Película

El arte cinematográfico se ha nutrido de varias tradiciones anteriores en campos como la narración oral , la literatura , el teatro y las artes visuales . Entre las formas de arte y entretenimiento que ya presentaban imágenes en movimiento o proyectadas se incluyen la fotografía de sombras , la cámara oscura , el teatro de sombras y la linterna mágica . ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}

El principio de animación estroboscópica se introdujo en 1833 con el disco estroboscópico ^{[ 5 ]} (más conocido como fenakístico ) ^{[ 6 ]} y posteriormente se aplicó en el zoótropo (desde 1866), ^{[ 7 ]} el libro animado (desde 1868), ^{[ 8 ] [ 9 ]} y el praxinoscopio (desde 1877), ^{[ 10 ]} antes de convertirse en el principio básico de la cinematografía.

Los primeros experimentos con proyectores de animación basados ​​en fenakistoscopio se realizaron al menos desde 1843 y se proyectaron públicamente en 1847. Jules Duboscq introdujo los sistemas de proyección fenakistoscopio en Francia en la década de 1870. ^{[ 11 ]}

La fotografía se introdujo en 1839, ^{[ 12 ]} pero inicialmente las emulsiones fotográficas necesitaban exposiciones tan largas que el registro de sujetos en movimiento parecía imposible. Al menos ya en 1844, se crearon series fotográficas de sujetos posando en diferentes posiciones para sugerir una secuencia de movimiento o documentar una gama de diferentes ángulos de visión. La llegada de la fotografía estereoscópica , con los primeros experimentos en la década de 1840 y el éxito comercial desde principios de la década de 1850, ^{[ 13 ] [ 14 ]} aumentó el interés en completar el medio fotográfico con la adición de medios para capturar el color y el movimiento. En 1849, Joseph Plateau publicó sobre la idea de combinar su invención del fenakistoscopio con el estereoscopio, como le sugirió el inventor del estereoscopio Charles Wheatstone , ^{[ 15 ] [ 16 ]} y usar fotografías de esculturas de yeso en diferentes posiciones para animarlas en el dispositivo combinado. En 1852, Jules Duboscq patentó un instrumento de este tipo, denominado «Stéréoscope-fantascope, ou Bïoscope» ^{[ 17 ]} , pero solo lo comercializó brevemente y sin éxito. Un disco de Bïoscope con fotografías estereoscópicas de una máquina se encuentra en la colección Plateau de la Universidad de Gante, pero aún no se han encontrado instrumentos ni otros discos. ^{[ 18 ]}

A finales de la década de 1840, surgieron los primeros ejemplos de fotografía instantánea . ^{[ 19 ] [ 20 ]} Esto generó la esperanza de que la fotografía en movimiento pronto sería posible, pero transcurrieron algunas décadas antes de que se combinara con éxito con un método para registrar series de imágenes secuenciales en tiempo real. En 1878, Eadweard Muybridge logró tomar una serie de fotografías de un caballo corriendo con una batería de cámaras en línea a lo largo de la pista y publicó los resultados como El caballo en movimiento en tarjetas de gabinete . ^{[ 21 ]} Muybridge, así como Étienne-Jules Marey , Ottomar Anschütz y otros, crearían muchos más estudios de cronofotografía . ^{[ 22 ] [ 23 ]} Muybridge hizo trazar los contornos de docenas de sus series cronofotográficas en discos de vidrio y los proyectó con su zoopraxiscopio en sus conferencias de 1880 a 1895. ^{[ 24 ] [ 25 ]}

Anschütz realizó sus primeras fotografías instantáneas a principios de la década de 1880, desarrollando una cámara portátil que permitía velocidades de obturación tan cortas como 1/1000 de segundo. ^{[ 26 ] [ 27 ]} La calidad de sus imágenes se consideraba generalmente mucho mayor que la de los trabajos de cronofotografía de Muybridge y Marey . ^{[ 28 ]} En 1886, Anschütz desarrolló el Electrotaquiscopio , un dispositivo primitivo que mostraba cortos bucles de películas con 24 fotografías de placas de vidrio en una rueda giratoria de 1,5 metros de ancho que se accionaba manualmente a una velocidad de aproximadamente 30 fotogramas por segundo. Se mostraron diferentes versiones en muchas exposiciones internacionales, ferias, convenciones y galerías desde 1887 hasta al menos 1894. ^{[ 29 ]} A partir de 1891, Siemens & Halske en Berlín fabricó unos 152 ejemplares de un modelo de Electrotaquiscopio de caja de visión operado con monedas y los vendió internacionalmente. ^{[ 28 ] [ 30 ]} Casi 34.000 personas pagaron para verla en el Parque de Exposiciones de Berlín en el verano de 1892. ^{[ 31 ]} Otros la vieron en Londres o en la Exposición Universal de Chicago de 1893. ^{[ 32 ]} El 25 de noviembre de 1894, Anschütz presentó un proyector Electrotachyscope con una proyección de 6x8 metros en Berlín. ^{[ 31 ] [ 32 ]} Entre el 22 de febrero y el 30 de marzo de 1895, un total de aproximadamente 7.000 clientes de pago acudieron a ver un espectáculo de 1,5 horas de duración con unas 40 escenas en una sala de 300 asientos en el antiguo edificio del Reichstag en Berlín. ^{[ 33 ]}

