Grabación y reproducción de sonido

La grabación y reproducción de sonido consiste en la inscripción y recreación eléctrica , mecánica , electrónica o digital de ondas sonoras , como la voz hablada, el canto, la música instrumental o los efectos de sonido . Las dos clases principales de tecnología de grabación de sonido son la grabación analógica y la grabación digital .

La grabación analógica acústica se logra mediante un diafragma de micrófono que detecta los cambios en la presión atmosférica causados ​​por las ondas sonoras y los registra como una representación mecánica de dichas ondas en un soporte como un disco de vinilo (en el que una aguja graba surcos). En la grabación en cinta magnética , las ondas sonoras hacen vibrar el diafragma del micrófono y se convierten en una corriente eléctrica variable , que a su vez se transforma en un campo magnético variable mediante un electroimán . Este campo magnético crea una representación del sonido como áreas magnetizadas en una cinta plástica con recubrimiento magnético. La reproducción analógica del sonido es el proceso inverso: un diafragma de altavoz más grande provoca cambios en la presión atmosférica para generar ondas sonoras.

La grabación y reproducción digital convierte la señal de audio analógica captada por el micrófono a formato digital mediante el muestreo . Esto permite almacenar y transmitir los datos de audio a través de una mayor variedad de soportes. La grabación digital almacena el audio como una serie de números binarios (ceros y unos) que representan muestras de la amplitud de la señal de audio a intervalos de tiempo iguales, con una frecuencia de muestreo lo suficientemente alta como para transmitir todos los sonidos audibles . Una señal de audio digital debe reconvertirse a formato analógico durante la reproducción antes de ser amplificada y conectada a un altavoz para producir sonido.

Mucho antes de que se grabara el sonido , se grababa la música, primero mediante notación musical escrita y luego mediante dispositivos mecánicos (por ejemplo, cajas de música de cuerda , en las que un mecanismo hace girar un eje que pulsa unas lengüetas metálicas, reproduciendo así una melodía ). La reproducción automática de música se remonta al siglo IX, cuando los hermanos Banū Mūsā inventaron el primer instrumento musical mecánico conocido: un órgano hidráulico que hacía sonar cilindros intercambiables. Según Charles B. Fowler, este «...  cilindro con clavijas en relieve en la superficie siguió siendo el dispositivo básico para producir y reproducir música mecánicamente hasta la segunda mitad del siglo XIX». ^{[ 1 ] [ 2 ]}

Las tallas de la Capilla Rosslyn de la década de 1560 podrían representar un intento temprano de registrar los patrones de Chladni producidos por representaciones sonoras en piedra, aunque esta teoría no ha sido probada de manera concluyente. ^{[ 3 ] [ 4 ]}

En el siglo XIV, se introdujo en Flandes un campanero mecánico controlado por un cilindro giratorio . Diseños similares aparecieron en los órganos de barril (siglo XV), los relojes musicales (1598), los pianos de barril (1805) y las cajas de música ( hacia 1800 ). Una caja de música es un instrumento musical automático que produce sonidos mediante un conjunto de clavijas colocadas en un cilindro o disco giratorio que pulsan los dientes (o láminas ) afinados de un peine de acero.

El órgano de feria , desarrollado en 1892, utilizaba un sistema de libros de cartón perforados y plegados en acordeón. El piano mecánico , presentado por primera vez en 1876, empleaba un rollo de papel perforado capaz de almacenar una partitura larga. Los rollos de piano más sofisticados se tocaban manualmente , es decir, eran copias de un rollo maestro creado en un piano especial, que perforaba el rollo maestro mientras un intérprete tocaba la pieza en vivo. De este modo, el rollo representaba una grabación de la interpretación real de un artista, y no solo el método más común de perforar el rollo maestro mediante la transcripción de la partitura. Esta tecnología para grabar una interpretación en vivo en un rollo de pianola no se desarrolló hasta 1904. Los rollos de pianola se produjeron en masa de forma continua desde 1896 hasta 2008. ^{[ 5 ] [ 6 ]} Un caso de derechos de autor de la Corte Suprema de los Estados Unidos de 1908 señaló que, solo en 1902, se fabricaron entre 70 000 y 75 000 pianos automáticos y se produjeron entre 1 000 000 y 1 500 000 rollos de pianola. ^{[ 7 ]}

El primer dispositivo capaz de grabar sonidos reales a medida que se propagaban por el aire (pero sin poder reproducirlos, ya que su propósito era únicamente el estudio visual) fue el fonoautógrafo , patentado en 1857 por el inventor parisino Édouard-Léon Scott de Martinville . Las primeras grabaciones conocidas de la voz humana son grabaciones de fonoautógrafo, llamadas fonogramas , realizadas en 1857. ^{[ 8 ]} Consisten en hojas de papel con líneas blancas moduladas por ondas sonoras, creadas mediante un estilete vibrante que cortaba una capa de hollín al pasar el papel por debajo. Un fonograma de 1860 de " Au Clair de la Lune ", una canción folclórica francesa, se reprodujo por primera vez en 2008 escaneándolo y utilizando un software para convertir la línea ondulante, que codificaba gráficamente el sonido, en un archivo de audio digital correspondiente. ^{[ 8 ] [ 9 ]}

