Méret Oppenheim

Meret (o Méret) Elisabeth Oppenheim (6 de octubre de 1913 – 15 de noviembre de 1985) fue una artista y fotógrafa surrealista suiza nacida en Alemania .

Meret Oppenheim ^{[ 1 ]} nació el 6 de octubre de 1913 en Berlín . Recibió su nombre de Meretlein, una niña salvaje que vive en el bosque, de la novela Enrique el Verde de Gottfried Keller. ^{[ 2 ] [ 3 ]} Oppenheim tenía dos hermanos, una hermana Kristin (nacida en 1915) y un hermano Burkhard (nacido en 1919). ^{[ 4 ]} Su padre, un médico judío alemán ^{[ 5 ]} , fue reclutado por el ejército al estallar la guerra en 1914. ^{[ 4 ]} En consecuencia, Oppenheim y su madre, que era suiza, ^{[ 5 ]} se mudaron a vivir con los abuelos maternos de Oppenheim en Delémont , Suiza. ^{[ 6 ]} En Suiza, Oppenheim estuvo expuesta desde muy joven a una plétora de arte y artistas, incluyendo a Alfred Kubin , expresionistas alemanes, impresionistas franceses y poemas de los románticos. ^{[ 7 ]} Oppenheim también se inspiró en su tía, Ruth Wenger, especialmente en la devoción de Wenger por el arte y su estilo de vida moderno. ^{[ 6 ]} A finales de la década de 1920, Oppenheim se expuso aún más a diferentes obras de arte relacionadas con el modernismo, el expresionismo, el fauvismo y el cubismo. ^{[ 8 ]}

Hacia 1928, Oppenheim conoció los escritos de Carl Jung a través de su padre y se inspiró para registrar sus sueños. ^{[ 9 ]} Oppenheim estaba interesada en el enfoque analítico de Jung, particularmente en su teoría del animus-anima . A lo largo de su vida, Oppenheim analizó cuidadosamente sus propios sueños y los transcribió detalladamente en sus escritos. Intentó utilizarlos al abordar “cuestiones fundamentales de la vida”. Asimismo, Oppenheim utilizó iconografía y motivos de los arquetipos de Jung en su obra a lo largo de los años; entre los motivos típicos que utilizó se incluyen espirales y serpientes. ^{[ 10 ]} Oppenheim renunció al término “arte femenino” y adoptó el ideal de creatividad andrógina de Jung en su arte, en el que los aspectos masculinos y femeninos trabajaban simultáneamente. ^{[ 11 ]}

La obra de Paul Klee , objeto de una retrospectiva en la Kunsthalle Basel en 1929, ejerció otra fuerte influencia en Oppenheim, despertando en ella el interés por las posibilidades de la abstracción.

En 1931, tras recibir el permiso de su padre para abandonar el instituto, tuvo que elegir entre ir a París o a Múnich a estudiar arte. Eligió París. ^{[ 12 ] [ 13 ]}

En mayo de 1932, a la edad de 18 años, Oppenheim se mudó a París desde Basilea, Suiza, y asistió esporádicamente a la Académie de la Grande Chaumière para estudiar pintura. ^{[ 14 ]} Su primer estudio fue una habitación de hotel en el Hotel Montparnasse de París. En esta época produjo principalmente pinturas y dibujos. ^{[ 15 ]} En 1933, Oppenheim conoció a Jean Arp y Alberto Giacometti . Después de visitar su estudio y ver su obra, Arp y Giacometti la invitaron a participar en la exposición surrealista en el “Salon des Surindépendants”, ^{[ 14 ]} celebrada en París entre el 27 de octubre y el 26 de noviembre. ^{[ 16 ]} Más tarde, Oppenheim conoció a André Breton y comenzó a participar en reuniones en el Café de la Place Blanche con el círculo surrealista. Impresionó a los surrealistas con su comportamiento desinhibido. ^{[ 17 ]} Poco después de que comenzara a asistir regularmente a reuniones con Breton y otros conocidos, al círculo de Oppenheim se unieron otros artistas surrealistas como Marcel Duchamp , Max Ernst y Man Ray . ^{[ 18 ]} El enfoque conceptual favorecido por Marcel Duchamp , Max Ernst y Francis Picabia se volvió importante para su obra. ^{[ 19 ]}