El inventor francés Émile Reynaud ya había mencionado la posibilidad de proyectar imágenes con el praxinoscopio en su solicitud de patente de 1877. ^{[ 34 ]} Presentó un dispositivo de proyección de praxinoscopio en la Société française de photographie en 1880, pero no produjo comercialmente su praxinoscopio hasta 1882. ^{[ 35 ] [ 36 ]} Recibió una Mención Honorífica en la Exposición Universal de París de 1878. Posteriormente, desarrolló aún más el dispositivo, convirtiéndolo en el Théâtre Optique , que podía proyectar secuencias más largas con fondos separados, patentado en 1888. Creó varias películas para la máquina pintando imágenes en placas de gelatina que se montaban en marcos de cartón y se sujetaban a una banda de tela. De 1892 a 1900, Reynaud presentó espectáculos animados, llamados Pantomimes Lumineuses , a los visitantes del Musée Grévin en París. ^{[ 35 ]}

Escena del jardín de Roundhay , la película más antigua que se conserva del mundo producida con una cámara cinematográfica, de Louis Le Prince , 1888.

Un fotograma de L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat , una de las primeras películas estrenadas en cines, 1896.

A finales de la década de 1880, la introducción de rollos de película fotográfica de celuloide y la invención de las cámaras de cine , que podían fotografiar una rápida secuencia de imágenes utilizando una sola lente, permitieron capturar y almacenar la acción en un único rollo compacto de película. ^{[ 37 ] [ 38 ] [ 39 ] [ 40 ]}

^{Las películas se proyectaban inicialmente en público a una persona a la vez mediante dispositivos de} "espectáculo de miradas indiscretas" como el electrotaquiscopio , ^{[ 26 ]} el kinetoscopio [ ^{41 ]} y el mutoscopio . ^{[ 42 ]} A finales de la década de 1890, los exhibidores lograron proyectar películas en pantallas grandes para el público de los teatros. ^{[ 43 ]}

Las primeras proyecciones públicas de películas con entrada de pago se realizaron en 1895 por el estadounidense Woodville Latham y sus hijos (utilizando películas producidas por su compañía Eidoloscope ), ^{[ 44 ]} por los hermanos alemanes Emile y Max Skladanowsky , y por los hermanos franceses Auguste y Louis Lumière , más conocidos por L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat (1896), ^{[ 45 ]} con 10 de sus propias producciones. ^{[ 46 ]} Las proyecciones privadas las habían precedido por varios meses, siendo la de Latham ligeramente anterior a las de los demás. ^{[ 47 ]}

Las primeras películas eran muy cortas, generalmente de unos pocos minutos o menos. ^{[ 41 ]} Por lo general, eran una toma simple, única y estática que mostraba un evento o acción sin edición ni otras técnicas cinematográficas . Ejemplos de las primeras películas incluyen Workers Leaving the Lumière Factory (1895) y sus versiones alternativas, en las que una cámara fija muestra a los empleados saliendo de su lugar de trabajo a través de una puerta, ^{[ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]} y A Trip Down Market Street (1906), que tenía cierta sensación de movimiento porque fue filmada desde un tranvía. ^{[ 51 ]}

Hacia principios del siglo XX, las películas comenzaron a enlazar varias escenas para contar una historia. (Los cineastas que primero unieron varias tomas o escenas descubrieron que, cuando una toma sigue a otra, ese acto establece una relación entre el contenido de las tomas individuales en la mente del espectador. Es esta relación la que hace posible toda narración cinematográfica. En un ejemplo sencillo, si se muestra a una persona mirando por una ventana, lo que muestre la siguiente toma se considerará la vista que la persona estaba viendo). Cada escena era una sola toma fija con la acción ocurriendo antes. Posteriormente, las escenas se dividieron en múltiples tomas filmadas desde diferentes distancias y ángulos. ^{[ 52 ]}

Se desarrollaron otras técnicas, como el movimiento de cámara, como formas efectivas de contar una historia con el cine. Hasta que el cine sonoro se volvió comercialmente viable a finales de la década de 1920, las películas eran un arte puramente visual , pero estas innovadoras películas mudas se ganaron el corazón del público. En lugar de dejar a los espectadores solo con el ruido del proyector como acompañamiento, los dueños de los cines contrataban a un pianista ^{[ 53 ]} u organista ^{[ 54 ]} o, en los grandes cines urbanos, a una orquesta completa para interpretar música que se ajustara al ambiente de la película en cada momento. ^{[ 53 ]} A principios de la década de 1920, la mayoría de las películas venían con una lista preparada de partituras para este propósito, y se compusieron bandas sonoras completas para las grandes producciones. ^{[ 55 ]}

