Hispanopedia WikiUn laúd ( / lj uː t / [ 1 ] o / l uː t / ) es cualquier instrumento de cuerda pulsada con un mástil y una caja de resonancia profunda y redondeada que encierra una cavidad hueca, generalmente con un orificio o abertura en el cuerpo. Puede tener trastes o no.
Más específicamente, el término "laúd" se refiere comúnmente a un instrumento de la familia de los laúdes europeos , que a su vez fueron influenciados por los laúdes de mástil corto de Gandhara , los cuales se convirtieron en los predecesores de las familias de laúdes islámicos , sino-japoneses y europeos . [ 2 ] El término también se refiere generalmente a cualquier instrumento de cuerda con mástil cuyas cuerdas discurren en un plano paralelo a la caja de resonancia (en el sistema Hornbostel-Sachs ).
Las cuerdas se fijan a clavijas o postes en el extremo del mástil, que cuentan con un mecanismo giratorio que permite al intérprete ajustar la tensión de la cuerda antes de tocar (lo que, respectivamente, eleva o baja el tono ), de modo que cada cuerda se afine a un tono (o nota ) específico. El laúd se pulsa con una mano mientras que la otra presiona las cuerdas sobre el diapasón . Al presionar las cuerdas en diferentes puntos del diapasón, el intérprete puede acortar o alargar la parte vibrante de la cuerda , produciendo así tonos (notas) más agudos o más graves.
El laúd europeo y el oud moderno del Cercano Oriente descienden de un ancestro común a través de caminos evolutivos divergentes. El laúd se utiliza en una gran variedad de música instrumental desde la Edad Media hasta finales del Barroco y fue el instrumento más importante para la música profana en el Renacimiento . [ 3 ] Durante la época de la música barroca , el laúd se utilizó como uno de los instrumentos que tocaban las partes de acompañamiento del bajo continuo . También es un instrumento de acompañamiento en obras vocales. El laudista improvisa ("realiza") un acompañamiento de acordes basado en la parte del bajo cifrado , o toca un acompañamiento escrito (tanto la notación musical como la tablatura ("tab") se utilizan para el laúd). Como instrumento pequeño, el laúd produce un sonido relativamente suave. El intérprete de laúd se llama laudista , y el fabricante de laúdes (y por extensión, de cualquier instrumento de cuerda, como los de la familia del violín ) se denomina luthier .
Etimología
Las palabras laúd y oud posiblemente deriven del árabe al-ʿoud ( العود , que significa literalmente "la madera"). Podría referirse a la púa de madera que se usaba tradicionalmente para tocar el oud, a las finas tiras de madera que se usaban para la parte posterior, o a la caja de resonancia de madera que lo distinguía de instrumentos similares con cuerpos revestidos de piel. [ 4 ]
Se han propuesto muchas teorías sobre el origen del nombre árabe. El musicólogo Eckhard Neubauer [ 5 ] sugirió que oud podría ser un préstamo árabe de la palabra persa rōd o rūd , que significaba cuerda. [ 6 ] [ 7 ] Otro investigador, el arqueomusicólogo Richard J. Dumbrill , sugiere que rud proviene del sánscrito rudrī (रुद्री, que significa "instrumento de cuerda") y se transfirió a las lenguas árabes y europeas a través de una lengua semítica . [ 8 ] Sin embargo, otra teoría, según los estudiosos de las lenguas semíticas , es que el árabe ʿoud deriva del siríaco ʿoud-a , que significa "palo de madera" y "madera ardiendo", cognado del hebreo bíblico ' ūḏ , que se refiere a un palo utilizado para remover leña en el fuego. [ 9 ] [ 10 ] Henry George Farmer señala la similitud entre al-ʿūd y al-ʿawda ("el retorno" – de la dicha). [ 11 ]
Historia y evolución del laúd
Primeros laúdes
Curt Sachs definió el laúd en la sección de terminología de La historia de los instrumentos musicales [ 12 ] como «compuesto por un cuerpo y un mástil que sirve tanto de mango como de medio para tensar las cuerdas más allá del cuerpo». [ 13 ] Su definición se centró en las características del cuerpo y el mástil y no en la forma en que se producían los sonidos de las cuerdas, por lo que el violín se consideraba un «laúd de arco». [ 13 ] Sachs también distinguió entre el «laúd de mástil largo» y la variedad de mástil corto. [ 13 ] La variedad de mástil corto incluía la mayoría de nuestros instrumentos modernos: «laúdes, guitarras , zanfonas y toda la familia de violas y violines». [ 13 ]
Los laúdes largos eran los más antiguos; el tanbūr ... conservaba fielmente la apariencia externa de los antiguos laúdes de Babilonia y Egipto . [ 14 ] Además, clasificó los laúdes largos en "laúd perforado" y "laúd de mástil largo". [ 13 ] El laúd perforado tenía un mástil hecho de un palo que atravesaba el cuerpo (como en los antiguos laúdes egipcios de mástil largo y el gunbrī africano moderno [ 15 ] ). [ 16 ]
El laúd largo tenía un mástil unido e incluía el sitar , el tanbur y el tar : el dutār tenía dos cuerdas, el setār tres, el čārtār cuatro y el pančtār cinco. [ 13 ] [ 14 ]
El libro de Sachs es de 1941, y la evidencia arqueológica disponible para él sitúa los primeros laúdes alrededor del 2000 a. C. [ 17 ] Los descubrimientos posteriores han retrasado la existencia del laúd hasta aproximadamente el 3100 a . C. [ 18 ]
