Cerámica de figuras rojas

Los primeros vasos de figuras rojas se produjeron alrededor del 530 a. C. La invención de la técnica se atribuye normalmente al Pintor de Andokides . Él, y otros representantes tempranos del estilo, como Psiax , pintaron inicialmente vasos en ambos estilos, con escenas de figuras negras en un lado y de figuras rojas en el otro. Dichos vasos, como la Ánfora de Vientre del Pintor de Andokides (Múnich 2301) , se denominan vasos bilingües . Aunque muestran avances importantes con respecto al estilo de figuras negras, las figuras aún parecen algo rígidas y rara vez se superponen. Las composiciones y técnicas del estilo anterior se mantuvieron en uso. Así, las líneas incisas son bastante comunes, al igual que la aplicación adicional de pintura roja ("rojo añadido") para cubrir grandes áreas. ^{[ 2 ]}

Los artistas del llamado « Grupo Pionero » dieron el paso hacia la plena explotación de las posibilidades de la técnica de figuras rojas. Estuvieron activos entre el 520 y el 500 a. C. Entre sus representantes más importantes se encuentran Eufronio , Eutímides y Fintias . Este grupo, reconocido y definido por la investigación del siglo XX, experimentó con las diferentes posibilidades que ofrecía el nuevo estilo. Así, aparecieron figuras en nuevas perspectivas, como vistas frontales o posteriores, y se realizaron experimentos con el escorzo de la perspectiva y composiciones más dinámicas. Como innovación técnica, Eufronio introdujo la «línea de relieve». Al mismo tiempo, se inventaron nuevas formas de vasijas , un desarrollo favorecido por el hecho de que muchos de los pintores del grupo pionero también se dedicaban a la alfarería.

Entre las nuevas formas se incluyen el psykter y el pelike . Los grandes cráteres y ánforas se popularizaron en esta época. Si bien no hay indicios de que los pintores se consideraran un grupo en el sentido que le da la investigación moderna, existían algunas conexiones e influencias mutuas, quizás en un ambiente de sana competencia y apoyo. Así, un vaso de Euthymides lleva la inscripción «como Euphronios jamás [habría podido]» . En general, el grupo pionero tendía a utilizar inscripciones. El etiquetado de figuras mitológicas o la adición de inscripciones de Kalos son la norma, no la excepción. ^{[ 2 ]}

Además de los pintores de jarrones, algunos pintores de cuencos también adoptaron el nuevo estilo. Entre ellos se encuentran Oltos y Epiktetos . Muchas de sus obras eran bilingües, utilizando a menudo la técnica de figuras rojas únicamente en el interior del cuenco.

La generación de artistas posterior a los pioneros, activa durante el período Arcaico Tardío ( aproximadamente 500 a 470 a. C.), impulsó el estilo a un nuevo auge. Durante este tiempo, los vasos de figuras negras no alcanzaron la misma calidad y finalmente fueron desplazados del mercado. Algunos de los pintores de vasos áticos más famosos pertenecen a esta generación. Entre ellos se encuentran el Pintor de Berlín , el Pintor de Kleophrades y, entre los pintores de cuencos , Onesimos , Douris , Makron y el Pintor de Brygos . La mejora de la calidad fue acompañada por una duplicación de la producción durante este período. Atenas se convirtió en el principal productor de cerámica fina del mundo mediterráneo , eclipsando a casi todos los demás centros de producción. ^{[ 3 ]}

Una de las características clave de este exitoso estilo de pintura de vasos áticos es el dominio de la perspectiva y el escorzo, lo que permite una representación mucho más naturalista de figuras y acciones. Otra característica es la drástica reducción de figuras por vaso, de detalles anatómicos y de decoraciones ornamentales. En contraste, el repertorio de escenas representadas aumentó. Por ejemplo, los mitos que rodean a Teseo se hicieron muy populares en esta época. Se emplearon con frecuencia formas de vasos nuevas o modificadas, incluyendo la ánfora de Nolan (véase Tipología de formas de vasos griegos ), los lecitos , así como cuencos de los tipos askos y dinos . La especialización en pintores de vasos y cuencos aumentó. ^{[ 3 ]}

