Natividad (Cristo)

La Natividad es una pintura devocional al óleo sobre tabla de mediados de la década de 1450, obra del pintor neerlandés Petrus Christus . Representa una escena de la Natividad con arcos en grisalla y relieves esculpidos en trampantojo . Christus estuvo influenciado por la primera generación de artistas neerlandeses, especialmente Jan van Eyck y Rogier van der Weyden , y la tabla es característica de la sencillez y el naturalismo del arte de ese período. El uso de arcos como recurso de enmarcado es típico de van der Weyden, y aquí probablemente se inspiró en el Retablo de San Juan y el Retablo de Miraflores de este artista . Sin embargo, Christus adapta estos motivos pictóricos a una sensibilidad singular de mediados del siglo XV, y la tabla, de tamaño inusualmente grande  —quizás pintada como panel central de un retablo para un tríptico—  , es matizada y visualmente compleja. Muestra su habitual composición armoniosa y el empleo de la perspectiva de un punto de fuga , especialmente evidente en las formas geométricas del techo del cobertizo, y su audaz uso del color. Es una de las obras más importantes de Christus. Max Friedländer atribuyó definitivamente el panel a Christus en 1930, concluyendo que «en alcance e importancia, [es] superior a todas las demás creaciones conocidas de este maestro». ^{[ 1 ]}

El ambiente general es de sencillez, serenidad y sofisticación discreta. Refleja el movimiento Devotio Moderna del siglo XIV y contiene un complejo simbolismo cristiano, yuxtaponiendo sutilmente la iconografía del Antiguo y el Nuevo Testamento. Las figuras esculpidas en el arco representan escenas bíblicas de pecado y castigo, señalando la llegada del sacrificio de Cristo , con un mensaje trascendental de la «Caída y Redención de la humanidad». ^{[ 2 ]} Dentro del arco, rodeada por cuatro ángeles, se encuentra la Sagrada Familia ; más allá, un paisaje se extiende hacia el fondo.

Los historiadores del arte han sugerido fechas de finalización que van desde principios de la década de 1440 hasta principios de la de 1460, considerándose probable alrededor de 1455. El panel fue adquirido por Andrew Mellon en la década de 1930 y formó parte de los cientos de piezas de su colección personal donadas a la Galería Nacional de Arte de Washington. Sufrió daños y fue restaurado a principios de la década de 1990 para una exposición en el Museo Metropolitano de Arte .

La Natividad es inusualmente grande para una pintura de un solo panel del siglo XV del arte neerlandés temprano  , con 127,6 cm × 94,9  cm (50,2  pulg. × 37,4  pulg.), ^{[ 3 ]} y cubriendo cuatro tablas de roble. ^{[ 4 ]} No hay evidencia de paneles laterales faltantes, sin embargo, su tamaño sugiere que pudo haber sido un panel central de un gran tríptico . ^{[ a ]} El historiador de arte Joel Upton escribe que, con su tamaño, estilo, tono y composición, Christus pintó "un Andachtsbild , con dimensiones monumentales, como las de un ciborio". ^{[ 3 ]} La distinción entre las figuras y el espacio que las rodea es característica de la obra de Christus, al igual que su perspectiva de un punto . El paisaje de fondo es sereno, al igual que las "encantadoras figuras, casi como muñecas, que conforman el elenco de personajes". ^{[ 5 ]}

El escenario es un cobertizo cerrado en la parte frontal por lo que parecen ser dos pilares de piedra y un arco, representados en grisalla . ^{[ 3 ]} Una pequeña figura ( atlante ) se encorva en la base de cada pilar, sosteniéndolo. Sobre cada pilar se alzan estatuas de Adán y Eva  : Adán a la izquierda y Eva a la derecha. ^{[ 6 ]} En la parte inferior, un umbral de mármol conecta el arco. ^{[ 7 ]} Las esquinas superiores del arco tienen dos enjutas . ^{[ 8 ]} La Caída del Hombre se muestra en seis escenas del Libro del Génesis dentro de la arquivolta , representadas en relieve. Dos son de Adán y Eva: su expulsión del paraíso y Adán labrando la tierra. Las otras son de Caín y Abel : su sacrificio a Dios; Caín matando a Abel; Dios apareciéndose a Abel; Caín expulsado a la Tierra de Nod . ^{[ 9 ]}

