Pinckney Marcius-Simons

Pinckney Marcius-Simons (1867 ^{[ 2 ]} —17 de julio de 1909 ^{[ 3 ]} ) fue un artista neoyorquino que pasó su juventud en España, Italia y Francia. Estudió pintura con Jehan Georges Vibert , llegando a formar parte de su familia. ^{[ 1 ]} Tras residir en Francia, expuso en el Salón de París a temprana edad y pronto se consolidó como un exitoso pintor de género. En la década de 1890 (quizás tras una grave enfermedad ^{[ 4 ]} ), cambió radicalmente su temática y técnica. A veces clasificado como simbolista , ^{[ 5 ]} sus obras posteriores, de carácter fantasmagórico, representaban visiones religiosas cristianas, elementos de la mitología clásica y escenas inspiradas en las óperas de Richard Wagner . Su obra fue muy admirada por Teddy Roosevelt , quien poseía cuatro pinturas de Marcius-Simons y lo describió como «un gran artista imaginativo, un maravilloso colorista y un hombre con una visión aún más maravillosa». ^{[ 6 ]} En 1908 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor . Descrito desde el comienzo de su carrera como de "salud delicada", ^{[ 1 ]} murió a los cuarenta y tantos años en Bayreuth , donde fue enterrado. En vida, sus obras dividieron acaloradamente a la crítica y fueron muy buscadas por los coleccionistas, pero tras su muerte cayó en gran medida en el olvido.

Marcius-Simons apenas tenía veinte años cuando pintó El niño Canova modelando un león de mantequilla ^{[ 7 ]} y El joven Lulli , pinturas que forman un par y que representan a dos niños prodigio legendarios.

Estas y otras pinturas llamaron la atención del crítico de arte George William Sheldon , quien defendió a Marcius-Simons en su libro de 1888, Recent Ideals of American Art . "El artista nació en la ciudad de Nueva York", escribió Sheldon,

pero fue llevado a Francia en la infancia por su salud. Ahora tiene (1888) veinticinco años, ^{[ 8 ]} aunque aparenta apenas dieciocho, y ha visitado su tierra natal solo una vez desde su partida. De figura delgada, de modales nerviosos, de salud delicada, con rasgos regulares y una expresión aristocrática, habla inglés con dificultad, pero lo usa con preferencia a cualquier otra lengua… gran parte de su vida la pasó en España e Italia, pero su educación académica la cursó en el célebre Colegio Vaugirard de París, bajo la dirección de los jesuitas . Tuvo tanto éxito en sus estudios que recibió el inusual permiso de estudiar arte también durante su curso universitario; y, cuando el distinguido pintor Vibert decidió aceptar algunos alumnos, el más joven del grupo fue Marcius-Simons, quien había sido recomendado por el célebre Detaille . La salud del estadounidense se vio seriamente afectada por la resuelta ambición que lo convirtió simultáneamente en universitario y estudiante de arte; y, como para ponerlo a prueba aún más, Vibert lo invitó a formar parte de su familia una vez finalizado el período regular de su taller, brindándole así una oportunidad extraordinaria para dominar el arte que amaba. ^{[ 1 ]}

Su formación como artista comenzó a los doce años, y «su primer cuadro fue firmado a los dieciséis… Para construir sus catedrales y palacios de hadas, estudió arquitectura… Para desarrollar ángeles científicamente efímeros, estudió anatomía, hasta que el difunto Gérôme lo detuvo, diciéndole: “¡Quieres ser pintor, no médico!”» ^{[ 3 ]}

Hizo su debut público en 1891, exhibiendo pinturas de género tanto en el Salón de París ^{[ 9 ]} como en la Real Academia de las Artes de Londres. ^{[ 10 ]}

Las obras de Marcius-Simons anteriores a 1892 pueden fecharse por la firma más temprana y menos estilizada de sus nombres compuestos con guion, escritos completamente en mayúsculas, con el trazo final de la letra "R" alargado.