El musicólogo Richard Dumbrill utiliza hoy la palabra laúd de forma más categórica para referirse a instrumentos que existían milenios antes de que se acuñara el término "laúd". [ 19 ] Dumbrill documentó más de 3000 años de evidencia iconográfica de los laúdes en Mesopotamia, en su libro La arqueomusicología del antiguo Cercano Oriente . Según Dumbrill, la familia del laúd incluía instrumentos en Mesopotamia antes del 3000 a. C. [ 18 ] Señala un sello cilíndrico como evidencia; data de alrededor del 3100 a. C. o antes y ahora en posesión del Museo Británico , el sello representa en un lado lo que se cree que es una mujer tocando un "laúd" de palo. [ 18 ] [ 20 ] Al igual que Sachs, Dumbrill consideraba que la longitud distinguía a los laúdes, dividiendo los laúdes mesopotámicos en una variedad larga y una corta. [ 21 ] Su libro no abarca los instrumentos más cortos que se convirtieron en el laúd europeo, más allá de mostrar ejemplos de laúdes más cortos en el mundo antiguo. Se centra en los laúdes más largos de Mesopotamia, varios tipos de cordófonos con mástil que se desarrollaron en todo el mundo antiguo: culturas india ( Gandhara y otras), griega , egipcia (en el Reino Medio ), iraní ( elamita y otras), judía/israelita , hitita , romana , búlgara , turca , china y armenia / cilicia . Nombra entre los laúdes largos la pandura y el tanbur [ 22 ]
La línea de laúdes de mástil corto se desarrolló aún más al este de Mesopotamia, en Bactria y Gandhara , en un laúd corto con forma de almendra. [ 4 ] [ 23 ] Curt Sachs habló sobre las representaciones de laúdes de Gandhara en el arte, donde se presentan en una mezcla de "arte del noroeste de la India" bajo "fuertes influencias griegas". [ 24 ] Los laúdes de mástil corto en estas obras de arte de Gandhara eran "el venerable antepasado de las familias de laúdes islámicas , sino-japonesas y europeas ". [ 24 ] Describió los laúdes de Gandhara como con un "cuerpo en forma de pera que se estrecha hacia el mástil corto, un soporte de cuerdas frontal, clavijas laterales y cuatro o cinco cuerdas". [ 24 ]
barbat persa
Bactria y Gandhara pasaron a formar parte del Imperio sasánida (224–651). Bajo el dominio sasánida, un laúd corto con forma de almendra procedente de Bactria llegó a llamarse barbat o barbud, que posteriormente se desarrolló en el oud o ud del mundo islámico . [ 4 ] Cuando los moros conquistaron Andalucía en 711, llevaron consigo su ud o quitra a un país que ya conocía una tradición de laúd bajo los romanos, la pandura .
Durante los siglos VIII y IX, muchos músicos y artistas de todo el mundo islámico acudieron a Iberia. [ 25 ] Entre ellos se encontraba Abu l-Hasan 'Ali Ibn Nafi' (789–857), [ 26 ] [ 27 ] un músico prominente, que se había formado con Ishaq al-Mawsili (m. 850) en Bagdad y fue exiliado a Al-Ándalus antes de 833. Enseñó y se le atribuye haber añadido una quinta cuerda a su laúd [ 4 ] y haber fundado una de las primeras escuelas de música en Córdoba . [ 28 ]
En el siglo XI, la Iberia musulmana se había convertido en un centro de fabricación de instrumentos musicales. Estos instrumentos se extendieron gradualmente a Provenza , influyendo en los trovadores y trovadores franceses y llegando finalmente al resto de Europa. Mientras Europa desarrollaba el laúd, el oud siguió siendo una parte fundamental de la música árabe y, en general, de la música otomana , experimentando diversas transformaciones. [ 29 ]
Además de la introducción del laúd en España ( Andalucía ) por los moros, otro punto importante de transferencia del laúd de la cultura árabe a la europea fue Sicilia , donde fue llevado por músicos bizantinos o, posteriormente, por músicos musulmanes. [ 30 ] Había cantantes laudistas en la corte de Palermo después de la conquista normanda de la isla a los musulmanes, y el laúd está ampliamente representado en las pinturas del techo de la Capilla Palatina real de Palermo , dedicada por el rey normando Roger II de Sicilia en 1140. [ 30 ] Su nieto Hohenstaufen Federico II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (1194-1250), continuó integrando a los musulmanes en su corte, incluidos los músicos moros. [ 31 ] Federico II realizó visitas al valle del Lech y a Baviera entre 1218 y 1237 con un "séquito moro siciliano". [ 32 ] En el siglo XIV, los laúdes se habían extendido por toda Italia y, probablemente debido a la influencia cultural de los reyes y el emperador Hohenstaufen, con sede en Palermo , el laúd también había penetrado significativamente en las tierras de habla alemana. Hacia 1500, el valle y Füssen contaban con varias familias de fabricantes de laúdes, y en los dos siglos siguientes la zona albergó a "nombres famosos de la fabricación de laúdes de los siglos XVI y XVII". [ 33 ]
Aunque la principal introducción del laúd corto se produjo en Europa Occidental , dando lugar a una variedad de estilos de laúd, este instrumento también llegó a Europa desde el Este; ya en el siglo VI, los búlgaros llevaron a los Balcanes la variante de mástil corto del instrumento llamada komuz .