El trabajo de Thomas Edison en otras dos innovaciones, el telégrafo y el teléfono, propició el desarrollo del fonógrafo. En 1877, Edison trabajaba en una máquina que transcribía señales telegráficas en cinta de papel, la cual podía transmitirse repetidamente por telégrafo. El fonógrafo se fabricaba tanto en formato de cilindro como de disco.

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El siguiente gran avance técnico fue la invención del disco de gramófono , generalmente atribuido a Emile Berliner y patentado en 1887, ^{[ 16 ]} aunque otros habían demostrado aparatos de disco similares con anterioridad, sobre todo Alexander Graham Bell en 1881. ^{[ 17 ]} Los discos eran más fáciles de fabricar, transportar y almacenar, y tenían la ventaja adicional de ser ligeramente más fuertes que los cilindros. Las ventas del disco de gramófono superaron a las del cilindro alrededor de 1910, y al final de la Primera Guerra Mundial el disco se había convertido en el formato de grabación comercial dominante. Edison, que era el principal productor de cilindros, creó el Edison Disc Record en un intento por recuperar su mercado. El disco de goma laca de doble cara (nominalmente de 78 rpm) fue el formato estándar de música de consumo desde principios de la década de 1910 hasta finales de la década de 1950. En diversas permutaciones, el formato de disco de audio se convirtió en el medio principal para las grabaciones de sonido de consumo hasta finales del siglo XX.

Aunque no existía una velocidad universalmente aceptada, y varias compañías ofrecían discos que se reproducían a distintas velocidades, las principales compañías discográficas finalmente se pusieron de acuerdo en un estándar de facto de la industria de 78 revoluciones por minuto. La velocidad especificada era de 78,26 rpm en Estados Unidos y de 77,92 rpm en el resto del mundo. La diferencia de velocidades se debía a la diferencia en las frecuencias de ciclo de la corriente alterna que alimentaba los estroboscopios utilizados para calibrar los tornos de grabación y los tocadiscos. ^{[ 18 ]} La velocidad nominal del formato de disco dio origen a su apodo común, el setenta y ocho (aunque no hasta que estuvieron disponibles otras velocidades). Los discos estaban hechos de goma laca o materiales plásticos quebradizos similares, y se reproducían con agujas hechas de diversos materiales, como acero dulce, espina e incluso zafiro. Los discos tenían una vida útil de reproducción claramente limitada que variaba según su fabricación.

Anteriormente, los métodos de grabación puramente acústicos tenían una sensibilidad y un rango de frecuencia limitados. Se podían grabar notas de frecuencia media, pero no frecuencias muy bajas ni muy altas. Instrumentos como el violín eran difíciles de grabar en disco. Una técnica para solucionar esto consistía en usar un violín Stroh , que utiliza una bocina cónica conectada a un diafragma que, a su vez, está conectado al puente del violín. La bocina dejó de ser necesaria una vez que se desarrolló la grabación eléctrica.

El disco de vinilo de larga duración de 33 1/3 rpm con microsurco fue desarrollado en Columbia Records y presentado en 1948. El sencillo de vinilo de 7 pulgadas (18 cm) de 45 rpm con microsurco, de corta duración pero práctico, fue presentado por RCA Victor en 1949. En EE. UU. y la mayoría de los países desarrollados, los dos nuevos formatos de vinilo reemplazaron por completo a los discos de goma laca de 78 rpm a finales de la década de 1950, pero en algunos rincones del mundo, el formato de 78 rpm persistió hasta bien entrada la década de 1960. ^{[ 19 ]} El vinilo era mucho más caro que la goma laca, uno de los varios factores que hicieron que su uso para discos de 78 rpm fuera muy inusual, pero con un disco de larga duración el costo adicional era aceptable. El formato compacto de 45 rpm requería muy poco material. El vinilo ofrecía un rendimiento mejorado, tanto en el estampado como en la reproducción. Los discos de vinilo se anunciaban, con excesivo optimismo, como "irrompibles". No lo eran, pero eran mucho menos frágiles que la goma laca, que en su momento se había promocionado como irrompible en comparación con los cilindros de cera. 

