Nobuo Sekine

Nobuo Sekine (関根 伸夫, Sekine Nobuo ; 19 de septiembre de 1942 - 13 de mayo de 2019) fue un escultor japonés que residió tanto en Tokio , Japón como en Los Ángeles , California.

Graduado de la Universidad de Arte de Tama, fue uno de los miembros clave de Mono-ha , un grupo de artistas que alcanzó gran prominencia a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970. Los artistas de Mono-ha exploraron el encuentro entre materiales naturales e industriales, organizándolos o interactuando con ellos en estados efímeros, en su mayoría inalterados. ^{[ 1 ]}

Los materiales característicos de Sekine incluían tierra, agua, piedra, arcilla aceitosa, esponja, placas de acero, entre otros. Su obra Phase—Mother Earth , que consiste en un agujero excavado en el suelo, de 2,7 metros de profundidad y 2,2 metros de diámetro, con la tierra excavada compactada en un cilindro de exactamente las mismas dimensiones, se considera que dio inicio al movimiento Mono-ha . ^{[ 2 ] [ 3 ]} Posteriormente reconocida como el "big bang" ^{[ 4 ]} del movimiento, la obra no solo atrajo la atención de sus compañeros estudiantes de Tama, sino también la de Lee Ufan , quien era mayor que Sekine y buscaba un marco teórico para el nuevo arte. Este trabajo dio lugar a un intenso intercambio intelectual entre Sekine y Lee, ^{[ 5 ]} en el que participaron otros estudiantes de Tama, que sirvió como teoría fundamental de Mono-ha , que combinó el principio de Sekine de “no hacer” ( tsukuranai koto ) ^{[ 6 ]} y la idea de Lee de “el mundo tal como es” ( arugamama no sekai ), ^{[ 7 ]} preparando el terreno para que ellos y sus compañeros se embarcaran en una exploración completa de mono (cosas), que se convirtió en el nombre de su movimiento. ^{[ 8 ]} El propio trabajo de Sekine progresó rápidamente desde Phase—Mother Earth hasta Phase-Sponge (1968) y Phase of Nothingness - Oil Clay (1969), y todas estas obras recibieron los máximos galardones en importantes concursos. ^{[ 9 ]} En 1970, Sekine se consolidó como una figura joven pero en ascenso del arte contemporáneo, siendo invitado, junto con Shusaku Arakawa , a exponer en el pabellón japonés de la Bienal de Venecia de ese año por el crítico Yoshiaki Tōno. ^{[ 10 ]} Mientras Arakawa llenaba el interior del pabellón, Sekine erigió una escultura exterior de gran escala, Phase of Nothingness . A pesar de estas atenciones, el artista abandonó el estudio Mono-ha y fundó Kankyō Bijutsu Kenkyūjo (Estudio de Arte Ambiental) en 1973 para centrarse principalmente en la escultura pública. ^{[ 11 ]}

Nobuo Sekine nació en 1942 en la ciudad de Shiki, prefectura de Saitama , Japón. De 1962 a 1968, estudió en el departamento de pintura de la Universidad de Arte de Tama en Tokio, donde fue alumno de los influyentes artistas y profesores Yoshishige Saitō y Jiro Takamatsu . ^{[ 12 ]} Las pinturas y esculturas ilusionistas de Takamatsu fueron fundamentales para el desarrollo de la escena artística de Tokio en aquella época, así como sus performances y acciones pertenecientes a la tendencia antiartística ( el incidente de la línea Yamanote y otros eventos del grupo Hi-Red Center , del que fue cofundador). ^{[ 13 ]}

Los primeros trabajos de Sekine reflejaban este enfoque. Participó en la trascendental exposición colectiva «Trucos y visión: Ojos robados», celebrada en la Galería de Tokio y la Galería Muramatsu en 1968. Allí, exhibió «Fase n.º 4 (1968)» (位相 n.º 4), una escultura mural. Dependiendo del ángulo de visión, la forma cilíndrica de la obra aparecía completa o fragmentada. Sekine realizó su primera exposición individual en la Galería de Tokio al año siguiente. ^{[ 12 ]}

El punto de inflexión más importante en la carrera de Sekine se produjo en octubre de 1968, cuando creó la obra Phase: Mother Earth en el parque Suma Rikyu de Kobe para la Primera Exposición de Escultura Contemporánea al Aire Libre (第一回野外彫刻展). Realizada con la ayuda de Susumu Koshimizu y Katsuro Yoshida, la obra consistía en un agujero excavado en el suelo, de 2,7 metros de profundidad y 2,2 metros de diámetro, cuya tierra extraída se compactó formando un cilindro de las mismas dimensiones.