El auge del cine europeo se vio interrumpido por el estallido de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), mientras que la industria cinematográfica en Estados Unidos floreció con el auge de Hollywood , caracterizado principalmente por el trabajo innovador de D. W. Griffith ^{[ 56 ]} en El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). ^{[ 57 ]} Sin embargo, en la década de 1920, cineastas europeos como Sergei Eisenstein , ^{[ 58 ] [ 59 ]} F. W. Murnau , ^{[ 60 ] [ 61 ]} y Fritz Lang , ^{[ 62 ] [ 63 ]} inspirados en muchos sentidos por el meteórico progreso del cine durante la guerra a través de Griffith, junto con las contribuciones de actores como Charles "Charlie" Chaplin , Buster Keaton y otros, rápidamente alcanzaron el nivel de la cinematografía estadounidense y continuaron impulsando el medio. ^{[ 64 ] [ 65 ]}

A finales de la década de 1920, ^{[ 66 ]} el desarrollo de las tecnologías de grabación de sonido electrónico hizo posible incorporar una banda sonora de voz, música y efectos de sonido sincronizados con la acción en la pantalla. ^{[ 67 ] [ 68 ]} Las películas sonoras resultantes se distinguieron inicialmente de las habituales "películas en movimiento" o "películas" mudas llamándolas "películas habladas" o "talkies". ^{[ 69 ] [ 67 ]} La revolución que trajeron fue rápida. Para 1931, el cine mudo estaba prácticamente extinto en los EE. UU. ^{[ 70 ] [ 71 ]} y ya se le conocía como "el viejo medio". ^{[ 65 ]} En 2013, solo el 14 % de los largometrajes mudos estadounidenses de 1912 a 1929 existían en su formato original. ^{[ 71 ] [ 72 ]}

La evolución del sonido en el cine comenzó con la idea de combinar imágenes en movimiento con la tecnología de sonido de los fonógrafos existentes . Los primeros sistemas de sonido para cine, como el Kinetoscopio de Thomas Edison ^{[ 66 ] [ 70 ]} y el Vitaphone utilizado por Warner Bros. , ^{[ 67 ] [ 65 ]} sentaron las bases para el sonido sincronizado en el cine. El sistema Vitaphone, producido junto con Bell Telephone Company y Western Electric , enfrentó una resistencia inicial debido a los altos costos de equipamiento, pero el sonido en el cine ganó aceptación con películas como Don Juan (1926) y El cantante de jazz (1927). ^{[ 73 ] [ 67 ]}

Mientras tanto, Europa estandarizó los sistemas Tobis-Klangfilm y Tri-Ergon . ^{[ 74 ]} Esta nueva tecnología permitió una mayor fluidez en el cine, dando lugar a películas más complejas y épicas como King Kong (1933). ^{[ 75 ] [ 73 ]}

A medida que surgió la amenaza de la televisión en las décadas de 1940 y 1950, ^{[ 76 ] [ 77 ]} la industria cinematográfica necesitó innovar para atraer al público. En términos de tecnología de sonido, esto significó el desarrollo del sonido envolvente y sistemas de audio más sofisticados, ^{[ 78 ]} como el sistema de siete canales de Cinerama . ^{[ 79 ]} Sin embargo, estos avances requerían una gran cantidad de personal para operar el equipo y mantener la experiencia de sonido en los cines. ^{[ 75 ]} Como paso adicional, los principales estudios cinematográficos también comenzaron a comprar participaciones en estaciones de televisión, obteniendo el control mayoritario de los estudios de televisión para 1948. ^{[ 77 ]}

En 1966, Dolby Laboratories presentó el sistema de reducción de ruido Dolby A, que se convirtió en un estándar en la industria de la grabación y eliminó el silbido asociado con los intentos de estandarización anteriores. Dolby Stereo , un revolucionario sistema de sonido envolvente que se presentó al público en 1977, ^{[ 78 ]} le siguió y permitió a los diseñadores de cines tener en cuenta la acústica al diseñar salas. Esta innovación permitió que el público en recintos más pequeños disfrutara de experiencias de audio comparables a las de los grandes cines de las ciudades. ^{[ 80 ]}

Hoy en día, el futuro del sonido en el cine sigue siendo incierto, con posibles influencias de la inteligencia artificial (IA), el audio remasterizado y las experiencias de visualización personal que dan forma a su desarrollo. ^{[ 81 ] [ 82 ]} Sin embargo, la evolución del sonido en el cine se ha caracterizado por la innovación continua y el deseo de crear experiencias más inmersivas y atractivas para el público.