De la Edad Media al Barroco
Los laúdes medievales eran instrumentos de cuatro y cinco cuerdas , que se tocaban con una púa . Existían varios tamaños y, a finales del Renacimiento , se documentaban siete (hasta el bajo de octava mayor). El acompañamiento de canciones era probablemente la función principal del laúd en la Edad Media, pero se conserva muy poca música atribuible con certeza a este instrumento anterior a 1500. Los acompañamientos de canciones medievales y de principios del Renacimiento probablemente eran en su mayoría improvisados, de ahí la escasez de registros escritos.
En las últimas décadas del siglo XV, para interpretar la polifonía renacentista con un solo instrumento, los laudistas abandonaron gradualmente la pluma en favor de pulsar las cuerdas con los dedos. El número de órdenes aumentó a seis e incluso más. El laúd fue el instrumento solista por excelencia del siglo XVI, pero también continuó acompañando a los cantantes.
Hacia 1500, muchos laudistas ibéricos adoptaron la vihuela de mano , un instrumento con forma de viola afinado como el laúd; ambos instrumentos coexistieron. Este instrumento también llegó a partes de Italia que estaban bajo dominio español (especialmente Sicilia y los Estados Pontificios bajo el papa Borgia Alejandro VI, quien trajo a muchos músicos catalanes a Italia), donde se la conocía como viola da mano . [ 34 ]
Hacia finales del Renacimiento, el número de órdenes había aumentado a diez, y durante la época barroca el número continuó aumentando hasta llegar a 14 (y ocasionalmente hasta 19). Estos instrumentos, con hasta 35 cuerdas, requirieron innovaciones en la estructura del laúd. Hacia el final de la evolución del laúd, el archilaúd , la tiorba y el torban tenían largas extensiones unidas a la cabeza de afinación principal para proporcionar una mayor longitud de resonancia para las cuerdas graves, y como los dedos humanos no son lo suficientemente largos como para detener las cuerdas a lo largo de un mástil lo suficientemente ancho como para contener 14 órdenes, las cuerdas graves se colocaron fuera del diapasón y se tocaban al aire , es decir, sin presionarlas contra el diapasón con la mano izquierda. "El laúd es un instrumento muy frágil y por eso, aunque hay muchos laúdes antiguos que han sobrevivido, muy pocos con sus tapas armónicas originales están en condiciones de ser tocados", [ 35 ] lo que hace que el laúd Rauwolf sea tan notable.
Durante el Barroco, el laúd fue relegado progresivamente al acompañamiento del bajo continuo , hasta que finalmente fue reemplazado en esa función por los instrumentos de teclado. El laúd casi cayó en desuso después de 1800. Algunos tipos de laúd se siguieron utilizando durante un tiempo en Alemania, Suecia y Ucrania.
Construcción
Mesa de resonancia
Los laúdes están hechos casi en su totalidad de madera. La caja de resonancia es una lámina delgada y plana, con forma de lágrima, hecha de madera resonante (generalmente abeto ). En todos los laúdes, la caja de resonancia tiene una sola (a veces triple) abertura decorada debajo de las cuerdas, llamada roseta . Esta abertura no está abierta, sino cubierta con una rejilla en forma de enredadera entrelazada o un nudo decorativo, tallado directamente en la madera de la caja de resonancia.
La geometría de la caja de resonancia del laúd es relativamente compleja, e implica un sistema de barras que colocan refuerzos perpendiculares a las cuerdas a longitudes específicas a lo largo de la caja de resonancia. Los extremos de estos refuerzos están angulados para apoyarse en los aros laterales por razones estructurales. Robert Lundberg, en su libro Historical Lute Construction , sugiere que los constructores antiguos colocaban las barras según proporciones enteras entre la longitud de la escala y la longitud de la caja de resonancia. Además, sugiere que la curvatura hacia adentro de la caja de resonancia (la "concavidad") es una adaptación deliberada de los constructores antiguos para proporcionar al laudista más espacio entre las cuerdas y la caja de resonancia para su mano derecha.
El grosor de la tapa armónica varía, pero generalmente oscila entre 1,5 y 2 mm (0,06–0,08 pulgadas) . Algunos luthiers ajustan la tapa durante la construcción, reduciendo la masa y adaptando los refuerzos para obtener resultados sonoros óptimos. La tapa del laúd casi nunca se termina, pero en algunos casos el luthier puede aplicar una capa muy fina de goma laca o barniz para mantenerla limpia. La tapa se une directamente al aro, sin un revestimiento pegado a los lados, y se pegan una tapa y una contratapa en el interior y el exterior del extremo inferior de la caja de resonancia para proporcionar rigidez y mayor superficie de encolado.
Tras unir la tapa a los laterales, se suele instalar un ribete alrededor del borde de la caja de resonancia. Este ribete tiene aproximadamente la mitad del grosor de la caja de resonancia y suele ser de madera de color contrastante. El rebaje para el ribete debe ser extremadamente preciso para no comprometer la integridad estructural.
