Aprender (obra)

Lear es una obra de teatro en tres actos de 1971 del dramaturgo británico Edward Bond . Es una reescritura de El rey Lear de William Shakespeare . La obra se representó por primera vez en el Royal Court Theatre en 1971, con Harry Andrews en el papel principal. ^[1] Fue reestrenada por la Royal Shakespeare Company en 1982 con Bob Peck , y reestrenada nuevamente en el Crucible Theatre , Sheffield , en 2005 con Ian McDiarmid . ^{[2] [3]}

Bond, un socialista , estaba intentando revertir las tendencias modernas que se centraban en la obra de Shakespeare como una experiencia artística, a expensas de elementos más prácticos de crítica social. Al crear una pieza políticamente efectiva a partir de una historia similar, era más probable que hiciera que la gente cuestionara su sociedad y a sí misma, en lugar de simplemente tener una experiencia estética edificante. Según un crítico, sus obras "no están destinadas simplemente a entretener, sino a ayudar a generar cambios en la sociedad". ^[4] Además, según Hilde Klein, "Bond sostiene que Shakespeare dio una respuesta a los problemas de su sociedad particular, lo cual no es válido para nuestra época". ^[5]

En la obra de Bond, Lear es un autócrata paranoico que construye un muro para mantener alejados a sus imaginarios "enemigos". Sus hijas, Bodice y Fontanelle, se rebelan contra él y provocan una guerra sangrienta. Lear se convierte en su prisionero y emprende un viaje de autorrevelación. Es cegado y atormentado por el fantasma de un sepulturero, cuya bondad hacia el viejo rey condujo a su asesinato. Finalmente, Lear, después de convertirse en profeta, hace un gesto para desmantelar el muro que comenzó. Este gesto conduce a su muerte, lo que ofrece esperanza como un ejemplo de activismo práctico.

La obra también presenta un personaje llamado Cordelia, esposa del hijo del sepulturero asesinado, que se convierte en una dictadora de tipo estalinista .

Lear incluye algunas escenas de violencia punitiva, como agujas de tejer que se hunden en el tímpano de un personaje, una autopsia sangrienta en el escenario y una máquina que succiona los globos oculares de Lear. El énfasis de la obra en la violencia y la brutalidad fue mencionado en reseñas mixtas por los principales críticos. Aunque algunos críticos elogiaron su mensaje contra la violencia (y su elenco), otros cuestionaron si la obra era lo suficientemente convincente como para obtener la reacción que buscaba del público. ^[6]

La English Stage Company presentó la obra en el Royal Court Theatre , donde se estrenó el 29 de septiembre de 1971, dirigida por William Gaskill . El reparto fue el siguiente: ^[1]

Escenografía diseñada por John Napier
Vestuario diseñado por Deirdre Clancy
Iluminación de Andy Phillips

A finales de los años 1970, la comunidad teatral británica se interesó por el fracaso de la promesa socialista de posguerra y utilizó el drama histórico para ofrecer, en palabras de Keith Peacock, “un claro reflejo de las aspiraciones, actividades y preocupaciones de la izquierda durante los años 1970”. Según Louise Geddes, El Lear de Bond “se lee a menudo como parte del renovado interés por la épica histórica y se considera una respuesta nostálgica a una época problemática”. ^[7]

David L. Hirst escribió en su libro Edward Bond : “puede ser que la excesiva cantidad de violencia realista en la obra —mucho mayor que en cualquiera de los dramas anteriores de Bond y nunca igualada en ninguna obra desde entonces— alejara considerablemente a los críticos y al público por igual cuando la obra se representó por primera vez”. ^[8] Por el contrario, Ronald Bryden de The New York Times informó en 1974 que Lear se había convertido para entonces en una “obra estándar en el repertorio europeo” y recibió elogios de los críticos, pero que el público de la Royal Court reaccionó desfavorablemente. ^[9] Richard Scharine calificó los eventos de la obra de “grotescos y difíciles de creer”. ^[10] Charles Spencer escribió en The Daily Telegraph : “A diferencia de Shakespeare, Bond tiene una tendencia a predicar... su obra carece de la riqueza y la compasión del original de Shakespeare”. ^[11]