Un avance tecnológico significativo en el cine fue la introducción del " color natural ", donde el color se capturaba directamente de la naturaleza mediante la fotografía, en lugar de agregarse manualmente a las copias en blanco y negro utilizando técnicas como el coloreado a mano o el coloreado con plantillas. ^{[ 83 ] [ 84 ]} Los primeros procesos de color a menudo producían colores que parecían lejos de ser "naturales". ^{[ 85 ]} A diferencia de la rápida transición del cine mudo al sonoro, la sustitución del blanco y negro por el color se produjo de forma más gradual. ^{[ 86 ]}

Una innovación crucial fue la versión de tres tiras del proceso Technicolor, utilizada por primera vez en dibujos animados en 1932. ^{[ 87 ] [ 88 ]} El proceso se aplicó posteriormente a cortometrajes de acción real, secuencias específicas en largometrajes y, finalmente, para un largometraje completo, Becky Sharp , en 1935. ^{[ 89 ] [ 90 ]} Aunque el proceso era costoso, la respuesta positiva del público, como lo demuestra el aumento de la recaudación en taquilla, generalmente justificó el costo adicional. ^{[ 83 ]} En consecuencia, el número de películas realizadas en color aumentó gradualmente año tras año. ^{[ 91 ] [ 92 ]} Una de las primeras películas comerciales en utilizar el color fue El mago de Oz (1939). ^{[ 93 ] [ 94 ]}

A principios de la década de 1950, la televisión en blanco y negro comenzó a recibir críticas, ya que muchos creían que no cumplía con las elevadas expectativas intelectuales y culturales que la acompañaron en su introducción. ^{[ 96 ]} En un intento por atraer al público de vuelta a los cines, se introdujeron pantallas más grandes, ^{[ 97 ]} procesos de pantalla ancha , ^{[ 98 ] [ 99 ]} proyección 3D polarizada , ^{[ 100 ]} y sonido estereofónico , ^{[ 101 ]} y se hicieron más películas en color, lo que pronto se convirtió en la norma, en lugar de la excepción. Algunas importantes películas de Hollywood todavía se hacían en blanco y negro hasta mediados de la década de 1960, pero marcaron el final de una era. ^{[ 90 ]} Los receptores de televisión en color habían estado disponibles en los EE. UU. desde mediados de la década de 1950, pero inicialmente eran muy caros y pocas transmisiones eran en color . ^{[ 102 ]}

Durante la década de 1960, los precios bajaron gradualmente, las transmisiones en color se hicieron comunes ^{[ 102 ]} y las ventas se dispararon. El veredicto abrumador del público a favor del color fue claro. Después de que se estrenara la última oleada de películas en blanco y negro a mediados de la década, todas las producciones de los estudios de Hollywood se filmaron en color ^{[ 90 ]} , con las excepciones habituales que solo se hicieron por insistencia de cineastas "estrella" como Peter Bogdanovich , Martin Scorsese y Alfred Hitchcock con su película Psicosis (1960) ^{[ 103 ] .}

Las décadas posteriores al declive del sistema de estudios en la década de 1960 vieron cambios en la producción y el estilo del cine. Varios movimientos de la "Nueva Ola" (incluida la Nueva Ola francesa , la ola del Nuevo Cine Alemán , la Nueva Ola india , la Nueva Ola japonesa , el Nuevo Hollywood y la Nueva Ola egipcia ) ^{[ 106 ] [ 107 ] [ 108 ]} y el auge de cineastas independientes formados en escuelas de cine, ^{[ 109 ] [ 110 ]} conocidos como la "Generación de la Escuela de Cine" de las décadas de 1960 y 1970, ^{[ 111 ]} contribuyeron a los cambios que experimentó el medio en la segunda mitad del siglo XX.

La tecnología digital ha sido la fuerza motriz del cambio a lo largo de la década de 1990 y hasta la década de 2000. La proyección digital 3D reemplazó en gran medida los sistemas de película 3D anteriores, propensos a problemas, de las décadas de 1950 ^{[ 112 ]} y 1980, ^{[ 113 ]} y que se popularizó brevemente a principios de la década de 2010 con películas como Avatar (2009). ^{[ 114 ] [ 112 ]} Los sistemas de cines de pantalla grande que utilizaban película de 35 mm y 70 mm se desarrollaron a finales de la década de 2010, con empresas como la corporación IMAX . ^{[ 115 ]} A mediados de la década de 2010, los cines también estaban probando un enfoque 4D para las películas, en el que las audiencias podían experimentar olores, viento, humo/niebla, vibraciones y otras sensaciones. ^{[ 116 ] [ 117 ]} A mediados de la década de 2020, un formato de película 4DX aún más "inmersivo" estaba ganando popularidad. ^{[ 118 ]}

Se considera que el cine tiene su propio lenguaje . ^{[ 141 ] [ 142 ]} James Monaco escribió un texto clásico sobre teoría cinematográfica, titulado " Cómo leer una película ", que aborda este tema. ^{[ 143 ]} El director Ingmar Bergman dijo célebremente: " Para mí, Andrei Tarkovsky es el mejor director , el que inventó un nuevo lenguaje , fiel a la naturaleza del cine, ya que captura la vida como un reflejo, la vida como un sueño". ^{[ 144 ]}