En el cobertizo, María y José comparten un momento de profunda intimidad antes de la Anunciación a los pastores del nacimiento del Niño Jesús . ^{[ 1 ]} Están representados con colores brillantes. María viste una túnica azul larga y fluida, José una capa roja con forro verde sobre una túnica marrón. Sostiene su sombrero en la mano y sus patillas se quitan respetuosamente, dejándolas en el suelo. ^{[ 7 ]} Miran con reverencia la figura del recién nacido Jesús que yace sobre la túnica de María. ^{[ 10 ]} Los rasgos de María tienen una suavidad y dulzura más características de las pinturas posteriores de Christus y notablemente similares a su Virgen del Árbol Seco , según Maryan Ainsworth . ^{[ 11 ]} Arrodillados en adoración a cada lado hay cuatro pequeños ángeles. ^{[ 7 ]}

Se ven animales en los establos. Detrás de ellos hay un muro en ruinas con tres ventanas románicas bajas . ^{[ 12 ]} Cuatro pastores con ropa contemporánea del siglo XV charlan amablemente, apoyados contra el muro, mirando hacia el cobertizo. ^{[ 11 ]} Dos están situados a la izquierda y dos a la derecha; en cada pareja, uno viste de rojo y otro de azul. ^{[ 13 ]} Detrás del cobertizo hay una pequeña colina donde dos pastores arrean ovejas por un sendero, ^{[ 14 ]} y más allá se encuentra un pueblo neerlandés con dos estructuras abovedadas en su centro, que simbolizan Jerusalén y la Pasión de Cristo . ^{[ 2 ]} El gran edificio abovedado se basa en el Santo Sepulcro de Jerusalén, ^{[ 11 ]} una réplica del cual la familia Adornes construyó en Brujas en 1427, llamada la capilla de Jerusalén. ^{[ 15 ]} Se ve una bandada de gansos en lo alto del cielo a través de las cerchas del tejado. ^{[ 16 ]}

La luz entra en el cobertizo desde el exterior a través de las ventanas bajas. Las sombras proyectadas sugieren el amanecer de un nuevo día. ^{[ 17 ]} Los cuatro espectadores en la parte trasera están entre luces y sombras, especialmente notables en el rostro del hombre segundo desde la derecha. Aquí Christus toma prestado un recurso óptico de la obra de sus predecesores Jan van Eyck y Rogier van der Weyden , ^{[ 18 ]} pero es más audaz y hábil en su uso de la luz, ^{[ 19 ]} que la profesora de arte Lola Gellman describe como «sin contrapunto en el arte anterior». ^{[ 18 ]}

El panel es rico en iconografía cristiana, ^{[ 20 ]} lo que refleja el cambio en las actitudes religiosas hacia una devoción más meditativa y solitaria en el siglo XIV, ejemplificada por el movimiento Devotio Moderna . La pintura es devocional; su iconografía yuxtapone claramente imágenes del Antiguo y Nuevo Testamento , transmitiendo temas de castigo y redención, frente a la creencia de que existe una segunda oportunidad a través del nacimiento de Cristo. ^{[ 21 ]}

Las representaciones de la Natividad cambiaron significativamente en el arte europeo tras las visiones de Santa Brígida sobre el evento. Según Upton, la escena «se convirtió en una fuente de recompensa emocional para la fe, una visión privada en respuesta a la contemplación». ^{[ 22 ]} En la versión de Brígida, María no está acostada en una cama al dar a luz. El evento tiene lugar en una cueva, donde, vestida de blanco, María se arrodilla o permanece de pie en devoción ante el niño que yace en el suelo. José sostiene una vela para iluminar el nacimiento. La Natividad de Robert Campin , c. 1420, es representativa de la narración de Brígida; la cueva ha sido sustituida por un cobertizo con animales, las doncellas de María están presentes, mientras que ángeles y pastores se regocijan. ^{[ 22 ]} Christus simplificó la narración: eliminó a las doncellas y relegó a los animales a un segundo plano. El vestido blanco de María fue reemplazado por una túnica azul oscuro. Su Natividad es sobria y contenida, una encarnación de la "austera calma de la adoración atemporal". ^{[ 23 ]}