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  El niño Canova modelando un león con mantequilla , c. 1885.
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  El joven Lulli , c. 1885.
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  Sarah Bernhardt como La Tosca , 1887 o 1888.
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  Les Premières Voiles , 1891.
• 
  Un coqueteo (título de la subasta), anterior a 1892.
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  La Modelo Ambiciosa (título de la subasta), anterior a 1892.
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  Perdida en sus pensamientos (título de la subasta), anterior a 1892.
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  Mujer leyendo con un abanico (título de la subasta), anterior a 1892.

En el Salón de París de 1892, Marcius-Simons exhibió Mon royaume n'est pas de ce monde ( Mi reino no es de este mundo ). El estilo aún reflejaba la precisión de su formación académica, pero las imágenes eran alucinatorias. La pintura también llevaba la firma distintiva que usaría posteriormente. Mon royaume… suscitó tanto elogios como burlas. Alexandre Hepp la llamó "una gran pintura" y a Marcius-Simons "un gran artista místico". ^{[ 11 ]} Étienne Durand vio una representación de

La ensoñación de la figura principal vestida de rojo, un príncipe de la iglesia… A su alrededor, como motas que pueblan un rayo de sol, se agolpan las visiones más dispares, capaces de satisfacer todas las pasiones y apetitos humanos: amor, ambición, avaricia, sensualidad, disipación, etc. En un rincón, el niño divino, dormido en su cuna, brilla con un halo resplandeciente; sobre él, formas vagas y diáfanas de seres celestiales se deslizan en el resplandor de las vidrieras. Es una composición extraña que a primera vista parece incoherente, como una alucinación febril, pero que se aclara al estudiarla y descubrir, plasmado con asombrosa claridad, el caleidoscopio moral de la meditación. En cuanto a la pintura, es extraordinariamente elegante, precisa y brillante. ^{[ 12 ]}

Pero un crítico británico no quedó impresionado. «El diseño es tan deficiente en este aspecto que la vista se pierde en un asombro perplejo y desconcertado… El descubrimiento del Niño Jesús… aclara el misterio, pero de ninguna manera explica por qué el señor Marcius-Simons, que obviamente tiene el don de la imaginación, carece tan lamentablemente de estilo». ^{[ 13 ]}

En 1893 expuso Chant du Cygne en el Salón; The New York Times escribió que Marcius-Simons «asombra por la constante evolución de su propia personalidad». ^{[ 14 ]} Pero en una defensa de «Una visión sensata», James Stanley Little desestimó a Marcius-Simons como una moda pasajera. ^{[ 15 ]}

También en 1893 expuso en el Salón de la Rosa + Cruz de París, comisariado por Joséphin Péladan , un escaparate vanguardista para artistas, escritores y compositores surgido del movimiento religioso de culto de Péladan, la Orden Mística de la Rosa + Cruz. Posteriormente, Marcius-Simons expuso en otros tres salones de Péladan. ^{[ 16 ]} Sus vínculos con el rosacrucismo le granjearían la censura de algunos sectores. ^{[ 17 ]}

Léon Roger-Milès , al reseñar La Rayonnement de la Croix y La Parabole des Vierges en el Salón de París de 1894, calificó a Marcius-Simons de «excepcionalmente dotado… un místico que trae al final de nuestro siglo un eco lejano de las imaginaciones del siglo XIV». ^{[ 18 ]}

• 
  Mon royaume n'est pas de ce monde , 1892.
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  El canto del cisne , 1893.
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  Les Bâtisseurs de la ville (La Renaissance) , 1897.