La característica principal de las figuras del período clásico temprano es que suelen ser más robustas y menos dinámicas que sus predecesoras. Como resultado, las representaciones adquirieron mayor seriedad, incluso patetismo . Los pliegues de las vestimentas se representaban de forma menos lineal, adquiriendo mayor plasticidad. La manera de presentar las escenas también cambió sustancialmente. En primer lugar, las pinturas dejaron de centrarse en el momento de un acontecimiento concreto y, en cambio, mostraron con tensión dramática la situación inmediatamente anterior a la acción, sugiriendo y contextualizando el evento en sí. Asimismo, algunos de los nuevos logros de la democracia ateniense comenzaron a influir en la pintura de vasos. Así, se pueden detectar influencias de la tragedia y de la pintura mural . Dado que la pintura mural griega se ha perdido casi por completo, su reflejo en los vasos constituye una de las pocas, aunque modestas, fuentes de información sobre este género artístico.

Otras influencias en la pintura de vasos del Alto Clasicismo incluyen el recién erigido Partenón y su decoración escultórica . Esto es especialmente visible en la representación de las vestimentas; la tela ahora cae con mayor naturalidad y se representan más pliegues, lo que da lugar a una mayor «profundidad» en la representación. Las composiciones generales se simplificaron aún más. Los artistas pusieron especial énfasis en la simetría , la armonía y el equilibrio . Las figuras humanas habían recuperado su esbeltez anterior; a menudo irradian una serenidad divina y ensimismada. ^{[ 3 ]}

Entre los pintores importantes de este período, aproximadamente entre el 480 y el 425 a. C., se encuentran el Pintor de la Providencia , Hermonax y el Pintor de Aquiles , todos ellos seguidores de la tradición del Pintor de Berlín. El Pintor de Phiale , probablemente discípulo del Pintor de Aquiles, también es importante. Asimismo, se desarrollaron nuevas tradiciones de taller. Ejemplos notables incluyen a los llamados « manieristas », entre los que destaca el Pintor de Pan . Otra tradición fue iniciada por el Pintor de Nióbide y continuada por Polignoto , el Pintor de Cleofonte y el Pintor de Dinos . El papel de los cuencos disminuyó, aunque todavía se producían en grandes cantidades, por ejemplo, en el taller del Pintor de Pentesilea . ^{[ 3 ]}

Durante el período Clásico Tardío, en el último cuarto del siglo V a. C., surgieron dos tendencias opuestas. Por un lado, se desarrolló un estilo de pintura de vasos fuertemente influenciado por el "Estilo Rico" de la escultura; por otro, algunos talleres continuaron con los desarrollos del período Clásico Alto, con un mayor énfasis en la representación de las emociones y una variedad de escenas eróticas. El representante más importante del Estilo Rico es el Pintor de Meidias . Entre sus características destacan las vestimentas transparentes y los múltiples pliegues de la tela. También se observa un aumento en la representación de joyas y otros objetos. El uso de colores adicionales, principalmente blanco y dorado, para representar accesorios en bajorrelieve, resulta muy llamativo. Con el tiempo, se produce un marcado "suavizado": el cuerpo masculino, hasta entonces definido por la representación de los músculos, fue perdiendo gradualmente esa característica clave. ^{[ 3 ]}

Las pinturas representaban escenas mitológicas con menos frecuencia que antes. Las imágenes del mundo privado y doméstico adquirieron cada vez más importancia. Las escenas de la vida de las mujeres son especialmente frecuentes. Las escenas mitológicas están dominadas por imágenes de Dioniso y Afrodita . No está claro qué causó este cambio de temática entre algunos artistas. Se sugieren factores como el contexto de los horrores de la Guerra del Peloponeso , pero también la pérdida del papel dominante de Atenas en el comercio de cerámica del Mediterráneo (en parte consecuencia de la guerra). El creciente protagonismo de nuevos mercados, como Iberia , implicaba nuevas necesidades y deseos por parte de los clientes. Estas teorías se contradicen con el hecho de que algunos artistas mantuvieron el estilo anterior. Algunos, como el Pintor de Eretria , intentaron combinar ambas tradiciones. Las mejores obras del período clásico tardío se encuentran a menudo en vasijas más pequeñas, como lecitos , píxides y oinochai . Los lekanis , los cráteres de campana (véase Tipología de las formas de los vasos griegos ) y las hidrias también fueron populares. ^{[ 4 ]}

