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Sinfonía coral

Hector Berlioz fue el primero en utilizar el término "sinfonía coral" para una composición musical: su obra Roméo et Juliette . Una sinfonía coral es una composición musical par...

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Un hombre de aspecto distinguido, de unos cuarenta años, con cabello de longitud media, nariz aguileña y cuello alto formal de la época de alrededor de 1850.
Hector Berlioz fue el primero en utilizar el término "sinfonía coral" para una composición musical: su obra Roméo et Juliette .

Una sinfonía coral es una composición musical para orquesta , coro y, a veces, solistas vocales que, en su funcionamiento interno y arquitectura musical general, se adhiere ampliamente a la forma musical sinfónica . [ 1 ] El término "sinfonía coral" en este contexto fue acuñado por Hector Berlioz cuando describió su Roméo et Juliette como tal en la introducción de cinco párrafos a esa obra. [ 2 ] El antecedente directo de la sinfonía coral es la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven . La Novena de Beethoven incorpora parte de la oda An die Freude (" Oda a la alegría "), un poema de Friedrich Schiller , con texto cantado por solistas y coro en el último movimiento. Es el primer ejemplo del uso de la voz humana al mismo nivel que los instrumentos en una sinfonía por parte de un compositor importante. [ a ]

Algunos compositores del siglo XIX, en particular Felix Mendelssohn y Franz Liszt , siguieron los pasos de Beethoven al componer obras sinfónicas corales. Obras destacadas del género fueron compuestas en el siglo XX por Gustav Mahler , Igor Stravinsky , Ralph Vaughan Williams , Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich , entre otros. Los últimos años del siglo XX y el comienzo del siglo XXI han visto varias obras nuevas en este género, entre ellas composiciones de Mikis Theodorakis , Peter Maxwell Davies , Tan Dun , Philip Glass , Hans Werner Henze , Krzysztof Penderecki , William Bolcom y Robert Strassburg . [ 4 ]

El término «sinfonía coral» indica la intención del compositor de que la obra sea sinfónica, incluso con su fusión de elementos narrativos o dramáticos que surge de la inclusión de palabras. Con este fin, las palabras a menudo se tratan sinfónicamente para lograr fines no narrativos, mediante el uso de la repetición frecuente de palabras y frases importantes, y la transposición, reordenación u omisión de pasajes del texto establecido. El texto a menudo determina el esquema sinfónico básico, mientras que el papel de la orquesta en la transmisión de las ideas musicales es de importancia similar al del coro y los solistas. [ 5 ] Aun con un énfasis sinfónico, una sinfonía coral a menudo está influenciada en la forma y el contenido musical por una narrativa externa, incluso en partes donde no hay canto.

Historia

Un hombre con el pelo largo y gris sosteniendo una pluma y un papel de partituras.
Ludwig van Beethoven redefinió el género sinfónico al introducir palabras y voces en su Novena Sinfonía . [ 6 ]

La sinfonía se había consolidado a finales del siglo XVIII como el género instrumental más prestigioso. [ 7 ] Si bien el género se desarrolló con considerable intensidad a lo largo de ese siglo y apareció en una amplia variedad de ocasiones, generalmente se utilizaba como obra de apertura o cierre; entre medias se intercalaban obras que incluían solistas vocales e instrumentales. [ 8 ] Debido a su falta de texto escrito que sirviera de guía, se la consideraba un vehículo de entretenimiento más que de expresión de ideas sociales, morales o intelectuales. [ 7 ] A medida que la sinfonía creció en tamaño e importancia artística, gracias en parte a los esfuerzos de Haydn , Mozart , Beethoven y Schubert , también adquirió mayor prestigio. [ 8 ] Simultáneamente, se produjo un cambio de actitud hacia la música instrumental en general, y la falta de texto, antes vista como una desventaja, pasó a considerarse una virtud. [ 7 ]

En 1824, Beethoven redefinió el género sinfónico en su Novena al introducir texto y voz en un género previamente instrumental. Esto desató un debate sobre el futuro de la sinfonía misma. [ 6 ] Según Richard Wagner , el uso de palabras por parte de Beethoven había demostrado "los límites de la música puramente instrumental" y marcado "el fin de la sinfonía como género vital". [ 9 ] Otros no estaban seguros de cómo proceder: si emular la Novena componiendo sinfonías con finales corales o desarrollar el género sinfónico de manera puramente instrumental. [ 6 ] Finalmente, escribe el musicólogo Mark Evan Bonds, la sinfonía fue vista "como un drama cósmico que lo abarcaba todo y que trascendía el reino del sonido". [ 10 ]