Atrás
La parte posterior o caja de resonancia se ensambla a partir de finas tiras de madera dura (arce, cerezo, ébano, palo de rosa, granate y/u otras maderas de resonancia) llamadas costillas , unidas (con pegamento) borde con borde para formar un cuerpo profundo y redondeado para el instrumento. Hay refuerzos internos en la tapa armónica para darle resistencia. [ 36 ]
Cuello
El mástil está hecho de madera ligera, con una chapa de madera dura (generalmente ébano) para brindar durabilidad al diapasón bajo las cuerdas. A diferencia de la mayoría de los instrumentos de cuerda modernos, el diapasón del laúd está montado al ras de la tapa. El clavijero de los laúdes anteriores a la época barroca estaba inclinado hacia atrás con respecto al mástil en un ángulo de casi 90° (ver imagen), presumiblemente para ayudar a sujetar firmemente las cuerdas de baja tensión contra la cejuela , que, tradicionalmente, no está pegada, sino que se mantiene en su lugar solo por la presión de las cuerdas. Las clavijas de afinación son clavijas simples de madera dura, ligeramente cónicas, que se mantienen en su lugar por fricción en orificios perforados a través del clavijero.
Al igual que en otros instrumentos que utilizan clavijas de fricción, la madera para estas es crucial. Dado que la madera sufre cambios dimensionales con el paso del tiempo y la pérdida de humedad, debe conservar una sección transversal razonablemente circular para funcionar correctamente, ya que no existen engranajes ni otros mecanismos para afinar el instrumento. A menudo, las clavijas se fabricaban con maderas frutales adecuadas, como la madera de peral europeo, o con análogos igualmente estables dimensionalmente. Matheson, hacia 1720, afirmó: «Si un laudista ha vivido ochenta años, seguramente ha dedicado sesenta a afinar». [ 37 ]
Puente
El puente, a veces hecho de madera frutal, se fija a la tapa armónica generalmente entre un quinto y un séptimo de su longitud. No tiene selleta separada, sino orificios perforados a los que se fijan directamente las cuerdas. El puente tiene forma cónica en altura y longitud, con el extremo más estrecho sosteniendo las cuerdas agudas y el extremo más alto y ancho las graves. Los puentes suelen ser de color negro con negro de humo en un aglutinante, a menudo goma laca, y suelen tener decoración grabada. Los adornos en espiral u otros elementos decorativos en los extremos de los puentes de laúd son parte integral del puente y no se añaden posteriormente como en algunas guitarras renacentistas (véase las guitarras de Joachim Tielke ).
Trastes
Los trastes están hechos de bucles de tripa atados alrededor del mástil. Se deshilachan con el uso y deben reemplazarse periódicamente. Generalmente, se pegan algunos trastes parciales de madera adicionales al cuerpo del instrumento para permitir bloquear las cuerdas más agudas hasta una octava completa por encima de la cuerda al aire, aunque algunos los consideran anacrónicos (si bien John Dowland y Thomas Robinson describen la práctica de pegar trastes de madera a la tapa armónica). Ante la opción entre nailon y tripa, muchos luthiers prefieren usar tripa, ya que se adapta mejor al ángulo agudo del borde del diapasón.
Instrumentos de cuerda
Históricamente, las cuerdas se fabricaban con tripa animal, generalmente del intestino delgado de oveja (a veces en combinación con metal), y aún hoy se fabrican con tripa o un sustituto sintético, con entorchados metálicos en las cuerdas más graves. Los fabricantes modernos producen cuerdas de tripa y de nailon, y ambas son de uso común. La tripa es más auténtica para interpretar piezas de época, aunque, lamentablemente, también es más susceptible a la irregularidad y la inestabilidad de la afinación debido a los cambios de humedad. El nailon ofrece mayor estabilidad de afinación, pero los puristas lo consideran anacrónico, ya que su timbre difiere del sonido de las antiguas cuerdas de tripa. Estas preocupaciones son irrelevantes cuando se interpretan composiciones más recientes para laúd.
Cabe destacar las cuerdas de tripa utilizadas como bajos en instrumentos históricos. Estas cuerdas se componen de varias cuerdas de tripa enrolladas juntas y sumergidas en soluciones de metales pesados para aumentar su masa. Su diámetro puede ser considerablemente mayor que el de las cuerdas de nailon entorchadas del mismo tono. Producen un bajo con un timbre ligeramente diferente al de los bajos de nailon.
Las cuerdas del laúd están dispuestas en grupos de dos cuerdas cada uno, aunque el grupo más agudo suele constar de una sola cuerda, llamada chanterelle . En los laúdes barrocos posteriores, los dos grupos superiores son de una sola cuerda. Los grupos se numeran secuencialmente, desde el más agudo, de modo que el chanterelle es el primer grupo , el siguiente par de cuerdas es el segundo , etc. Así, un laúd renacentista de 8 grupos suele tener 15 cuerdas, y un laúd barroco de 13 grupos tiene 24.
Las cuerdas se afinan al unísono para tonos agudos e intermedios, pero para tonos graves una de las dos cuerdas se afina una octava más alta (el punto de inicio de esta división varió a lo largo de la historia del laúd). Las dos cuerdas de una misma serie casi siempre se pulsan y se cierran juntas, como si fueran una sola; sin embargo, en raras ocasiones, una pieza requiere que las dos cuerdas de una serie se pulsen o cierren por separado. La afinación del laúd es un tema complejo, que se describe en una sección aparte más adelante . El diseño del laúd lo hace extremadamente ligero para su tamaño.
