Teatro musical

Desde el siglo XX, el "musical con libreto" se ha definido como una obra musical donde las canciones y los bailes están completamente integrados en una historia bien construida con objetivos dramáticos serios y que es capaz de evocar emociones genuinas más allá de la risa. ^{[ 2 ] [ 3 ]} Los tres componentes principales de un musical con libreto son su música , letra y libreto . El libreto o guion de un musical se refiere a la historia, el desarrollo de los personajes y la estructura dramática, incluyendo el diálogo hablado y las acotaciones escénicas, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, que a veces se denominan libreto (en italiano, "libro pequeño"). La música y la letra juntas forman la partitura de un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son "secuencias teatrales con música, a menudo combinando canciones con diálogos hablados". ^{[ 4 ]} La interpretación de un musical es responsabilidad de su equipo creativo, que incluye un director, un director musical, generalmente un coreógrafo y a veces un orquestador . La producción de un musical también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos, como el diseño de escenografía , el vestuario , la utilería , la iluminación y el sonido . El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones suelen variar entre la producción original y las siguientes. Sin embargo, algunos elementos de la producción pueden conservarse, como por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago .

No existe una duración fija para un musical. Si bien puede variar desde un breve espectáculo de un acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales duran entre una hora y media y tres horas. Los musicales suelen presentarse en dos actos, con un breve intermedio , y el primer acto suele ser más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayor parte de la música, y a menudo termina con la introducción de un conflicto dramático o una complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede introducir algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto o la complicación. Un musical con libreto generalmente se estructura en torno a cuatro a seis temas principales que se repiten más adelante en la obra, aunque a veces consiste en una serie de canciones no directamente relacionadas musicalmente. El diálogo hablado generalmente se intercala entre los números musicales, aunque puede utilizarse el "diálogo cantado" o recitativo , especialmente en los llamados musicales " cantados de principio a fin " como Jesus Christ Superstar , Falsettos , Les Misérables , Evita y Hamilton . En el siglo XXI, varios musicales más cortos que se han presentado en Broadway y en el West End se han dividido en un solo acto.

Los momentos de mayor intensidad dramática en un musical con libreto a menudo se interpretan mediante canciones. Como dice el refrán: "Cuando la emoción es demasiado fuerte para hablar, se canta; cuando es demasiado fuerte para cantar, se baila". ^{[ 5 ]} En un musical con libreto, una canción se compone idealmente para adaptarse al personaje (o personajes) y su situación dentro de la historia; aunque ha habido momentos en la historia del musical (por ejemplo, desde la década de 1890 hasta la de 1920) en los que esta integración entre música y historia ha sido tenue. Como el crítico de The New York Times, Ben Brantley, describió el ideal de la canción en el teatro al reseñar la reposición de Gypsy en 2008 : "No hay separación alguna entre la canción y el personaje, que es lo que sucede en esos momentos excepcionales en los que los musicales se elevan para alcanzar su razón de ser ideal". ^{[ 6 ]} Por lo general, se cantan muchas menos palabras en una canción de cinco minutos que las que se pronuncian en un bloque de diálogo de cinco minutos. Por lo tanto, en un musical hay menos tiempo para desarrollar el drama que en una obra de teatro de duración equivalente, ya que un musical suele dedicar más tiempo a la música que al diálogo. Dentro de la estructura concisa de un musical, los autores deben desarrollar los personajes y la trama.

El material presentado en un musical puede ser original o adaptado de novelas ( Wicked y El hombre de La Mancha ), obras de teatro ( Hello, Dolly! y Carousel ), leyendas clásicas ( Camelot ), eventos históricos ( Evita y Hamilton ) o películas ( Los productores y Billy Elliot ). Por otro lado, muchas obras de teatro musical exitosas se han adaptado al cine , como West Side Story , My Fair Lady , Sonrisas y lágrimas , Oliver! y Chicago .