La grabación de sonido comenzó como un proceso puramente mecánico. Excepto por algunos dispositivos de grabación rudimentarios basados ​​en el teléfono y sin amplificación, como el telégrafo , ^{[ a ]} se mantuvo así hasta la década de 1920. Entre la invención del fonógrafo en 1877 y las primeras grabaciones digitales comerciales a principios de la década de 1970, posiblemente el hito más importante en la historia de la grabación de sonido fue la introducción de lo que entonces se denominaba grabación eléctrica , en la que se utilizaba un micrófono para convertir el sonido en una señal eléctrica que se amplificaba y se usaba para accionar la aguja de grabación. Esta innovación eliminó las resonancias del sonido de bocina características del proceso acústico, produjo grabaciones más claras y con mayor cuerpo al extender enormemente el rango útil de frecuencias de audio, y permitió capturar sonidos distantes y débiles que antes eran imposibles de grabar. Durante este tiempo, varios avances electrónicos relacionados con la radio convergieron para revolucionar el proceso de grabación. Estos incluyeron micrófonos mejorados y dispositivos auxiliares como filtros electrónicos, todos dependientes de la amplificación electrónica para ser de utilidad práctica en la grabación.

En 1906, Lee De Forest inventó el tubo de vacío triodo Audion , una válvula electrónica capaz de amplificar señales eléctricas débiles. Para 1915, ya se utilizaba en circuitos telefónicos de larga distancia, lo que hizo posible la comunicación entre Nueva York y San Francisco. Las versiones perfeccionadas de este tubo fueron la base de todos los sistemas de sonido electrónicos hasta la introducción comercial de los primeros dispositivos de audio basados ​​en transistores a mediados de la década de 1950.

Durante la Primera Guerra Mundial, ingenieros de Estados Unidos y Gran Bretaña trabajaron en métodos para grabar y reproducir diversos sonidos, incluidos los de los submarinos alemanes, con fines de entrenamiento. Los métodos de grabación acústica de la época no podían reproducir los sonidos con precisión. Los primeros resultados no fueron prometedores.

La primera grabación eléctrica publicada, sin mucha publicidad, fue la del funeral del Soldado Desconocido el 11 de noviembre de 1920 en la Abadía de Westminster , Londres. Los ingenieros de sonido utilizaron micrófonos del tipo que se usaban en los teléfonos de la época. Cuatro de ellos se instalaron discretamente en la abadía y se conectaron a un equipo de grabación ubicado en un vehículo en el exterior. Aunque se utilizó amplificación electrónica, el audio era débil y poco nítido, como solo era posible en esas circunstancias. Durante varios años, este disco, que pasó prácticamente desapercibido, fue la única grabación eléctrica publicada.

Varias compañías discográficas e inventores independientes, en particular Orlando Marsh , experimentaron con equipos y técnicas de grabación eléctrica a principios de la década de 1920. Los discos Autograph Records de Marsh, grabados eléctricamente , ya se vendían al público en 1924, un año antes de que las principales compañías discográficas lanzaran los primeros discos de este tipo, pero su calidad de sonido general era demasiado baja como para demostrar alguna ventaja evidente sobre los métodos acústicos tradicionales. La técnica de micrófono de Marsh era peculiar y su trabajo tuvo escaso o nulo impacto en los sistemas que desarrollaban otros. ^{[ 20 ]}

El gigante de la industria telefónica Western Electric contaba con laboratorios de investigación ^{[ b ]} con recursos materiales y humanos que ninguna compañía discográfica ni inventor independiente podía igualar. Tenían el mejor micrófono, un modelo de condensador desarrollado allí en 1916 y mejorado notablemente en 1922, ^{[ 21 ]} y los mejores amplificadores y equipos de prueba. Ya habían patentado una grabadora electromecánica en 1918, y a principios de la década de 1920, decidieron aplicar intensivamente su hardware y experiencia al desarrollo de dos sistemas de vanguardia para la grabación y reproducción electrónica de sonido: uno que empleaba discos convencionales y otro que grababa ópticamente en película cinematográfica. Sus ingenieros fueron pioneros en el uso de análogos mecánicos de circuitos eléctricos y desarrollaron una grabadora de línea de goma superior para cortar el surco en el máster de cera del sistema de grabación de discos. ^{[ 22 ]}

Para 1924, el progreso había sido tan espectacular que Western Electric organizó una demostración para las dos principales compañías discográficas: Victor Talking Machine Company y Columbia Phonograph Company . Ambas pronto obtuvieron la licencia del sistema y realizaron sus primeras grabaciones eléctricas publicadas en febrero de 1925, pero ninguna las lanzó oficialmente hasta varios meses después. Para evitar que sus catálogos quedaran obsoletos de inmediato, los dos archirrivales de larga data acordaron en privado no publicitar el nuevo proceso hasta noviembre de 1925, fecha para la cual habría suficiente repertorio grabado eléctricamente para satisfacer la demanda prevista. Durante los años siguientes, las compañías discográficas más pequeñas obtuvieron licencias o desarrollaron otros sistemas de grabación eléctrica. Para 1929, solo el sello económico Harmony seguía publicando nuevas grabaciones realizadas con el antiguo proceso acústico.

