Recitative

Recitative (/ˌrɛsɪtəˈtiːv/, also known by its Italian name recitativo ([retʃitaˈtiːvo]), is a style of delivery (much used in operas, oratorios, and cantatas) in which a singer is allowed to adopt the rhythms and delivery of ordinary speech. Recitative does not repeat lines as formally composed songs do. It resembles sung ordinary speech more than a formal musical composition.

Recitative can be distinguished on a continuum from more speech-like to more musically sung, with more sustained melodic lines. The mostly syllabic recitativo secco^[A] ("dry", accompanied only by continuo, typically cello and harpsichord) is at one end of the spectrum, through recitativo accompagnato (using orchestra), the more melismaticarioso, and finally the full-blown aria or ensemble, where the pulse is entirely governed by the music. Secco recitatives can be more improvisatory and free for the singer, since the accompaniment is so sparse; in contrast, when recitative is accompanied by orchestra, the singer must perform in a more structured way.

The term recitative (or occasionally liturgical recitative) is also applied to the simpler formulas of Gregorian chant, such as the tones used for the epistle, gospel, preface and collects; see accentus.

El primer uso del recitativo en la ópera fue precedido por las monodias de la Camerata Florentina en la que Vincenzo Galilei , padre del astrónomo Galileo Galilei , desempeñó un papel importante. El anciano Galilei, influenciado por su correspondencia con Girolamo Mei sobre los escritos de los antiguos griegos y con Erycius Puteanus sobre los escritos de Hucbald ^{[ 1 ]} y deseando recrear la antigua manera de contar historias y dramas, fue pionero en el uso de una sola línea melódica para contar la historia, acompañada por acordes simples de un clavecín o laúd.

En la época barroca , los recitativos solían ser ensayados por el director de escena, y los cantantes a menudo aportaban sus arias favoritas , que podían ser de otro compositor (algunas de las llamadas arias de concierto de Mozart entran en esta categoría). Esta división del trabajo persistió hasta el siglo XIX: La Cenerentola de Rossini (1817, recitativos de Luca Agolini ^{[ 2 ]} ) es un ejemplo famoso. Más tarde, siguió siendo costumbre reemplazar el diálogo hablado originalmente con nuevos recitativos: Der Freischütz de Carl Maria von Weber (1821, adaptado en 1841 con recitativos de Hector Berlioz para la Ópera de París), Carmen de Georges Bizet (1875, recitativos de Ernest Guiraud para la temporada póstuma en Viena ese mismo año), Mireille y La colombe de Charles Gounod (puestas en escena por Sergei Diaghilev con recitativos de Eric Satie y Francis Poulenc respectivamente ^{[ 3 ]} ).

Los recitativos secos , popularizados en Florencia a través de los dramas musicales proto-óperales de Jacopo Peri y Giulio Caccini a finales del siglo XVI, constituyeron la esencia de las óperas de Claudio Monteverdi durante el siglo XVII y continuaron utilizándose en la época romántica del siglo XIX por compositores como Gaetano Donizetti , reapareciendo en * El progreso del libertino* de Stravinsky . También influyeron en otros ámbitos musicales fuera de la ópera.

En las primeras óperas y cantatas de la escuela florentina, los recitativos secos iban acompañados de diversos instrumentos, principalmente de cuerda pulsada, como el chitarrone , a menudo con un órgano de tubos para proporcionar un tono sostenido. Más tarde, en las óperas de Vivaldi y Handel , el acompañamiento se estandarizó con un clavecín y una viola de gamba o violonchelo . Cuando el clavecín fue desapareciendo gradualmente a finales del siglo XVIII y prácticamente desapareció a principios del siglo XIX, muchos teatros de ópera no lo sustituyeron por el fortepiano , un teclado de cuerdas percutidas inventado en 1700.