El teatro musical está estrechamente relacionado con la ópera, pero ambos géneros suelen distinguirse considerando varios factores. En primer lugar, los musicales generalmente se centran más en el diálogo hablado. ^{[ 7 ]} Sin embargo, algunos musicales son completamente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como La flauta mágica , y la mayoría de las operetas , incluyen diálogos sin acompañamiento. ^{[ 7 ]} En segundo lugar, los musicales suelen incorporar más danza como parte esencial de la narración, especialmente por parte de los intérpretes principales y el coro. En tercer lugar, los musicales a menudo utilizan diversos géneros de música popular o, al menos, estilos musicales y de canto populares. ^{[ 8 ]}

Finalmente, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se representa en el idioma de su público. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, se cantan invariablemente en inglés, incluso si fueron escritos originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es principalmente cantante y solo secundariamente actor (y rara vez necesita bailar), un intérprete de teatro musical suele ser primero actor, pero también debe ser cantante y bailarín. A quien domina por igual las tres disciplinas se le denomina "triple amenaza". Los compositores de música para musicales a menudo consideran las exigencias vocales de los papeles teniendo en cuenta a los intérpretes de teatro musical. Hoy en día, los grandes teatros que representan musicales generalmente utilizan micrófonos y amplificación de las voces de los actores de una manera que generalmente sería desaprobada en un contexto operístico. ^{[ 9 ]}

Algunas obras, incluidas las de George Gershwin , Leonard Bernstein y Stephen Sondheim , se han adaptado tanto a producciones de teatro musical como de ópera. ^{[ 10 ] [ 11 ]} De manera similar, algunas operetas o óperas ligeras más antiguas (como Los piratas de Penzance de Gilbert y Sullivan ) se han producido en adaptaciones modernas que las tratan como musicales. Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra para definir en qué forma artística se encuentra la pieza. ^{[ 12 ]} Sondheim dijo: «Realmente creo que cuando algo se presenta en Broadway es un musical, y cuando se presenta en un teatro de ópera es ópera. Eso es todo. Es el terreno, el paisaje, las expectativas del público lo que lo hace una cosa u otra». ^{[ 13 ]} Todavía existe una superposición en la forma entre las formas operísticas más ligeras y los musicales más complejos o ambiciosos musicalmente. En la práctica, a menudo es difícil distinguir entre los distintos tipos de teatro musical, incluyendo "obra musical", "comedia musical", "opereta" y "ópera ligera". ^{[ 14 ]}

Al igual que en la ópera, el canto en el teatro musical suele ir acompañado por un conjunto instrumental llamado orquesta de foso , ubicado en un área más baja frente al escenario. Mientras que la ópera normalmente utiliza una orquesta sinfónica convencional , los musicales suelen estar orquestados para conjuntos que van desde 27 músicos hasta solo unos pocos . Los musicales de rock suelen emplear un pequeño grupo de instrumentos, en su mayoría de rock, ^{[ 15 ]} y algunos musicales pueden requerir solo un piano o dos instrumentos. ^{[ 16 ]} La música en los musicales utiliza una variedad de "estilos e influencias que incluyen la opereta , técnicas clásicas, música folclórica , jazz [y] estilos locales o históricos [que] son ​​apropiados para el contexto". ^{[ 4 ]} Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que "entrelaza extractos de las famosas melodías de la partitura". ^{[ 17 ]}

Hay varias tradiciones teatrales orientales que incluyen música, como la ópera china , la ópera taiwanesa , el Noh japonés y el teatro musical indio , que incluye el drama sánscrito , la danza clásica india , el teatro parsi y el Yakshagana . ^{[ 18 ]} India ha producido, desde el siglo XX, numerosas películas musicales, conocidas como musicales de " Bollywood ", y en Japón se ha desarrollado en las últimas décadas una serie de musicales en 2.5D basados ​​en cómics populares de anime y manga .