Algunos compositores emularon y ampliaron el modelo de Beethoven. Berlioz mostró en su sinfonía coral Roméo et Juliette un enfoque novedoso de la naturaleza épica de la sinfonía al usar voces para fusionar música y narrativa, pero reservando momentos cruciales de esa narrativa para la orquesta sola. [ 6 ] Al hacerlo, escribe Bonds, Berlioz ilustra para compositores posteriores "nuevos enfoques para abordar lo metafísico en el ámbito de la sinfonía". [ 6 ] Mendelssohn escribió su Lobgesang como una obra para coro, solistas y orquesta. Denominando la obra "sinfonía- cantata ", amplió el final coral a nueve movimientos al incluir secciones para solistas vocales, recitativos y secciones para coro; esto hizo que la parte vocal fuera más larga que las tres secciones puramente orquestales que la precedían. [ 11 ] Liszt escribió dos sinfonías corales, siguiendo en estas formas de múltiples movimientos las mismas prácticas compositivas y objetivos programáticos que había establecido en sus poemas sinfónicos . [ 10 ]

Después de Liszt, Mahler asumió el legado de Beethoven en sus primeras sinfonías, en lo que Bonds denomina "su afán por un final utópico". Con este fin, Mahler empleó un coro y solistas en el final de su Segunda Sinfonía , la "Resurrección". En su Tercera , escribió un final puramente instrumental tras dos movimientos vocales, y en su Cuarta un final vocal es cantado por una soprano solista . [ 12 ] Tras componer sus Sinfonías Quinta , Sexta y Séptima como obras puramente instrumentales, Mahler volvió a la línea de la "ceremonia sinfónica festiva" en su Octava Sinfonía , que integra texto a lo largo de toda la obra. [ 13 ] Después de Mahler, la sinfonía coral se convirtió en un género más común, experimentando varios giros compositivos en el proceso. Algunos compositores, como Britten, Rachmaninoff, Shostakovich y Vaughan Williams, siguieron estrictamente la forma sinfónica. [ 14 ] [ 15 ] [ 16 ] [ 17 ] Otros, como Havergal Brian , Alfred Schnittke y Karol Szymanowski , optaron por expandir la forma sinfónica o utilizar estructuras sinfónicas completamente diferentes. [ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]

A lo largo de la historia de la sinfonía coral, se han compuesto obras para ocasiones especiales. Una de las primeras fue el Lobgesang de Mendelssohn , encargado por la ciudad de Leipzig en 1840 para celebrar el 400 aniversario de la invención de la imprenta de tipos móviles por Johannes Gutenberg . [ 11 ] Más de un siglo después, la Segunda Sinfonía de Henryk Górecki , subtitulada "Copernicana", fue encargada en 1973 por la Fundación Kosciuszko en Nueva York para celebrar el 500 aniversario del astrónomo Nicolás Copérnico . [ 21 ] Entre estas dos obras, en 1930, el director Serge Koussevitzky le pidió a Stravinsky que escribiera la Sinfonía de los Salmos para el 50 aniversario de la Orquesta Sinfónica de Boston [ 22 ] y, en 1946, el compositor Henry Barraud , entonces director de Radiodiffusion Française , encargó a Darius Milhaud que escribiera su Tercera Sinfonía , subtitulada "Te Deum", para conmemorar el fin de la Segunda Guerra Mundial . [ 23 ] [ 24 ]

En los últimos años del siglo XX y los primeros del XXI, se compusieron más sinfonías corales de este tipo. La Sinfonía n.º 4 de Mikis Theodorakis : Odas corales fue compuesta para el 150.º aniversario de la Universidad de Atenas . La Séptima Sinfonía de Krzysztof Penderecki fue compuesta para el tercer milenio de la ciudad de Jerusalén . [ 25 ] La Sinfonía 1997 de Tan Dun : Cielo, Tierra, Humanidad conmemoró la transferencia de soberanía de Hong Kong a la República Popular China ese año . [ 26 ] La Quinta Sinfonía de Philip Glass fue una de las varias piezas encargadas para celebrar el comienzo del siglo XXI. [ 27 ]

Características generales

Al igual que un oratorio o una ópera , una sinfonía coral es una obra musical para orquesta, coro y (a menudo) voces solistas, aunque algunas se han escrito para voces sin acompañamiento. [ 1 ] Berlioz, quien en 1858 acuñó el término por primera vez al describir su obra Roméo et Juliette , explicó la relación distintiva que preveía entre la voz y la orquesta:

Aunque se utilizan voces con frecuencia, no se trata de una ópera de concierto ni de una cantata, sino de una sinfonía coral. Si hay canto, casi desde el principio, es para preparar al oyente para las escenas dramáticas cuyos sentimientos y pasiones serán expresados ​​por la orquesta. También sirve para introducir gradualmente las masas corales en el desarrollo musical, ya que su aparición demasiado repentina habría perjudicado la unidad de la composición. [ 2 ]

A diferencia de los oratorios u óperas, que generalmente se estructuran dramatúrgicamente en arias , recitativos y coros, una sinfonía coral se estructura como una sinfonía, en movimientos . Puede emplear el esquema tradicional de cuatro movimientos: un movimiento inicial rápido, un movimiento lento, un scherzo y un final, [ 1 ] o, como ocurre con muchas sinfonías instrumentales, puede utilizar una estructura de movimientos diferente. [ 28 ] El texto escrito en una sinfonía coral tiene la misma importancia que la música, como en un oratorio, y el coro y los solistas tienen la misma importancia que los instrumentos. [ 29 ] Con el tiempo, el uso del texto permitió que la sinfonía coral evolucionara desde una sinfonía instrumental con un final coral, como en la Novena de Beethoven, hasta una composición que puede utilizar voces e instrumentos a lo largo de toda la obra, como en la Sinfonía de los Salmos de Stravinsky o la Octava Sinfonía de Mahler. [ 29 ] [ 30 ]