La producción de cerámica de figuras rojas convencional cesó alrededor del año 360 a. C. Tanto el estilo Rico como el Estilo Sencillo coexistieron hasta entonces. Entre los representantes tardíos se encuentran el Pintor de Meleagro (Estilo Rico) y el Pintor de Jena (Estilo Sencillo).

Las últimas décadas de la pintura de vasos áticos de figuras rojas están dominadas por el estilo Kerch . Este estilo, vigente entre el 370 y el 330 a. C., combinó los estilos Rico y Modesto anteriores, con una preponderancia del Rico. Son típicas las composiciones densas con grandes figuras esculturales. Los colores añadidos incluyen ahora el azul, el verde y otros. El volumen y el sombreado se indican mediante el uso de arcilla fluida y brillante diluida. Ocasionalmente, se añaden figuras completas como apliques, es decir, como finos relieves figurativos adheridos al cuerpo del vaso. La variedad de formas de vasijas utilizadas se redujo drásticamente. Las formas pintadas más comunes incluyen pelike , crátera de cáliz , lekythos de vientre , skyphos , hidria y oinochoe . Las escenas de la vida femenina son muy comunes. Los temas mitológicos siguen estando dominados por Dioniso ; Ariadna y Heracles son los héroes representados con mayor frecuencia. El pintor más conocido de este estilo es el Pintor de Marsias . ^{[ 4 ]}

Los últimos vasos atenienses con representaciones figurativas se crearon, como muy tarde, alrededor del año 320 a. C. Este estilo se mantuvo durante un tiempo algo más, pero con decoraciones no figurativas. Los últimos ejemplos reconocidos son obra de pintores conocidos como el Grupo YZ .

El Kerameikos era el barrio de los alfareros de Atenas. Contenía una variedad de pequeños talleres, y probablemente algunos más grandes. En 1852 d. C., durante la actividad de construcción en la calle Ermou , se descubrió el taller del Pintor de Jena . Los artefactos de este se exhiben actualmente en la colección de la Universidad Friedrich Schiller de Jena . ^{[ 5 ]} Según investigaciones modernas, los talleres eran propiedad de los alfareros. Se conocen los nombres de unos 40 pintores de vasos áticos, a partir de inscripciones en vasos, generalmente acompañadas de las palabras ἐγραψεν (égrapsen, ha pintado). En contraste, la firma del alfarero, ἐποίησεν (epoíesen, ha hecho), ha sobrevivido en más del doble de vasos, es decir, unos 100 (ambas cifras se refieren a la totalidad de la pintura figurativa de vasos áticos). Aunque las firmas se conocían desde c. En el año 580 a. C. (primera firma conocida del alfarero Sophilos ), su uso alcanzó su punto álgido alrededor de la Fase Pionera. Una actitud cambiante, aparentemente cada vez más negativa, hacia los artesanos provocó una reducción de las firmas, a partir del período Clásico como muy tarde. ^{[ 6 ]} En general, las firmas son bastante raras. El hecho de que se encuentren principalmente en piezas especialmente buenas indica que expresaban el orgullo del alfarero y/o pintor. ^{[ 7 ]}