Estas nuevas y sorprendentes obras atrajeron el interés del influyente conocedor y marchante de arte neoyorquino Samuel Putnam Avery , famoso por haber introducido las pinturas de Turner en Estados Unidos. ^{[ 11 ]} Avery organizó la primera exposición individual de Marcius-Simons, con veinte obras, en las Galerías de Arte Avery en 1895. Para entonces, el estilo, el tono y la temática del artista habían cambiado por completo desde sus inicios como pintor de género desenfadado, como lo ejemplifica la alegoría de pesadilla Les Courtesanes . ^{[ 19 ]} Un crítico francés describió sus obras como «místicas», «extrañas» y «siempre excéntricas». ^{[ 20 ]}

La exposición de Avery de 1895 fue duramente criticada por algunos. The Art Interchange afirmó que las pinturas "eran en su mayoría fantasías extrañas de una imaginación descontrolada, caprichos descontrolados de color, con títulos inconexos... Se ha hecho hincapié en la fertilidad de la imaginación del artista, pero una imaginación desequilibrada es un don dudoso". ^{[ 21 ]} The Art Collector señaló con ironía que Marcius Simons (sin guion), quien "comenzó como pintor de género", había emergido "completamente convertido en Pinckney Marcius-Simons, bajo una luz muy distinta... Lo hizo, según su biógrafo, después de 'una grave enfermedad', que lo confinó a la soledad de su estudio. A juzgar por los resultados, debió de ser una enfermedad muy grave..." ^{[ 22 ]}

Pero The New York Times , señalando que la exposición había "suscitado no poca discusión y comentarios", afirmó que las "ideas de Marcius-Simons son completamente originales, sumamente personales y de una naturaleza curiosamente simbólica. Poco arte de este tipo ha llegado aún a esta ciudad, pero en París, la Rose Croix y otras exposiciones... han dado a los hombres de ideas y métodos impresionistas un amplio abanico de posibilidades... Los veinte cuadros en Avery's son sumamente interesantes... y en ellos se encuentran combinaciones de efectos de color totalmente suyas". ^{[ 23 ]}

Una segunda exposición en las Galerías de Arte Avery de Nueva York, con 36 obras, tuvo lugar en 1896; el catálogo está disponible en línea. ^{[ 24 ]} El New York Times escribió que «su obra en estas pinturas simbólicas es la realización de lo imposible… Ha logrado desarrollar efectos de color asombrosamente brillantes… Y, sobre todo, es sumamente interesante». ^{[ 25 ]}

En 1897, sus obras aparecieron en Thurber's en Chicago. «Aunque el pintor es muy joven», escribió The House Beautiful , «su reputación está firmemente establecida como uno de los representantes más originales y audaces del arte estadounidense… la escuela de la Rosa y la Cruz [y] todas sus excentricidades se perdonan de buen grado cuando uno descubre que ha dado voz al genio de un hombre como Pinckney Marcius-Simons», cuyas obras «tienen ese extraño poder sobre los sentimientos que tenían las obras maestras de Turner». ^{[ 26 ]} Gabriel Mourey , por otro lado, afirmó que Marcius-Simons «imita débilmente al gran Turner». ^{[ 27 ]}

Cuando las pinturas aparecieron en Boston, Poet-Lore declaró que su obra era "esencialmente moderna y tan suprema en su manera como cualquier arte que haya existido". ^{[ 28 ]}

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  Les Courtisanes , 1894.
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  Y los ángeles abrieron el camino , expuesta en 1896.
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  Posiblemente Flores Silvestres , expuesta en 1896.

Además de la atención de la crítica, las obras atrajeron a coleccionistas. En 1898, la revista Munsey's Magazine señaló que «el Sr. Marcius-Simons no tendrá ninguna exposición de sus cuadros en Nueva York este año, por una razón bastante curiosa. Ha vendido todo en su estudio de París casi tan rápido como lo pintó». ^{[ 29 ]} Ese mismo año, su «fantasía cromática» Un sueño de juventud fue reportada en la colección de la magnate estadounidense de la seda Catholina Lambert . ^{[ 30 ]} Su obra El carro del sol era propiedad de James S. Inglis de Cottier and Company . ^{[ 31 ]} Asientos de los poderosos (más tarde regalada a Teddy Roosevelt) estaba en la colección de Lord Arthur Hamilton Lee en Londres. ^{[ 32 ]} El International Studio escribió: «Hay pocos coleccionistas privados que no tengan al menos un ejemplo de su talento». ^{[ 33 ]}

