Preciosa Okoyomon

Tomando su título de una palabra Youraba que significa "niño rico mimado", el primer libro de poesía de Okoyomon, publicado por Bottlecap Press en 2016, explora las complejidades de su identidad como inmigrante negro queer que habita una posición de clase específica. ^{[ 14 ]} El libro, que a menudo utiliza abreviaturas de internet y de texto, frecuentemente plagia el trabajo de otros poetas y termina con un poema compuesto por capturas de pantalla de una conversación de texto, aborda los desafíos de escribir y leer poesía en la era digital. ^{[ 15 ]} El libro, que ha sido interpretado como una respuesta a Alt Lit , cita a Dana Ward , Hannah Black , Juliana Huxtable , Bhanu Kapil , Simone White y Fred Moten entre sus muchas influencias. ^{[ 16 ]}

Para la primera exposición de arte de Okoyomon, colaboraron con Hannah Black en la galería Real Fine Arts de Nueva York en una continuación de la muestra de Black de 2017, "Some Context", encargada por la galería Chisenhale de Londres, donde Black llenó el espacio de la exposición con 20.000 copias de un libro que produjeron titulado "The Situation", compuesto por entrevistas que Black realizó con amigos sobre una situación, pero donde se censuró cada mención explícita de la situación. ^{[ 17 ]} En "I Need Help", al igual que en "Some Context", muchas de las copias del libro fueron trituradas. Para la contribución de Okoyomon a la muestra, crearon una serie de muñecas compuestas de lana cruda unida con hilo. En un comunicado de prensa escrito por Okoyomon y Black, proponen que la exposición "hace alusión a una política o estética basada en los procesos subyacentes y francamente repugnantes de putrefacción y colapso que han producido la suciedad de la que todo crece. ^{[ 18 ]}

En una exposición conjunta en Quinn Harrelson / Current Projects, junto con el artista Puppies Puppies , Okoyomon presentó su primera escultura de gran formato. En la obra, que recrea los icónicos árboles de linchamiento del sur de Estados Unidos, Okoyomon colgó un grupo de animales disecados, con forma de ángeles, mediante la adición de alas de aves disecadas, de lazos de cuerda atados a las ramas de un gran árbol vivo plantado en un montículo de tierra. Al fusionar una interpretación cristiana esotérica del ángel como una criatura sin vida ni muerte, y teorías sobre la muerte social y la esclavitud en la tradición radical negra, Okoyomon construyó una obra de arte que modela una noción compleja de la vida negra, al contrastar la imposibilidad física de matar a un ángel ahorcándolo, ya que la criatura alada siempre puede volar hacia arriba para escapar de la gravedad, con la imposibilidad conceptual de vivir una vida en la que uno siempre tiene que volar solo para sobrevivir. ^{[ 19 ]} Okoyomon sugiere que "la vida negra es una mera movilización de la muerte". ^{[ 5 ]} En una entrevista con Okoyomon en la Conferencia DLD de 2019 en Múnich, Hans Ulrich Obrist calificó la exposición como "un punto culminante absoluto de 2018". ^{[ 20 ]} La obra de Okoyomon de la exposición ahora forma parte de la colección permanente del Museo Rubell . ^{[ 3 ]}