Existen versiones más cortas o simplificadas, o "junior", de muchos musicales disponibles para escuelas y grupos juveniles, y las obras muy cortas creadas o adaptadas para ser interpretadas por niños a veces se denominan minimusicales . ^{[ 19 ] [ 20 ]}

Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia , donde la música y la danza se incluían en las comedias y tragedias escénicas durante el siglo V a. C. ^{[ 21 ] [ 22 ]} Sin embargo, la música de las formas antiguas se ha perdido y tuvo poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. ^{[ 23 ]} En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaban la liturgia . Grupos de actores utilizaban carros de espectáculos al aire libre (escenarios sobre ruedas) para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas a veces se alternaban con los diálogos en prosa, y los cantos litúrgicos dieron paso a nuevas melodías. ^{[ 24 ]}

El Renacimiento europeo vio evolucionar formas más antiguas en dos antecedentes del teatro musical: la commedia dell'arte , donde payasos estridentes improvisaban historias conocidas, y más tarde, la ópera bufa . En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobinas frecuentemente incluían música, ^{[ 25 ]} y las obras musicales cortas comenzaron a incluirse en los espectáculos dramáticos de una noche. ^{[ 26 ]} Las mascaradas cortesanas se desarrollaron durante el período Tudor e incluían música, baile, canto y actuación, a menudo con costosos vestuarios y una compleja escenografía . ^{[ 27 ] [ 28 ]} Estas evolucionaron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, siendo la primera generalmente considerada El asedio de Rodas (1656). ^{[ 29 ]} Mientras tanto, en Francia, Molière convirtió varias de sus comedias farsescas en espectáculos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully ) y baile a finales del siglo XVII. Estas influyeron en un breve período de la ópera inglesa ^{[ 30 ]} de compositores como John Blow ^{[ 31 ]} y Henry Purcell . ^{[ 29 ]}

Desde el siglo XVIII, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron las óperas de baladas , como La ópera del mendigo de John Gay , que incluían letras escritas con melodías de canciones populares de la época (a menudo parodiando la ópera), y más tarde la pantomima , que se desarrolló a partir de la commedia dell'arte, y la ópera cómica con tramas mayoritariamente románticas, como La chica bohemia de Michael Balfe (1845). Mientras tanto, en el continente, surgían el singspiel , la comédie en vaudeville , la opéra comique , la zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero. La ópera del mendigo fue la primera obra de teatro de larga duración registrada, con 62 representaciones consecutivas en 1728. Pasaría casi un siglo antes de que alguna obra superara las 100 representaciones, ^{[ 32 ]} pero el récord pronto alcanzó las 150 a finales de la década de 1820. ^{[ 33 ] [ 34 ]} Otras formas de teatro musical se desarrollaron en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall , el melodrama y la burletta , que se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres solo tenían licencia como music halls y no se les permitía presentar obras sin música.

La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias dirigida por su hermano Lewis . ^{[ 35 ]} En Nueva York, en el verano de 1753, representaron óperas-baladas, como La ópera del mendigo , y farsas-baladas. ^{[ 35 ]} Para la década de 1840, P. T. Barnum dirigía un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. ^{[ 36 ]} Otros teatros musicales tempranos en Estados Unidos consistían en formas británicas, como la burletta y la pantomima, ^{[ 23 ]} pero el nombre de una obra no necesariamente definía su contenido. El espectáculo de Broadway de 1852, The Magic Deer, se anunciaba como "Un cuento serio, cómico, trágico, operístico, histórico, extravagante y burlesco de encantamiento". ^{[ 37 ]} El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro a la zona media a partir de 1850 y no llegó al área de Times Square hasta las décadas de 1920 y 1930. Las temporadas en Nueva York se quedaron muy rezagadas con respecto a las de Londres, pero la "burleta musical" de Laura Keene , Seven Sisters (1860), rompió el récord anterior del teatro musical neoyorquino, con una temporada de 253 representaciones. ^{[ 38 ]}