La comparación de algunas grabaciones de prueba de Western Electric que se conservan con los primeros lanzamientos comerciales indica que las compañías discográficas redujeron artificialmente el rango de frecuencias de las grabaciones para que no saturaran los equipos de reproducción no electrónicos, que reproducían las frecuencias muy bajas como un desagradable traqueteo y desgastaban rápidamente los discos con frecuencias altas grabadas con mucha intensidad.

En la década de 1920, Phonofilm y otros sistemas de sonido cinematográficos primitivos empleaban tecnología de grabación óptica , en la que la señal de audio se grababa gráficamente en película fotográfica. Las variaciones de amplitud de la señal se utilizaban para modular una fuente de luz que se proyectaba sobre la película en movimiento a través de una estrecha ranura, lo que permitía fotografiar la señal como variaciones en la densidad o anchura de la pista de sonido . El proyector utilizaba una luz fija y un fotodetector para convertir estas variaciones de nuevo en una señal eléctrica, que se amplificaba y enviaba a los altavoces situados detrás de la pantalla. El sonido ^óptico se convirtió en el sistema de audio cinematográfico estándar en todo el mundo y sigue siéndolo para las copias de estreno en cines, a pesar de los intentos de la década de 1950 por sustituir las pistas de sonido magnéticas. Actualmente, todas las copias de estreno en ^{película de} 35 mm incluyen una pista de sonido óptica analógica, normalmente estéreo con reducción de ruido Dolby SR . Además, es probable que incluyan una pista de sonido digital grabada ópticamente en formato Dolby Digital o Sony SDDS. También se suele incluir un código de tiempo grabado ópticamente para sincronizar los CD-ROM que contienen una pista de sonido DTS.

Este período también fue testigo de otros desarrollos históricos, incluyendo la introducción del primer sistema práctico de grabación de sonido magnético, la grabadora de hilo magnético , basada en el trabajo del inventor danés Valdemar Poulsen . Las grabadoras de hilo magnético eran eficaces, pero la calidad del sonido era deficiente, por lo que, entre las guerras mundiales, se utilizaron principalmente para grabar voz y se comercializaron como máquinas de dictado para empresas. En 1924, un ingeniero alemán, Kurt Stille, mejoró el Telegraphone con un amplificador electrónico. ^{[ 23 ]} Al año siguiente, Ludwig Blattner comenzó a trabajar en lo que finalmente dio como resultado el Blattnerphone, ^{[ 24 ]} que utilizaba cinta de acero en lugar de hilo. La BBC comenzó a utilizar Blattnerphones en 1930 para grabar programas de radio. En 1933, la compañía del pionero de la radio Guglielmo Marconi adquirió los derechos del Blattnerphone, y las grabadoras Marconi-Stille de reciente desarrollo se instalaron en los estudios Maida Vale de la BBC en marzo de 1935. ^{[ 25 ]} La cinta utilizada en los Blattnerphones y las grabadoras Marconi-Stille era del mismo material que se usaba para fabricar cuchillas de afeitar, y no es de extrañar que las temibles grabadoras Marconi-Stille se consideraran tan peligrosas que los técnicos tenían que operarlas desde otra habitación por seguridad. Debido a las altas velocidades de grabación requeridas, utilizaban enormes bobinas de aproximadamente un metro de diámetro, y la delgada cinta se rompía con frecuencia, haciendo que trozos irregulares de acero de afeitar volaran por todo el estudio.

Cinta

La grabación en cinta magnética utiliza una señal de audio eléctrica amplificada para generar variaciones análogas del campo magnético producido por un cabezal de cinta , que imprime variaciones correspondientes de magnetización en la cinta en movimiento. En el modo de reproducción, la ruta de la señal se invierte, y el cabezal de cinta actúa como un generador eléctrico en miniatura a medida que la cinta, magnetizada de forma variable, pasa sobre él. ^{[ 26 ]} La cinta original de acero macizo fue reemplazada por una cinta de papel recubierta mucho más práctica, pero el acetato pronto reemplazó al papel como base estándar de la cinta. El acetato tiene una resistencia a la tracción bastante baja y, si es muy delgado, se rompe fácilmente, por lo que finalmente fue reemplazado por el poliéster. Esta tecnología, base de casi todas las grabaciones comerciales desde la década de 1950 hasta la de 1980, fue desarrollada en la década de 1930 por ingenieros de audio alemanes que también redescubrieron el principio de polarización de CA (utilizado por primera vez en la década de 1920 para grabadoras de alambre ), lo que mejoró drásticamente la respuesta de frecuencia de las grabaciones en cinta. El magnetófono K1 fue la primera grabadora de cinta práctica, desarrollada por AEG en Alemania en 1935. La tecnología fue perfeccionada justo después de la Segunda Guerra Mundial por el ingeniero de audio estadounidense John T. Mullin, con el apoyo de Bing Crosby Enterprises . Las grabadoras pioneras de Mullin eran modificaciones de grabadoras alemanas capturadas. A finales de la década de 1940, la compañía Ampex produjo las primeras grabadoras de cinta disponibles comercialmente en Estados Unidos.