Concibió la obra como un «experimento mental» que abordaría las leyes de la percepción de las fases del espacio: una forma de «pensamiento razonado que deduce si las hipótesis son verdaderas o no, y que, en algunos casos, puede ignorar los fenómenos físicos de la realidad». Además, explicó  : «Si cavas un hoyo en la tierra y sigues cavando indefinidamente, con el tiempo la tierra se convertirá en una cáscara de huevo, y si continúas extrayendo toda la tierra, se invertirá en una versión negativa de sí misma». ^{[ 14 ]}

A pesar de la estructura simple, el acto de compactar la tierra para darle la forma deseada resultó técnicamente complejo. Finalmente, Sekine consultó con un laboratorio de geología de la Universidad de Tokio , que le aconsejó alternar capas de tierra con cemento antes de compactarlas firmemente. ^{[ 15 ]}

En aquel momento, Sekine prácticamente no sabía nada sobre Land Art. Crear una obra al aire libre ni siquiera fue idea suya; simplemente lo invitaron a participar en una exposición de escultura al aire libre. Sin embargo, cuando Sekine terminó la obra, sucedió algo inesperado: quedó atónito ante la fuerza arrolladora de la «cosa» (mono) que tenía delante. Su realidad superó con creces cualquier concepto que hubiera tenido en mente. Recientemente, Sekine lo comparó con un «accidente» que le afectó (a él y a los otros dos artistas de Mono-ha que lo ayudaron, Yoshida y Koshimizu Susumu) a lo largo de una semana, aunque en aquel momento no pudo expresar con palabras el impacto que sintió. Sekine sabía que ahora se enfrentaba a un problema diferente, pero su interés seguía centrado en el espacio topológico. ^{[ 16 ]}

Lee Ufan arrojó luz sobre el "accidente" que afectó a Sekine, Koshimizu y Yoshida  :

Desde tiempos inmemoriales, el mundo siempre se ha cumplido plenamente «tal como es» (aragamama). Sin embargo, el hombre no puede ver el mundo tal como existe, debido a la intensificación de su propia conciencia de estar frente a él. Observemos a esos «hombres obsesionados con las ideas» que se afanan en parques por doquier, incluso en paisajes naturales, en sus esfuerzos por mejorar y embellecer la naturaleza… Impone artificialmente su voluntad sobre las cosas por el deseo de darles forma, pero generalmente terminan objetivando aún más la línea entre sus obras y la naturaleza. Sin embargo, en medio de todo este ajetreo, un «Happener» solitario reveló un mundo casi milagrosamente diferente. La visión era casi mitológica… como si un gigante hubiera «tallado» y «depositado» la tierra allí mismo, una forma de lo más curiosa… Y, sin embargo, la transforma en algo de expresividad conmovedora que transmite vívidamente el mundo «tal como es».

Phase-Mother Earth se considera la obra inicial del movimiento Mono-ha . ^{[ 17 ]} Posteriormente se le atribuyó el "big bang" del movimiento. ^{[ 18 ]}

La obra fue recreada en 1970 para la Exposición Universal de Osaka, ^{[ 19 ]} en 2008 ^{[ 20 ]} y nuevamente en 2012 para la exposición Requiem for the Sun: The Art of Mono-ha, Blum and Poe, Los Ángeles. ^{[ 21 ]}

Phase—Sponge (1968) (位相：スポンジ) era un cilindro blanco de esponja, deformado bajo el peso de una lámina de hierro negra colocada encima. Esta obra permite comprender que la estructura permanece inalterada incluso si se modifica la forma, y ​​que lo deformado puede recuperarse. Al escribir sobre esta obra, Lee Ufan sugirió que «quizás lo único que tenían que hacer los pueblos primitivos era apilar rocas como dólmenes. Sin embargo, en la sociedad industrial actual, una placa de hierro sobre un cilindro de esponja provoca una respuesta más natural». ^{[ 22 ]}

En la primera exposición individual de Sekine en la Galería de Tokio en 1969, exhibió Phase of Nothingness—Oil Clay (1969) (空相—油土), que consistía en una enorme masa de arcilla al óleo exhibida en su estado natural. Se permitía a los espectadores tocar esta obra y remodelarla, lo que implicaba que, esculpida o no, y en contraste con su presencia física dominante, esta “escultura” era transitoria. Sobre esta pieza, el curador Simon Groom escribió: ^{[ 4 ]}

Presentada simplemente en su estado natural, la enorme masa de arcilla parece existir en un estado constante de tensión entre nuestra conciencia de su abrumadora presencia física y nuestro deseo consciente de darle forma, ya sea mentalmente a través de la profusión de formas posibles que puede sugerir, o físicamente, atraídos como estamos por la naturaleza táctil del material en su infinita maleabilidad.