La Natividad transmite tanto los temas del Antiguo Testamento sobre el pecado y el castigo como la doctrina del Nuevo Testamento sobre el sacrificio y la redención. ^{[ 24 ]} Aunque Adán y Eva a cada lado del arco recuerdan a los del Retablo de Gante de van Eyck , difieren significativamente. Aquí están pintados como estatuas en grisalla, en contraste con las versiones realistas de van Eyck; y, a diferencia de van Eyck, aquí Adán y Eva aparecen avergonzados, ocultando su desnudez. ^{[ 6 ]} El pecado y la discordia terrenales, la ira y la venganza, están representados en los guerreros de las enjutas de las esquinas, y significan aquello que el nacimiento de Cristo pondría fin. ^{[ 8 ]}

Los temas del castigo y la redención se exploran con mayor profundidad en las seis escenas del arco, ^{[ 25 ]} donde los relieves muestran los eventos de Génesis 4:1–16 (de izquierda a derecha): El ángel de Dios expulsando a Adán y Eva del Jardín del Edén ; la vida posterior a la expulsión "cuando Adán cavaba y Eva hilaba"; los sacrificios de Caín y Abel; Caín matando a Abel; (arriba) Dios desterrando a Caín; Caín despidiéndose de sus padres, o posiblemente su hermano Set partiendo en busca del Árbol de la Vida , ^{[ 7 ]} una leyenda judía del Apocalipsis de Moisés , una obra pseudoepigráfica de la antigüedad. ^{[ 26 ]}

Los dos relieves superiores del arco, que tienen un foco central y funcionan como claves de bóveda , resaltan la yuxtaposición de temas del Antiguo y Nuevo Testamento. El relieve de la izquierda muestra a Caín y Abel ofreciendo sacrificios a Dios; a la derecha, Caín comete el pecado de asesinato, que Dios castiga. ^{[ 27 ]} Los dos relieves también funcionan como un recurso temporal, guiando al espectador directamente al momento del nacimiento de Cristo y la redención de la humanidad, que ocurre abajo en el cobertizo. ^{[ 25 ]} Se le recuerda al espectador que la humanidad debe sacrificarse a Cristo, quien yace justo debajo, o arriesgarse al castigo y la expulsión de la iglesia, tal como Dios expulsó a Caín. ^{[ 27 ]} La Caída del hombre representada en el arco recuerda al espectador la «necesidad del sacrificio de Cristo». ^{[ 7 ]}

El semicírculo de roca dentro del umbral recuerda al espectador que abandone el pecado. ^{[ b ]} Se le recuerda al espectador que alcance una comprensión completa del significado del evento, lo cual se logra con los dos grupos de pastores en la parte posterior del cobertizo. Dos de los cuatro son activos y dos son pasivos. El hombre vestido de azul a la izquierda está escuchando; el hombre de azul a la derecha está viendo, mientras que sus contrapartes de rojo no hacen ninguna de las dos cosas. Aunque miran y escuchan activamente, los dos hombres de azul no parecen tener una comprensión completa del evento. ^{[ 28 ]} Upton explica que el espectador medieval habría entendido que en la iconografía Cristo presentó a "un hombre que escucharía sin oír y miraría sin ver". Se le recuerda al espectador que comprenda la visión y la iconografía de la pintura, que reconozca plenamente el significado de la venida de Cristo, que oiga y vea la palabra de Dios y que obedezca los deseos de Dios. ^{[ 13 ]}

El mechón de hierba que brota de la viga central del techo sobre las figuras transmite varios significados. Aunque el arbusto está representado de forma natural, Christus casi con certeza lo colocó allí por su valor simbólico; su ubicación sugiere que siguió un programa de iconografía disfrazada. ^{[ 29 ]} El significado más obvio es el de nueva vida y nuevos comienzos. ^{[ 30 ]} En un nivel secular, el arbusto puede haber indicado la pertenencia de Christus a la Cofradía del Árbol Seco, a la que se unió alrededor de 1462-63. ^{[ 31 ] [ c ]} La cofradía era prestigiosa, e incluía entre sus filas a la nobleza borgoñona , como Felipe el Bueno y su esposa Isabel , ricos comerciantes extranjeros y miembros de las clases altas de Brujas. ^{[ 32 ]} El mechón de hierba también simboliza el árbol de la vida , ^{[ 29 ]} y Upton teoriza que al colocarlo allí, Cristo «ha dado expresión a la leyenda» del tercer hijo de Adán, Set, cuya búsqueda de una rama fue una leyenda popular en el período medieval. Además, alude a Moisés y la zarza ardiente . Según Upton, en la Natividad de Cristo , José asume el papel de Moisés como protector y legislador; así como José se quitó las sandalias en presencia de Cristo, Moisés se quitó los zapatos en presencia de la zarza. ^{[ 30 ]}