La cinta magnética supuso cambios radicales tanto en la radio como en la industria discográfica. El sonido podía grabarse, borrarse y regrabarse en la misma cinta muchas veces; podía duplicarse de una cinta a otra con una mínima pérdida de calidad; y ahora las grabaciones podían editarse con gran precisión cortando físicamente la cinta y volviéndola a unir.

A los pocos años de la introducción de la primera grabadora de cinta comercial —el modelo Ampex 200 , lanzado en 1948—, el músico e inventor estadounidense Les Paul inventó la primera grabadora de cinta multipista , dando paso a otra revolución técnica en la industria discográfica. La cinta hizo posible las primeras grabaciones de sonido creadas totalmente por medios electrónicos, abriendo el camino a los audaces experimentos sonoros de la escuela de la música concreta y de compositores de vanguardia como Karlheinz Stockhausen , lo que a su vez condujo a las innovadoras grabaciones de música pop de artistas como los Beatles y los Beach Boys .

La facilidad y precisión de la edición en cinta, en comparación con los engorrosos procedimientos de edición de disco a disco que antes se utilizaban de forma limitada, junto con la alta calidad de audio constante de la cinta, convencieron finalmente a las cadenas de radio de pregrabar de forma rutinaria su programación de entretenimiento, que antes se emitía en directo. Además, por primera vez, las emisoras, los organismos reguladores y otras partes interesadas pudieron realizar un registro de audio exhaustivo de las emisiones de radio diarias. Innovaciones como la grabación multipista y el eco de cinta permitieron producir programas de radio y anuncios con un alto grado de complejidad y sofisticación. El impacto combinado con innovaciones como el cartucho de bucle continuo provocó cambios significativos en el ritmo y el estilo de producción del contenido de los programas de radio y la publicidad.

En 1881, durante experimentos de transmisión de sonido desde la Ópera de París, se observó que era posible seguir el movimiento de los cantantes en el escenario si se colocaban auriculares conectados a diferentes micrófonos en ambos oídos. Este descubrimiento se comercializó en 1890 con el sistema Théâtrophone , que funcionó durante más de cuarenta años, hasta 1932. En 1931, Alan Blumlein , un ingeniero electrónico británico que trabajaba para EMI , diseñó una forma de hacer que el sonido de un actor en una película siguiera su movimiento por la pantalla. En diciembre de 1931, presentó una solicitud de patente que incluía la idea, y en 1933, esta se convirtió en la patente británica número 394.325 . ^{[ 27 ]} Durante los dos años siguientes, Blumlein desarrolló micrófonos estéreo y un cabezal de corte de discos estéreo, y grabó varios cortometrajes con bandas sonoras estéreo.

En la década de 1930, los experimentos con cinta magnética permitieron el desarrollo de los primeros sistemas de sonido comerciales prácticos que podían grabar y reproducir sonido estereofónico de alta fidelidad . Los experimentos con estéreo durante las décadas de 1930 y 1940 se vieron obstaculizados por problemas de sincronización. Un gran avance en el sonido estéreo práctico fue realizado por los Laboratorios Bell , que en 1937 demostraron un sistema práctico de estéreo de dos canales, utilizando pistas de sonido ópticas duales en película. ^{[ 28 ]} Los principales estudios cinematográficos desarrollaron rápidamente sistemas de sonido de tres y cuatro pistas, y la primera grabación de sonido estéreo para una película comercial fue realizada por Judy Garland para la película de MGM Listen, Darling en 1938. La primera película estrenada comercialmente con una banda sonora estéreo fue Fantasia de Walt Disney , estrenada en 1940. El estreno de Fantasia en 1941 utilizó el sistema de sonido Fantasound . Este sistema utilizaba una película separada para el sonido, sincronizada con la película que contenía la imagen. La película sonora tenía cuatro pistas de audio ópticas de doble ancho: tres para el audio izquierdo, central y derecho, y una cuarta como pista de control con tres tonos grabados que regulaban el volumen de reproducción de los tres canales de audio. Debido a la complejidad del equipo que requería este sistema, Disney la estrenó como una gira promocional, únicamente en Estados Unidos. Los estrenos regulares de la película utilizaron película óptica mono de 35 mm estándar hasta 1956, año en que Disney la lanzó con una banda sonora estéreo que utilizaba el sistema de sonido magnético de cuatro pistas Cinemascope . 

Los ingenieros de audio alemanes que trabajaban con cinta magnética desarrollaron la grabación estéreo en 1941. De las 250 grabaciones estereofónicas realizadas durante la Segunda Guerra Mundial, solo sobreviven tres: el Concierto para piano n.º 5 de Beethoven con Walter Gieseking y Arthur Rother, una serenata de Brahms y el último movimiento de la Octava Sinfonía de Bruckner con Von Karajan. ^{[ d ]} Se cree que otras cintas estereofónicas alemanas tempranas fueron destruidas en los bombardeos.

