 9 Abstract Painters, 1958-1971 ; 2014 Galería Anita Shapolsky, Nueva York, NY, The Expressive Edge of Paper, ; 2014 Galería Rush Arts, Nueva York, NY, "I Kan Do Dat," comisariada por Danny Simmons); 2010 Galería de Arte Lowe, Hudson Guild, Nueva York, NY, Whitman's Calamas ; 2009 Museo Ogden de Arte del Sur, Nueva Orleans, LA; 2007 Galería Leslie/Lohan, Nueva York, NY, Artists In the Theatre ; 2002 Centro de Arte Contemporáneo, Nueva Orleans, La. Arte Contemporáneo del Museo Ogden ; 2001 Ogden Museum of Southern Art, Nueva Orleans, LA.; 2000 Gallery 128, Nueva York, NY; 1999, 1998, 1997, 1995, 1994 Lowe Art Gallery, Hudson Guild, Nueva York, NY; 1997 New London Art Society and Gallery, New London, CT.; La Mama La Galleria, Nueva York, NY; 1992;1983 Aaron Berman Gallery, Nueva York, NY; Spectrum Gallery, Nueva York, NY; 1982, 1981 Lerner/Heller Gallery, Nueva York, NY; 1981 University of South Florida, Tampa, FL. Pattern and Decoration ; Marilyn Pearl Gallery, Nueva York, NY Pattern and Decoration ; Millennium Gallery, Nueva York, NY Pattern Painting ; 1980 Neue Galerie Sammlung, Aachen, Alemania Les Nouveaux Fauves ; Galería Heintz-Holtmann, Hannover, Alemania; Krinzinger Galerie, Innsbruck, Suiza; Galería de Arte Moderno, Viena, Austria; Galería Danny Keller, Múnich, Alemania; Feria de Arte de Basilea, Basilea, Alemania; Universidad Wesleyana de Illinois, Bloomington, IL. Curadora, Patronaje y Decoración ; 1979 Andre Zarre Gallery, Nueva York, NY Patrones persistentes ; Fuentes de arte, Jacksonville, FL. Patrón y Decoración ; Galerie Liatowitsch, Basilea, Suiza; Galerie Habermann, Hannover y Colonia, Alemania; 1978 Galería Gladstone-Villani, Nueva York, NY Diseño y decoración ; 1977 Universidad Rice, Houston, TX. Curadora, Patronaje y Decoración; PS 1, Nueva York, NY Pintura de patrones ; Universidad de Lehigh, Bethlehem, PA. Arte de patrones, cuadrículas y sistemas ; 1976 Galería Alessandra, Nueva York, NY Pintura de patrones ; 1974 Museo de Brooklyn, Nueva York, NY; Galería Hirshi & Adler, Nueva York, NY; 1970 Galería Albright-Knox, Buffalo, NY Pintura modular

• https://southwritlarge.com/articles/portfolio-paintings-5/
• https://www.youtube.com/watch?v=uFoItrebBmA&t=24s&ab_channel=TTGriffithArchives
• https://www.huffpost.com/entry/a-conversation-with-paint_b_2353194