Rashid Johnson

Como estudiante de tercer año de universidad, inauguró su primera exposición en la Galería Schneider. ^{[ 12 ]} Para el año 2000, se había ganado una reputación por su singular proceso de impresión fotográfica y su contenido político. ^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ] [ 1 ] [ 4 ] [ 19 ]} Se le atribuye a la exposición Freestyle en el Studio Museum en 2001 el lanzamiento de la carrera de Johnson. Se le atribuye a la curadora de la exposición, Thelma Golden, la creación del término "arte posnegro" en relación con esa exposición, aunque algunos sugieren que el término se debe al libro de 1995 The End of Blackness de Debra Dickerson , quien es una de las favoritas de Johnson. ^{[ 15 ]} El término posnegro ahora se refiere al arte en el que la raza y el racismo son prominentes, pero donde la importancia de la interacción de ambos se reduce. ^{[ 20 ]}

La exposición más controvertida de Johnson se tituló « Huesos de pollo y semillas de sandía: La experiencia afroamericana como arte abstracto» . El tema consistía en una serie de elementos estereotípicos de la cultura gastronómica afroamericana, como semillas de sandía , guisantes de ojo negro , huesos de pollo y semillas de algodón , colocados directamente sobre papel fotográfico y expuestos a la luz mediante un proceso reactivo con hierro. ^{[ 21 ]}

En 2002, expuso en el Museo Sunrise de Charleston, Virginia Occidental . La exposición, titulada «Documentos de Manumisión », recibió su nombre de los documentos que los esclavos liberados debían conservar para demostrar su libertad. La exposición fue descrita como un comentario cultural además de una muestra de imágenes, y guardaba relación con la anterior exposición «Huesos de Pollo». En ella, dispuso geométricamente abstracciones de pies, manos y codos en formas como cubos, vidrieras y barcos. Esto se consideró un estudio sobre la identidad racial, ya que las partes del cuerpo no eran identificables. ^{[ 21 ]} También en 2002, Johnson presentó su obra fotográfica realizada con huesos de pollo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , como parte de la serie UBS 12 x 12: Nuevos Artistas, Nueva Obra . ^{[ 22 ]}

En 2002 exhibió su obra sobre hombres sin hogar en la Galería Diggs de la Universidad Estatal de Winston-Salem . La exposición se tituló Seeing in the Dark y utilizó sujetos parcialmente iluminados sobre fondos de un negro intenso. ^{[ 23 ]} También exhibió su obra sobre hombres sin hogar, incluyendo George (1999), en Atlanta, Georgia, como parte del Festival Nacional de Artes Negras en City Gallery East en julio y agosto de 2002. ^{[ 24 ]} George formó parte de la exposición Common Ground: Discovering Community in 150 Years of Art, Selections From the Collection of Julia J. Norrell de la Galería de Arte Corcoran, de noviembre de 2004 a enero de 2005. [ ^{25 ] George} y la exposición Common Ground aparecieron en varios otros lugares, incluyendo el Museo de Arte de Carolina del Norte en 2006. ^{[ 26 ]}

Participó en la rotación del Programa de Estudios Abiertos para Artistas del Departamento de Asuntos Culturales de Chicago en el Edificio Page Brothers, declarado Monumento Histórico de Chicago y perteneciente al Registro Nacional de Lugares Históricos, durante el verano de 2003, con una exposición de tres semanas. Exploró la "naturaleza histórica y contemporánea de la fotografía". ^{[ 27 ]} En ese momento, estaba representado por George N'Namdi, propietario de GR N'Namdi, la galería comercial de exposiciones más antigua del país propiedad de un afroamericano. ^{[ 28 ] [ 29 ]}

En colaboración con la Renaissance Society de la Universidad de Chicago , Rashid Johnson presentó en diciembre de 2004 la exposición «La evolución del atuendo político negro» . Exhibió réplicas de tres atuendos usados ​​por políticos afroamericanos: un dashiki de finales de la década de 1960, usado por Jesse Jackson ; un traje deportivo de la década de 1980, usado por Al Sharpton; y un traje de negocios, usado por el entonces senador electo de los Estados Unidos , Barack Obama . La exposición, que invitaba a la observación, probablemente suscitaría tanto reacciones humorísticas ante el dashiki de Jackson como comentarios críticos sobre la presentación de la vestimenta política. ^{[ 30 ]}