El eminente coleccionista Camille Groult , «el hombre más difícil de complacer en Francia», ^{[ 34 ]} «fue uno de sus mecenas y compró muchos de sus cuadros». «Existe una leyenda que cuenta que Groult, quien era un gran admirador de Turner , compró primero el lugar desde donde se divisa la vista de Saint-Cloud pintada por el inglés, ^{[ 35 ]} y, años después, al descubrir a Marcius-Simons, le encargó que bajara y pintara el mismo tema». ^{[ 36 ]}

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  Piedras de Venecia , entre 1902 y 1905.
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  El Carro del Sol , hacia 1909.
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  Hadas (título de la subasta), hacia 1909.
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  Catedral imponente (título de la subasta), hacia 1909.
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  Ciudad de los Sueños (título de la subasta), hacia 1909.
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  Paisaje simbolista, hacia 1909.

En algún momento de la década de 1890, Marcius-Simons se convirtió en un ferviente seguidor de Bayreuth, ^{[ 37 ]} asistiendo frecuentemente al Festival anual de Bayreuth de las óperas de Richard Wagner . ^{[ 38 ]} Ya en 1893, trabajando tanto en París como en Bayreuth, ^{[ 39 ]} comenzó una serie de pinturas inspiradas en la obra de Wagner. La primera exposición de este trabajo, The Parsifal Tone Pictures , se inauguró en 1904 en la galería Knoedler de Nueva York. El catálogo de la exposición incluía extensos ensayos sobre la concepción y la metodología del artista, incluyendo una breve sección escrita por el propio Marcius-Simons. ^{[ 40 ]}

«Durante diez años», escribió Louis Vauxcelles , «Marcius-Simons ha vivido en el corazón de la obra wagneriana. Acaba de terminar ocho cuadros que ilustran Parsifal … la precisión y la meticulosidad de la interpretación wagneriana son extraordinarias… Las únicas influencias que veo en este misterioso cuadro son los crepúsculos dorados de Claude Lorrain ; las llamas y los fuegos de Turner ; las figuras de Gustave Moreau … y el dibujo de algunos rostros evoca quizás el tipo anglosajón de los efebos de Burne-Jones . A pesar de estos ecos, Marcius-Simons es un joven maestro singular». ^{[ 37 ]}

Según se informa, Cosima Wagner aprobó las pinturas. ^{[ 41 ] [ 42 ]} Pero The New York Times las consideró "confusas y desconcertantes", diciendo: "Estas imágenes de una ópera dejan a uno indiferente". ^{[ 43 ]}

Las películas Parsifal Tone Pictures se mostraron en otras ciudades estadounidenses, incluyendo Boston, ^{[ 44 ]} Worcester, ^{[ 45 ]} y Toledo, ^{[ 46 ]} y en 1907 viajaron a Múnich. ^{[ 47 ]}

Mientras trabajaba en las pinturas de Parsifal, Marcius-Simons trabajaba simultáneamente en pinturas inspiradas en el ciclo de cuatro óperas de Wagner, El anillo del nibelungo . Aunque continuó trabajando en este proyecto hasta su muerte, en Bayreuth no se realizó ninguna exposición. Estudios y fragmentos de esta vasta obra han aparecido ocasionalmente en las décadas posteriores a su fallecimiento. ^{[ 48 ]}

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  El Grial , hacia 1904.
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  Parsifal y los Caballeros del Santo Grial , hacia 1904.
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  L'Apparition du Graal à Perceval , hacia 1904.
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  Parsifal , hacia 1904.
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  Apoteosis , hacia 1904.
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  La legende de Niebelungen, les Nornes , hacia 1909.