La grabación en cinta estéreo se volvió comercialmente viable cuando Ampex presentó las primeras grabadoras de cinta de dos pistas a finales de la década de 1940. A pesar de la disponibilidad de cintas multipista, el estéreo no se convirtió en el sistema estándar para la grabación musical comercial hasta varios años después, y siguió siendo un mercado especializado durante la década de 1950. EMI (Reino Unido) fue la primera compañía en lanzar cintas estereofónicas comerciales. Publicaron su primera cinta Stereosonic en 1954. Otras compañías no tardaron en seguir su ejemplo, bajo sus sellos His Master's Voice y Columbia . Se lanzaron 161 cintas Stereosonic, en su mayoría de música clásica o grabaciones líricas. RCA importó estas cintas a Estados Unidos. Aunque algunas importaciones británicas de His Master's Voice lanzadas en Estados Unidos costaban hasta 15 dólares, las cintas estereofónicas de dos pistas tuvieron más éxito en Estados Unidos durante la segunda mitad de la década de 1950.

La historia de la grabación estéreo cambió tras la introducción, a finales de 1957, del disco fonográfico estéreo Westrex , que utilizaba el formato de surco desarrollado previamente por Blumlein. Decca Records, en Inglaterra, lanzó FFRR (Full Frequency Range Recording) en la década de 1940, que se convirtió en un estándar internacionalmente aceptado para grabaciones de mayor calidad en discos de vinilo. La grabación de Ernest Ansermet de Petrushka de Igor Stravinsky fue clave en el desarrollo de los discos de rango de frecuencia completo y en dar a conocer la alta fidelidad al público en 1946. ^{[ 29 ]}

Hasta mediados de la década de 1960, las compañías discográficas mezclaban y publicaban la mayoría de la música popular en sonido monofónico. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, las grabaciones más importantes se publicaban habitualmente tanto en mono como en estéreo. Las grabaciones que originalmente se publicaron solo en mono se han vuelto a grabar y publicar en estéreo utilizando diversas técnicas, desde la remezcla hasta el pseudoestéreo .

La cinta magnética transformó la industria discográfica. A principios de la década de 1950, la mayoría de las grabaciones comerciales se masterizaban en cinta en lugar de grabarse directamente en disco. La cinta facilitó un grado de manipulación en el proceso de grabación que era impracticable con las mezclas y las múltiples generaciones de discos grabados directamente. Un ejemplo temprano es la grabación de 1951 de Les Paul de How High the Moon , en la que Paul tocó ocho pistas de guitarra sobregrabadas. ^{[ 30 ]} En la década de 1960 , Brian Wilson de The Beach Boys , Frank Zappa y The Beatles (con el productor George Martin ) estuvieron entre los primeros artistas populares en explorar las posibilidades de las técnicas y efectos de grabación multipista en sus álbumes emblemáticos Pet Sounds , ^{[ 31 ]} Freak Out! y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band . ^{[ 32 ]}

El casete compacto fue presentado por la compañía de electrónica Philips en 1964. Inicialmente un formato de baja fidelidad para la grabación de voz hablada e inadecuado para la reproducción de música, tras una serie de mejoras reemplazó a los formatos de cinta de consumo de la competencia: la cinta de 8 pistas ^{[ 33 ]} y las cintas de bobina abierta. El casete compacto se convirtió en un formato de audio de consumo importante y los avances en la miniaturización electrónica y mecánica llevaron al desarrollo del Sony Walkman , un reproductor de casetes de bolsillo presentado en 1979. El Walkman fue el primer reproductor de música personal y dio un gran impulso a las ventas de casetes pregrabados. ^{[ 34 ]}

El sistema de reducción de ruido Dolby A , inventado por Ray Dolby e introducido en los estudios de grabación profesionales en 1966, suprimió el silbido de fondo que era una desventaja de la masterización en cinta en lugar de grabar directamente en disco. ^{[ 35 ]} Un sistema competidor, dbx , inventado por David Blackmer, ^{[ 36 ]} también tuvo éxito en el audio profesional. ^{[ 37 ]} Una versión de consumo más simple del sistema de reducción de ruido de Dolby, conocida como Dolby B, redujo el silbido que resultaba del formato de cinta miniaturizada del casete y la baja velocidad de la cinta. El formato de casete también se benefició de mejoras en la propia cinta a medida que se desarrollaron recubrimientos con respuestas de frecuencia más amplias y menor ruido inherente, a menudo basados ​​en óxidos de cobalto y cromo como material magnético en lugar de óxido de hierro.