Un ejemplo de lenguaje cinematográfico es un " plano/contraplano " o una secuencia de imágenes alternas de un personaje mirando fuera de plano , seguido de otro personaje, luego una repetición de esto, que es un lenguaje que el público entiende para indicar una conversación u otro tipo de interacción. ^{[ 145 ] [ 146 ]} Esto describe otra teoría del cine, la regla de los 180 grados , como un dispositivo narrativo visual con la capacidad de colocar al espectador en un contexto de estar psicológicamente presente a través del uso de la composición visual y el montaje. ^{[ 147 ] [ 148 ]} El " estilo Hollywood " incluye esta teoría narrativa, debido a la práctica abrumadora de la regla por parte de los estudios de cine con sede en Hollywood, California, durante la era clásica del cine. ^{[ 149 ]} Otro ejemplo de lenguaje cinematográfico es tener un plano que se acerca a un actor con una expresión de reflexión que corta a un plano de un actor más joven que se parece vagamente al primer actor, lo que indica que el personaje está recordando un yo del pasado. Conocido como " flashback ", es un montaje de composiciones que provoca una transición temporal y suele revelar información sobre la historia del personaje al público. ^{[ 150 ] [ 151 ]}

El montaje es una técnica de edición cinematográfica en la que se seleccionan, editan y ensamblan fragmentos de película para crear una nueva sección o secuencia. Esta técnica se puede utilizar para transmitir una narrativa o para crear un efecto emocional o intelectual mediante la yuxtaposición de diferentes planos, a menudo con el propósito de condensar tiempo, espacio o información. El montaje puede incluir flashbacks , acción paralela o la interacción de diversos elementos visuales para realzar la narración o crear un significado simbólico . ^{[ 152 ]}

El concepto de montaje surgió en la década de 1920, cuando cineastas soviéticos pioneros como Sergei Eisenstein y Lev Kuleshov desarrollaron la teoría del montaje. La película de Eisenstein, El acorazado Potemkin (1925), es un ejemplo del uso innovador del montaje, donde empleó complejas yuxtaposiciones de imágenes para crear un impacto visceral en el público. ^{[ 153 ]}

A medida que el arte del montaje evolucionaba, los cineastas comenzaron a incorporar contrapunto musical y visual para crear experiencias más dinámicas y atractivas para los espectadores. El desarrollo de la construcción de escenas mediante la puesta en escena , el montaje y los efectos especiales condujo a técnicas más sofisticadas que pueden compararse con las utilizadas en la ópera y el ballet. ^{[ 154 ]}

El movimiento de la Nouvelle Vague francesa de finales de los años 50 y 60 también adoptó la técnica del montaje, y cineastas como Jean-Luc Godard y François Truffaut la utilizaron para crear películas distintivas e innovadoras. ^{[ 155 ]}

En el cine contemporáneo, el montaje sigue desempeñando un papel fundamental en la configuración de las narrativas y la creación de secuencias emotivas y memorables. Los cineastas han adaptado la técnica tradicional del montaje para ajustarla a la estética y los estilos narrativos en constante evolución del cine moderno. ^{[ 156 ] [ 157 ]}

• Edición rápida y montajes vertiginosos: Con la llegada de las herramientas de edición digital, los cineastas pueden crear montajes rápidos y complejos para transmitir información o emociones con rapidez. Películas como Requiem for a Dream (2000) de Darren Aronofsky y Shaun of the Dead (2004) de Edgar Wright emplean técnicas de edición rápida para crear experiencias inmersivas e intensas para el público. ^{[ 154 ]}
• Influencia de los videoclips: La influencia de los videoclips en el cine ha llevado a la incorporación de secuencias de montaje estilizadas, a menudo acompañadas de música popular. Películas como Guardianes de la Galaxia (2014) y Baby Driver (2017) utilizan el montaje para crear secuencias visualmente impactantes que son a la vez entretenidas y narrativamente funcionales. ^{[ 158 ]}
• Montajes de deportes y entrenamiento: El montaje de deportes y entrenamiento se ha convertido en un elemento básico del cine moderno, utilizado a menudo para condensar el tiempo y mostrar el crecimiento o desarrollo de un personaje. Ejemplos de ello se encuentran en películas como Rocky (1976), Karate Kid (1984) y Million Dollar Baby (2004). ^{[ 159 ]}
• Montaje paralelo y acción en paralelo: Los cineastas contemporáneos utilizan el montaje para crear tensión y suspense mediante el montaje paralelo entre historias paralelas. Inception (2010) y Dunkirk (2017) , de Christopher Nolan, emplean técnicas complejas de montaje paralelo para generar impulso narrativo y aumentar la implicación emocional del público. ^{[ 160 ]}
• Montaje temático: El montaje también puede utilizarse para transmitir elementos o motivos temáticos en una película. Los Tenenbaums (2001) de Wes Anderson emplea el montaje para crear un lenguaje visual que refleja los temas de la película : familia, nostalgia y pérdida. ^{[ 161 ]}