En 1936, Meret Oppenheim tuvo su primera exposición individual en Basilea , Suiza, en la Galerie Schulthess . ^{[ 20 ]} Continuó contribuyendo a exposiciones surrealistas hasta 1960. Muchas de sus piezas consistían en objetos cotidianos dispuestos para aludir a la sexualidad femenina y la explotación de la mujer por el sexo opuesto. Las pinturas de Oppenheim se centraron en los mismos temas. Su abundante fuerza de carácter y su seguridad en sí misma impregnaron cada obra que creó, transmitiendo una cierta cómoda confrontación con la vida y la muerte. ^{[ 21 ]} Su originalidad y audacia la establecieron como una figura destacada del movimiento surrealista. En Oppenheim: Object se la describió como alguien que encarnó y «personificó el ideal de la 'femme-enfant' del surrealismo masculino». ^{[ 15 ]}

En 1937, Oppenheim regresó a Basilea , lo que marcó el inicio de su bloqueo artístico. Tras alcanzar el éxito, tuvo dificultades y se preocupó por su desarrollo como artista. Oppenheim solía trabajar en arrebatos espontáneos y, en ocasiones, destruía sus obras. En 1939, tras una exposición en la Galerie René Drouin, fundada por René Drouin en París , Oppenheim se tomó un descanso de su carrera artística. En dicha exposición, compartió espacio con numerosos artistas, entre ellos Leonor Fini y Max Ernst . No volvió a exponer su obra públicamente hasta la década de 1950. Entonces, Oppenheim retomó su "estilo original" y basó sus nuevas obras en bocetos antiguos y creaciones anteriores. ^{[ 22 ]}

La obra más conocida de Oppenheim es Object (Le Déjeuner en fourrure) [Object (Desayuno en piel)] (1936). Object de Oppenheim consiste en una taza, un platillo y una cuchara que cubrió con piel (ella creía que era de una gacela china, aunque el MoMA determinó que no lo era). ^{[ 15 ] [ 23 ]} La piel podría representar la opulencia. La taza, hueca pero redonda, puede evocar los genitales femeninos; la cuchara, con su forma fálica, añade otra nota erótica. ^{[ 24 ]} Object se inspiró en una conversación que Oppenheim tuvo con Pablo Picasso y su amante Dora Maar en el Café de Flore de París. Mientras admiraban una pulsera de piel que Oppenheim había diseñado, Picasso, según una versión de la historia que Oppenheim contó, dijo que todo podía cubrirse de piel, incluso una taza y un platillo. ^{[ 23 ]} Oppenheim creó Object después de que Breton la invitara a participar en una exposición de objetos surrealistas en la Galerie Charles Ratton de París. ^{[ 23 ]} Al cubrir el servicio de té con piel, Oppenheim logró un objetivo surrealista al liberar el platillo, la cuchara y la taza de sus funciones originales como objetos de consumo. ^{[ 25 ]} Los espectadores experimentaron diversas emociones al observar Objeto, que se volvió disfuncional. ^{[ 23 ]} El largo título de la obra fue creado por Breton (Oppenheim se refería a ella simplemente como Objeto ), quien combinó la novela Venus en pieles de Leopold Sacher-Masoch con Almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet . ^{[ 26 ]} Durante el año de su creación, Objeto fue adquirido por Alfred Barr , quien esperaba colocarlo en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se incluyó en la exposición emblemática del museo Arte fantástico: Dadaísmo y surrealismo . ^{[ 27 ]} Debido a esta compra, se pensó que Oppenheim era la primera mujer en la colección permanente del museo, y fue apodada "la Primera Dama del MoMA". ^{[ 28 ]} Pero Barr, quien compró la obra con su propio dinero, no logró que los fideicomisarios conservadores la aceptaran, y no pasó a formar parte de la colección permanente hasta 1963 (entró en la colección de estudio del museo en 1946, donde permaneció oculta durante muchos años). ^{[ 23 ]}

El Objeto de Oppenheim sería una de las principales fuerzas que la llevaron a su larga crisis artística debido a su repentino aumento de popularidad después de ser exhibido por Barr en Nueva York. Aunque le brindó a Oppenheim una gran fama, el Objeto reforzó la creencia pública de que Oppenheim solo practicaba el surrealismo, lo que ella consideraba que limitaba su libertad de expresión artística y la exploración de otros estilos artísticos. ^{[ 29 ]} De hecho, el Objeto se hizo tan conocido que se crearon muchos conceptos erróneos sobre Oppenheim y su arte debido a él. ^{[ 29 ]} Por ejemplo, muchos creían erróneamente que Oppenheim creaba principalmente objetos en piel. ^{[ 29 ]} Al ser conocida como la artista del Objeto , Oppenheim quedó vinculada al surrealismo por las expectativas del público, una conexión que ella intentaba evitar. Décadas más tarde, en 1972, comentó artísticamente sobre el dominio de este en su carrera al producir una serie de " recuerdos " de Le Déjeuner en fourrure . ^{[ 30 ]} El objeto también ha sido ampliamente interpretado a través de una lente freudiana , y se ha visto en un sentido simbólico como una referencia sexual femenina. ^{[ 31 ]}