En marzo de 1904, Marcius-Simon, en su casa de París, se enteró de que su cuadro « Donde se encuentran la luz y la sombra» había sido adquirido por Teddy Roosevelt, entonces presidente de los Estados Unidos. En una carta fechada el 8 de marzo, Marcius-Simon escribió a Roosevelt: «Me resulta difícil expresar adecuadamente el gran placer, la ayuda en la obra de mi vida, que su aprecio por mi arte ha supuesto para mí». A continuación, en varios párrafos, expuso sus ideas sobre el arte: «Como pintor, me encuentro en el punto donde se pierde la distinción entre música y arte pictórico… Utilizando la escala cromática para producir nuevas armonías de matices y variedades de color, creo sobre la marcha, manejando mi paleta para expresar pensamientos a través del medio de los objetos pintados». Concluyó: «Tales son mis convicciones, mi lucha vital y mi objetivo, puede imaginar, señor presidente, lo que ha significado para mí la revelación de que usted conoce y aprecia desde hace tiempo mi trabajo, aunque las obras pertenecieran a amigos, y que ahora posee uno de los mejores ejemplos de mi pincelada». ^{[ 49 ]}

Roosevelt respondió en una carta fechada el 19 de marzo de 1904:

Su carta me complació e interesó mucho. La primera obra suya que vi fue *Los asientos de los poderosos* , y me impresionó tanto que desde entonces he buscado con avidez cualquier cuadro suyo del que haya oído hablar. Cuando me convertí en presidente, la Sra. Roosevelt y yo decidimos que, durante mi mandato, nos daríamos el gusto de adquirir una obra de arte estadounidense de primera clase, pues somos personas a quienes el tamaño de nuestras familias y nuestros ingresos nunca nos habían permitido hacer tal compra durante mi vida privada. Tan pronto como vimos * Cuando la luz y la sombra se encuentran *, decidimos de inmediato, sin mediar palabra, que por fin habíamos visto justo lo que queríamos… Cuando contemplo sus pinturas, siento una elevación en mi alma; siento que mi imaginación se despierta. Así que, querido Sr. Simons, creo en usted como artista y estoy orgulloso de usted como estadounidense. ^{[ 50 ]}

Marcius-Simons continuó dedicándole a la Sra. Roosevelt y regalándole su cuadro Victoria , que describió como "la rama de olivo ofrecida al mundo, pero reforzada por la espada de la justicia y el poder subyacente". Edith Roosevelt describió el cuadro en una carta a su hermana Emily Carow: "El color es realmente hermoso y la pintura siempre será interesante desde el punto de vista histórico". ^{[ 51 ]}

El cuadro «Los asientos de los poderosos» , mencionado por Roosevelt, era una pintura que había visto y admirado en la casa de su amigo Lord Arthur Hamilton Lee en Londres. ^{[ 52 ]} En 1908, Lee le regaló el cuadro a Roosevelt, quien en una carta a Lee lo describió como «la fuente de mayor deleite para mí que cualquier otro regalo que recuerde haber recibido… Tenemos otro cuadro de Simonds [sic], una pintura muy hermosa e impactante [ Donde la luz y la sombra se encuentran ], aunque para mí no es tan maravillosa como « Los asientos de los poderosos ». En una carta a Lee del año siguiente, Roosevelt escribió: «En este momento estoy sentado en la Sala Norte [en Sagamore Hill] donde, de todas las cosas que me importan —y me importan muchas—, la que más me importa es el cuadro que me regalaste». ^{[ 32 ]}

En algún momento, Roosevelt adquirió otro cuadro de Marcius-Simons, Las torres de porcelana . Los cuatro siguen expuestos en la casa de Roosevelt, ahora el Sitio Histórico Nacional de Sagamore Hill .

Tras la muerte de Marcius-Simons, Roosevelt escribió:

Muchos estadounidenses adinerados han prestado un valioso servicio al traer a este país colecciones de cuadros de los grandes maestros de la pintura. Sin embargo, todos estos hombres ricos que han traído pinturas a este país, en conjunto, no han contribuido tanto al desarrollo de la civilización como ese genio singular e imaginativo, Marcius-Simons, quien fue completamente olvidado en vida, cuyo legado ha quedado en el olvido tras su muerte, pero que sin duda será reconocido por las generaciones venideras como quizás el mayor colorista imaginativo desde Turner. ^{[ 53 ]}

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  Asientos de los poderosos , antes de 1904.
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  Donde se encuentran la luz y las sombras , de  1904.
• 
  Victoria , 1904.
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  Torres de porcelana , c.  1905-1909.