La posición de los pintores en relación con la de los alfareros sigue siendo algo incierta. El hecho de que, por ejemplo, Eufronio pudiera trabajar como pintor y alfarero sugiere que al menos algunos de los pintores no eran esclavos . Por otro lado, algunos de los nombres conocidos indican que había al menos algunos antiguos esclavos y algunos perioikoi entre los pintores. Además, algunos nombres no son únicos: por ejemplo, varios pintores firmaban como Polygnotos . Esto podría representar intentos de sacar provecho del nombre de ese gran pintor. Lo mismo podría ocurrir cuando los pintores llevan nombres famosos, como Aristófanes (pintor de vasos) . Las carreras de algunos pintores de vasos son bastante conocidas. Aparte de los pintores con periodos de actividad relativamente cortos (una o dos décadas), algunos pueden ser rastreados durante mucho más tiempo. Ejemplos de ello son Douris , Makron , Hermonax y el Pintor de Aquiles . El hecho de que varios pintores se convirtieran posteriormente en alfareros, y los casos relativamente frecuentes en los que no está claro si algunos alfareros también eran pintores o viceversa , sugieren una estructura profesional que quizás comenzaría con un aprendizaje centrado principalmente en la pintura y que culminaría con la formación como alfarero.

Esta división del trabajo parece haberse desarrollado junto con la introducción de la pintura de figuras rojas, ya que se conocen muchos alfareros-pintores del período de figuras negras (incluidos Exequias , Nearcos y quizás el Pintor de Amasis ). El aumento de la demanda de exportaciones habría propiciado nuevas estructuras de producción, fomentando la especialización y la división del trabajo, lo que dio lugar a una distinción a veces ambigua entre pintor y alfarero. Como se mencionó anteriormente, la pintura de vasijas probablemente era responsabilidad principalmente de ayudantes o aprendices más jóvenes. Se pueden sugerir algunas conclusiones adicionales sobre los aspectos organizativos de la producción de cerámica. Parece que, por lo general, varios pintores trabajaban para un mismo taller de cerámica, como lo indica el hecho de que, con frecuencia, varias vasijas aproximadamente contemporáneas del mismo alfarero están pintadas por distintos pintores. Por ejemplo, se han encontrado vasijas hechas por Eufronio pintadas por Onésimo , Douris , el Pintor de Antífona , el Pintor de Triptolemos y el Pintor de Pistoxenos . Por el contrario, un mismo pintor también podía cambiar de taller. Por ejemplo, el pintor de cuencos Oltos trabajó para al menos seis alfareros diferentes. ^{[ 7 ]}

Aunque desde una perspectiva moderna los pintores de vasos suelen ser considerados artistas, y sus vasos, por lo tanto, obras de arte , esta visión no coincide con la que se tenía en la antigüedad. Los pintores de vasos, al igual que los alfareros, eran considerados artesanos, y sus productos, mercancías. ^{[ 8 ]} Los artesanos debieron tener un nivel de educación razonablemente alto, como lo demuestra la variedad de inscripciones que aparecen. Por un lado, son comunes las inscripciones de Kalos mencionadas anteriormente ; por otro lado, las inscripciones a menudo identifican las figuras representadas. Que no todos los pintores de vasos sabían escribir se evidencia en algunos ejemplos de filas sin sentido de letras aleatorias. Los vasos indican una mejora constante de la alfabetización a partir del siglo VI a. C. ^{[ 9 ]} Aún no se ha aclarado satisfactoriamente si los alfareros, y quizás los pintores de vasos, pertenecían a la élite ática . ¿Reflejan las frecuentes representaciones del simposio , una actividad claramente de la clase alta, la experiencia personal de los pintores, sus aspiraciones de asistir a tales eventos o simplemente las demandas del mercado? ^{[ 10 ]} Una gran proporción de los jarrones pintados producidos, como psykter , krater , kalpis , stamnos , así como kylikes y kantharoi , fueron hechos y comprados para ser utilizados en simposios. ^{[ 11 ]}