La cinta pregrabada de 8 pistas fue lanzada como formato de audio para el consumidor por la compañía de aviones Lear Jet en la década de 1960. ^{[ e ]} Similar al formato de cartucho de audio que había sido ampliamente utilizado en la industria de la radio desde finales de la década de 1950 hasta la de 1980 y dirigido al mercado automotriz, fueron los primeros sistemas de alta fidelidad para automóviles prácticos y asequibles, y podían producir una calidad de sonido superior a la del casete compacto. Sin embargo, el casete se convirtió en el formato dominante para dispositivos de audio portátiles en las décadas de 1970 y 1980 debido a su menor tamaño, mayor durabilidad y la capacidad de crear música grabada en casa, ya que las grabadoras de 8 pistas eran escasas. ^{[ 38 ]}

Durante muchos años se habían realizado experimentos con sonido multicanal , generalmente para eventos musicales o culturales especiales , pero la primera aplicación comercial del concepto llegó a principios de la década de 1970 con la introducción del sonido cuadrafónico . Este desarrollo derivado de la grabación multipista utilizaba cuatro pistas (en lugar de las dos utilizadas en estéreo) y cuatro altavoces para crear un campo de audio de 360 ​​grados alrededor del oyente. ^{[ 39 ]} Tras el lanzamiento de los primeros sistemas de alta fidelidad de 4 canales para el consumidor , se publicaron varios álbumes populares en uno de los formatos de cuatro canales en competencia; entre los más conocidos se encuentran Tubular Bells de Mike Oldfield y The Dark Side of the Moon de Pink Floyd . El sonido cuadrafónico no fue un éxito comercial, en parte debido a los sistemas de sonido de cuatro canales competidores y algo incompatibles (por ejemplo, CBS , JVC , Dynaco y otros tenían sistemas) y a la mala calidad general de la música publicada, incluso cuando se reproducía correctamente en el equipo adecuado. Finalmente desapareció a finales de la década de 1970, aunque esta iniciativa inicial allanó el camino para la eventual introducción de sistemas de sonido envolvente domésticos en el cine en casa, que ganaron popularidad tras la introducción del DVD. ^{[ 40 ]}  

La sustitución de la relativamente frágil válvula de vacío por el transistor , más pequeño, robusto y eficiente, también impulsó la venta de sistemas de sonido de alta fidelidad para el consumidor a partir de la década de 1960. En la década de 1950, la mayoría de los tocadiscos eran monofónicos y tenían una calidad de sonido relativamente baja. Pocos consumidores podían permitirse sistemas de sonido estereofónicos de alta calidad. En la década de 1960, los fabricantes estadounidenses introdujeron una nueva generación de componentes de alta fidelidad modulares : tocadiscos, preamplificadores, amplificadores (ambos combinados en amplificadores integrados), grabadoras de cinta y otros equipos auxiliares como el ecualizador gráfico , que podían conectarse entre sí para crear un sistema de sonido doméstico completo. Estos avances fueron rápidamente adoptados por las principales empresas de electrónica japonesas, que pronto inundaron el mercado mundial con componentes de audio transistorizados de alta calidad y relativamente asequibles. Para la década de 1980, corporaciones como Sony se habían convertido en líderes mundiales en la industria de la grabación y reproducción musical.

La llegada de la grabación de sonido digital y, posteriormente, del disco compacto (CD) en 1982, supuso mejoras significativas en la calidad y durabilidad de las grabaciones. El CD impulsó otra gran transformación en la industria musical de consumo, relegando los discos de vinilo a un nicho de mercado reducido a mediados de la década de 1990. La industria discográfica se resistió con vehemencia a la introducción de los sistemas digitales, temiendo la piratería masiva en un soporte capaz de producir copias perfectas de las grabaciones originales.

Los desarrollos más recientes y revolucionarios se han dado en la grabación digital, con el desarrollo de varios formatos de archivos de audio digital sin comprimir y comprimidos , procesadores capaces y lo suficientemente rápidos para convertir los datos digitales en sonido en tiempo real , y almacenamiento masivo económico . ^{[ 41 ]} Esto generó nuevos tipos de reproductores de audio digital portátiles . El reproductor de minidisc , que utilizaba compresión ATRAC en discos pequeños y regrabables, se introdujo en la década de 1990, pero quedó obsoleto a medida que el precio de la memoria flash no volátil de estado sólido disminuyó. A medida que se hicieron disponibles tecnologías que aumentan la cantidad de datos que se pueden almacenar en un solo medio, como Super Audio CD , DVD-A , Blu-ray Disc y HD DVD , los programas más largos y de mayor calidad caben en un solo disco. Los archivos de sonido se descargan fácilmente de Internet y otras fuentes, y se copian en computadoras y reproductores de audio digital. La tecnología de audio digital se utiliza ahora en todos los ámbitos del audio, desde el uso casual de archivos de música de calidad moderada hasta las aplicaciones profesionales más exigentes. Han aparecido nuevas aplicaciones como la radio por Internet y el podcasting .