El laúd en el mundo moderno
El laúd experimentó un resurgimiento con el despertar del interés por la música histórica alrededor de 1900 y a lo largo del siglo XX. Este resurgimiento se vio impulsado aún más por el movimiento de la música antigua . Entre los pioneros más importantes del resurgimiento del laúd se encuentran Julian Bream , Hans Neemann, Walter Gerwig, Suzanne Bloch y Diana Poulton . Actualmente, las interpretaciones de laúd son frecuentes; existen numerosos laudistas profesionales, especialmente en Europa, donde se concentra la mayor parte del empleo, y los compositores siguen creando nuevas obras para este instrumento.
Durante los inicios del movimiento de la música antigua, muchos laúdes fueron construidos por luthiers disponibles, cuya especialidad solía ser la guitarra clásica. Estos laúdes eran robustos, con una construcción similar a la de las guitarras clásicas, con refuerzos en abanico, tapas pesadas, trastes fijos y aros forrados, características que resultan anacrónicas para los laúdes históricos. Con el avance del conocimiento sobre lutería, los fabricantes comenzaron a construir instrumentos basados en modelos históricos, que han demostrado ser más ligeros y con mayor capacidad de respuesta.
Los laúdes que se fabrican actualmente son invariablemente réplicas o copias casi exactas de los instrumentos históricos que se conservan en museos o colecciones privadas. Muchos se fabrican por encargo, pero cada vez hay más luthiers que construyen laúdes para la venta al público en general, y existe un mercado de segunda mano bastante sólido, aunque pequeño. Debido a este mercado relativamente limitado, los laúdes suelen ser más caros que los instrumentos modernos de producción en masa. Las guitarras y los violines fabricados en serie, por ejemplo, se pueden adquirir a un precio más económico que los laúdes de gama baja, mientras que, en el nivel más alto de los instrumentos modernos, las guitarras y los violines tienden a alcanzar precios más elevados.
A diferencia del pasado, hoy en día existen muchos tipos de laúdes: laúdes medievales de 5 órdenes, laúdes renacentistas de 6 a 10 órdenes en diversas alturas para la interpretación solista y en conjunto de obras renacentistas, el archilaúd de obras barrocas, laúdes de 11 órdenes en afinación de re menor para la música francesa, alemana y checa del siglo XVII, laúdes barrocos alemanes de 13/14 órdenes afinados en re menor para la música barroca tardía y clásica, tiorba para las partes de bajo continuo en conjuntos barrocos, galicones/ mandoras , bandoras, orfariones y otros.
La práctica del laúd ha alcanzado cotas considerables en los últimos años, gracias a un creciente número de laudistas de talla mundial: Rolf Lislevand , Hopkinson Smith , Paul O'Dette , Christopher Wilke , Andreas Martin , Robert Barto , Eduardo Egüez , Edin Karamazov , Nigel North , Christopher Wilson , Luca Pianca , Yasunori Imamura , Anthony Bailes , Peter Croton , Xavier Diaz-Latorre , Evangelina Mascardi y Jakob Lindberg . El cantautor Sting también ha tocado el laúd y el archilaúd, dentro y fuera de sus colaboraciones con Edin Karamazov , y Jan Akkerman publicó dos álbumes de música para laúd en la década de 1970 mientras era guitarrista en la banda de rock holandesa Focus . El laudista y compositor Jozef van Wissem compuso la banda sonora de la película de Jim Jarmusch Only Lovers Left Alive .
Repertorio
El laúd se utilizaba ampliamente en Europa al menos desde el siglo XIII, y los documentos mencionan a numerosos intérpretes y compositores de la época. Sin embargo, la música para laúd más antigua que se conserva data de finales del siglo XV. La música para laúd floreció durante los siglos XVI y XVII: numerosos compositores publicaron colecciones de su música, y los estudiosos modernos han descubierto una gran cantidad de manuscritos de la época; no obstante, gran parte de esta música aún se ha perdido. En la segunda mitad del siglo XVII, los laúdes, las vihuelas e instrumentos similares comenzaron a perder popularidad, y se compuso poca música para este instrumento después de 1750. El interés por la música para laúd resurgió recién en la segunda mitad del siglo XX.
La improvisación (componer música en el momento) era, al parecer, un aspecto importante de la interpretación del laúd, por lo que gran parte del repertorio probablemente nunca se escribió. Además, no fue hasta alrededor de 1500 cuando los laudistas comenzaron a pasar de la púa al punteo. Ese cambio facilitó la polifonía compleja, lo que requirió que desarrollaran una notación. En los siguientes cien años, se desarrollaron gradualmente tres escuelas de notación de tablatura : la italiana (también utilizada en España), la alemana y la francesa. Solo la última sobrevivió hasta finales del siglo XVII. Las tablaturas más antiguas que se conocen son para un instrumento de seis cuerdas, aunque existen evidencias de laúdes anteriores de cuatro y cinco cuerdas. [ 38 ] La notación de tablatura depende del instrumento real para el que se escribe la música. Para leerla, un músico debe conocer la afinación del instrumento, el número de cuerdas, etc.