A veces, el texto puede ofrecer un esquema básico que se correlaciona con la estructura de cuatro movimientos de una sinfonía. Por ejemplo, la estructura de cuatro partes de « Las campanas » de Edgar Allan Poe , una progresión desde la juventud hasta el matrimonio, la madurez y la muerte, sugirió naturalmente los cuatro movimientos de una sinfonía a Sergei Rachmaninoff , quien la siguió en su sinfonía coral del mismo nombre . [ 15 ] El texto puede animar a un compositor a expandir una sinfonía coral más allá de los límites habituales del género sinfónico, como hizo Berlioz con su «Roméo et Juliette» , sin dejar de mantenerse dentro de la intención estructural o estética básica de la forma sinfónica. [ 31 ] También puede influir en el contenido musical en las partes donde no hay canto, como en «Roméo et Juliette» . Allí, Berlioz permite que la orquesta exprese la mayor parte del drama en música instrumental y reserva las palabras para las secciones expositivas y narrativas de la obra. [ 32 ]

Relación entre palabras y música

Como en un oratorio, el texto escrito en una sinfonía coral puede ser tan importante como la música, y el coro y los solistas pueden participar por igual con los instrumentos en la exposición y el desarrollo de las ideas musicales. [ 33 ] El texto también puede ayudar a determinar si el compositor sigue la forma sinfónica estrictamente, como en el caso de Rachmaninoff, [ 15 ] Britten [ 14 ] y Shostakovich, [ 16 ] o si expande la forma sinfónica, como en el caso de Berlioz, [ 31 ] Mahler [ 34 ] y Havergal Brian. [ 35 ] A veces, la elección del texto ha llevado al compositor a estructuras sinfónicas diferentes, como con Szymanowski, [ 19 ] Schnittke [ 20 ] y, de nuevo, Havergal Brian. [ 18 ] El compositor también puede optar por tratar el texto de forma fluida, de una manera más parecida a la música que a la narrativa. [ 36 ] Tal fue el caso de Vaughan Williams, Mahler y Philip Glass. [ 37 ]

Tratamiento musical del texto

Un anciano sonriente con sombrero, chaqueta oscura y larga barba gris.
El uso del verso libre por parte de Walt Whitman fue apreciado por los compositores que buscaban un enfoque más fluido para musicalizar textos.

Las notas del programa de Vaughan Williams para A Sea Symphony explican cómo debía tratarse el texto como música. El compositor escribe: «El plan de la obra es sinfónico, más que narrativo o dramático, y esto puede considerarse una justificación para la frecuente repetición de palabras y frases importantes que aparecen en el poema. Tanto las palabras como la música se tratan, por lo tanto, de forma sinfónica». [ 33 ] Los poemas de Walt Whitman lo inspiraron a escribir la sinfonía, [ 17 ] y el uso del verso libre por parte de Whitman se apreció en una época en la que la fluidez estructural resultaba más atractiva que las composiciones métricas tradicionales. Esta fluidez facilitó el tratamiento sinfónico y no narrativo del texto que Vaughan Williams tenía en mente. En el tercer movimiento, en particular, el texto es vagamente descriptivo y puede ser «manipulado por la música», repitiéndose algunos versos, algunos no consecutivos en el texto escrito que aparecen inmediatamente después en la música, y algunos omitidos por completo. [ 36 ]

Vaughan Williams no fue el único compositor que adoptó un enfoque no narrativo para su texto. Mahler adoptó un enfoque similar, quizás incluso más radical, en su Octava Sinfonía, presentando muchas líneas de la primera parte, "Veni, Creator Spiritus", en lo que el escritor y crítico musical Michael Steinberg describió como "un crecimiento increíblemente denso de repeticiones, combinaciones, inversiones, transposiciones y fusiones". [ 38 ] Hace lo mismo con el texto de Goethe en la segunda parte de la sinfonía, realizando dos cortes sustanciales y otros cambios. [ 38 ]

Otras obras llevan el uso del texto como música aún más lejos. Vaughan Williams utiliza un coro de voces femeninas sin palabras en su Sinfonía Antártica , basada en su música para la película Scott de la Antártida , para ayudar a establecer la desolación de la atmósfera general. [ 39 ] Si bien se utiliza un coro en el segundo y tercer movimiento de la Séptima Sinfonía de Glass , también conocida como Sinfonía Tolteca , el texto no contiene palabras reales; el compositor afirma que está formado en cambio "a partir de sílabas sueltas que se suman al contexto evocador de la textura orquestal general". [ 37 ]

Música y palabras en igualdad de condiciones

Un hombre con el pelo corto y gafas, vestido con un traje oscuro y apoyado en un piano.
Igor Stravinsky utilizó coro y orquesta en su Sinfonía de los Salmos "en igualdad de condiciones".