Johnson exploró el tema del escapismo en el Museo de Arte Contemporáneo de Indianápolis en una exposición titulada La producción del escapismo: un proyecto individual de Rashid Johnson . Abordó la distracción y el alivio de la realidad a través del arte y la fantasía. Johnson utilizó fotografías, videos e instalaciones específicas para el lugar para estudiar las tendencias escapistas, a menudo con un sentido del humor que rozaba lo absurdo. ^{[ 31 ]}

La exposición del profesor fallecido

Arriba: El Club Social y Atlético Escapista del Nuevo Negro (Emmett) , desconocido; Abajo: El Club Social y Atlético Escapista del Nuevo Negro (Thurgood) , 2008

Durante el verano de 2005, participó en una exposición del programa de intercambio artístico del Centro Cultural de Chicago que presentaba a cinco artistas contemporáneos emergentes de Chicago y cinco de Kaohsiung , Taiwán . La mitad de los diez eran mujeres (cuatro de Taiwán). Como parte de la exposición Crossings , casi todos los artistas tuvieron su primera oportunidad de exponer en el país de los demás. En este foro, el crítico de arte del Chicago Tribune, Alan G. Artner, dijo que la selección de audio de Johnson impuso su arte sobre todas las demás exhibiciones, ya que eligió una canción de rap combinada con un video explícito. ^{[ 32 ] [ 33 ]} Artner se convirtió en un detractor de Johnson en 2005 cuando Johnson presentó esta y otra exposición simultánea en Chicago. Describió la exploración de Johnson de la política racial como "eslóganes o autopromoción cursi" en sus obras bidimensionales, y sus instalaciones tridimensionales apolíticas como representaciones "superficiales y superficiales". Clasificó el trabajo de Johnson como más adecuado para el público que no busca más que cultura pop estadounidense . ^{[ 34 ]} Artner también ridiculizó la breve contribución en video de Johnson a la exposición Fool's Paradise del Instituto de Arte de Chicago como una "fusión de canto gospel con beatboxing ... que no dice nada que valga la pena decir sobre la raza". ^{[ 35 ]} Otros críticos de Chicago describen el trabajo posterior de Johnson como relativamente moderno. ^{[ 36 ]}

Al año siguiente, tras obtener su maestría, se mudó al Lower East Side de la ciudad de Nueva York, ^{[ 11 ]} donde impartió clases en el Instituto Pratt . ^{[ 37 ]} Aunque generalmente se le conoce como fotógrafo y a veces como escultor, en ciertos contextos se le ha llamado artista-mago. ^{[ 38 ]}

En una exposición colectiva de 2006 titulada Scarecrow , Johnson exhibió un autorretrato fotográfico desnudo de tamaño natural que pretendía ser amenazante y agresivo, pero que fue percibido como interesante y divertido. ^{[ 39 ]} Su obra de verano de 2007, "Stay Black and Die", en la exposición The Color Line en la galería Jack Shainman, dejó a un crítico de arte de The New York Times preguntándose si estaba viendo una advertencia o una exhortación. ^{[ 40 ]} Sin embargo, al mismo tiempo participó en la exposición For Love of the Game: Race and Sport in America del Museo de Arte Wadsworth Atheneum , que parecía abordar claramente las maneras en que se han planteado y respondido las preguntas sobre la raza en los campos de juego deportivos estadounidenses. ^{[ 41 ]}

Como artista posnegro, su obra de técnica mixta, como su exposición de primavera de 2008, The Dead Lectured , juega con la raza a la vez que disminuye su significado mediante el juego de contradicciones, referencias codificadas y alusiones (por ejemplo, The New Negro Escapist Social and Athletic Club (Emmett) , derecha). ^{[ 42 ]} La exposición fue descrita como "una sociedad secreta ficticia de intelectuales afroamericanos, una mezcla entre Mensa y los masones " que suponía un desafío para condenar o respaldar. ^{[ 43 ]}