La obra Phase of Nothingness—Water (1969) (空相：水) consistía en dos recipientes de agua: un  cilindro de 110 cm de altura y una  caja rectangular de 30 cm de altura. Los recipientes estaban pintados de negro para que el agua pareciera invisible, pero al tocar la obra, las ondas que se formaban revelaban la presencia del agua.

En julio de 1970, junto con Shusaku Arakawa , Sekine fue seleccionado para exponer en el Pabellón de Japón de la Bienal de Venecia . Contribuyó con Phase of Nothingness (空相), que consistía en una gran piedra colocada sobre una alta columna cuadrada de acero inoxidable espejado. La columna refleja el paisaje circundante y casi desaparece de la vista, mientras que la piedra parece flotar en el aire. Yoshiaki Tono, comisario del Pabellón de Japón, escribió  :

Sekiné ha dicho que el artista de hoy no crea nada; simplemente quita el polvo de las cosas y las muestra tal como son, no como las perciben nuestros prejuicios. Está previsto que participe en el Simposio Internacional de la Bienal de Venecia, donde se espera que construya una obra similar a la que expuso en el Museo al Aire Libre de Hakone el año pasado. Se trataba de una columna cuadrada de acero espejado que sostenía una enorme roca, de tal manera que parecía flotar sin apoyo. El resultado fue que este enorme objeto material quedó extrañamente desmaterializado y negado.

Yoshiaki Tono se refirió a una mesa redonda celebrada con motivo de la Novena Exposición de Arte Contemporáneo, conocida como Mainichi-ten, que comenzó en mayo de 1969, donde Sekine mencionó un cambio en la producción artística y renunció a la posición del sujeto moderno que se había transmitido desde el Renacimiento. ^{[ 23 ]}

Tras su experiencia en Venecia, Sekine fundó el Estudio de Arte Ambiental en 1973 para trabajar en escultura pública. ^{[ 24 ]}

Su éxito en la Bienal de Venecia le valió varias ofertas para realizar exposiciones individuales en Europa, incluida una exposición itinerante que presentaba un importante conjunto de obras escultóricas, Phase of Nothingness—Black (1978–79) (空相—黒).

Phase of Nothingness—Black (1978–79) (空相—黒) es una serie menos conocida pero igualmente importante, compuesta por esculturas de FRP negras que contrastan lo natural y lo artificial. Las aproximadamente 50 esculturas varían desde formas toscas, parecidas a terrones, que yacen a ras del suelo, hasta formas geométricas pulidas que se alzan como tótems. Estas obras marcaron un cambio crucial en la práctica de Sekine: un alejamiento del enfoque en las materias primas y la maleabilidad hacia las cualidades superficiales de las formas solidificadas. Sekine hizo deliberadamente difícil identificar el material utilizado para crear estas obras; a primera vista no es evidente si están hechas de piedra, vidrio, metal o plástico. Cuando Sekine instaló estas obras, consideró su disposición como una «escena topológica» regida por principios estéticos similares a los que se encuentran en los jardines de rocas zen : arreglos asimétricos de elementos dispares que se combinan para representar un paisaje más amplio de mares, islas y montañas.

En noviembre de 1968, Sekine conoció al artista coreano Lee Ufan , quien pronto se convertiría en una figura central para Mono-ha y la articulación de sus ideas. Lee había estudiado diversas filosofías, incluyendo los escritos de Lao Tzu y Chuang Tzu (que también influyeron en la obra de Sekine), y tras mudarse a Japón en 1956, estudió filosofía occidental moderna en la Universidad de Nihon . Lee reconoció el carácter progresista de las ideas de Sekine y admiró su obra, mientras que Sekine encontró en Lee un teórico que respaldara su práctica artística y su visión del arte. ^{[ 25 ]} Sabía, por su estudio de la vanguardia de posguerra, que un arte nuevo como el suyo necesitaba un lenguaje igualmente nuevo para dejar una huella perdurable en la historia. Así, para Sekine, Lee fue la respuesta a su búsqueda. ^{[ 26 ]}

En una serie de comentarios publicados en diversas revistas de arte entre 1969 y 1970, Lee afirmó haber identificado el surgimiento de «una nueva estructura» que revelaba «el mundo tal como es». La teoría de Lee privilegiaba «cosas o sustancias» dispuestas en un «lugar» que, en conjunto, producían un «encuentro con el ser», vívidamente real y libre de la bifurcación sujeto/objeto. «El acto de Sekine, entonces, no pretende convertir el mundo en un objeto de conocimiento, como en el caso del objet», escribió Lee, «sino liberarlo entre fenómenos no objetivos, en el ámbito de la percepción; es decir, dejar que el mundo sea en su propio ser». ^{[ 27 ]}