Stravinsky dijo acerca de los textos de su Sinfonía de los Salmos : «No es una sinfonía en la que haya incluido salmos para ser cantados. Al contrario, es el canto de los salmos lo que estoy sinfonizando». [ 40 ] Esta decisión fue tanto musical como textual. El contrapunto de Stravinsky requería que varias voces musicales funcionaran simultáneamente, independientes melódica y rítmicamente , pero interdependientes armónicamente . Sonarían muy diferentes al escucharlas por separado, pero armoniosas al escucharlas juntas. [ 40 ] [ 41 ] Para facilitar la máxima claridad en esta interacción de voces, Stravinsky utilizó «un conjunto coral e instrumental en el que ambos elementos debían estar en igualdad de condiciones, sin que ninguno predominara sobre el otro». [ 42 ]

La intención de Mahler al escribir su Octava Sinfonía para una orquesta excepcionalmente grande era lograr un equilibrio similar entre las voces y los instrumentos. No se trataba simplemente de un intento de efecto grandioso, [ 30 ] aunque el uso que hizo el compositor de tales fuerzas le valió a la obra el subtítulo de "Sinfonía de los Mil" por parte de su agente de prensa (nombre que aún se aplica a la sinfonía). [ 43 ] Al igual que Stravinsky, Mahler hace un uso extenso y prolongado del contrapunto, especialmente en la primera parte, "Veni Creator Spiritus". A lo largo de esta sección, según el crítico musical Michael Kennedy , Mahler demuestra una considerable maestría en la manipulación de múltiples voces melódicas independientes. [ 44 ] El musicólogo Deryck Cooke añade que Mahler maneja sus enormes fuerzas "con extraordinaria claridad". [ 45 ]

Vaughan Williams también insistió en un equilibrio entre palabras y música en A Sea Symphony , escribiendo en las notas del programa de la obra: «También es notable que la orquesta tenga una participación igualitaria con el coro y los solistas en la ejecución de las ideas musicales». [ 33 ] El crítico musical Samuel Langford , escribiendo sobre el estreno de la obra para The Manchester Guardian , coincidió con el compositor, escribiendo: «Es lo más cercano que tenemos a una verdadera sinfonía coral, una en la que las voces se utilizan con la misma libertad que la orquesta». [ 46 ]

En su obra Leaves of Grass: A Choral Symphony , Robert Strassburg compuso una "composición musical" sinfónica en diez movimientos para la poesía de Walt Whitman , equilibrando las contribuciones de un narrador, un coro y una orquesta. [ 4 ]

Palabras que determinan la forma sinfónica

Un hombre de cabello oscuro y bigote, vestido con uniforme, presidía un desfile militar.
Los poemas de Yevtushenko sobre el terror bajo Stalin (en la imagen) y otros abusos soviéticos inspiraron a Shostakovich a escribir su Decimotercera Sinfonía.

La sinfonía coral de Rachmaninoff, Las campanas, reflejó la progresión en cuatro partes desde la juventud hasta el matrimonio, la madurez y la muerte en el poema de Poe. [ 15 ] Britten invirtió el patrón para su Sinfonía de primavera : las cuatro secciones de la sinfonía representan, en palabras de su compositor, "el progreso del invierno a la primavera y el despertar de la tierra y la vida que eso significa... Tiene la forma tradicional de cuatro movimientos de una sinfonía, pero con los movimientos divididos en secciones más cortas unidas por un estado de ánimo o punto de vista similar". [ 14 ]

La gestación de la Decimotercera Sinfonía de Shostakovich , Babi Yar , fue solo un poco menos directa. Musicalizó el poema Babi Yar de Yevgeny Yevtushenko casi inmediatamente después de leerlo, considerándolo inicialmente una composición de un solo movimiento. [ 47 ] El descubrimiento de otros tres poemas de Yevtushenko en la colección del poeta Vzmakh ruki ( Un saludo con la mano ) lo impulsó a proceder a una sinfonía coral completa, con "Una carrera" como movimiento final. El musicólogo Francis Maes comenta que Shostakovich lo hizo complementando el tema del sufrimiento judío de Babi Yar con los versos de Yevtushenko sobre otros abusos soviéticos: [ 47 ] "'En la tienda' es un homenaje a las mujeres que tienen que hacer cola durante horas para comprar los alimentos más básicos... 'Miedos' evoca el terror bajo Stalin . 'Una carrera' es una crítica a los burócratas y un homenaje a la creatividad genuina". [ 47 ] El historiador musical Boris Schwarz añade que los poemas, en el orden en que Shostakovich los coloca, forman un movimiento inicial de gran dramatismo, un scherzo, dos movimientos lentos y un final. [ 16 ]

En otros casos, la elección del texto ha llevado al compositor a diferentes estructuras sinfónicas. Havergal Brian permitió que la forma de su Cuarta Sinfonía, subtitulada "Das Siegeslied" (Salmo de la Victoria), estuviera dictada por la estructura tripartita de su texto, el Salmo 68; la composición de los Versos 13-18 para soprano solista y orquesta forma un interludio tranquilo entre dos más salvajes y altamente cromáticos de carácter marcial, compuestos para grandes fuerzas corales y orquestales. [ 48 ] [ 49 ] De igual modo, Szymanowski permitió que el texto del poeta persa del siglo XIII, Rumi, dictara lo que Jim Samson llama el "único movimiento tripartito" [ 50 ] y la "estructura general del arco" [ 51 ] de su Tercera Sinfonía, subtitulada "Canción de la Noche".