Hacia 1850, el compositor francés Hervé experimentaba con una forma de teatro musical cómico que denominó opereta . ^{[ 39 ]} Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach desde la década de 1850 hasta la de 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. ^{[ 23 ]} Las fértiles melodías de Offenbach, combinadas con la ingeniosa sátira de sus libretistas, constituyeron un modelo para el teatro musical posterior. ^{[ 39 ]} Las adaptaciones de las operetas francesas (representadas en su mayoría en malas y atrevidas traducciones), los burlesques musicales , el music hall, la pantomima y la burletta dominaron la escena musical londinense hasta la década de 1870. ^{[ 40 ]}

En Estados Unidos, los espectáculos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluían revistas de variedades toscas , que con el tiempo se convirtieron en vodevil , espectáculos de juglares , que pronto cruzaron el Atlántico hacia Gran Bretaña, y burlesque victoriano, popularizado por primera vez en Estados Unidos por compañías británicas. ^{[ 23 ]} Kurt Gänzl considera que El doctor de Alcántara (1862), con música compuesta por Julius Eichberg y libreto y letras de Benjamin E. Woolf, es el "primer musical estadounidense", ^{[ 41 ]} aunque también señala obras aún más anteriores. ^{[ 42 ]} Un espectáculo musical de enorme éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, El ladrón negro , combinaba danza y música original que ayudaba a contar la historia. La espectacular producción, famosa por sus escasos vestuarios, se representó durante la cifra récord de 474 funciones. ^{[ 43 ]} Ese mismo año, El dominó negro/Entre tú, yo y el correo fue el primer espectáculo en autodenominarse "comedia musical". En 1874, Evangeline o La Bella de Arcadia , de Edward E. Rice y J. Cheever Goodwin , basada libremente en Evangeline de Longfellow , con una historia y música estadounidenses originales, se estrenó con éxito en Nueva York y se reestrenó en Boston, Nueva York y en repetidas giras. ^{[ 44 ]} Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1885. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones extraídos de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York. Contaban con cantantes de gran calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ) en lugar de las damas de dudosa reputación que habían protagonizado formas musicales anteriores. En 1879, The Brook de Nate Salsbury fue otro éxito nacional con estilos de baile estadounidenses contemporáneos y una historia estadounidense sobre "miembros de una compañía de teatro que hacen un viaje río abajo... con muchos obstáculos y percances en el camino". ^{[ 44 ]}

A medida que mejoró el transporte, disminuyó la pobreza en Londres y Nueva York, y el alumbrado público hizo que viajar de noche fuera más seguro, el número de espectadores para el creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras duraban más, lo que generó mayores ganancias y mejoró la calidad de la producción, y los hombres comenzaron a llevar a sus familias al teatro. La primera obra de teatro musical en superar las 500 representaciones consecutivas fue la opereta francesa Las campanas de Normandía en 1878 (705 representaciones). ^{[ 33 ] [ 45 ]} La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas exitosas de la opereta europea, ninguna con tanto éxito como la serie de más de una docena de óperas cómicas de larga duración de Gilbert y Sullivan , incluidas HMS Pinafore (1878) y El Mikado (1885). ^{[ 39 ]} Estas fueron sensaciones a ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el estándar de lo que se consideraba un espectáculo exitoso. ^{[ 46 ]} Estos espectáculos estaban diseñados para público familiar, un marcado contraste con los burlesques atrevidos, los espectáculos de music hall obscenos y las operetas francesas que a veces atraían a un público que buscaba un entretenimiento menos sano. ^{[ 40 ]} Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la duración de El Mikado , como Dorothy , que se estrenó en 1886 y estableció un nuevo récord con 931 representaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" los musicales de manera que las letras y los diálogos impulsaran una historia coherente. ^{[ 47 ] [ 48 ]} Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña ^{[ 49 ] [ 50 ]} y Estados Unidos. ^{[ 46 ] [ 51 ]}