A medida que el medio cinematográfico continúa evolucionando, el montaje sigue siendo un aspecto integral de la narración visual, y los cineastas encuentran formas nuevas e innovadoras de emplear esta técnica. ^{[ 156 ] [ 157 ]}

La crítica cinematográfica es el análisis y la evaluación de las películas. ^{[ 162 ]} Tradicionalmente, esto se dividía en dos categorías: ^{[ 163 ]}

• Crítica académica de estudiosos del cine : Los críticos que adoptan un enfoque más académico del cine, mediante la publicación en revistas especializadas y la redacción de libros sobre películas utilizando la teoría o los estudios cinematográficos , estudian cómo funcionan las películas y las técnicas de filmación, y qué efecto tienen en el público. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o aparecer en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o de alta gama. También suelen estar afiliados a universidades como profesores o instructores. ^{[ 162 ]}
• Crítica cinematográfica periodística: A los críticos cinematográficos periodistas a veces se les llama críticos de cine. ^{[ 162 ]} Los críticos de cine que trabajan para periódicos , revistas y medios de comunicación audiovisuales ^{[ 163 ]} reseñan principalmente estrenos y tienden a estar más "orientados al consumidor". ^{[ 162 ]}

Con la llegada de los agregadores de reseñas en línea , como Metacritic y Rotten Tomatoes , las reseñas tanto de críticos como de espectadores se han vuelto fácilmente accesibles. Una puntuación alta o baja en un agregador de reseñas puede influir en la decisión de los espectadores de ir al cine, a pesar de una publicidad cinematográfica persuasiva . Del mismo modo, el boca a boca y las reseñas del público en las redes sociales pueden afectar el entusiasmo por una película. ^{[ 164 ]}

El impacto de un crítico en el desempeño de taquilla de una película es un tema de debate. ^{[ 166 ]} Por ejemplo, se ha demostrado que las críticas positivas de películas despiertan interés en películas poco conocidas. ^{[ 167 ]} Por el contrario, las películas de acción y comedia de gran distribución tienden a no verse muy afectadas por el juicio general de un crítico sobre una película; de manera similar, los fanáticos del terror y la ciencia ficción generalmente ven cualquier cosa de su género, independientemente de las críticas. ^{[ 167 ]} En 2004, una encuesta encontró que los anuncios de televisión y las recomendaciones de otros tenían la mayor influencia en los hábitos de ir al cine, siendo cada factor citado por aproximadamente el 70% de los encuestados. Las críticas profesionales representaron el 33%, mientras que las calificaciones en línea influyeron en el 28%. ^{[ 167 ]} Sin embargo, ha habido muchas películas en las que las compañías cinematográficas tenían tan poca confianza en un proyecto que se negaron a dar a los críticos una proyección anticipada (o "preestreno") para evitar críticas negativas generalizadas de la película. ^{[ 168 ] [ 169 ]}

Una proyección previa se refiere a la exhibición de una película a un público selecto, generalmente con fines promocionales, antes del estreno público. Estas proyecciones se utilizan a veces para evaluar la reacción del público, que, si es inesperadamente negativa, puede llevar a reeditar o incluso volver a filmar ciertas escenas según la respuesta de la audiencia . Un ejemplo de una película que se modificó tras una respuesta negativa en la proyección de prueba es First Blood , de 1982. Después de que el público de prueba reaccionara muy negativamente a la muerte del protagonista John Rambo , un veterano de Vietnam , al final de la película, la compañía escribió y volvió a filmar un nuevo final en el que el personaje sobrevive. ^{[ 188 ]}

Los tráileres o avances son anuncios de películas que se proyectarán en un plazo de 1 a 3 meses en los cines. En los inicios del cine, cuando las salas contaban con una o dos pantallas, solo se mostraban ciertos tráileres de las películas que se iban a exhibir allí. Más tarde, cuando los cines añadieron más pantallas o se construyeron nuevos cines con muchas pantallas, se empezaron a mostrar tráileres de todo tipo, incluso si la película no se iba a proyectar en esa sala en particular. Los estudios de cine se dieron cuenta de que cuantos más tráileres se mostraran (aunque no se fuera a proyectar en esa sala en concreto), más espectadores irían a otro cine a ver la película cuando se estrenara. El término « tráiler» proviene de su origen, ya que se proyectaban al final de la sesión de cine.

Esa práctica no duró mucho porque los espectadores solían abandonar el cine después de que terminaran las películas, pero el nombre se ha mantenido. Ahora se muestran tráileres antes de que comience la película (o la "película A" en un programa doble). Los tráileres de películas también son comunes en DVD y discos Blu-ray , así como en Internet y dispositivos móviles. Los tráileres se crean para ser atractivos e interesantes para los espectadores. Como resultado, en la era de Internet, los espectadores a menudo buscan tráileres para verlos. De los diez mil millones de videos vistos en línea anualmente en 2008, los tráileres de películas ocuparon el tercer lugar, después de las noticias y los videos creados por los usuarios. ^{[ 189 ]} Un teaser es un avance o anuncio mucho más corto que dura solo de 10 a 30 segundos. Los teasers se utilizan para entusiasmar a los espectadores con una película que se estrenará en los próximos seis a doce meses. Los teasers pueden producirse incluso antes de que se complete la producción de la película.