Palabras que expanden la forma sinfónica

Un hombre de mediana edad con gafas y cabello oscuro, vestido con un traje oscuro de la década de 1890.
Mahler primero amplió el modelo establecido por la Novena Sinfonía de Beethoven, para luego abandonarlo.

Un compositor también puede responder a un texto expandiendo una sinfonía coral más allá de los límites habituales del género sinfónico. Esto se evidencia en la inusual orquestación y las indicaciones escénicas que Berlioz preparó para su Roméo et Juliette . Esta pieza consta de siete movimientos y requiere un intermedio después del cuarto movimiento —el «Scherzo de la Reina Mab»— para retirar las arpas del escenario y dar paso al coro de los Capuletos para la marcha fúnebre que sigue. [ 31 ] El biógrafo de Berlioz, D. Kern Holoman, observó que, «tal como la veía Berlioz, la obra es simplemente beethoveniana en su diseño, con los elementos narrativos superpuestos. Su núcleo se asemeja a una sinfonía de cinco movimientos con el final coral y, como en la [Sinfonía] Fantástica , tanto un scherzo como una marcha... Los movimientos "adicionales" son, por lo tanto, la introducción con su popurrí de subsecciones y la descriptiva escena de la tumba [al final de la obra]». [ 52 ]

Mahler amplió el modelo beethoveniano por razones programáticas y sinfónicas en su Segunda Sinfonía , la "Resurrección", el cuarto movimiento vocal, "Urlicht", uniendo la fe infantil del tercer movimiento con la tensión ideológica que Mahler busca resolver en el final. [ 34 ] Luego abandonó este patrón para su Tercera Sinfonía , ya que dos movimientos para voces y orquesta siguen a tres puramente instrumentales antes de que el final vuelva a los instrumentos solos. [ 53 ] Al igual que Mahler, Havergal Brian amplió el modelo beethoveniano, pero a una escala mucho mayor y con fuerzas orquestales y corales mucho mayores, en su Sinfonía n.° 1 "La Gótica" . Escrita entre 1919 y 1927, la sinfonía se inspiró en el Fausto de Goethe y la arquitectura de las catedrales góticas. [ 35 ] La Primera de Brian está en dos partes. La primera consta de tres movimientos instrumentales; La segunda, también en tres movimientos y de más de una hora de duración, es una composición en latín del Te Deum . [ 35 ]

Sinfonías para coro a capella

Algunos compositores han escrito sinfonías para coro a capella, en las que el coro desempeña funciones tanto vocales como instrumentales. Granville Bantock compuso tres obras de este tipo: Atalanta en Calidón (1911), Vanidad de vanidades (1913) y Un espectáculo de la vida humana (1913). Su Atalanta , calificada por el musicólogo Herbert Antcliffe como «la más importante [de las tres] tanto por su experimentación técnica como por su inspiración», [ 54 ] fue escrita para un coro de al menos 200 voces, especificando el compositor «no menos de 10 voces por cada parte», una obra con 20 partes vocales distintas. [ 55 ] Utilizando estas fuerzas, Bantock formó grupos «de diferentes pesos y colores para obtener algo del variado juego de matices y perspectivas [de una orquesta]». [ 56 ] Además, el coro se divide generalmente en tres secciones, que se aproximan a los timbres de los instrumentos de viento-madera, viento-metal y cuerda. [ 57 ] Dentro de estas divisiones, escribe Antcliffe,

Casi todos los medios posibles de expresión vocal se emplean individualmente o en combinación con otros. Escuchar a las distintas partes del coro describir con palabras y tonos la «risa» y las «lágrimas» simultáneamente permite comprender hasta qué punto el director y el compositor comunes aún no han comprendido las posibilidades del canto coral. Tales combinaciones resultan sumamente efectivas cuando se logran correctamente, pero son muy difíciles de conseguir. [ 57 ]

Roy Harris escribió su Sinfonía para Voces en 1935 para coro a cappella dividido en ocho partes. Harris se centró en la armonía, el ritmo y la dinámica, permitiendo que el texto de Walt Whitman dictara la escritura coral. [ 58 ] "En un sentido real, los esfuerzos humanos tan vívidamente retratados en la poesía de Whitman encuentran un análogo musical a las pruebas a las que se someten los cantantes", escribe John Profitt sobre la dificultad de la música para los intérpretes y su cualidad altamente evocadora. [ 58 ] Malcolm Williamson escribió su Sinfonía para Voces entre 1960 y 1962, musicalizando textos del poeta australiano James McAuley . Lewis Mitchell escribe que la obra no es una sinfonía en ningún sentido verdadero, sino más bien una obra de cuatro movimientos precedida por una invocación para contralto solista . [ 59 ] El texto es una combinación de poemas que celebran la naturaleza salvaje australiana y el cristianismo visionario, sus líneas y ritmos irregulares se corresponden con la música. [ 59 ] Mitchell escribe: «De todas sus obras corales, con la posible excepción del Réquiem para un Hermano de la Tribu, la Sinfonía es la que tiene un sentimiento más australiano». [ 60 ]