Entre sus últimas obras, creadas el año anterior a su muerte, se encontraba un libro con ilustraciones adicionales : un ejemplar de la traducción francesa de Paul Meurice de 1886 de El sueño de una noche de verano de Shakespeare, cubierto por dentro y por fuera con acuarelas pintadas por Marcius-Simons en 1908, durante su estancia en Bayreuth. Desde 1924, este objeto forma parte de la colección de la Biblioteca Folger Shakespeare en Washington, D.C., que lo exhibió en 1992 y 2001 y ha puesto todas las imágenes a disposición del público en línea. ^{[ 54 ]} La Folger describe el objeto: «El tema de las pinturas es abstracto e ilustrativo, y a menudo presenta símbolos en pasajes en lugar de acciones. Hay muchas representaciones de la luna yuxtapuestas con el sol… Gran parte de la obra retrata elementos del mundo natural y sobrenatural».

Considerando que Marcius-Simons probablemente se encontraba delicado de salud al momento de su creación, la decoración de este libro le habría proporcionado un medio accesible, incluso postrado en cama, para expresar su arte cuando no podía trabajar en los grandes lienzos de su proyecto wagneriano. No obstante, se trata de una obra ambiciosa y un logro inversamente proporcional a sus reducidas dimensiones físicas. Un crítico francés la calificó como una obra de «arte sumamente refinado y perspicacia extraordinaria… un ejemplo de opulencia suntuosa para los bibliófilos». ^{[ 55 ] [ 56 ]}

• 
  Sueño de una noche de verano , página del título, 1908.
• 
  El sueño de una noche de verano , página 1, 1908.
• 
  El sueño de una noche de verano , páginas 6-7, 1908.
• 
  El sueño de una noche de verano , páginas 28-29, 1908.
• 
  El sueño de una noche de verano , páginas 46-47, 1908.
• 
  El sueño de una noche de verano , páginas 74-75, 1908.

No se conocen retratos de Marcius-Simons; su apariencia solo se conoce a través de fuentes escritas. George William Sheldon, en 1888, lo describió como un hombre de veinticinco años que parecía "apenas mayor de dieciocho... De figura delgada, de modales nerviosos, de salud delicada, con rasgos regulares y expresión aristocrática". ^{[ 1 ]} Alexandre Hepp relató una visita en 1896: "Me recibe con una bata larga marrón ceñida con un cordón anudado, un poco como Balzac , con solo la cabeza y las manos visibles". ^{[ 11 ]} Hepp destaca su cabello grueso, negro y expertamente festoneado, sus labios finos y sus manos delgadas adornadas con anillos. Louis Vauxcelles , quien visitó al artista en 1903, describió "su rostro demacrado, sus ojos brillantes por la fiebre, su frente cansada, sus manos consumidas". ^{[ 37 ]}

Los tres escritores destacaron su preferencia por el aislamiento. Sheldon afirmó que «cuando deja el pincel, su compañero favorito es un libro». ^{[ 57 ]} Vauxcelles lo llama «un solitario» y lo compara con un monje medieval recluido en un claustro. ^{[ 37 ]} Tanto Vauxcelles como Hepp señalan su desinterés, incluso su desdén, por la fama y los seguidores que otros artistas anhelan con tanta avidez. «En la inmensidad de París», escribe Hepp, «tiene el encanto de no querer conocer a nadie, de aspirar a la aprobación de solo unos pocos». ^{[ 11 ]}

Hablando de sus hábitos de trabajo, Marcius-Simons le contó a Hepp que a veces dejaba un lienzo a un lado durante tres años y luego, al despertar una mañana, volvía a él, pintando automáticamente, como si otra mano controlara su pincel. ^{[ 11 ]}