Los jarrones ricamente pintados eran buenos, pero no los mejores, utensilios de mesa disponibles para un griego. Los recipientes de metal, especialmente los de metales preciosos, gozaban de mayor prestigio. Sin embargo, los jarrones pintados no eran productos baratos; los ejemplares más grandes, en particular, eran caros. Alrededor del año 500 a. C., un jarrón pintado grande costaba aproximadamente una dracma , equivalente al salario diario de un cantero. Se ha sugerido que los jarrones pintados representan un intento de imitar los recipientes de metal. Normalmente se asume que las clases sociales bajas tendían a usar vajillas sencillas, sin decorar y de materiales toscos, de las cuales se encuentran grandes cantidades en las excavaciones . Los utensilios de mesa hechos de materiales perecederos, como la madera, podrían haber estado aún más extendidos. ^{[ 12 ]} No obstante, los múltiples hallazgos de jarrones de figuras rojas, generalmente de calidad inferior, encontrados en asentamientos, demuestran que tales recipientes se usaban en la vida cotidiana. Una gran proporción de la producción se destinaba a vasos de culto y funerarios. En cualquier caso, se puede suponer que la producción de cerámica de alta calidad era un negocio rentable. Por ejemplo, se encontró en la Acrópolis de Atenas un costoso obsequio votivo del pintor Eufronio . ^{[ 13 ]} No cabe duda de que la exportación de dicha cerámica contribuyó significativamente a la prosperidad de Atenas. No es de extrañar que muchos talleres parezcan haber orientado su producción a los mercados de exportación, por ejemplo, produciendo vasijas con formas más populares en la región de destino que en Atenas. La desaparición de la pintura de vasos áticos en el siglo IV a. C. coincide significativamente con el período en que los etruscos , probablemente el principal mercado de exportación occidental, se vieron sometidos a una creciente presión por parte de los griegos del sur de Italia y los romanos . Otra razón para el fin de la producción de vasos decorados con figuras es un cambio en los gustos al comienzo del período helenístico . Sin embargo, la razón principal debe considerarse el avance cada vez más infructuoso de la Guerra del Peloponeso, que culminó con la devastadora derrota de Atenas en el 404 a. C. Después de esto, Esparta controló el comercio occidental, aunque sin tener la fuerza económica para explotarlo plenamente. Los alfareros áticos tuvieron que buscar nuevos mercados; lo hicieron en la región del Mar Negro . Pero Atenas y sus industrias nunca se recuperaron por completo de la derrota. Algunos alfareros y pintores ya se habían trasladado a Italia durante la guerra, buscando mejores condiciones económicas. Un indicador clave del carácter exportador de la producción de vasos áticos es la ausencia casi total de escenas teatrales. Compradores de otros orígenes culturales, como los etruscos o, posteriormente, clientes de la Península Ibérica., habrían encontrado tal representación incomprensible o poco interesante. En la pintura de jarrones del sur de Italia, que en su mayoría no estaba destinada a la exportación, tales escenas son bastante comunes. ^{[ 14 ]}

La tradición pictórica de vasos apulianos se considera el estilo más importante del sur de Italia. El principal centro de producción se encontraba en Taras . Los vasos apulianos de figuras rojas se produjeron aproximadamente entre el 430 y el 300 a. C. Se distinguen dos estilos: el sencillo y el ornamentado. La principal diferencia radica en que el estilo sencillo favorecía los cráteres de campana , los cráteres de columna y los vasos más pequeños, y en que un solo vaso «sencillo» rara vez representaba más de cuatro figuras. Los temas principales eran escenas mitológicas, cabezas femeninas, guerreros en escenas de combate o despedida e imágenes dionisíacas de tiasos . El reverso solía mostrar jóvenes con mantos. La característica clave de estas piezas de decoración sencilla es la ausencia general de colores adicionales. Representantes importantes del estilo sencillo son el Pintor de Sísifo y el Pintor de Tarporley . Después de mediados del siglo IV a. C., el estilo se asemeja cada vez más al estilo ornamentado. Un artista importante de ese período es el Pintor de Varrese . ^{[ 17 ]}