A Trip to Chinatown (1891) fue el campeón de larga duración de Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 representaciones, pero las temporadas en Nueva York continuaron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las temporadas en Londres, hasta la década de 1920. ^{[ 33 ]} Gilbert y Sullivan fueron ampliamente pirateados y también fueron imitados en Nueva York por producciones como Robin Hood (1891)de Reginald De Koven y El Capitán (1896) de John Philip Sousa . A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada completamente por afroamericanos en Broadway (en gran medida inspirada en las rutinas de los espectáculos de juglares ), seguida deespectáculos con toques de ragtime . Cientos de comedias musicales se representaron en Broadway durante la década de 1890 y principios del siglo XX, compuestas con canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York , incluidas las de George M. Cohan , quien trabajó para crear un estilo estadounidense distinto al de las obras de Gilbert y Sullivan. Los espectáculos neoyorquinos más exitosos solían ir seguidos de extensas giras nacionales. ^{[ 52 ]}

Mientras tanto, los musicales se apoderaron de los escenarios londinenses en la década de 1890 , liderados por el productor George Edwardes , quien percibió que el público buscaba una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo del Savoy y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical moderno y familiar, con canciones alegres y populares, diálogos ingeniosos y románticos, y un espectáculo elegante en el Gaiety y sus otros teatros. Estos se inspiraron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos del burlesque y de las obras de Harrigan y Hart. Reemplazó a las mujeres descaradas del burlesque con su "respetable" cuerpo de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito de las primeras de estas obras, In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893), marcó la pauta para las siguientes tres décadas. Las tramas solían ser ligeras y románticas, del tipo «una doncella pobre se enamora de un aristócrata y lo conquista contra todo pronóstico», con música de Ivan Caryll , Sidney Jones y Lionel Monckton . Estas obras fueron inmediatamente imitadas por muchos en Estados Unidos, y la comedia musical eduardiana arrasó con las formas musicales anteriores de la ópera cómica y la opereta. La Geisha (1896) fue una de las más exitosas de la década de 1890, manteniéndose en cartelera durante más de dos años y alcanzando un gran éxito internacional.

El musical «The Belle of New York » (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense en permanecer en cartelera durante más de un año en Londres. La comedia musical británica «Florodora » (1899) fue un éxito popular a ambos lados del Atlántico, al igual que «A Chinese Honeymoon» (1901), que se representó durante la cifra récord de 1074 funciones en Londres y 376 en Nueva York. ^{[ 34 ]} Tras el cambio de siglo XX, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de espectáculos populares. Otros éxitos perdurables de la comedia musical eduardiana fueron «The Arcadians» (1909) y «The Quaker Girl» (1910). ^{[ 53 ]}

Prácticamente eliminadas de los escenarios de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con La viuda alegre , y las adaptaciones de operetas continentales se convirtieron en competidoras directas de los musicales. Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial. ^{[ 54 ]} En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas perdurables, entre ellas La adivina (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) y Naughty Marietta (1910).

En la década de 1910, el equipo formado por PG Wodehouse , Guy Bolton y Jerome Kern , siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan , creó los " espectáculos del Princess Theatre " y allanó el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podía combinar entretenimiento ligero y popular con continuidad entre su historia y sus canciones. ^{[ 47 ]} El historiador Gerald Bordman escribió:

Estos espectáculos construyeron y perfeccionaron el molde a partir del cual evolucionaron casi todas las grandes comedias musicales posteriores. ... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles, y el humor provenía de las situaciones o de la naturaleza de los personajes. Las exquisitas y fluidas melodías de Kern se empleaban para impulsar la acción o desarrollar la caracterización. ... La comedia musical [eduardiana] a menudo pecaba de insertar canciones de forma irregular. Los musicales del Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. P. G. Wodehouse, el letrista más observador, culto e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se siente hasta nuestros días. ^{[ 55 ]}