En 1973, Mel Gussow, del New York Times , se burló del final calificándolo de "sentimental y anodino", y sostuvo que Lear "es tan decididamente una obra de tesis, un ejercicio intelectual, que apenas se tiene en cuenta el drama". Gussow afirmó que la obra "carece de transiciones y credibilidad. [...] Bond ha permitido que su filosofía se imponga a su arte". ^[12] Walter Kerr lo comparó desfavorablemente con Saved (1965) en el mismo artículo, y afirmó que el dramaturgo "se ha obsesionado tanto con la idea de la violencia que ha descuidado darle una organización plausible, o incluso teatralmente coherente. [...] No necesariamente estoy en desacuerdo con lo que dice [sobre la violencia en la sociedad]. El problema con “Lear” es que él lo dice: sus personajes no lo hacen, su narrativa no lo hace. Todo es impuesto por el autor desde el principio; la 'gente' en el escenario sólo puede hacer lo que él le ordena 'sin pensar', sin personalidad o incluso un propósito racionalizado". ^[13]

Sin embargo, Benedict Nightingale escribió: "Los horrores de la obra... tienen un lugar quizás sobreenfático en la trama y el tema: también, sientes, reflejan dolor y rabia auténticos... Otro horror más, dices; pero no uno que erradique por completo la impresión de nobleza humana, breve y precariamente lograda". ^[8] Un crítico de The Observer la denominó "una de las obras más poderosas que han surgido en años... Aunque su escala trágica es inimaginable excepto en el teatro, no es principalmente una obra para 'aficionados al teatro', sino que está destinada a cualquiera preocupado por nuestro curso aparentemente empeñado en la autodestrucción". ^[14] En Comparative Drama , Leslie Smith argumentó que "Bond establece en su obra un diálogo real y creativo con el original, del cual surge una experiencia teatral de poder impresionante, un Lear visto por uno de los dramaturgos más originales y versátiles de nuestro tiempo". ^[15]

En 1987, Ray Loynd de Los Angeles Times escribió: "El final de la obra puede no ser tan aleccionador (como se pretendía), pero su sombría visión no se puede descartar fácilmente". ^[16] El actor Paul Freeman declaró en 1994: "Ver Salvado y Lear cambió mi vida. Dijeron algo directamente sobre mi mundo -el mundo [de Bond] también- de los suburbios de Londres". ^[17] En un artículo de 2001 para The New York Times , Nightingale elogió la obra como "sombríamente imaginativa". ^[18] Lyn Gardner de The Guardian le otorgó a la producción de Jonathan Kent de 2005 un total de cinco estrellas, elogiando la "deslumbrante franqueza de la escritura de Bond" y afirmando que la producción "restaura a Bond a su lugar como el más grande de los dramaturgos británicos de posguerra". ^[19]

Lynne Walker, de The Independent, escribió que "el diálogo brillante y quebradizo de Bond es abrasador en su intensidad". ^[20] Dominic Cavendish argumentó en The Daily Telegraph que Kent "no puede ocultar el ritmo monótono de algunos de los textos, que a menudo aplastan a los personajes hasta convertirlos en portavoces aplanados, pero la comedia sombría y punzante está ahí". El crítico también dijo que "después de un tiempo, nos acostumbramos al espectáculo macabro y somos cada vez más conscientes de la fuerza moral de la escritura de Bond". ^[21] Charles Spencer elogió una secuencia como una "mejora" de la secuencia original de Shakespeare debido a una adición "repulsivamente ingeniosa". ^[22] Paul Taylor, de The Independent , calificó a Lear como una "poderosa respuesta a la tragedia de Shakespeare". ^[23]