Petrushka

Las obras de Petrushka se representaban principalmente en el contexto de los carnavales celebrados en ciudades como San Petersburgo , sobre todo durante el Carnaval . En estos carnavales, que giraban en torno a la Pascua , se construían y ubicaban especialmente puestos para las representaciones de la commedia dell'arte , que se llevaban a cabo en estructuras de madera llamadas balagans con capacidad para hasta 1500 personas. ^{[ 8 ] : 18} Esto era significativamente mayor que las pequeñas cabañas donde comenzaron las representaciones de Petrushka al inicio de su popularidad a mediados del siglo XIX, donde sus puestos se ubicaban en la periferia del recinto ferial y tenían capacidad para menos de 200 espectadores, lo que permitía a los asistentes ver las pequeñas marionetas en su puesto. ^{[ 9 ] : 47}

Las obras en sí mismas solían denominarse Kamed' o Petrushke o Comedia de Petrushka, aunque no se referían a una sola obra. Más bien, la Comedia aludía colectivamente a los diferentes personajes y escenas dispuestos de diversas maneras para distintos públicos, incluyendo diferencias regionales. Estas variantes iban desde un simple monólogo interpretado por el héroe Petrushka hasta un elenco completo. En todos estos casos, Petrushka era el centro de la acción, rara vez abandonaba el escenario, y solo era igualado en tiempo escénico por el personaje del Músico, un interlocutor humano ( cirílico : ruso : ответчик, otvetchik ) que servía de contraparte al héroe. ^{[ 9 ] : 62}

Además del Músico, que a menudo tocaba una zanfona durante toda la representación, otros personajes incluían a la prometida o esposa de Petrushka, un comerciante de caballos, un alemán, un médico, un cabo, el policía, el Diablo y Barbos, un perro grande, que arrastraba a Petrushka fuera del escenario para terminar la obra. ^{[ 10 ]} Gran parte de lo que sabemos sobre las comedias de Petrushka proviene de la folclorista Anna Fyodorovna Nekrylova, quien analizó el texto recopilado de unas cuarenta obras de Petrushka de finales del siglo XIX y principios del XX. Nekrylova describió veintitrés escenas distintas que conforman los elementos básicos de una comedia de Petrushka, que luego podían combinarse (u omitirse) según se deseara para ajustarse al contexto de la representación. Estas variantes incluyen una escena en la que Petrushka declara su intención de encontrar esposa, Petrushka comprando un caballo, Petrushka con su prometida, varias variaciones de una escena con el personaje del médico tratando a Petrushka por lesiones médicas, un enfrentamiento con un policía, Petrushka reuniéndose con un soldado y varias variaciones de Petrushka siendo arrastrado fuera del escenario por el Diablo o Barbos. ^{[ 11 ]}

El titiritero del espectáculo dobló las voces de todos los personajes. Sin embargo, la voz de Petrushka se distinguía de la de los demás personajes en escena gracias al uso de un swazzle (en ruso: пищик, pishchik ). Los diálogos se basaban en un cambio momentáneo del swazzle y la voz "en vivo" de los demás personajes.

Se dice que Pietro-Mira Pedrillo, bufón de la corte de la emperatriz Ana Ioannovna , sirvió de prototipo para Petrushka.

La popularidad de las comedias de Petrushka, en particular, comenzó a mediados del siglo XIX, alcanzando su máximo esplendor entre 1830 y 1930. Los orígenes de la marioneta Petrushka en Rusia son objeto de debate; algunos afirman que la tradición se remonta a antes de la llegada de la commedia dell'arte, con titiriteros italianos itinerantes tras el reinado del zar Pedro I. Si bien sin duda existía alguna forma de cultura de marionetas en la Rusia tradicional, la influencia de la commedia dell'arte en el teatro de marionetas ruso es innegable. Originarios de actores con maquillaje de payaso, antes de adentrarse gradualmente en el mundo de las marionetas, los artistas rusos comenzaron a reemplazar a los intérpretes italianos de habla rusa que habían estado a cargo de las escenas anteriormente. ^{[ 12 ] : 48–49}