El público teatral necesitaba entretenimiento para evadirse durante los oscuros tiempos de la Primera Guerra Mundial , y acudió en masa a los teatros. El exitoso musical de 1919, Irene, se representó durante 670 funciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta 1938. ^{[ 56 ]} El público teatral británico apoyó temporadas mucho más largas, como la de La doncella de las montañas (1352 funciones) y, especialmente, Chu Chin Chow . Su temporada de 2238 funciones fue más del doble de larga que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años. ^{[ 57 ]} Incluso una reposición de La ópera del mendigo se mantuvo en cartelera durante 1463 funciones. ^{[ 58 ]} Las revistas musicales como The Bing Boys Are Here en Gran Bretaña, y las de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos, también fueron extraordinariamente populares. ^{[ 37 ]}

Los musicales de los locos años veinte , inspirados en el vodevil, el music hall y otros espectáculos ligeros, tendían a enfatizar las grandes coreografías y las canciones populares a expensas de la trama. Típicas de la década fueron producciones desenfadadas como Sally ; Lady, Be Good ; No, No, Nanette ; Oh, Kay!; y Funny Face . A pesar de las historias olvidables, estos musicales contaron con estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares imperecederas de Kern, George e Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porter y Rodgers y Hart . La música popular estaba dominada por clásicos del teatro musical, como " Fascinating Rhythm ", " Tea for Two " y " Someone to Watch Over Me ". Muchos espectáculos eran revistas musicales , series de sketches y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Las más conocidas eran las Ziegfeld Follies anuales , espectaculares revistas musicales de Broadway con extravagantes decorados, elaborados vestuarios y hermosas coristas. ^{[ 23 ]} Estos espectáculos también elevaron los valores de producción, y montar un musical generalmente se volvió más caro. ^{[ 37 ]} Shuffle Along (1921), un espectáculo completamente afroamericano, fue un éxito en Broadway. ^{[ 59 ]} Una nueva generación de compositores de operetas también surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg , para crear una serie de éxitos populares de Broadway. ^{[ 60 ]}

En Londres, escritores-estrellas como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, cuando Kern y otros compositores de Tin Pan Alley comenzaron a llevar nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz a los teatros, y los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway. El escritor de teatro musical Andrew Lamb señala: «Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más apropiado para la sociedad del siglo XX y su idioma vernáculo. Fue de Estados Unidos de donde surgió el estilo más directo, y en Estados Unidos donde pudo florecer en una sociedad en desarrollo menos rígida por la tradición del siglo XIX». ^{[ 61 ]} En Francia, la comédie musicale se escribió en las primeras décadas del siglo para estrellas como Yvonne Printemps . ^{[ 62 ]}

Superando con creces los musicales comparativamente frívolos y las operetas sentimentales de la década, el musical de Broadway Show Boat (1927) representó una integración aún más completa entre libreto y partitura que los musicales del Princess Theatre, con temas dramáticos narrados a través de la música, el diálogo, la escenografía y el movimiento. Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el hábil libreto de Oscar Hammerstein II . Un historiador escribió: «Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical, a diferencia de la comedia musical. Antes... todo lo demás estaba subordinado a la obra. Ahora... llegó la integración completa de la canción, el humor y los números musicales en una sola e inseparable entidad artística». ^{[ 63 ]}