En cambio, el violonchelo se dejaba solo, o con el apoyo de un contrabajo . Una grabación de 1919 de El barbero de Sevilla de Rossini , publicada por La voce del padrone , ofrece una visión única de esta técnica en acción, al igual que los métodos de violonchelo de la época y algunas partituras de Meyerbeer . Hay ejemplos del resurgimiento del clavecín para este propósito ya en la década de 1890 (por ejemplo, por Hans Richter para una producción de Don Giovanni de Mozart en la Royal Opera House de Londres , instrumento proporcionado por Arnold Dolmetsch ), pero no fue hasta la década de 1950 que el método del siglo XVIII se observó de nuevo de forma sistemática. En la década de 2010, el movimiento de resurgimiento de la música antigua ha llevado a la reintroducción del clavecín en algunas interpretaciones barrocas .

El recitativo acompañado, conocido como accompagnato , obbligato o stromentato , emplea a la orquesta como cuerpo acompañante. El compositor escribe un arreglo para los músicos de la orquesta. Como resultado, es menos improvisado y declamatorio que el recitativo secco , y más parecido a una canción . Esta forma se emplea a menudo cuando la orquesta puede enfatizar un texto particularmente dramático, como en " Así dice el Señor " del Mesías de Händel ; Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart también eran aficionados a ella. Una intensificación más introspectiva requiere un arioso ; el inicio de " Consoladme " de la misma obra es un ejemplo famoso, mientras que el final ("La voz de aquel que clama en el desierto") es secco .

A veces se hace una distinción entre el «recitativo orquestal» ( recitativo obbligato o stromentato ), más dramático, expresivo o interjectivo, y el «recitativo acompañado» ( recitativo accompagnato ) , más pasivo y sostenido . ^{[ 4 ]}

Las óperas posteriores, bajo la influencia de Richard Wagner , favorecieron la composición continua , donde recitativos, arias, coros y otros elementos se entrelazaban armoniosamente en un todo. Muchas de las óperas de Wagner emplean secciones análogas a los recitativos acompañados.

El recitativo también se utiliza ocasionalmente en musicales , como se ve en el final de La ópera de tres centavos de Kurt Weill , donde se emplea con ironía . También aparece en Carousel y Of Thee I Sing .

George Gershwin la utilizó en su ópera Porgy and Bess , aunque en ocasiones el recitativo de dicha obra se sustituye por diálogo hablado. Porgy and Bess también se ha representado como musical en lugar de como ópera.

El término recitativo también se ha utilizado a veces para referirse a partes de obras puramente instrumentales que se asemejan a recitativos vocales en cuanto a su estilo musical. En un recitativo instrumental, un instrumento (o grupo de instrumentos) interpreta la melodía (similar al papel del cantante) y otro instrumento (o grupo de instrumentos) realiza el acompañamiento. Uno de los primeros ejemplos se encuentra en el movimiento lento del concierto para violín en re mayor, RV 208 , de Vivaldi , que está marcado como «Recitativo». C.P.E. Bach incluyó recitativos instrumentales en sus sonatas para piano «prusianas» de 1742, compuestas en la corte de Federico el Grande en Berlín. En 1761, Joseph Haydn asumió su cargo en el Palacio Esterházy y poco después compuso su Sinfonía n.º 7 («Le Midi») en estilo concertante (es decir, con solistas). En el segundo movimiento de esta obra, el violinista es el solista en un recitativo instrumental.

Ludwig van Beethoven empleó el recitativo instrumental en al menos tres obras, entre ellas la Sonata para piano n.º 17 ( La tempestad ), la Sonata para piano n.º 31 y en la sección inicial del final de su Novena Sinfonía . En esta última, Beethoven escribió en la partitura (en francés): «A la manera de un recitativo, pero a tempo ». Leon Plantinga sostiene que el segundo movimiento del Cuarto Concierto para piano de Beethoven también es un recitativo instrumental, ^{[ 5 ]} aunque Owen Jander lo interpreta como un diálogo. ^{[ 6 ]}

Otros compositores de la época romántica que emplearon el recitativo instrumental incluyen a Nikolai Rimsky-Korsakov (quien compuso un recitativo lírico y virtuoso para violín solo con acompañamiento de arpa para representar al personaje principal en su Scheherazade orquestal ) y Hector Berlioz (cuya sinfonía coral Roméo et Juliette contiene un recitativo de trombón como parte de su introducción).