La primera exposición individual institucional de Okoyomon, presentada en el LUMA Westbau de Zúrich en colaboración con las Galerías Serpentine en 2019, comisariada por Fredi Fischli y Niels Olsen, continuó la exploración del artista sobre la historia de la intersección entre raza e ideas sobre naturaleza, luz, vida y muerte, y arquitectura. La muestra, que se basa en gestos realizados por primera vez en Making Me Blush el año anterior, presenta un bosque de esculturas de árboles de linchamiento del artista en el espacio schwarzescafé del museo , diseñado por Heimo Zobernig . En una instalación titulada "Frenzied Sun", Okoyomon creó una máquina que utiliza el sistema de aire acondicionado de la galería para hacer circular semillas de algodón y álamo por el espacio como si fuera nieve. ^{[ 2 ]} La muestra incluye la primera obra de video de Okoyomon titulada "It's Disassociating Season", que se proyectó en el espacio y se reprodujo en bucle. Con una duración de nueve minutos y medio, el vídeo monocanal muestra a un oso animado fumando un porro en el bosque mientras se reproduce una grabación del hermano del artista relatando las veces que casi le disparan durante encuentros con la policía estadounidense. En el vídeo, un sol, con el rostro caricaturesco de un niño negro, aparece y desaparece de la pantalla. La obra pretende abrir un diálogo sobre las concepciones racializadas del mal a través de la tragicomedia. En otra intervención arquitectónica, Okoyomon ha colocado esferas de resina negra y algodón sobre las luminarias existentes en el espacio. La obra alude a las Leyes de las Linternas , un código legal del siglo XVIII que obligaba a las personas negras, mestizas e indígenas a llevar linternas si caminaban por la ciudad de Nueva York después del atardecer sin la compañía de una persona blanca. El comunicado de prensa del espectáculo, siguiendo la investigación de Simone Browne , argumenta que "las Leyes de la Linterna sentaron las bases de la vigilancia moderna" y su existencia revela la larga "historia de la criminalización... de la luz, la oscuridad y el sol (que Okoyomon cree que es indiscutiblemente negro)" ^{[ 5 ]} El título de la exposición está tomado de una cita de Frantz Fanon de Piel blanca, máscaras negras , donde el filósofo político y psiquiatra clínico ofrece que las personas son "negras, no por una maldición, sino porque [su] piel ha sido capaz de capturar todos los efluvios cósmicos... una gota de sol bajo la tierra". ^{[ 5 ]} Los críticos señalaron el compromiso de la exposición de Okoyomon con la noción de la académica de estudios negros Christina Sharpe de que el anti-negro es el clima, presentada en su libro "In the Wake: On Blackness and Being." ^{[ 19 ]}

En la primera obra de Okoyomon, encargada para la serie Cos X Park Night de las Galerías Serpentine de 2019, comisariada por Claude Adjil, la artista eligió a cuatro mujeres negras para interpretar a ángeles que han caído a la tierra para iniciar el ajuste de cuentas. ^{[ 3 ]} Representada en el Pabellón de Arquitectura Junya Ishigami de la Serpentine en los Jardines de Kensington , la obra contó con vestuario creado por Fabian Kis-Juhasz y música compuesta por Yves B. Golden. ^{[ 3 ]}

Comisariada por Susanne Pfeffer en el MMK de Frankfurt, Earthseed es la primera exposición individual institucional de Okoyomon en Alemania y su muestra más grande hasta la fecha. El título de la exposición es el nombre de una religión ficticia en los libros de Octavia E. Butler, Parable of the Sower y Parable of the Talents , que propone que "la semilla de la Tierra puede trasplantarse a cualquier lugar y, mediante la adaptación, sobrevivirá". Al igual que la religión imaginaria, la exposición de Okoyomon concibe una "teología de la mutación, el flujo y el movimiento". En una pieza titulada "la resistencia es una condición atmosférica", Okoyomon llenó el espacio de la galería con la enredadera japonesa Kudzu . En respuesta a la historia del edificio de la galería como oficina de pasaportes, Okoyomon utilizó la planta invasora como obra de arte para comentar ideas sobre inmigración, invasión, raza y lo que se permite considerar natural. ^{[ 21 ]} El comunicado de prensa del programa relata cómo el kudzu se importó por primera vez al sur de Estados Unidos en 1876 con la intención de que, al plantarse, sus raíces fortalecieran el suelo del ecosistema, que, como resultado del cultivo excesivo de algodón por parte de los esclavos durante ese período, estaba amenazado por una erosión generalizada . Si bien la enredadera, en algunos aspectos, cumplió su propósito previsto y sigue siendo incluso hoy un baluarte fundamental y necesario contra la disolución del suelo de la región, la velocidad a la que la enredadera pudo crecer, una vez retirada de su plantación original y de sus depredadores naturales, le permitió consumir enormes extensiones de tierra, lo que le valió el nombre de "la enredadera que se comió el sur". Pronto, el cultivo o la plantación de kudzu se convirtió en un delito en muchos estados. Okoyomon sugiere que, a pesar de que la historia específica de la enredadera como remedio fallido para el impacto monumental que la esclavitud tuvo en el sistema ecológico del sur de Estados Unidos ha sido en gran parte olvidada, el kudzu podría servir como metáfora de la negritud misma, que, al igual que la planta, se volvió monstruosa al ser extraída de su hogar en África y llevada a los Estados Unidos, donde funcionó simultáneamente como indispensable e irreconciliable con la civilización occidental. La muestra también incluye seis esculturas de gran tamaño, hechas de lana cruda, inspiradas en las muñecas que Okoyomon exhibió por primera vez en su primera exposición colaborativa, "I Need Help", con Hannah Black . ^{[ 4 ] [ 22 ]} Hannah Black escribió un ensayo para el folleto que acompaña a la exposición. ^{[ 23 ]}