Cuando la Gran Depresión se instaló durante la gira nacional posterior a Broadway de Show Boat , el público volvió a buscar entretenimiento ligero y escapista de canto y baile. ^{[ 55 ]} El público a ambos lados del Atlántico tenía poco dinero para gastar en entretenimiento, y solo unos pocos espectáculos teatrales en cualquier lugar superaron las 500 funciones durante la década. La revista The Band Wagon (1931) estuvo protagonizada por los compañeros de baile Fred Astaire y su hermana Adele , mientras que Anything Goes (1934) de Porter confirmó la posición de Ethel Merman como la Primera Dama del teatro musical, un título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron presentando musicales sentimentales y a la antigua, como The Dancing Years , mientras que Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos de Broadway, incluyendo On Your Toes (1936, con Ray Bolger , el primer musical de Broadway en hacer un uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y The Boys from Syracuse (1938). Porter agregó Du Barry Was a Lady (1939). La obra de teatro musical de mayor duración de la década de 1930 en los EE. UU. fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que se representó durante 1404 funciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway. ^{[ 56 ]} En Gran Bretaña, Me and My Girl se representó durante 1646 funciones. ^{[ 58 ]}

Aun así, algunos equipos creativos comenzaron a desarrollar las innovaciones de Show Boat . Of Thee I Sing (1931), una sátira política de los Gershwin, fue el primer musical galardonado con el Premio Pulitzer . ^{[ 23 ] [ 64 ]} As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o sketch se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway en el que una afroamericana, Ethel Waters , protagonizó junto a actores blancos. Los números de Waters incluían " Supper Time ", el lamento de una mujer por su esposo que ha sido linchado. ^{[ 65 ]} Porgy and Bess (1935) de los Gershwin presentó un elenco completamente afroamericano y mezcló modismos operísticos, folclóricos y de jazz. The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles , fue una obra altamente política a favor de los sindicatos que, a pesar de la controversia que la rodeó, se representó durante 108 funciones. ^{[ 37 ]} I'd Rather Be Right (1937) de Rodgers y Hart fue una sátira política con George M. Cohan como el presidente Franklin D. Roosevelt , y Knickerbocker Holiday de Kurt Weill representó la historia temprana de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba de buen humor las buenas intenciones de Roosevelt.

El cine supuso un desafío para el teatro. Las películas mudas solo habían ofrecido una competencia limitada, pero a finales de la década de 1920, películas como El cantante de jazz podían presentarse con sonido sincronizado. Las películas sonoras a bajo precio prácticamente acabaron con el vodevil a principios de la década de 1930. ^{[ 66 ]} A pesar de las dificultades económicas de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, continuó evolucionando temáticamente más allá de los gags y los musicales de coristas de los alegres años noventa y los locos años veinte , y el romanticismo sentimental de la opereta, añadiendo pericia técnica y el ritmo vertiginoso de la puesta en escena y el estilo de diálogo naturalista liderado por el director George Abbott . ^{[ 23 ]}

Después de Show Boat y Porgy and Bess , y a medida que avanzaba la lucha por los derechos civiles de las minorías en Estados Unidos y otros lugares , Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg y otros se animaron a escribir más musicales y óperas que buscaban normalizar la tolerancia social hacia las minorías e impulsar la armonía racial. Entre las primeras obras de la Edad de Oro que se centraron en la tolerancia racial se encuentran Finian's Rainbow y South Pacific . Hacia el final de la Edad de Oro, varias obras abordaron temas y problemáticas judías, como Fiddler on the Roof , Milk and Honey , Blitz! y, posteriormente, Rags . El concepto original que se convirtió en West Side Story se ambientaba en el Lower East Side durante las celebraciones de la Pascua judía; las bandas rivales serían judía e italiana católica . El equipo creativo decidió más tarde que el conflicto entre polacos (blancos) y puertorriqueños era más novedoso. ^{[ 85 ]}

La tolerancia como tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A finales de la década de 1960, los musicales se volvieron racialmente integrados, con miembros del elenco blancos y negros incluso cubriendo los papeles de los demás, como sucedió en Hair . ^{[ 86 ]} La homosexualidad también se ha explorado en los musicales, comenzando con Hair , e incluso más abiertamente en La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch y otros espectáculos en las últimas décadas. Parade es una exploración sensible tanto del antisemitismo como del racismo histórico estadounidense, y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en Estados Unidos.

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