Intención programática

Un arco y una puerta en un gran muro de piedra.
Puerta de Jaffa en Jerusalén. La Séptima Sinfonía de Penderecki, subtitulada "Las siete puertas de Jerusalén", está "impregnada por el número 'siete' en varios niveles". [ 25 ]

Algunos esfuerzos de finales del siglo XX prestaron menos atención a la forma sinfónica y más a la intención programática. Hans Werner Henze escribió su Novena Sinfonía de 1997 en siete movimientos, basando la estructura de la sinfonía en la novela La séptima cruz de Anna Seghers . La novela relata la huida de siete fugitivos de un campo de prisioneros nazi , las siete cruces simbolizan las siete sentencias de muerte; la terrible experiencia del único prisionero que logra la libertad se convierte en el punto central del texto. [ 61 ] La Séptima Sinfonía de Penderecki de 1996, subtitulada "Las siete puertas de Jerusalén" y concebida originalmente como un oratorio, no solo está escrita en siete movimientos, sino que, como escribe el musicólogo Richard Whitehouse, está "impregnada por el número 'siete' en varios niveles". [ 25 ] Un extenso sistema de frases de siete notas cohesiona la obra, así como el uso frecuente de siete notas repetidas en un solo tono. [ 25 ] Siete acordes tocados fortissimo ponen fin a la obra. [ 25 ]

La Quinta Sinfonía de Philip Glass, terminada en 1999 y subtitulada « Requiem , Bardo y Nirmanakaya », está escrita en 12 movimientos para cumplir con su propósito programático. Glass escribe: «Mi plan ha sido que la sinfonía represente un amplio espectro de muchas de las grandes tradiciones de "sabiduría" del mundo», [ 27 ] sintetizando «un texto vocal que comienza antes de la creación del mundo, pasa por la vida terrenal y el paraíso, y concluye con una dedicatoria futura». [ 27 ] Glass escribe que consideraba el milenio a principios del siglo XXI como un puente simbólico entre el pasado, el presente y el renacimiento espiritual. [ 27 ]

Más recientemente, Glass basó la estructura filosófica y musical de su Séptima Sinfonía (2005) en la sagrada trinidad Wirrarika . [ 37 ] Glass escribió sobre los títulos de los movimientos de la obra y su relación con la estructura general de la sinfonía: «"El Maíz" representa un vínculo directo entre la Madre Tierra y el bienestar de los seres humanos... "La Raíz Sagrada" se encuentra en los desiertos del norte y centro de México, y se entiende que es la puerta de entrada al mundo del Espíritu. "El Venado Azul" es considerado el poseedor del Libro del Conocimiento. Todo hombre o mujer que aspire a ser una "Persona de Conocimiento" tendrá que encontrarse con el Venado Azul mediante un entrenamiento y un esfuerzo arduos...» [ 37 ]

Palabras que cambian la intención programática

La adición de un texto puede cambiar efectivamente la intención programática de una composición, como en el caso de las dos sinfonías corales de Franz Liszt . Tanto la sinfonía Fausto como la sinfonía Dante fueron concebidas como obras puramente instrumentales y solo posteriormente se convirtieron en sinfonías corales. [ 62 ] Sin embargo, mientras que el experto en Liszt, Humphrey Searle, afirma que la posterior inclusión de un coro por parte de Liszt resume eficazmente Fausto y la completa, [ 63 ] otro experto en Liszt, Reeves Shulstad, sugiere que Liszt cambió el enfoque dramático de la obra hasta el punto de merecer una interpretación diferente de la misma. [ 64 ] Según Shulstad, «la versión original de Liszt de 1854 terminaba con una última referencia fugaz a Gretchen y una... peroración orquestal en do mayor , basada en el más majestuoso de los temas del primer movimiento. Podría decirse que esta conclusión permanece dentro de la figura de Fausto y su imaginación». [ 64 ] Cuando Liszt revisó la pieza tres años después, añadió un «Chorus mysticus», en el que el coro masculino cantaba las últimas palabras del Fausto de Goethe . [ 64 ] El tenor solista, acompañado por el coro, canta los dos últimos versos del texto. «Con la adición del texto del "Chorus Mysticus"», escribe Shulstad, «el tema de Gretchen se ha transformado y ya no aparece como un Fausto enmascarado. Con esta asociación directa a la escena final del drama, hemos escapado de las fantasías de Fausto y escuchamos otra voz que comenta su lucha y redención». [ 65 ]

Dos hombres de pie en la cima de una montaña observan círculos de ángeles que giran sobre sus cabezas.
Del Canto 31 del Paraíso de Dante Alighieri . Ilustración de Gustave Doré . Dante escucha la música del Cielo desde lejos.