Los artistas que utilizaban el estilo ornamentado tendían a favorecer los vasos grandes, como los cráteres de volutas , las ánforas , los loutróforos y los hidrios . La mayor superficie se utilizaba para representar hasta 20 figuras, a menudo en varios registros del cuerpo del vaso. Se utilizaban colores adicionales, especialmente tonos de rojo, oro amarillo y blanco, en abundancia. Desde la segunda mitad del siglo IV a. C., los cuellos y los lados de los vasos se decoraban con ricos motivos vegetales u ornamentales. Al mismo tiempo, se desarrollaban las vistas en perspectiva, especialmente de edificios como el "Palacio de Hades " ( naiskoi ). Desde el 360 a. C., estas estructuras se representaban a menudo en escenas relacionadas con ritos funerarios ( vasos naiskos ). Representantes importantes de este estilo son el Pintor de Ilioupersis , el Pintor de Darío y el Pintor de Baltimore . Las escenas mitológicas eran especialmente populares: la asamblea de los dioses, la amazonomaquia , la guerra de Troya , Heracles y Belerofonte . Además, estos vasos suelen representar escenas de mitos que rara vez se ilustran en vasos. Algunos ejemplares constituyen la única fuente de la iconografía de un mito en particular. Otro tema desconocido en la pintura de vasos áticos son las escenas teatrales. En particular, las escenas de farsa, como las de los llamados vasos phlyax, son bastante comunes. Las escenas de actividad atlética o de la vida cotidiana solo aparecen en la fase temprana y desaparecen por completo después del 370 a. C. ^{[ 18 ]}

La pintura de jarrones apulianos tuvo una influencia decisiva en las tradiciones de otros centros de producción del sur de Italia. Se presume que algunos artistas apulianos se establecieron en otras ciudades italianas y aportaron allí sus habilidades. Además de los jarrones de figuras rojas, Apulia también produjo jarrones barnizados en negro con decoración pintada (jarrones de Gnathia) y jarrones policromados (jarrones de Canosa). ^{[ 19 ]}

Campania también produjo vasijas de figuras rojas en los siglos V y IV a. C. La arcilla marrón claro de Campania se cubría con un engobe que adquiría un tono rosa o rojo tras la cocción. Los pintores campanos preferían vasijas más pequeñas, pero también hidrias y cráteras de campana . La forma más popular es la ánfora con asa de arco. Muchas formas típicas de vasijas apulias, como las cráteras de voluta , las cráteras de columna , los loutróforos , las ánforas ritas y nestoris , están ausentes; las pelikes son raras. El repertorio de motivos es limitado. Los temas incluyen jóvenes, mujeres, escenas de tiasos, aves y animales, y a menudo guerreros nativos. El reverso suele mostrar jóvenes con túnicas. Las escenas mitológicas y las representaciones relacionadas con los ritos funerarios desempeñan un papel secundario. Las escenas de naiskos , los elementos ornamentales y la policromía se adoptan después del 340 a. C. bajo la influencia lucana. ^{[ 20 ]}

Antes de la inmigración de alfareros sicilianos en el segundo cuarto del siglo IV a. C., cuando se establecieron varios talleres en Campania, solo se conoce el Taller del Pilar del Búho de la segunda mitad del siglo V. La pintura de vasos campania se subdivide en tres grupos principales:

El primer grupo está representado por el Pintor de Kassandra de Capua , aún bajo la influencia siciliana. Le siguieron el taller del Pintor de la Parroquia y los del Pintor de Laghetto y el Pintor de Caivano . Su obra se caracteriza por una predilección por las figuras de sátiros con tirsos , representaciones de cabezas (normalmente debajo de las asas de las hidrias ), bordes decorativos en las vestimentas y el uso frecuente de blanco, rojo y amarillo. Los Pintores de Laghetto y Caivano parecen haberse trasladado a Paestum posteriormente. ^{[ 21 ]}

El Grupo AV también tenía su taller en Capua. De particular importancia es el Pintor de Cara Blanca-Frignano , uno de los primeros de este grupo. Su característica típica es el uso de pintura blanca adicional para representar los rostros de las mujeres. Este grupo prefería las escenas domésticas, las mujeres y los guerreros. Las figuras múltiples son raras; por lo general, solo hay una figura en el anverso y otra en el reverso del jarrón, a veces solo la cabeza. Las vestimentas suelen estar dibujadas de forma informal. ^{[ 22 ]}