La entrada a los puestos de marionetas era más barata que la de las atracciones principales del carnaval ruso de finales del siglo XIX, con precios que oscilaban entre un grivennik (10 kopeks ) o incluso menos, dependiendo del desarrollo de la zona. Durante la década de 1840, y especialmente tras la emancipación de los siervos en 1861, la industrialización de las ciudades atrajo mayor atención a las ferias. Probablemente así fue como el teatro de marionetas Petrushka se convirtió en una forma de entretenimiento provincial, frecuentada principalmente por la clase baja urbana. Al mismo tiempo, la intelectualidad rusa estaba más interesada en los teatros de marionetas de Europa Occidental . ^{[ 12 ]}

Fue durante este período que un joven Fiódor Dostoievski frecuentaba los espectáculos de marionetas con su hermano, dando testimonio en sus escritos de la relación entre Petrushka y Pulcinella . En sus diarios y en "Gospodin Prokharchin ", escribe sobre Petrushka como una contraparte de "Pul'chinel", un compañero que subía al escenario como ayudante de la marioneta cuyas travesuras se convertían en las suyas. Al igual que otros que vinieron antes y después de él, Dostoievski vio el teatro de Petrushka como una exploración de la identidad cultural rusa. ^{[ 13 ]} Para la década de 1880, Petrushka era el héroe de estas comedias, la única constante entre las partes móviles de otros personajes y escenas. Su popularidad creció hasta el punto de que textos anacrónicos de períodos posteriores se referían retroactivamente a los espectáculos de marionetas de siglos anteriores petrushka. Esto también explica la frecuente mezcla de apellidos, como cuando Nina Simonovich-Efimova se refiere al títere ruso como "Petroushka Guignol Pickelherring Punch ", describiéndolo como un títere que se juntó con malas compañías (es decir, una broma sobre la influencia de los títeres franceses, ingleses e italianos en el teatro de títeres ruso). ^{[ 14 ]}

Con la popularización del género, el público objetivo comenzó a cambiar. Si bien los niños nunca fueron excluidos de los puestos en el recinto ferial, no eran el público principal. Más bien, Petrushka —y los eventos de carnaval en general— eran más populares entre hombres jóvenes solteros. A partir de la década de 1870, las marionetas de Petrushka comenzaron a comprarse y venderse en el recinto ferial, junto con folletos rusos (en ruso: лубки, lubki ) que proporcionaban instrucciones sobre cómo representarlas. ^{[ 15 ]} Con este cambio, aunque el carnaval siguió siendo el lugar principal para Petrushka, el teatro de marionetas se asoció cada vez más con el entretenimiento infantil.

A principios del siglo XX se observó tanto el auge como el cambio en la popularidad de Petrushka antes de su declive. En particular, los años previos a la Revolución Rusa y los inmediatamente posteriores a ella vieron el crecimiento de los teatros de marionetas como instituciones culturales independientes que funcionaban durante todo el año, fuera del contexto del carnaval de Carnaval , probablemente en respuesta a los crecientes sentimientos revolucionarios y al intento de artistas y público de conectar con sus raíces culturales. ^{[ 16 ]}

En 1916, la influyente crítica de teatro y titiritera Yulia Slonimskaia Sazonova abrió su teatro de marionetas en San Petersburgo . Ese mismo año, en Moscú, Nina Simonovich-Efimova presentó sus primeras obras públicas de Petrushka antes de abrir su propio teatro con su esposo, el escultor y artista Ivan Efimov . ^{[ 17 ]} Los Efimov fueron muy influyentes en el mundo de las marionetas, incluyendo la formación de Sergei Obraztsv, quien posteriormente se convirtió en Presidente de la Unión Internacional de Titiriteros y fue nombrado Director del Teatro Central Académico Estatal de Marionetas Sergei Obraztsov por el gobierno soviético en 1931. Simonovich-Efimova publicó la descripción más extensa del conocimiento práctico sobre las marionetas de guante Petrushka en su teoría " O Petrushke" ("Sobre Petrushka") en 1919, junto con libros, folletos y guías para aspirantes a titiriteros de Petrushka.