El escenario representa la Misa  : los ángeles están vestidos con vestiduras eucarísticas , y los del extremo derecho llevan la capa de diácono . ^{[ 10 ]} Ninguno lleva la casulla del celebrante , lo que sugiere que Cristo es el sacerdote. ^{[ 2 ]} El techo del cobertizo es un copón sobre un altar. Una adición posterior a la pintura, quizás del siglo XVII, y posteriormente retirada, fue una patena de oro sobre la que yacía el niño, mostrando claramente a Jesús como la hostia eucarística . ^{[ 11 ]} María, José y los ángeles son los primeros en adorar al niño Cristo y el cobertizo «se convierte en el altar de la primera misa». ^{[ 33 ]} Upton explica que, vista en el contexto de la primera misa, la iconografía se define con mayor claridad. ^{[ 34 ]}

Christus fue el primer pintor neerlandés en alcanzar la maestría en estrictas reglas de composición matemática mediante el uso de ortogonales , creando una perspectiva unificada. El concepto de composiciones "basadas en la perspectiva unitaria" fue en gran medida un esfuerzo pionero por parte de Christus, aunque tomó prestado de los maestros anteriores. ^{[ 19 ]} Composicionalmente, la Natividad es una de las obras más complejas e importantes de Christus, ^{[ 7 ]} que, según Ainsworth, está magistralmente integrada con el uso del color. ^{[ 10 ]} La radiografía revela líneas ortogonales esbozadas en la imprimación , utilizadas para indicar dónde debían encontrarse los ejes horizontal y vertical en las cabezas de las figuras principales, y que utilizó un compás para esbozar las enjutas. ^{[ 11 ]}

La pintura contiene varias construcciones geométricas. ^{[ 14 ]} Las cerchas del techo del cobertizo forman una serie de triángulos que conectan las líneas que unen la base de los pedestales y las vigas transversales. Estos rodean la reunión de la Sagrada Familia , que forma un patrón invertido. Según el historiador de arte Lawrence Steefel, "el detalle participa en un patrón casi emblemático de triángulos repetidos que establecen un esquema de rima arriba y abajo, de la estructura del techo y la disposición de las figuras". ^{[ 29 ]} Upton escribe que un "diamante claramente definido" es visible dentro del vértice del techo. Desde allí se extiende hacia abajo hasta Eva, y el vértice inferior se forma donde el niño yace en el suelo. Luego se extiende hacia arriba hasta Adán y de vuelta al techo. "Esta forma de diamante", escribe, "complementada por el rectángulo en su interior, formado por los soportes del cobertizo, la base del triángulo y la línea del suelo en el cobertizo, circunscribe el evento principal de la pintura". ^{[ 35 ]}

Las fronteras espaciales y temporales que separan las esferas terrenal y celestial se ven a menudo en el arte neerlandés, generalmente en forma de marcos o arcos. ^{[ 36 ]} Aquí se logra una frontera con el arco de grisalla, ^{[ 20 ]} que recuerda mucho a la obra de van der Weyden. Los historiadores del arte especulan que Christus pudo haber imitado su Retablo de San Juan de c . 1455. ^{[ 31 ]} En lugar de simplemente imitar, Christus innovó y extendió el uso del motivo del arco de van der Weyden; su arco está pensado como una abertura, o una pantalla, para que el espectador vea el espacio sagrado, en lugar de un simple dispositivo de enmarcado en el que las figuras se colocan directamente en línea o debajo del arco. Las piedras de umbral multicolores en la parte inferior enfatizan su función, dice Upton, quien escribe: «es una abertura por la que se pasa: un verdadero marco o puerta al cuadro  ... Sin embargo, dado que este arco está pintado en grisalla, distinto del resto del panel, también debe verse como una entidad separada, muy parecida a un borde elaborado alrededor de una página de manuscrito iluminado». ^{[ 6 ]} Las sombras proyectadas por las figuras en grisalla enfatizan «su función como diafragma entre el espacio real y el ilusorio». ^{[ 17 ]}