Asimismo, la inclusión de un final coral en la Sinfonía Dante de Liszt modificó tanto la intención estructural como programática de la obra. La intención de Liszt era seguir la estructura de la Divina Comedia y componer Dante en tres movimientos: uno para el Infierno , otro para el Purgatorio y otro para el Paraíso . Sin embargo, su yerno, Richard Wagner, lo convenció de que ningún compositor terrenal podría expresar fielmente las alegrías del Paraíso. Liszt eliminó el tercer movimiento, pero añadió un elemento coral, un Magnificat , al final del segundo. [ 66 ] Esta acción, según Searle, destruyó efectivamente el equilibrio formal de la obra y dejó al oyente, como a Dante, contemplando las alturas del Cielo y escuchando su música desde lejos. [ 67 ] Shulstad sugiere que el final coral en realidad contribuye a completar la trayectoria programática de la obra, desde la lucha hasta el paraíso. [ 10 ]

Por el contrario, un texto también puede dar origen a una sinfonía coral, para luego convertirse en una obra puramente instrumental cuando cambia el enfoque programático de la misma. Shostakovich planeó originalmente su Séptima Sinfonía como una sinfonía coral de un solo movimiento, muy parecida a sus Sinfonías Segunda y Tercera . Según se informa, Shostakovich pretendía musicalizar un texto para la Séptima del Salmo Noveno, sobre el tema de la venganza por el derramamiento de sangre inocente. [ 68 ] Al hacerlo, fue influenciado por Stravinsky; había quedado profundamente impresionado por la Sinfonía de los Salmos de este último , que quería emular en esta obra. [ 69 ] Si bien el tema del Salmo Noveno transmitía la indignación de Shostakovich por la opresión de Stalin, [ 70 ] una interpretación pública de una obra con tal texto habría sido imposible antes de la invasión alemana. La agresión de Hitler hizo factible la interpretación de tal obra, al menos en teoría; La referencia a la "sangre" podía entonces asociarse, al menos oficialmente, con Hitler. [ 70 ] Con Stalin apelando a los sentimientos patrióticos y religiosos de los soviéticos, las autoridades dejaron de reprimir los temas o imágenes ortodoxas . [ 71 ] Sin embargo, Shostakovich finalmente comprendió que la obra abarcaba mucho más que esta simbología. [ 72 ] Amplió la sinfonía a los cuatro movimientos tradicionales y la convirtió en una obra puramente instrumental. [ 72 ]

Sustituir el texto sin palabras

Si bien Berlioz permitió que los aspectos programáticos de su texto dieran forma a la estructura sinfónica de Roméo y guiaran su contenido, también demostró cómo una orquesta podía suplantar dicho texto sin palabras para ilustrarlo aún más. [ 32 ] Escribió en el prefacio de Roméo :

Un cuadro que representa a una mujer vestida con ropa de alrededor de 1600, de pie en un balcón, siendo besada por un hombre que ha subido hasta ella desde fuera del edificio.
En Romeo, Berlioz permitió que el texto dictara la forma sinfónica, pero dejó que la música suplantara el texto sin palabras.

Si en las famosas escenas del jardín y el cementerio no se cantan los diálogos de los dos amantes, los apartes de Julieta y los arrebatos apasionados de Romeo, si los duetos de amor y desesperación se entregan a la orquesta, las razones son numerosas y fáciles de comprender. Primero, y esto bastaría, se trata de una sinfonía y no de una ópera. Segundo, dado que los duetos de esta naturaleza han sido interpretados vocalmente miles de veces por los más grandes maestros, fue prudente, además de inusual, intentar otro medio de expresión. También se debe a que la misma sublimidad de este amor hacía que su representación fuera tan arriesgada para el músico que tuvo que dar a su imaginación una libertad que el sentido preciso de las palabras cantadas no le habría concedido, recurriendo en cambio al lenguaje instrumental, que es más rico, más variado, menos preciso y, por su misma indefinición, incomparablemente más poderoso en tal caso. [ 2 ]

Como manifiesto, este párrafo se volvió significativo por la fusión de elementos sinfónicos y dramáticos en la misma composición musical. [ 73 ] El musicólogo Hugh Macdonald escribe que, dado que Berlioz tenía muy presente la idea de la construcción sinfónica, permitió que la orquesta expresara la mayor parte del drama en la música instrumental y que las secciones expositivas y narrativas se plasmaran en palabras. [ 32 ] El también musicólogo Nicholas Temperley sugiere que, en Roméo , Berlioz creó un modelo de cómo un texto dramático podía guiar la estructura de una sinfonía coral sin que esta dejara de ser reconocible como tal. [ 74 ] En este sentido, escribe el musicólogo Mark Evans Bonds, las sinfonías de Liszt y Mahler tienen una deuda de influencia con Berlioz. [ 6 ]