A lo largo de su vida, Oppenheim ha estado dispuesta a posar para fotógrafos. ^{[ 24 ]} Su sesión fotográfica más popular con Man Ray refleja profundamente su postura personal sobre la feminidad. Contrariamente a la discreción respecto al género del creador de Le Déjeuner , las fotografías constituyeron un monumento inequívoco a su feminidad y un testimonio de su renuencia a exponerla. ^{[ 24 ]}

En 1937, Oppenheim regresó a Basilea para formarse como restauradora de arte y así asegurar su estabilidad económica. Esto marcó el inicio de una crisis creativa que se prolongó hasta 1954. Aunque mantuvo cierto contacto con sus amigos en París, creó muy poco y destruyó o no terminó gran parte de su obra. ^{[ 19 ]} En Basilea se unió al Grupo 33 y participó en sus exposiciones colectivas, en 1945 en el Kunstmuseum Basel . ^{[ 32 ]}

Oppenheim comenzó a trabajar como restauradora de arte en 1944 durante un episodio depresivo que duró dieciocho años. Oppenheim era conocida por su lucha contra la opresión que sufrían las mujeres en la sociedad. También se vio afectada cuando su padre tuvo que huir a Suiza antes de la Segunda Guerra Mundial debido a su apellido judío; sus credenciales y su formación como médico fueron desacreditadas, dejándolo sin trabajo. Como resultado, Oppenheim necesitó dedicarse a la conservación para obtener alivio económico y emocional. Consideraba las obras que produjo en esta época como imaginativas y «proyecciones de su fantasía». ^{[ 11 ]}

Oppenheim mantuvo un estudio en Berna desde 1954 y vivió allí permanentemente desde 1967 hasta su muerte. ^{[ 11 ]}

En la década de 1950, Oppenheim entabló amistad con Arnold Rudlinger, director de la Kunsthall Bern. Los diversos programas y exposiciones de la Kunsthall Bern la situaron en un entorno artístico estimulante que le permitió explorar las tendencias artísticas internacionales mientras trabajaba junto a Dieter Roth , Daniel Spoerri y Markus Raetz . ^{[ 11 ]}

En 1956, Oppenheim diseñó el vestuario y las máscaras para la producción de Daniel Spoerri de la obra de Picasso , Le Désir attrapé par la queue, en Berna. Ella y la artista Lilly Keller fueron elegidas para representar las cortinas. Tres años después, en 1959, organizó un Banquete de Primavera (Le Festin) en Berna para algunos amigos, en el que se sirvió comida sobre el cuerpo de una mujer desnuda. La exposición causó controversia, y Oppenheim fue acusada de tratar el cuerpo femenino como un objeto para ser devorado. ^{[ 17 ]} Con el permiso de Oppenheim, André Breton recreó la performance más tarde ese mismo año en la inauguración de la Exposition inteRnatiOnale du Surrealisme (EROS), en la Galerie Cordier de París. Fuera de su entorno íntimo original, la performance resultó demasiado provocativa y Oppenheim sintió que su intención original para la obra se había perdido. ^{[ 33 ]} Oppenheim sintió que el surrealismo cambió después de la Segunda Guerra Mundial y nunca más volvió a exponer con los surrealistas. ^{[ 17 ]}

En la década de 1960, Oppenheim se distanció de los surrealistas. Sentía que pertenecía a la generación de la posguerra, que era más joven. Oppenheim se caracterizó por ser fiel a sí misma y abordó temas novedosos en su obra con un lenguaje pictórico fresco. A pesar de ello, Oppenheim nunca tuvo alumnos propios, aunque en ocasiones fue mentora de artistas más jóvenes. En 1968, Oppenheim realizó una exposición individual en la Galerie Martin Krebs de Berna. ^{[ 11 ]}