Las formas renacentistas y barrocas de la música para laúd son similares a la música para teclado de la época. Eran muy comunes las intabulaciones de obras vocales, así como diversas danzas, algunas de las cuales desaparecieron durante el siglo XVII, como la piva y el saltarello . El advenimiento de la polifonía trajo consigo las fantasías : piezas complejas e intrincadas con un amplio uso del contrapunto imitativo. El elemento improvisatorio, presente en cierta medida en la mayoría de las piezas para laúd, es particularmente evidente en los primeros ricercares (no imitativos como sus homólogos posteriores, sino completamente libres), así como en numerosas formas preludiales: preludios, tastar de corde ("prueba de cuerdas"), etc. Durante el siglo XVII, la música para teclado y laúd fueron de la mano, y hacia 1700 los laudistas escribían suites de danzas bastante parecidas a las de los compositores de teclado. El laúd también se utilizó a lo largo de su historia como instrumento de conjunto, sobre todo en canciones para voz y laúd, que fueron particularmente populares en Italia (véase frottola ) e Inglaterra.
La música para laúd más antigua que se conserva es italiana, procedente de un manuscrito de finales del siglo XV. A principios del siglo XVI, Petrucci publicó música para laúd de Francesco Spinacino ( activo hacia 1507) y Joan Ambrosio Dalza ( activo hacia 1508); junto con el llamado Libro de laúd de Capirola , estas obras representan la etapa más temprana de la música escrita para laúd en Italia. El líder de la siguiente generación de laudistas italianos, Francesco Canova da Milano (1497-1543), es reconocido hoy como uno de los compositores de laúd más famosos de la historia. La mayor parte de su obra consiste en piezas llamadas fantasías o ricercares, en las que hace un uso extensivo de la imitación y la secuencia, ampliando así el alcance de la polifonía para laúd. A principios del siglo XVII, Johannes Hieronymus Kapsberger ( c. 1580–1651) y Alessandro Piccinini (1566–1638) revolucionaron la técnica del instrumento y Kapsberger, posiblemente, influyó en la música para teclado de Girolamo Frescobaldi .
La música francesa escrita para laúd comenzó, hasta donde sabemos, con las partituras de Pierre Attaingnant ( c. 1494 – c. 1551), que comprendían preludios, danzas e intabulaciones. Particularmente importante fue el compositor italiano Albert de Rippe (1500–1551), quien trabajó en Francia y compuso fantasías polifónicas de considerable complejidad. Su obra fue publicada póstumamente por su alumno, Guillaume de Morlaye (nacido c. 1510), quien, sin embargo, no captó la compleja polifonía de de Rippe. La música francesa para laúd decayó durante la segunda mitad del siglo XVI; sin embargo, varios cambios en el instrumento (el aumento de las cuerdas de diapasón, nuevas afinaciones, etc.) impulsaron un importante cambio de estilo que condujo, durante el Barroco temprano, al célebre estilo brisé : texturas quebradas y arpegiadas que influyeron en las suites de Johann Jakob Froberger . La escuela barroca francesa está representada por compositores como Ennemond Gaultier (1575–1651), Denis Gaultier (1597/1603–1672), François Dufaut (antes de 1604 – antes de 1672) y muchos otros. La última etapa de la música francesa para laúd está representada por Robert de Visée ( c. 1655–1732/3), cuyas suites explotan al máximo las posibilidades del instrumento.
La historia de la música escrita alemana para laúd comenzó con Arnolt Schlick ( c. 1460–después de 1521), quien, en 1513, publicó una colección de piezas que incluía 14 canciones para voz y laúd, y tres piezas para laúd solista, junto con obras para órgano. No fue el primer laudista alemán importante, ya que sus contemporáneos atribuyeron a Conrad Paumann ( c. 1410–1473) la invención de la tablatura alemana para laúd, aunque esta afirmación no ha sido probada y no se conserva ninguna obra de Paumann para laúd. Después de Schlick, una serie de compositores desarrollaron la música alemana para laúd: Hans Judenkünig ( c. 1445/50 – 1526), la familia Neusidler (en particular Hans Neusidler ( c. 1508/09 – 1563)) y otros. Durante la segunda mitad del siglo XVI, la tablatura y el repertorio alemanes fueron reemplazados gradualmente por la tablatura italiana y francesa y el repertorio internacional, respectivamente, y la Guerra de los Treinta Años (1618-1648) interrumpió las publicaciones durante medio siglo. La música alemana para laúd fue revivida mucho más tarde por compositores como Esaias Reusner ( activo hacia 1670); sin embargo, un estilo distintivamente alemán surgió solo después de 1700 en las obras de Silvius Leopold Weiss (1686-1750), uno de los más grandes compositores para laúd, algunas de cuyas obras fueron transcritas para teclado por nada menos que Johann Sebastian Bach (1685-1750), quien compuso algunas piezas para el laúd (aunque generalmente se acepta que fueron compuestas en el lautenwerk , ya que muchas de ellas no son propias de este instrumento).
De otros países europeos, Inglaterra y España son particularmente importantes. La música para laúd escrita en inglés comenzó alrededor de 1540; sin embargo, el país produjo numerosos laudistas, de los cuales John Dowland (1563-1626) es quizás el más famoso. Su influencia se extendió ampliamente: compositores de teclado en Alemania escribieron variaciones sobre sus temas décadas después de su muerte. Los predecesores y colegas de Dowland, como Anthony Holborne ( c. 1545-1602) y Daniel Bacheler (1572-1619), fueron menos conocidos. Los compositores españoles escribieron principalmente para la vihuela ; sus géneros principales fueron las fantasías polifónicas y las diferencias (variaciones). Luys Milan (c. 1500-después de 1560) y Luys de Narváez ( activo entre 1526 y 1549) fueron particularmente importantes por sus contribuciones al desarrollo de la polifonía para laúd en España.