Mientras tanto, si bien el arte práctico de la marioneta florecía bajo la influencia de los Efimov, la imagen de Petrushka trascendía el teatro de marionetas en otros aspectos. En 1911, el compositor Igor Stravinsky escribió un ballet titulado Petrushka , en el que el héroe homónimo desafía el amor de una bailarina con la que desea casarse. La trama del ballet se basa en el conocimiento de la tradición de Petrushka, ya que las marionetas cobran vida durante la Maslenitsa en San Petersburgo en 1830, y juega con las expectativas culturales de la estructura estándar de una comedia de Petrushka. Vaslav Nijinsky fue el primero en protagonizar el papel de Petrushka en el escenario.

Al mismo tiempo, Petrushka era utilizada por los simbolistas rusos en poesía, obras de teatro y novelas. Los simbolistas estaban menos interesados ​​en el teatro de marionetas que en lo que el símbolo de la marioneta representaba entre el pasado y el futuro. Partiendo de la idea de que la marioneta superaba al actor cómico humano, utilizaron la imagen para reflexionar sobre la posición de la humanidad entre un pasado mítico y un futuro incierto, así como sobre el declive de la sociedad y las artes en Rusia. La novela de Andrei Bely de 1913, " San Petersburgo", sobre la fallida revolución de 1905 , por ejemplo, incluye una escena en la que el protagonista, Nikolai Apollonovich, pasa de ser un Arlequín enmascarado de la commedia dell'arte a verse reflejado en el espejo como la imagen de Petrushka, en medio de la amenaza del fracaso de su actividad revolucionaria.

Durante los primeros años de la Unión Soviética, el teatro de marionetas se transformó nuevamente. Los recintos feriales, sede tradicional del teatro Petrushka, fueron reemplazados por Parques de la Cultura en Descanso a lo largo de finales de la década de 1920 y la de 1930. A pesar de esto, Petrushka continuó. En las décadas de 1920 y 1930, Petrushka se convirtió cada vez más en tema de la literatura infantil. ^{[ 18 ] [ 19 ]} A medida que el teatro de marionetas se convirtió gradualmente en un entretenimiento predominantemente infantil, Petrushka se volvió menos vulgar y agresivo, alejándose de sus orígenes cómicos .

A partir de la década de 1920, compañías viajaban de ciudad en ciudad presentando ediciones de Petrushka del teatro de agitación y propaganda en el que Petrushka aparecía defendiendo a los campesinos pobres y atacando a los kulaks . ^{[ 20 ]} Entre estos grupos que dirigieron la última resistencia de Petrushka se encontraban el Colectivo Rojo Petrushka en 1927 y el Grupo Petrushka del Ejército Rojo en 1928. Sin embargo, a finales de la década de 1930, esta versión de Petrushka también decayó. Sergei Obraztsov afirmó que Petrushka fracasó porque, antes de la revolución, Petrushka, que golpeaba a la gente con su garrote e impartía su propia justicia, comentaba injusticias en el mundo que simplemente no existían después de la guerra. ^{[ 21 ]} La falta de un comentario social significativo en el Rojo Petrushka resultó en conflictos que parecían arbitrarios y carecían de su sentido carnavalesco de un mundo al revés.

La Sociedad Rusa para el Bienestar Infantil (RCWS) organiza anualmente el "Baile de Petrushka", que recibe su nombre de una versión del personaje Petrushka que se enamoró de una elegante bailarina . ^{[ 22 ]}