En 1982, Oppenheim ganó el Premio de Arte de Berlín y participó en la exposición documenta 7 de Rudi Fuchs . Ese mismo año se publicó Meret Oppenheim: Defiance in the Face of Freedom , y la comisión de arte de Berlín le encargó la creación de una fuente pública. Su fuente se fundió en 1983 y recibió críticas mixtas por parte del público. Debido a que se iluminaba por la noche, los periódicos la calificaron de «faro» y «una monstruosidad». Con el tiempo, se cubrió de algas y musgo, lo que permitió que el público la aceptara. ^{[ 11 ]} En 1983, Oppenheim también participó en una exposición itinerante a través del Instituto Goethe en Italia. En 1984, realizó una exposición individual en la Kunsthalle Bern en Suiza, así como en el Musée d'Art Moderne de París, Francia. De este modo, Oppenheim fue una de las pocas «artistas femeninas de su generación reconocidas internacionalmente en vida». ^{[ 11 ]}

Tras mudarse a París, Oppenheim conoció a Alberto Giacommetti y Jean Arp. Posteriormente, conoció a Marcel Duchamp y Man Ray, y en 1936 fue invitada a exponer su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. ^{[ 15 ]} Sus pinturas se exhibieron junto a las de artistas de la escena artística parisina y neoyorquina, como Salvador Dalí y Giacommetti. ^{[ 15 ]} Tras la exposición de Object , Man Ray la proclamó «musa del surrealismo».

Oppenheim encajaba con los surrealistas porque buscaba «aceptación y aprobación por la forma en que vivía su vida». ^{[ 15 ]} Era escéptica ante cualquier ideología concreta, y el surrealismo le permitió experimentar con su arte. ^{[ 15 ]} Esto se evidencia en su pintura Figura sentada con las manos juntas , que ha sido descrita como «sin sexo, sin rasgos, sin lugar... un retrato de la actitud de su creadora». ^{[ 15 ]}

Oppenheim experimentó con diversos estilos a lo largo de su carrera, incluso cuando se identificaba como surrealista. Experimentó con el «surrealismo verista» y poseía una cualidad de apertura que permitió que su obra mantuviera su relevancia. ^{[ 11 ]} A diferencia de otros surrealistas que veían los sueños como una forma de desbloquear el subconsciente, Oppenheim utilizó la pintura y sus sueños como una «analogía de sus formas (las del subconsciente)». Asimismo, Oppenheim empleó símbolos versátiles, influenciados en parte por Carl Jung, que aportaban misterio y ambigüedad. De igual modo, a diferencia de otros surrealistas, Oppenheim utilizó símbolos con un «impacto fluido y cambiante» y produjo obras que eran cohesivas a través de ideas frecuentes y organizadas en lugar de un lenguaje formal. Para guiar a los espectadores hacia su significado, titulaba estratégicamente sus obras. ^{[ 11 ]}

No obstante, el Objeto de Oppenheim persiste como un ejemplo de “fetichismo surrealista”, ya que su función sigue a su forma; la piel en la taza la vuelve no funcional. ^{[ 11 ]}

En 1936, al comienzo de su carrera, Oppenheim participó en dos importantes exposiciones surrealistas fuera de París: la Exposición Internacional Surrealista , en las Galerías New Burlington de Londres, y Arte Fantástico: Dadaísmo Surrealista , en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1943, la obra de Oppenheim se incluyó en la exposición de Peggy Guggenheim titulada «Exhibición de 31 mujeres» en la galería «El arte de este siglo» de Nueva York. ^{[ 34 ]}

La primera retrospectiva de Oppenheim fue presentada por el Moderna Museet Stockholm en 1967. En Suiza, su primera retrospectiva se llevó a cabo en el Museum der Stadt, Solothurn (1974) y viajó al Kunstmuseum Winterthur y al Wilhelm-Lehmbruck Museum , Duisburg, Alemania en 1975.