Lee amplía esta reciprocidad porosa para teorizar la relacionalidad sin un fin prescrito, una noción que refina aún más en su lectura de Isō-Daichi ( Fase—Tierra , 1968) de Sekine al meditar humorísticamente sobre un enredo transagencial  : ^{[ 28 ]}

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La primera exposición individual de Sekine tuvo lugar en la Galería de Tokio en 1969. Desde entonces, ha realizado numerosas exposiciones individuales en Japón, incluyendo la Bienal de Venecia en 1970. Se han celebrado exposiciones individuales de su obra en Copenhague, Génova (Galería La Bertesca), Milán (Galería La Bertesca), Tokio y Nagoya.

Entre 1978 y 1979, "Phase of Nothingness—Black" fue objeto de una exposición individual que itineró desde la Künsthalle Düsseldorf , Alemania, hasta el Museo de Arte Moderno Louisiana , Humlebæk, Dinamarca; el Museo Kröller-Müller , Otterlo, Países Bajos; y el Centro de Arte Henie-Onstad , Høvikodden, Noruega.

Sekine también ha sido incluida en exposiciones emblemáticas, como Reconsidering Mono-ha , Museo Nacional de Arte de Osaka, 2005; Japanese Art after 1945: Scream Against the Sky, celebrada en el Museo de Arte de Yokohama , el Museo Guggenheim SoHo de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de San Francisco , 1994; y Japon des Avant Gardes 1910–1970, Centro Georges Pompidou de París, 1986.

La obra de Sekine ha vuelto a captar la atención en Estados Unidos tras su inclusión en la exposición «Requiem for the Sun: The Art of Mono-ha» , celebrada en Blum & Poe , Los Ángeles, en febrero de 2012. Esta exposición fue la primera retrospectiva de Mono-ha en Estados Unidos. La obra de Sekine también se presentó en «Tokio 1955–1970: A New Avant Garde» en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 2012. Asimismo, su primera exposición individual en Estados Unidos tuvo lugar en Blum & Poe en enero de 2014.

Sekine estuvo representada por las galerías Blum & Poe (Los Ángeles, Nueva York, Tokio) y Tokyo Gallery + BTAP (Tokio, Pekín).

Sekine murió el 13 de mayo de 2019 en Los Ángeles , California , a la edad de 76 años. ^{[ 29 ]}

La obra de Nobuo Sekine forma parte de la colección de numerosos museos, entre ellos:

• Museo al aire libre de Hakone , Hakone
• Museo Hara de Arte Contemporáneo , Tokio
• Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima , Hiroshima
• Museo de Arte Moderno de Louisiana , Dinamarca
• Museo Nacional de Arte de Osaka
• Centro de Arte Henie-Onstad , Noruega
• Museo de Arte de la ciudad de Takamatsu , Kagawa
• Museo Municipal de Arte de Toyota , Toyota

Premio Concour 1969 , 1.ª Exposición Internacional de Escultura Contemporánea, Hakone, Japón. Premio a la Obra Colectiva, 6.ª Bienal de París, París, Francia.

Premio Concour 1968 , VIII Exposición de Arte Contemporáneo de Japón, Tokio

Premio del periódico Asahi, Exposición de Escultura Contemporánea, Parque Suma Rikyu, Kobe. Primer premio, 5ª Exposición, Museo de Arte Contemporáneo, Nagaoka.

Premio de Mención Honorífica de 1967 , 11.ª Exposición de Arte con Conchas, Tokio.

• Chong, Doryun. Tokio 1955–1970: Una nueva vanguardia . Nueva York: Museo de Arte Moderno, 2012.
• Koplos, Janet. Escultura japonesa contemporánea . Nueva York: Abbeville Press, 1991.
• Japón de vanguardias: 1910-1970 . París: Centro Georges Pompidou, 1986.
• Monogatari: Exposición de arte de Nobuo Sekine 1970-2011 . Shanghái: Editorial de Bellas Artes del Pueblo de Shanghái, 2011.
• ¿Qué es Mono-ha? Tokio: Galería de Tokio + BTAP, 2007
• Yoshitake, Mika. Réquiem para el sol: El arte de Mono-ha . Los Ángeles: Blum & Poe, 2012.

Sekine, Nobuo. Fukei no yubiwa. Tokio: Tosho Shinbun, 2006.

• Sitio web del artista
• Blum y Poe
• Biografía de Nobuo Sekine
• Galería Kamakura