En su reseña de la exposición para el Frankfurter Allgemeine Zeitung , Stefan Trinks escribe que se trata de una de esas exposiciones que, a pesar de su riqueza metabólica, genera claridad. Trinks sugiere que la identidad particular de Okoyomon como inmigrante africana en Estados Unidos podría ser clave para comprender la compleja pero lúcida visión de la negritud global que ofrece la exposición, así como los sentimientos de alienación y desarraigo que conlleva su exploración. ^{[ 22 ]}

En 2018, Okoyomon, Bobbi Salvör Menuez y Quori Theodor formaron Spiral Theory Test Kitchen. En 2019, Rachel Hahn publicó un perfil de "el colectivo de cocina queer colaborativo autodenominado" y los platos experimentales que crean, para la revista Vogue , calificando sus comidas de "alteradoras de la mente". ^{[ 1 ]} Otros críticos han señalado la influencia del BDSM , las teorías del entrelazamiento cuántico, la erudición de Donna Haraway , la experiencia queer, la poesía del lenguaje y la crianza nigeriana de Okoyomon en la cocina psicosexual del grupo. ^{[ 24 ]} En un artículo publicado por Eater, se cita a la actriz Indya Moore después de comer una cena preparada por el colectivo diciendo que "esta es la comida más queer , trans y no conforme con el género que he probado en toda mi vida", y bromeando "si comes esta comida, deconstruirá tu masculinidad tóxica ". ^{[ 25 ]} Para el desfile de otoño/invierno 2020 del diseñador de moda Telfar en Pitti Uomo de Florencia , las modelos desfilaron por una pasarela circular que también servía como mesa de comedor para una comida preparada y concebida por Spiral Theory Test Kitchen. ^{[ 25 ]}

El segundo libro de Okoyomon, "¿Pero moriste?", fue publicado por Wonder Press en 2024. En una reseña anticipada del libro escrita por Eileen Myles , escribe: "Precious es todo tipo de artista, pero solo podría ser poeta. Su 'también' irrumpe en todos los mundos, su obra es puro manifiesto, se detiene a reír, es obscena y bonita, hermosa, cataclísmica y justa. Es alimento. Es impaciente y completamente a su propio ritmo, y creo que toca el nuestro, el de todos los demás, al estilo de Jimi Hendrix, quemando la tierra. No, es posterior a él. La tierra está quemada. Empieza por ahí". ^{[ 26 ]}

La obra de Okoyomon, «Todo quiere matarte y deberías tener miedo», muestra que la naturaleza puede ser apacible, pero a veces peligrosa. Esta obra consiste en varios juguetes y muñecos colgantes que han sido desmontados y reconstruidos, con un par de alas de pájaro disecadas en cada uno. ^{[ 27 ] [ 28 ]}