Frente a la imagen de Marcius-Simons como un solitario frágil, aparece en una " Lista de candidatos " de 1895 para un club de ciclismo en Francia. ^{[ 58 ]} Keyzer dice que era "conocido en el mundo del arte como Pinkey". ^{[ 33 ] [ 59 ]}

El 15 de enero de 1909, Marcius-Simons fue nombrado Caballero de la Legión de Honor . ^{[ 60 ]} Su disfrute del honor fue efímero. El 17 de julio de 1909, en Bayreuth, ^{[ 3 ]} Marcius-Simons «todavía tenía el pincel en la mano, interpretando a Wagner, cuando la muerte lo sorprendió». ^{[ 34 ]} Deseaba ser enterrado en Bayreuth, junto a Franz Liszt , y «su deseo fue concedido», con «una pequeña lápida con una inscripción en francés» junto al monumento de Liszt. ^{[ 61 ] [ 62 ]}

Como artista estadounidense expatriado en Europa, Marcius-Simons se sentía como pez fuera del agua. Le escribió a Teddy Roosevelt: «En Inglaterra, mis pinturas y métodos se consideran franceses. En Francia, soy un anglosajón». Él mismo consideraba que sus obras eran «estadounidenses en su esencia, nacidas y criadas en la sangre de generaciones de antepasados, nativos de los Estados Unidos». ^{[ 49 ]} En el momento de su muerte, American Art News afirmó que era «reconocido en Estados Unidos, su patria, como el principal líder de los ideales nacionales», donde «su obra se ha vuelto familiar para todos». ^{[ 3 ]}

Sus obras posteriores, de carácter visionario, fueron comparadas repetidamente con las de Turner , a veces favorablemente (como por Teddy Roosevelt ^{[ 63 ]} ), a veces no (como por Mourey ^{[ 27 ]} ). Al menos un crítico consideró que la comparación era irrelevante.

Nuestra primera impresión de la obra de Marcius-Simons es curiosa; nos recuerda involuntariamente a Turner. Pero esta impresión es solo momentánea, pues enseguida descubrimos que la similitud reside en el tema e incluso en el colorido, pero no en el tratamiento. Al igual que Turner, es un colorista excepcional y reproduce el color mil veces más bello que el que percibe el ojo inexperto… Sin embargo, en cuanto a su carácter, son muy diferentes, y al cabo de un rato incluso nos sorprende haberlos relacionado. ^{[ 64 ]}

El mismo escritor continuó diciendo: «Como artista, no siempre ha sido comprendido… pero para la gran mayoría, un artista con pensamientos elevados siempre estará más allá de su comprensión». ^{[ 64 ]}

El autor de su obituario en Le Gaulois (posiblemente Alexandre Hepp , quien ya había defendido su obra en el periódico), esperaba que el Estado francés, que había descuidado la adquisición de su obra para museos a pesar de su condecoración con la Legión de Honor, le otorgara pronto el lugar que le correspondía a un artista que rozó lo sublime en más de una ocasión, y aguardaba una exposición póstuma que reconociera la pérdida de uno de los creadores más originales del mundo del arte. ^{[ 34 ]} Pero ninguna de estas cosas sucedió. Marcius-Simons, un solitario de toda la vida que murió joven, pronto cayó en el olvido a ambos lados del Atlántico.

• El niño Canova modelando un león con mantequilla , c. 1885, Museo de Arte Chrysler , Norfolk, Virginia.
• Las cortesanas , c. 1894, Museo de Arte de Delaware , Wilmington.
• Parsifal , hacia 1904, Museo de Arte de la Universidad La Salle , Filadelfia, Pensilvania.
• Cuatro pinturas en el Sitio Histórico Nacional de Sagamore Hill , Cove Neck, Nueva York : Asientos de los Poderosos , anterior a 1904; Donde se encuentran la luz y la sombra , 1904; Victoria , 1904; y Las Torres de Porcelana , c. 1905-1909.
• Ejemplar con ilustraciones adicionales de El sueño de una noche de verano , 1908, Biblioteca Folger Shakespeare , Washington, DC.