Finalmente, quizás el compositor europeo de laúd más influyente fue el húngaro Bálint Bakfark ( c. 1526/30–1576), cuyas fantasías contrapuntísticas eran mucho más difíciles y concisas que las de sus contemporáneos de Europa Occidental.
Las famosas suites orquestales de Ottorino Respighi , tituladas Ancient Airs and Dances, están extraídas de diversos libros y artículos sobre música para laúd de los siglos XVI y XVII, transcritos por el musicólogo Oscar Chilesotti, incluyendo ocho piezas de un manuscrito alemán titulado Da un Codice Lauten-Buch , que actualmente se encuentra en una biblioteca privada en el norte de Italia.
El renacimiento del siglo XX y los compositores
El resurgimiento del laúd en el siglo XX tiene sus raíces en la labor pionera de Arnold Dolmetsch (1858-1940), cuya investigación sobre la música y los instrumentos antiguos dio inicio al movimiento por la autenticidad. [ 39 ] El resurgimiento del laúd brindó a los compositores la oportunidad de crear nuevas obras para este instrumento.
Uno de los primeros compositores de este tipo fue Johann Nepomuk David en Alemania. El compositor Vladimir Vavilov fue un pionero del resurgimiento del laúd en la URSS , y también fue autor de numerosos engaños musicales . Sandor Kallos y Toyohiko Satoh aplicaron el lenguaje modernista al laúd; Elena Kats-Chernin , Jozef van Wissem y Alexandre Danilevsky, el lenguaje minimalista y postminimalista; Roman Turovsky-Savchuk , Paulo Galvão y Robert MacKillop, el lenguaje historicista; y Ronn McFarlane, la música New Age. Este movimiento activo de especialistas en música antigua ha inspirado a compositores de diferentes campos; por ejemplo, en 1980, Akira Ifukube , compositor de música clásica y cinematográfica conocido principalmente por el tema de Godzilla , escribió la Fantasía para laúd barroco con la notación histórica de tablatura, en lugar de la moderna en pentagrama. [ 40 ]
Convenciones de afinación
Los laúdes se fabricaban en una gran variedad de tamaños, con diferente número de cuerdas/órdenes y sin un estándar fijo para su afinación. Sin embargo, lo siguiente parece haber sido generalmente cierto para el laúd renacentista.
Un laúd tenor renacentista de seis órdenes se afinaba con los mismos intervalos que una viola tenor , con intervalos de cuarta justa entre todas las órdenes excepto la tercera y la cuarta, que solo se diferenciaban por una tercera mayor . El laúd tenor se afinaba generalmente en sol (no existía un estándar de afinación antes del siglo XX), nombre que recibía de la nota de la orden más aguda, dando como resultado el patrón (Sol'Sol) (Doc) (Faz) (Laa) (Redoble de tambor) (Sol) desde la orden más grave hasta la más aguda. (Mucha música para laúd renacentista se puede tocar en guitarra bajando la tercera cuerda medio tono).
Para los laúdes con más de seis órdenes, los órdenes adicionales se agregarían en el extremo inferior. Debido a la gran cantidad de cuerdas, los laúdes tienen mástiles muy anchos, y es difícil detener las cuerdas más allá del sexto orden, por lo que los órdenes adicionales generalmente se afinaban en tonos útiles como notas graves en lugar de continuar el patrón regular de cuartas, y estos órdenes inferiores se tocan con mayor frecuencia sin detener. Así, un laúd renacentista tenor de 8 órdenes se afinaría en (D'D) (F'F) (G'G) (Cc) (FF) (AA) (dd) (g) , y uno de 10 órdenes en (C'C) (D'D) (E ♭ 'E ♭ ) (F'F) (G'G) (Cc) (FF) (AA) (dd) (g) .
Sin embargo, ninguno de estos patrones era obligatorio , y un laudista moderno ocasionalmente reafina una o más cuerdas entre piezas. Los manuscritos contienen instrucciones para el intérprete, por ejemplo, 7 e chœur en fa = "séptima cuerda en fa " (= Fa en la escala de Do estándar).
Principios del siglo XVII fue un periodo de considerable desarrollo para el laúd, especialmente con la aparición de nuevos sistemas de afinación en Francia. En esta época, los laudistas franceses comenzaron a explorar las posibilidades expresivas del laúd mediante la experimentación con diferentes afinaciones. Hoy en día, estas afinaciones se conocen como afinaciones de transición o Accords nouveaux (en francés: «nuevas afinaciones»). Las afinaciones de transición documentan el paso de la afinación tradicional del laúd renacentista a la posterior afinación barroca en re menor.
Este avance en la afinación se atribuye a los laudistas franceses de principios del siglo XVII, quienes comenzaron a aumentar el número de terceras mayores o menores en las cuerdas al aire adyacentes del laúd de diez órdenes. Como resultado, el laudista francés obtuvo un sonido más resonante y una mayor vibración simpática en el instrumento. Esto dio lugar a nuevos estilos de composición y técnicas de interpretación, entre las que destaca el estilo brisé (en francés: «estilo roto»). Los manuscritos de la primera mitad del siglo XVII demuestran que las afinaciones de transición francesas ganaron popularidad y se adoptaron en gran parte de Europa continental.