Después del 350 a. C., el Pintor de Campania y sus sucesores trabajaron en Cumas . El Pintor de Campania es considerado el artista más destacado de su grupo, e incluso de la pintura de vasos campanos en su conjunto. A partir del 330 a. C., se aprecia una fuerte influencia apuliana. Los motivos más comunes son los naiskos y las escenas funerarias, las escenas dionisíacas y los simposios. También son frecuentes las representaciones de cabezas femeninas enjoyadas. El Pintor de Campania era policromado, pero tendía a usar mucho blanco para la arquitectura y las figuras femeninas. Sus sucesores no lograron mantener su calidad, lo que provocó un rápido declive, que culminó con el fin de la pintura de vasos campanos alrededor del 300 a. C. ^{[ 22 ]}

La tradición lucana de la pintura de vasos comenzó alrededor del 430 a. C. con las obras del Pintor de Pisticci . Probablemente desarrolló su actividad en Pisticci , donde se descubrieron algunas de sus obras. Estuvo fuertemente influenciado por la tradición ática. Sus sucesores, el Pintor de Amycus y el Pintor de Cyclops, tuvieron un taller en Metaponto . Fueron los primeros en pintar el nuevo tipo de vaso nestoris (véase Tipología de las formas de los vasos griegos ). Son comunes las escenas míticas o teatrales. Por ejemplo, el Pintor de Keoforoi , llamado así por la tragedia de Keoforoi de Esquilo, representó escenas de dicha tragedia en varios de sus vasos. La influencia de la pintura de vasos apulia se hace palpable aproximadamente al mismo tiempo. En particular, la policromía y la decoración vegetal se convirtieron en la norma. Entre los representantes importantes de este estilo se encuentran el Pintor de Dolon y el Pintor de Brooklyn-Budapest . Hacia mediados del siglo IV a. C., se observa una drástica disminución en la calidad y la variedad temática. El último pintor de vasos lucanos notable fue el Pintor Primato , fuertemente influenciado por el Pintor de Licurgo de Apulia . Tras él, un rápido declive culminó con el cese de la pintura de vasos lucanos a principios del último cuarto del siglo IV a. C. ^{[ 23 ]}

El estilo de pintura de vasos de Paestán se desarrolló como el último de los estilos del sur de Italia. Fue fundado por inmigrantes sicilianos alrededor del 360 a. C. El primer taller estuvo dirigido por Asteas y Python . Son los únicos pintores de vasos del sur de Italia conocidos por inscripciones. Pintaban principalmente cráteras de campana , ánforas de cuello, hidrias , lebes gamikos , lekanes , lekythoi y jarras, y más raramente pelikes , cráteras de cáliz y cráteras de volutas . Entre sus características se incluyen decoraciones como palmetas laterales, un patrón de zarcillos con cáliz y umbela conocido como "flor de asteas", patrones de almenas en las vestimentas y cabello rizado que cae sobre la espalda de las figuras. Las figuras que se inclinan hacia adelante, apoyadas en plantas o rocas, son igualmente comunes. Se utilizan con frecuencia colores especiales, especialmente blanco, dorado, negro, púrpura y tonalidades de rojo. ^{[ 24 ]}

Los temas representados suelen pertenecer al ciclo dionisíaco: escenas del tiaso y el simposio, sátiros, ménades , Sileno , Orestes , Electra , los dioses Afrodita y Eros , Apolo , Atenea y Hermes . La pintura de Paestum rara vez representa escenas domésticas, sino que prefiere los animales. Asteas y Pitón tuvieron una gran influencia en la pintura de vasos de Paestum. Esto se aprecia claramente en la obra del Pintor de Afrodita , quien probablemente emigró de Apulia. Alrededor del 330 a. C., se desarrolló un segundo taller, que inicialmente siguió el trabajo del primero. La calidad de su pintura y la variedad de sus motivos se deterioraron rápidamente. Al mismo tiempo, se hizo notable la influencia del Pintor de Caivano de Campania , con vestiduras que caían de forma lineal y figuras femeninas sin contornos definidos. Alrededor del 300 a. C., la pintura de vasos de Paestum cesó. ^{[ 25 ]}