Un arco muy similar se encuentra en el Retablo de María de Dieric Bouts , de alrededor de 1445 , que incluye enjutas con guerreros. Los historiadores del arte no están seguros de cuál se pintó primero : la Natividad de Christus o el retablo de Bouts. De igual modo, los trípticos arqueados de van der Weyden se realizaron aproximadamente en el mismo período, pero los historiadores del arte están más seguros de que el diseño de arquivolta de Rogier sentó el precedente. ^{[ 37 ]} A diferencia de Bouts y van der Weyden, Christus parece haber utilizado el recurso para abarcar una sola escena, incorporando a todos los personajes principales dentro del arco, en lugar de una serie de escenas vinculadas con arcos separados. ^{[ 38 ]} 

El arco es solo un preludio de las complejas divisiones que hay más allá. ^{[ 10 ]} El espacio habitado por la Sagrada Familia es tierra sagrada. María, José, el Niño Jesús y los cuatro ángeles que lo rodean ocupan un espacio dividido en la parte delantera por el arco y en la parte trasera por el muro. ^{[ 20 ]} Un semicírculo de figuras se sitúa alrededor de Cristo, reflejado en el semicírculo de rocas colocado justo dentro del umbral. María y José se ven reflejados en las coloridas columnas verticales de pórfido a los lados y en las estatuas de Adán y Eva. ^{[ 39 ]} La parte trasera del cobertizo donde se encuentran los cuatro hombres, el pequeño valle con los pastores, el pueblo y el paisaje de fondo son también áreas espacialmente diferenciadas, que crean un «movimiento constante y medido en el espacio en lugar del salto más abrupto del primer plano al fondo distante común en la pintura flamenca». También funcionan para rodear a la Sagrada Familia y, al mismo tiempo, evitar su aislamiento del mundo. ^{[ 14 ]} Ainsworth escribe que el «mensaje de la pintura emerge silenciosamente del espacio estricto y de perspectiva correcta construido para involucrar al espectador». ^{[ 10 ]} Upton está de acuerdo, explicando que el uso de recursos geométricos enfatiza el punto focal, que «cae muy por debajo del horizonte en el centro exacto del panel», una perspectiva que habría dado al espectador del centro del 15, arrodillado frente al panel, una «sensación de relación física entre el acto de adoración real e ideal». ^{[ 14 ]}

La datación de la Natividad ha sido durante mucho tiempo fuente de debate entre los estudiosos. Las estimaciones van desde mediados de la década de 1440 hasta mediados de la década de 1450; desde los inicios de la carrera de Christus hasta aproximadamente la época en que van der Weyden pintó su Retablo de San Juan c. 1455. Generalmente, mediados de la década de 1450 parece ser la más aceptada. ^{[ 37 ]} Ainsworth la considera, junto con la Sagrada Familia de Christus (actualmente en Kansas City ), una de las más importantes que se le atribuyen y cree que pertenece a su obra posterior, ^{[ 41 ]} posiblemente tan tarde como mediados de la década de 1460. ^{[ 11 ]} Evidencia como cuando Christus se unió a la Cofradía del Árbol Seco (c. principios de la década de 1460) apunta a que es una obra posterior junto con el Retrato de una joven . ^{[ 31 ]} Su uso de la perspectiva y la asimilación de las influencias anteriores de van Eyck y van der Weyden también sugieren una fecha posterior. ^{[ 41 ]} Además, los tipos faciales más suaves utilizados en la Natividad son típicos de la obra posterior de Christus y sugieren una fecha alrededor de mediados de la década de 1450. ^{[ 37 ]} El análisis técnico ( evidencia dendrocronológica ) sugiere una fecha de c. 1458, basada en la fecha de tala del árbol. ^{[ 4 ]} Christus pintó otras dos versiones de la Natividad: una en Brujas y la otra en Berlín. La Natividad de Brujas está fechada en 1452  —se desconoce si la fecha fue añadida por Christus o durante una restauración—  y el análisis técnico de las pinceladas sugiere que es anterior a la Natividad de Washington . ^{[ 40 ]}

La determinación de la fecha de ejecución se basa en el análisis estilístico y en el grado de influencia de van der Weyden. La datación de la obra en la década de 1440 se fundamenta en la idea de que Christus se inspiró profundamente en la influencia directa de van der Weyden y Bouts. Si bien algunas similitudes son innegablemente notables y podrían atribuirse al seguimiento de un modelo, el grado de sofisticación de la Natividad supera con creces al de los otros dos pintores, según Ainsworth. Ella escribe que Bouts y van der Weyden "simplemente expanden la narrativa" mediante el uso del motivo del arco, mientras que Christus muestra una fuerte relación de causa y efecto entre el pecado y la redención, innovaciones que casi con certeza evolucionaron más adelante en su carrera, lo que sitúa la fecha no antes de mediados de la década de 1450. ^{[ 42 ]}