En 1996, el Museo Solomon R. Guggenheim organizó la primera gran exposición de Oppenheim en Estados Unidos, en un momento en que ya había comenzado en Europa un renovado interés por su obra, especialmente entre los artistas jóvenes. ^{[ 35 ]}

En 2013, se inauguró en el Martin-Gropius-Bau de Berlín una retrospectiva integral de la obra de Oppenheim, que reunió pinturas, bocetos, esculturas, máscaras, ropa, muebles y joyas del artista. Entre los prestamistas figuraban el cantante David Bowie , la magnate minorista y marchante de arte suiza Ursula Hauser y el magnate holandés de los diamantes Sylvio Perlstein . ^{[ 36 ]}

Del 26 de abril al 14 de septiembre de 2014, el Museo Nacional de Mujeres en las Artes exhibió Meret Oppenheim: Amistades tiernas.  «Esta exposición explora la amistad como fuente de inspiración y apoyo. Inspirada por la amistad entre dos poetisas del siglo XVIII, Bettine Brentano y Karoline von Günderode, Oppenheim creó pinturas, grabados y poemas dedicados a ambas mujeres, algunos de los cuales se exhiben en la muestra». ^{[ 37 ]}

En 2022, el MoMA organizó una exposición retrospectiva que destacó la producción continua de Oppenheim a lo largo de su dilatada carrera. ^{[ 38 ]}

Oppenheim recibió el Premio de Arte de la Ciudad de Basilea el 16 de enero de 1975. En su discurso de aceptación, Oppenheim acuñó la frase «La libertad no se te da, tienes que tomarla». ^{[ 39 ]} En 1982, tres años antes de su muerte, recibió el Premio de Arte de Berlín de 1982. ^{[ 40 ]}

En 2019, Basilea inauguró una plaza, una avenida, una fuente y un edificio de apartamentos de gran altura (diseñado por Herzog & de Meuron ) ^{[ 41 ],} todos ellos nombrados en honor a Oppenheim en el centro de la ciudad. La gran fuente presenta su escultura Spirale (der Gang der Natur) . ^{[ 42 ]}

Oppenheim ha sido considerada una figura de “identificación feminista” para el movimiento de mujeres y un modelo a seguir para las generaciones más jóvenes debido a su “actitud sociocrítica y emancipadora”. En 1975, Oppenheim pronunció un discurso en la presentación del Premio de Arte de Basilea y pidió directamente a las mujeres que “demostraran a la sociedad la invalidez de los tabúes adoptando formas de vida poco convencionales” y que utilizaran su intelecto como una fuerza creativa sin miedo. ^{[ 11 ]}

Oppenheim, quien falleció en 1985 a los 72 años, llevaba un registro detallado de sus mecenas y colegas, así como del destino final de sus obras. Dictaba qué escritos debían publicarse y cuándo, y existen lagunas desconcertantes, ya que destruyó parte del material. El archivo y gran parte de las obras de arte se han confiado a instituciones de Berna, entre ellas el Museo de Bellas Artes y la Biblioteca Nacional . ^{[ 36 ]}

La galería Levy, fundada en 1970 por Thomas Levy, residente de Hamburgo, representa el legado de Meret Oppenheim, en estrecha colaboración con la familia de la artista.

El 6 de octubre de 2017, Google celebró su 104.º cumpleaños con un Google Doodle . ^{[ 43 ]}

En 2018, Oppenheim fue el tema de un cortometraje documental de Cheri Gaulke , titulado Gloria's Call .

• Kleiner, Fred S.; Mamiya, Christian J. (2005). El arte de Gardner a través de los tiempos (12.ª  ed.). EE. UU.: Thompson Learning Co. pp. 999–1000 . 
• Slatkin, Wendy (2001). Mujeres artistas en la historia (4.ª  ed.). EE. UU.: Pearson Education. págs. 203–204 . 
• Meret Oppenheim: Retrospectiva . Hatje Cantz. 2013.Con fotografías de Heinrich Helfenstein. Traducido del alemán por Catherine Schelbert.
• Oppenheim, Meret (1988). Meret Oppenheim: Nueva York . Nueva York: Kent Fine Art .
• Galería Krinzinger (1997).'Meret Oppenheim: una retrospectiva diferente. Una retrospectiva diferente . Graphische Kunstanstalt - Otto Sares, Viena. ISBN 3-900683-02-6.

• Publicaciones de y sobre Méret Oppenheim en el catálogo Helveticat de la Biblioteca Nacional Suiza.
• "Legado literario de Méret Oppenheim" . HelveticArchives . Biblioteca Nacional Suiza .
• Pequeña galería de obras de Meret Oppenheim
• Entrada de Artcyclopedia
• IMAGEN: Meret Oppenheim (1988/1996) , película
• Fechas y un retrato
• Informe y fotografía
• Abbi Jacobson y Anne Umland comentan el libro de Meret Oppenheim, *Object on A Piece of Work*.
• Meret Oppenheim sobre el aprendizaje en el MoMA