Arnold Schoenberg tituló la última de sus Cinco piezas para orquesta , Op. 16, como " Das obligate Rezitativ ", y también compuso una pieza para órgano , Variaciones sobre un recitativo , Op. 40. Otros ejemplos de recitativo instrumental en la música del siglo XX incluyen el tercer movimiento del Quinteto para clarinete y cuerdas de Douglas Moore (1946), el primero de los Cinco impromptus para guitarra de Richard Rodney Bennett (1968), la sección inicial del último movimiento del Cuarteto de cuerdas n.° 3 de Benjamin Britten (1975) y el segundo de los 12 nuevos estudios para piano de William Bolcom (1977-1986).

Existen ciertas convenciones o tropos que estandarizan el recitativo; de modo que, en la práctica, el recitativo es una forma musical rígida. Los siguientes son tropos estándar del recitativo:

• El recitativo es un diálogo entre una voz (generalmente solista) y uno o varios instrumentos. Normalmente, la voz y el/los instrumento(s) se alternan o comparten un acorde mientras uno continúa tocando. De esta forma, el ritmo del cantante, similar al del habla, no necesita estar coordinado ni sincronizado con el/los instrumento(s).
• Cadencias recitativas: El diálogo finaliza con los instrumentos. Invariablemente, el o los instrumentos completan la cadencia dominante-tónica final. Además, la voz suele detenerse en el acorde dominante o antes de él, y luego el o los instrumentos regresan a la tónica. Ocasionalmente, se utiliza la cadencia subdominante-tónica ( plagal ).
• Progresiones de acordes recitativas: Las progresiones de acordes en el recitativo evitan las resoluciones y se basan en gran medida en séptimas dominantes y acordes disminuidos para posponer la resolución. En casos extremos, el o los instrumentos inician el diálogo con un acorde disminuido, pasando de una no resolución a otra, hasta llegar a una cadencia temporal o final, como se describió anteriormente.
• Violaciones de tropos: la transición entre recitativo y aria, y las sutiles violaciones de los 'tropos' mencionados anteriormente son lo que hace que algunos recitativos sean más creativos que otros. Por ejemplo, el uso que hace Bach de una cadencia plagal; a veces se utiliza más de una voz [La Creación de Haydn, 31 ]; y a veces una cadencia engañosa reemplaza la cadencia dominante-tónica, como una forma de agregar una nueva sección.

• Melodrama o discurso acompañado
• Sprechgesang 'canto hablado', con ritmos y tonos aproximados notados musicalmente.
• " Recitatif ", cuento de Toni Morrison con formato de recitativo.
• Palabra hablada

Notas

Citas

Bibliografía

• Gossett, Philip (2006), Divas and Scholars: Performing Italian Opera , Chicago: University of Chicago Press. ISBN 9780226304885
• Hope, Robert C. (1894), Música medieval: un esbozo histórico , Elliott Stock, 1894; Pranava Books, 2013. ISBN 978-1-40868-650-8
• Jander, Owen (1985), "'Orfeo en el Hades' de Beethoven: El Andante con moto del Cuarto Concierto para Piano", en Música del Siglo XIX , Vol. 8, No. 3 (Primavera de 1985)
• Plantinga, Leon (1999), Los conciertos de Beethoven: historia, estilo e interpretación , Nueva York: WW Norton & Company, Inc. ISBN 0-393-04691-5

• Hirt, Aindrias (Andy), "La conexión entre los cantos fenianos, el canto litúrgico, el recitativo y el Dán Díreach: una tradición de canción narrativa premedieval" en otago.academia.edu