Los avances tecnológicos en grabación, edición y consumo han transformado las industrias discográfica , cinematográfica y televisiva en las últimas décadas. La edición de audio se hizo viable con la invención de la grabación en cinta magnética , pero tecnologías como MIDI , la síntesis de sonido y las estaciones de trabajo de audio digital permiten un mayor control y eficiencia para compositores y artistas. Las técnicas de audio digital y el almacenamiento masivo han reducido los costos de grabación, de modo que se pueden producir grabaciones de alta calidad en estudios pequeños. ^{[ 42 ]}

Actualmente, el proceso de grabación se divide en pista, mezcla y masterización . La grabación multipista permite capturar señales de varios micrófonos o de diferentes tomas en cinta, disco o almacenamiento masivo, lo que brinda una flexibilidad sin precedentes en las etapas de mezcla y masterización.

El desarrollo de la grabación de sonido analógica en el siglo XIX y su uso generalizado a lo largo del siglo XX tuvieron un enorme impacto en el desarrollo de la música. Antes de la invención de la grabación de sonido analógica, la mayor parte de la música se interpretaba en vivo. Durante la Edad Media , el Renacimiento , el Barroco , el Clasicismo y gran parte del Romanticismo , la principal forma de grabar canciones y piezas instrumentales era mediante notación musical . Si bien la notación indica las alturas de la melodía y su ritmo, muchos aspectos de la interpretación no se documentan. De hecho, en la época medieval, el canto gregoriano no indicaba el ritmo. En la época barroca, las piezas instrumentales a menudo carecían de una indicación de tempo ^{[ 43 ]} y, por lo general, ninguno de los ornamentos se escribía. Como resultado, cada interpretación de una canción o pieza era ligeramente diferente.

Con el desarrollo de la grabación de sonido analógica, una interpretación podía fijarse permanentemente en todos sus elementos: tono, ritmo, timbre, ornamentación y expresión. Esto significaba que muchos más elementos de una interpretación podían capturarse y difundirse a otros oyentes. El desarrollo de la grabación de sonido también permitió que una proporción mucho mayor de personas escuchara a orquestas, óperas, cantantes y bandas famosas, ya que incluso si una persona no podía permitirse asistir al concierto en vivo, podía escuchar la grabación. ^{[ 44 ]} La disponibilidad de grabaciones de sonido contribuyó así a la difusión de estilos musicales a nuevas regiones, países y continentes. La influencia cultural se extendió en varias direcciones. Las grabaciones de sonido permitieron a los amantes de la música occidental escuchar grabaciones reales de grupos e intérpretes asiáticos, de Oriente Medio y africanos, aumentando el conocimiento de estilos musicales no occidentales. Al mismo tiempo, las grabaciones de sonido permitieron a los amantes de la música fuera de Occidente escuchar a los grupos y cantantes norteamericanos y europeos más famosos. ^{[ 45 ]}

Con el desarrollo de la grabación digital, surgió una controversia conocida como la controversia analógico-digital . Profesionales del audio, audiófilos, consumidores y músicos contribuyeron al debate basándose en su interacción con los medios y sus preferencias por los procesos analógicos o digitales. ^{[ 46 ]} El discurso académico sobre la controversia se centró en la percepción de la imagen en movimiento y el sonido. ^{[ 47 ]} Existen preferencias individuales y culturales por ambos métodos. Si bien los enfoques y las opiniones varían, algunos enfatizan el sonido como primordial, mientras que otros se centran en las preferencias tecnológicas como factor decisivo.  Los fanáticos del analógico podrían aceptar las limitaciones como fortalezas del medio inherentes a las fases de composición, edición, mezcla y escucha. ^{[ 48 ]} Los defensores del digital destacan la flexibilidad en procesos similares. Este debate fomenta un resurgimiento del vinilo en la industria musical, ^{[ 49 ]} así como de la electrónica analógica y los complementos de tipo analógico para software de grabación y mezcla.

En derecho de autor, un fonograma o grabación sonora es una obra que resulta de la fijación de sonidos en un soporte. El aviso de derechos de autor en un fonograma utiliza el símbolo de derechos de autor de grabaciones sonoras , que la Convención de Ginebra define como ℗ (la letra P dentro de un círculo). Este símbolo suele acompañar al aviso de derechos de autor de la composición musical subyacente, que utiliza el símbolo ©.

La grabación es independiente de la canción, por lo que los derechos de autor de una grabación suelen pertenecer a la compañía discográfica. Es menos común que un artista o productor posea estos derechos. Los derechos de autor de las grabaciones sonoras existen en Estados Unidos desde 1972, mientras que los de las composiciones musicales, o canciones, existen desde 1831. Las disputas sobre el muestreo y los ritmos siguen vigentes. ^{[ 42 ]}

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