Más recientemente, Alfred Schnittke permitió que los aspectos programáticos de sus textos dictaran el curso de sus dos sinfonías corales incluso cuando no se cantaban palabras. La Segunda Sinfonía de Schnittke, de seis movimientos , basada en el Ordinario de la Misa de la Iglesia Católica Romana , [ 75 ] funciona programáticamente en dos niveles simultáneamente. Mientras los solistas y el coro interpretan brevemente la misa, con corales tomados del Gradual , [ 76 ] la orquesta proporciona un extenso comentario continuo que puede extenderse mucho más que la sección de la misa que se está interpretando. A veces, el comentario sigue un coral en particular, pero con mayor frecuencia es más libre y de estilo más amplio. [ 76 ] A pesar de la disparidad estilística resultante, el biógrafo Alexander Ivashkin comenta: «Musicalmente, casi todas estas secciones combinan la melodía coral y el posterior y extenso "comentario" orquestal». [ 76 ] La obra se convierte en lo que Schnittke llamó una «Misa invisible», [ 77 ] y Alexander Ivashkin denominó «una sinfonía con un telón de fondo coral». [ 76 ]

El programa de la Cuarta Sinfonía de Schnittke , que refleja el propio dilema religioso del compositor en el momento de su composición, [ 78 ] es más complejo en su ejecución, expresándose la mayor parte sin palabras. En las 22 variaciones que componen el único movimiento de la sinfonía, [ b ] Schnittke representa los 15 Misterios tradicionales del Rosario , que resaltan momentos importantes de la vida de Cristo. [ 80 ] [ 81 ] Al igual que en la Segunda Sinfonía, Schnittke ofrece simultáneamente un detallado comentario musical sobre lo que se representa. [ 80 ] Schnittke lo hace utilizando música sacra de las confesiones católica, protestante , judía y ortodoxa , y la textura orquestal se vuelve extremadamente densa debido a las numerosas líneas musicales que progresan al mismo tiempo. [ 75 ] [ 78 ] Un tenor y un contratenor también cantan sin palabras en dos momentos de la sinfonía. La composición reserva palabras para un final que utiliza los cuatro tipos de música sacra contrapuntísticamente [ 82 ] mientras un coro a cuatro voces canta el Ave María . [ 78 ] El coro puede elegir si cantar el Ave María en ruso o en latín. [ 78 ] La intención programática de usar estos diferentes tipos de música, escribe Ivashkin, es una insistencia del compositor "en la idea... de la unidad de la humanidad, una síntesis y armonía entre diversas manifestaciones de la fe". [ 80 ]

Véase también

Referencias

Notas

  1. ↑ La Schlacht-Sinfonie de Peter von Winter también utiliza un coro final. Escrita en 1814, es anterior a la Novena de Beethoven por una década. Sin embargo, como obra ocasional escrita en un solo movimiento, la Schlacht-Sinfonie «se sitúa fuera de la tradición genérica de la sinfonía». [ 3 ]
  2. ↑ El número real de variaciones en la Cuarta Sinfonía de Schnittke es "una sutil asincronía" de la pieza, considerando el "esquema 3 por 5" del Rosario en el que supuestamente se basan estas variaciones. [ 79 ]

Citas

  1. 1 2 3 Kennedy (1985) , pág. 144 
  2. ^ " Avant -Propos de l'auteur", partitura vocal de Reiter-Biedermann (Winterthur, 1858), p . 1. Como se cita en Holoman (1989) , p. 262 
  3. ↑ Bonos (2001) , 24:836.
  4. 1 2 "Robert Strassburg" de Neil W. Levin , Archivo Milken de Música Judía
  5. ↑ Kennedy (1964) , pág. 444 
  6. 1 2 3 4 5 6 Bonos (2001) , 24:837
  7. 1 2 3 Bonos (2001) , 24:835
  8. 1 2 Larue y Wolf (2001) , 24:812
  9. ↑ Citado en Bonds (2001) , 24:837
  10. 1 2 3 Bonos (2001) , 24:838
  11. 1 2 Todd (2001) , 16:403
  12. ↑ Bonos (2001) , 24:839.
  13. ↑ Franklin (2001) , 15:622.
  14. 1 2 3 Britten, Benjamin, "Una nota sobre la Sinfonía de Primavera", Music Survey , primavera de 1950. Citado en White (1970) , pág. 62 
  15. 1 2 3 4 Steinberg (2005) , págs. 241–242 
  16. 1 2 3 Schwarz (1980) , 17:270
  17. 1 2 Cox (1972) , 2:115
  18. 1 2 MacDonald (s.f.) , pág. 3 
  19. ^ Sansón (1990) , págs.122 , 126 . 
  20. 1 2 Weitzman (1996) , pág. 5 
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  26. ↑ Anónimo (s.f.) , pág. 4.
  27. 1 2 3 4 Vidrio (1999)
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  30. 1 2 Kennedy (1990) , pág. 151 
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  33. 1 2 3 Kennedy (1964) , pág. 444 
  34. 1 2 Franklin (2001) , 15:618
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  39. ↑ Ottaway (1973) , págs. 50, 53.
  40. 1 2 White (1979) , pág. 321 
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  49. ↑ MacDonald (s.f.) , pág. 3.
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  55. ↑ Citado en McVeagh (1996) , pág. 5 
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  78. 1 2 3 4 Ivashkin (1996) , pág. 161 
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  82. ↑ Weitzman (1996) , pág. 7.

Fuentes

Lecturas adicionales

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