El cine se utiliza para diversos fines, incluyendo la educación y la propaganda, debido a su capacidad para facilitar el diálogo intercultural. Cuando su propósito principal es educativo, se denomina «película educativa ». Ejemplos de ello son las grabaciones de conferencias y experimentos académicos, o una película basada en una novela clásica. El cine puede ser propagandístico , total o parcialmente, como las películas de Leni Riefenstahl en la Alemania nazi, los tráileres de películas bélicas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial o las películas artísticas de Sergei Eisenstein bajo el régimen de Stalin . También pueden ser obras de protesta política, como las películas de Andrzej Wajda , o, de forma más sutil, las de Andrei Tarkovsky . Una misma película puede ser considerada educativa por algunos y propagandística por otros, ya que la categorización de una película puede ser subjetiva.

Un equipo de filmación es un grupo de personas contratadas por una productora, empleadas durante la fase de producción o rodaje, con el propósito de producir una película. El equipo se distingue del elenco , que son los actores que aparecen frente a la cámara o prestan sus voces a los personajes de la película. El equipo interactúa con el personal de producción , pero también es distinto de este, compuesto por productores, gerentes, representantes de la compañía, sus asistentes y aquellos cuya responsabilidad principal recae en las fases de preproducción o posproducción, como guionistas y montadores . La comunicación entre producción y equipo generalmente se realiza a través del director y su equipo de asistentes. Los equipos medianos y grandes suelen estar divididos en departamentos con jerarquías bien definidas y estándares para la interacción y cooperación entre ellos. Aparte de la actuación, el equipo se encarga de todo en la fase de rodaje: utilería y vestuario, filmación, sonido, electricidad (es decir, iluminación), decorados y efectos especiales de producción. Los servicios de catering (conocidos en la industria cinematográfica como "servicios de catering") generalmente no se consideran parte del equipo.

La película se compone de una base transparente de celuloide , acetato o poliéster recubierta con una emulsión que contiene sustancias químicas fotosensibles. El nitrato de celulosa fue el primer tipo de base de película utilizado para grabar imágenes en movimiento, pero debido a su inflamabilidad, finalmente fue reemplazado por materiales más seguros. El ancho de la película y el formato de las imágenes en el rollo tienen una larga historia, aunque la mayoría de las grandes producciones comerciales todavía se filman (y se distribuyen a los cines) en formato de 35 mm . 

Originalmente , las películas de imágenes en movimiento se filmaban y proyectaban a varias velocidades usando cámaras y proyectores de manivela; aunque 1000 fotogramas por minuto (16 + 2/3 fotogramas / s ) se cita generalmente como una velocidad estándar para el cine mudo, la investigación indica que la mayoría de las películas se filmaban entre 16 y 23 fotogramas/s y se proyectaban a partir de 18 fotogramas/s (a menudo los rollos incluían instrucciones sobre la velocidad a la que debía mostrarse cada escena). ^{[ 194 ]} Cuando se introdujo el cine sonoro sincronizado a finales de la década de 1920, se requería una velocidad constante para el cabezal de sonido. Se eligieron 24 fotogramas por segundo porque era la velocidad más lenta (y por lo tanto la más barata) que permitía una calidad de sonido suficiente. ^{[ 195 ]} El estándar se estableció con The Jazz Singer de Warner Bros. y su sistema Vitaphone en 1927. ^{[ 196 ] [ 197 ]} Las mejoras desde finales del siglo XIX incluyen la mecanización de las cámaras , que permite grabar a una velocidad constante, el diseño silencioso de las cámaras , que permite que el sonido grabado en el set sea utilizable sin necesidad de grandes "dirigibles" para encerrar la cámara, la invención de películas y lentes más sofisticados , que permiten a los directores filmar en condiciones cada vez más oscuras, y el desarrollo del sonido sincronizado, que permite que el sonido se grabe exactamente a la misma velocidad que su acción correspondiente. La banda sonora se puede grabar por separado del rodaje de la película, pero para las películas de acción real, muchas partes de la banda sonora se graban normalmente de forma simultánea.  