Las afinaciones de transición más utilizadas durante este período se conocían como afinaciones "sostenidas" y "bemoles". Leídas desde la décima hasta la primera cuerda en un laúd de 10 cuerdas, la afinación sostenida se lee: C, D, E, F, G, C, F, A, C, E. La afinación bemol se lee: C, Db, Eb, F, G, C, F, Ab, C, Eb. [ 41 ]
Sin embargo, hacia 1670, el esquema conocido hoy como afinación "barroca" o "en re menor" se convirtió en la norma, al menos en Francia y en el norte y centro de Europa. En este caso, los primeros seis órdenes forman una tríada de re menor, y otros cinco a siete órdenes se afinan generalmente por debajo de ellos, siguiendo una escala. Así, el laúd de 13 órdenes que tocaba el compositor Sylvius Leopold Weiss habría estado afinado (A″A') (B″B') (C'C) (D'D) (E'E) (F'F) (G'G) (A'A') (DD) (FF) (AA) (d) (f), o con sostenidos o bemoles en los 7 órdenes inferiores, según la tonalidad de la pieza. [ 42 ]
Los laudistas modernos afinan sus instrumentos según diversos estándares de afinación, que van desde A = 392 Hz hasta 470 Hz, dependiendo del tipo de instrumento que toquen, el repertorio, la afinación de los demás instrumentos del conjunto y otras necesidades de interpretación. Durante el auge histórico del laúd, no existía ningún intento de establecer un estándar de afinación universal. Los estándares variaban con el tiempo y de un lugar a otro.
Variedades
Entre los instrumentos específicos de la familia del laúd se incluyen:
Laúdes europeos :
Laúdes africanos :
Laúdes asiáticos :
Laúdes sudamericanos :
Jugadores
Fabricantes
Véase también
Notas
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Bletschacher (1978) ha argumentado que esto se debió en gran parte a las visitas reales de Federico II con su magnífico séquito siciliano morisco a las ciudades de este valle entre 1218 y 1237.
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Hacia 1500, los primeros registros escritos confirman la existencia de varias familias que fabricaban laúdes como oficio en Füssen y sus alrededores, en el valle del Lech. La mayoría de los nombres famosos de la fabricación de laúdes de los siglos XVI y XVII parecen haber provenido originalmente de esta pequeña zona del sur de Alemania. Hacia 1562, los fabricantes de Füssen estaban lo suficientemente establecidos como para constituir un gremio con reglamentos elaborados que han sobrevivido (véase Bletschacher, 1978, y Layer, 1978).
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Enlaces externos
Sociedades
- La Sociedad del Laúd de América (América)
- La Sociedad Belga del Laúd (Bélgica)
- La Sociedad Francesa del Laúd (Francia)
- La Sociedad Alemana del Laúd (Alemania)
- La Sociedad del Laúd de Japón (Japón)
- La Sociedad del Laúd y la Guitarra Antigua (Japón, fundada por Toyohiko Satoh )
- La Sociedad Holandesa del Laúd (Países Bajos)
- La Sociedad del Laúd (Reino Unido)
Música en línea y otros recursos útiles
- reneszanszlant.lap.hu es una colección de enlaces muy útiles: luthiers/fabricantes de laúdes, laudistas, tablaturas, etc. (en inglés y húngaro).
- ABC Classic FM presenta: Vídeos del Proyecto Laúd. Vea a Tommie Andersson tocar la tiorba, el laúd de 7 órdenes y el laúd de 10 órdenes.
- Páginas de laúd de Wayne Cripps
- Joachim Tielke. El sitio web del gran fabricante de laúdes de Hamburgo, Joachim Tielke.
- Facsímiles/escaneos hechos a mano de Musick (Dowland, etc.) y archivos PDF - por Alain Veylit
- Página de laúd de Sarge Gerbode: más de 7000 piezas para laúd solista y en conjunto de más de 300 compositores en formatos midi, PDF, TAB y Fronimo.
- Otro sitio web sobre laúd: vista categorizada de videos de YouTube de más de 250 compositores de laúd.
- Música para laúd contemporánea y moderna. Música para laúd moderna (posterior a 1815) y contemporánea. Lista de obras modernas para laúd compuestas después de 1815.
- Colección de música en la Biblioteca Digital de Cambridge . Una de las colecciones más importantes de música manuscrita en la Biblioteca de la Universidad de Cambridge es el grupo de nueve manuscritos para laúd copiados por Mathew Holmes a principios del siglo XVII.
- Ediciones musicales Urtext de Le Luth Doré. La colección más importante de ediciones musicales Urtext modernas para laúd.
Fotografías de instrumentos históricos
- Fotos de laúdes históricos en la Cité de la Musique de París
- Instrumentos y obras de arte – frase de búsqueda: Mot-clé(s) : luth
- Factores de instrumentos – frase de búsqueda: Instrument fabriqué : luth
- Fototeca – frase de búsqueda: Instrumento de música, ciudad o país : luth
- Laúdes en el Museo Metropolitano de Arte
Artículos y recursos
- Pioneros del resurgimiento del laúd, por Jo Van Herck (Academia Belga del Laúd)
- Original: Over de pioneros van de luitrevival ; Luthinerie / Geluit núm. 15 (septiembre de 2001) y núm. 16 (diciembre de 2001)
- Fotografías y pinturas
- Laudistas franceses y música francesa para laúd en Suecia
- La Rhétorique des Dieux
- Lautenweltadressbuch: Lista de laúdes históricos existentes de la Sociedad del Laúd de América
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