El dibujo subyacente es visible mediante análisis técnico moderno, revelando el grupo principal de figuras y líneas de contorno en los pliegues y drapeados de la vestimenta. Se aprecian las alas de los ángeles a la izquierda de María, pero no las de la derecha, probablemente debido a repintes posteriores. ^{[ 7 ]} En el dibujo subyacente, el vestido de María se extiende mucho más allá del ángel, pero al parecer Cristo cambió de opinión respecto a su ejecución. ^{[ 11 ]}

La obra ha sufrido daños: grietas en la unión de tres paneles de madera, pérdida de pintura en partes del patrón craquelado y decoloración de los barnices. La mayor pérdida de pintura se produjo en el hombro de José. La túnica de María ha sido completamente restaurada y repintada. Se aprecian algunas pérdidas de pintura apenas perceptibles en las zonas alrededor de su cabello. En muchas áreas, las capas de pintura y el soporte subyacente se encuentran en buen estado. ^{[ 2 ]}

La Natividad fue una de las 13 obras expuestas en la muestra de 1994 del Museo Metropolitano de Arte , «Petrus Christus: Maestro renacentista de Brujas». Fue sometida a una importante restauración como preparación. Los técnicos eliminaron repintes que probablemente databan de su procedencia española. Entre las adiciones se encontraban la patena dorada en el manto de María, el pigmento bajo el Niño Jesús y las aureolas sobre María y Jesús. ^{[ 43 ]} Ya en 1916, Friedländer cuestionó la presencia de aureolas en la obra de Christus, rara vez vistas en la pintura neerlandesa de mediados del siglo XV. Tras un examen minucioso, se descubrió que las aureolas eran añadidos posteriores; antes de la exposición, se eliminaron de varias pinturas, incluido el Retrato de un cartujo . ^{[ 44 ]}

La pintura se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C., concebida por el financiero de Pittsburgh Andrew Mellon a finales de la década de 1930. Fue una de las 126 pinturas de su colección personal donadas a la galería y se exhibió en la inauguración del museo en marzo de 1941  , tres años después de su muerte. ^{[ 45 ]}

Perteneció a la señora O. Yturbe de Madrid, quien la vendió en 1930 a Franz M. Zatzenstein, fundador de la Galería Matthiesen en Berlín. ^{[ 2 ]} En abril de ese año, los hermanos Duveen , menos afectados por el crac bursátil de 1929 que otros marchantes, pagaron a Zatzenstein 30.000 libras esterlinas en efectivo por la pintura y la vendieron inmediatamente a Mellon. Un marchante normalmente tenía que pasar por el largo proceso de enviar fotografías de una pintura por barco transatlántico a un comprador estadounidense y luego esperar una respuesta; la transacción de la Natividad es excepcional porque es la primera pintura cuya fotografía se envió por cable Marconi desde Inglaterra a Estados Unidos. Para evitar los aranceles de exportación que se habrían aplicado si la pintura se hubiera enviado directamente a Nueva York, los Duveen tomaron una ruta indirecta  : de Madrid a Alemania, luego a París y a Estados Unidos. ^{[ 46 ]} En 1936 fue adquirida por el AW Mellon Educational and Charitable Trust y donada a la National Gallery un año después. ^{[ 2 ]}

Dado su tamaño y orientación, el panel probablemente estaba destinado a ser exhibido solo, pero pudo haber sido concebido como el ala de un retablo tríptico. ^{[ 3 ]} Se desconoce quién encargó la obra o cómo llegó a manos de un propietario español. Al menos la mitad de los mecenas conocidos de Christus eran italianos o españoles, y él a menudo cambiaba su estilo para adaptarse a sus deseos. ^{[ 32 ]} Alrededor de ocho de sus pinturas  —solo se conservan unas 25— provienen de Italia o España, ^{[ 47 ]} lo que da crédito a la especulación de que pasó un tiempo allí. Sin embargo, la existencia de un próspero mercado de exportación en la pintura sobre tabla neerlandesa temprana sugiere igualmente que pudo haber sido pintada en Brujas y transportada al sur. ^{[ 48 ]}

• La página web de la Natividad en la Galería Nacional de Arte , Washington, DC.