En noviembre de 2011, Johnson fue nombrada una de las seis finalistas del Premio Hugo Boss . ^{[ 44 ] [ 45 ]} En 2012, la megagalería Hauser & Wirth anunció su primera exposición individual con Johnson en su sede del Upper East Side en Nueva York. ^{[ 46 ]}

En abril de 2012, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago presentó la primera gran exposición individual de Johnson en un museo de EE. UU., titulada Message to Our Folks . ^{[ 47 ]} La curadora asociada Pamela Alper del MCA, Julie Rodrigues Widholm, comisarió la exposición en estrecha colaboración con el artista. La exposición fue una retrospectiva de los diez años anteriores de la obra del artista. Además, se mostró por primera vez una nueva obra encargada por el MCA. ^{[ 48 ]} Posteriormente, la exposición viajó al Museo de Arte Mildred Lane Kemper en San Luis y al High Museum of Art en Atlanta. El Museo de Arte Pérez de Miami adquirió la pieza bidimensional Tribe , producida justo después de la inauguración de la exposición en el MCA, en 2013. ^{[ 49 ]}

En 2013, Johnson fue uno de los artistas comisionados para la Bienal Performa .

En 2021, la Metropolitan Opera de Nueva York presentó The Broken Nine, un mosaico de dos paneles, cerámica y madera estampada, obra de Johnson encargada para los rellanos del gran atril interior de la ópera. ^{[ 50 ]} Ese mismo año, las obras de Johnson se incorporaron a las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno y del Museo Metropolitano de Arte . También comenzó a formar parte de las juntas directivas de Performa, Ballroom Marfa y el Museo Guggenheim .

En 2022, la pintura "Sunshine" (2022) de Johnson, perteneciente a la serie Surrender Painting, se vendió por 3 millones de dólares, un récord para el artista en subasta. ^{[ 51 ]}

En la subasta de arte de posguerra y contemporáneo de Bonhams en Londres en junio de 2022, la obra de Johnson, " Carver" (2012), realizada en cera y esmalte en aerosol, se vendió por 264.900 libras esterlinas. ^{[ 52 ]}

A lo largo de la última parte de la década de 2010, Johnson abordó la idea de la salud mental en varias series de obras, a saber, Anxious Men and Anxious Audiences y Broken Men . ^{[ 53 ]}

El 9 de abril de 2026, la Fundación Obama anunció que había encargado a Johnson la creación de una obra para el Centro Presidencial Obama . La obra de Johnson, titulada Broken Men, es un mosaico a gran escala que forma parte de su serie homónima en curso. ^{[ 54 ]}

Johnson hizo su debut como director con Native Son , una adaptación cinematográfica de la aclamada novela homónima de Richard Wright de 1940. En 2018 se anunció que Johnson había elegido a la dramaturga Suzan Lori-Parks para adaptar la novela a un guion, ^{[ 55 ] [ 56 ]} y que Ashton Sanders interpretaría el papel principal de Bigger Thomas. ^{[ 57 ]} La película fue producida por A24 y se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2019. HBO Films adquirió la película horas antes de su estreno. ^{[ 58 ]} La recepción de la crítica fue mixta. Richard Roeper le dio una calificación de 3/4 estrellas y destacó las actuaciones "eléctricas" de los actores. ^{[ 59 ]} Troy Patterson escribió en The New Yorker que la película adolecía de un "abordaje inteligente de un texto clásico" que, en última instancia, resulta "obsoleto". ^{[ 60 ]} Jennifer Vineyard escribió en el New York Times que la película "no es una obra maestra" pero "tiene mucho que admirar", citando sus "impactantes composiciones visuales", su "atmósfera tensa" y la "interpretación matizada de Sanders". ^{[ 61 ]} El sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes le da a la película una puntuación del 61%, basada en las reseñas de 51 críticos, y una calificación promedio de 6.10/10, con el consenso general expresado de la siguiente manera: " Native SonLas dificultades de la película con su problemático material de origen son desiguales pero en general convincentes, gracias en gran parte al trabajo sereno de Ashton Sanders en el papel principal." ^{[ 62 ]} Johnson ganó el premio a "Mejor dirección en una película (televisión)" en los 51st NAACP Image Awards por su trabajo en Native Son. ^{[ 63 ]}