Como medio, el cine no se limita a las películas, ya que la tecnología se desarrolló como base de la fotografía . Puede utilizarse para presentar una secuencia progresiva de imágenes fijas en forma de diapositivas. El cine también se ha incorporado a presentaciones multimedia y suele tener importancia como documentación histórica primaria. Sin embargo, las películas históricas presentan problemas en cuanto a su conservación y almacenamiento, y la industria cinematográfica está explorando muchas alternativas. La mayoría de las películas en base de nitrato de celulosa se han copiado en películas de seguridad modernas. Algunos estudios conservan películas en color mediante el uso de másteres de separación : tres negativos en blanco y negro, cada uno expuesto a través de filtros rojos, verdes o azules (esencialmente, lo contrario del proceso Technicolor ). También se han utilizado métodos digitales para restaurar películas, aunque su continuo ciclo de obsolescencia los convierte (a fecha de 2006) en una mala opción para la conservación a largo plazo. La conservación de películas en deterioro es un tema de preocupación tanto para los historiadores y archivistas de cine como para las empresas interesadas en conservar sus productos existentes para que estén disponibles para las generaciones futuras (y así aumentar sus ingresos). La conservación suele ser una preocupación mayor para las películas en color de nitrato y de una sola tira, debido a su alta tasa de deterioro; las películas en blanco y negro sobre bases de seguridad y las películas en color conservadas en copias por imbibición Technicolor tienden a mantenerse mucho mejor, siempre que se manipulen y almacenen adecuadamente.

Algunas películas de las últimas décadas se han grabado utilizando tecnología de vídeo analógica similar a la empleada en la producción televisiva . Las modernas cámaras de vídeo digitales y los proyectores digitales también están ganando terreno. Algunos cineastas prefieren estos métodos, sobre todo porque el material grabado con cine digital puede evaluarse y editarse con sistemas de edición no lineal (NLE) sin necesidad de esperar a que se procese la película. La transición fue gradual y, hasta 2005, la mayoría de las grandes producciones cinematográficas aún se rodaban en celuloide.

El cine independiente a menudo se realiza fuera de Hollywood u otros grandes estudios . Una película independiente (o indie) es una película producida inicialmente sin financiación ni distribución de un gran estudio cinematográfico . Razones creativas, comerciales y tecnológicas han contribuido al crecimiento de la escena del cine indie a finales del siglo XX y principios del XXI. En el ámbito comercial, los costes de las películas de gran presupuesto de los estudios también llevan a decisiones conservadoras en cuanto al reparto y el equipo técnico. Existe una tendencia en Hollywood hacia la cofinanciación (más de dos tercios de las películas estrenadas por Warner Bros. en 2000 fueron empresas conjuntas, frente al 10% en 1987). ^{[ 198 ]} Un director aspirante casi nunca tiene la oportunidad de trabajar en una película de gran presupuesto de un estudio sin una experiencia significativa en la industria del cine o la televisión. Además, los estudios rara vez producen películas con actores desconocidos, especialmente en papeles protagonistas.

Antes de la llegada de las alternativas digitales , el coste del equipo y el material cinematográfico profesional también suponía un obstáculo para producir, dirigir o protagonizar una película de estudio tradicional. Sin embargo, la aparición de las videocámaras de consumo en 1985 y, sobre todo, la llegada del vídeo digital de alta resolución a principios de la década de 1990, redujeron significativamente la barrera tecnológica para la producción cinematográfica. Tanto los costes de producción como los de posproducción se redujeron considerablemente; en la década de 2000, el hardware y el software para la posproducción podían instalarse en un ordenador personal común . Tecnologías como los DVD , las conexiones FireWire y una amplia variedad de software de edición de vídeo, tanto profesional como de consumo, hacen que la producción cinematográfica sea relativamente asequible.

Desde la introducción de la tecnología de vídeo digital (DV) , los medios de producción se han democratizado. Los cineastas pueden, en teoría, grabar una película con una cámara digital, editarla, crear y editar el sonido y la música, y mezclar el montaje final en un ordenador doméstico de alta gama. Sin embargo, si bien los medios de producción se han democratizado, la financiación, la distribución y la comercialización siguen siendo difíciles de lograr fuera del sistema tradicional. La mayoría de los cineastas independientes dependen de los festivales de cine para dar a conocer sus películas y conseguir distribución. La llegada de plataformas de vídeo en línea como YouTube y Veoh ha transformado aún más el panorama cinematográfico, permitiendo a los cineastas independientes poner sus películas a disposición del público.

Una película de contenido abierto se asemeja mucho a una película independiente, pero se produce mediante colaboraciones abiertas; su material original está disponible bajo una licencia lo suficientemente permisiva como para permitir que terceros creen fan fiction u obras derivadas, en lugar de estar sujeta a los derechos de autor tradicionales. Al igual que el cine independiente, la producción cinematográfica de código abierto se desarrolla fuera de Hollywood y otros grandes estudios .

Un fan film es una película o video inspirado en una película, programa de televisión , cómic o fuente similar, creado por fans en lugar de por los titulares de los derechos de autor o creadores de la fuente. Tradicionalmente, los cineastas aficionados han sido profesionales , pero algunas de las películas más destacadas han sido producidas por cineastas profesionales como proyectos de clase en escuelas de cine o como videos de demostración. Los fan films varían enormemente en duración, desde breves avances falsos de películas inexistentes hasta largometrajes, algo menos común.