La producción de pintura de vasos sicilianos comenzó antes de finales del siglo V a. C., en las polis de Himera y Siracusa . En cuanto a estilo, temas, ornamentación y formas de los vasos, los talleres estuvieron fuertemente influenciados por la tradición ática, especialmente por el Pintor de Meidias del Clásico Tardío . En el segundo cuarto del siglo IV, los pintores de vasos sicilianos emigraron a Campania y Paestum, donde introdujeron la pintura de vasos de figuras rojas. Solo Siracusa conservó una producción limitada. ^{[ 26 ]}

El estilo típico siciliano se desarrolló alrededor del 340 a. C. Se pueden distinguir tres grupos de talleres. El primero, conocido como el Grupo Lentini-Manfria , estuvo activo en Siracusa y Gela ; un segundo, que producía cerámica Centuripe en los alrededores del Etna ; y un tercero en Lipari . La característica más típica de la pintura de vasos sicilianos es el uso de colores adicionales, especialmente el blanco. En la fase inicial, se pintaban grandes vasijas como cráteras y hidrias, pero son más típicas las vasijas más pequeñas como frascos, lecanos , lecitos y píxides escifoideas . Los motivos más comunes son escenas de la vida femenina, erotes , cabezas femeninas y escenas de fliax . Las escenas mitológicas son raras. Como en todas las demás áreas, la pintura de vasos desaparece de Sicilia alrededor del 300 a. C. ^{[ 26 ]}

Los primeros ejemplos etruscos simplemente imitaban la técnica de figuras rojas. De forma similar a una técnica ática antigua y poco común (véase la técnica de Six ), toda la vasija se cubría con arcilla negra brillante y las figuras se aplicaban posteriormente con pigmentos minerales que se oxidaban adquiriendo un color rojo o blanco. Así, a diferencia de la pintura de vasos áticos contemporáneos, el color rojo no se conseguía dejando áreas sin pintar, sino añadiendo pintura a la capa base negra. Al igual que en los vasos de figuras negras, los detalles internos no se pintaban, sino que se incidían en las figuras. Entre los representantes importantes de este estilo se encuentran el Pintor de Praxias y otros maestros de su taller en Vulci . A pesar de su evidente conocimiento de la mitología y la iconografía griegas, no hay pruebas que indiquen que estos pintores hubieran emigrado del Ática. Una excepción podría ser el Pintor de Praxias, ya que la inscripción griega en cuatro de sus vasos podría indicar que era originario de Grecia. ^{[ 27 ]}

En Etruria, el estilo pseudo-figuras rojas no fue un fenómeno exclusivo de las primeras fases, como sí lo fue en Ática. Especialmente durante el siglo IV a. C., algunos talleres se especializaron en esta técnica, aunque la pintura de figuras rojas auténtica estaba muy extendida entre los talleres etruscos de la época. Entre los talleres más destacados se encuentran el Grupo Sokra y el Grupo Fantasma . El Grupo Sokra, algo más antiguo, prefería cuencos con decoración interior de temas mitológicos griegos, pero también algunos motivos etruscos. El Grupo Fantasma pintaba principalmente figuras con túnicas combinadas con ornamentación vegetal o de palmetas. Se cree que los talleres de ambos grupos se ubicaban en Caere , Falerii y Tarquinia . El Grupo Fantasma produjo hasta principios del siglo III a. C. Como en otros lugares, los cambios en los gustos de los clientes acabaron provocando el fin de este estilo. ^{[ 28 ]}

La auténtica pintura de vasijas de figuras rojas, es decir, vasijas donde las áreas rojas se dejaron sin pintar, se introdujo en Etruria hacia finales del siglo V a. C. Los primeros talleres se desarrollaron en Vulci y Falerii y también producían para las zonas circundantes. Es probable que maestros áticos estuvieran detrás de estos primeros talleres, pero también es evidente una influencia del sur de Italia . Estos talleres dominaron el mercado etrusco hasta el siglo IV a. C. Vasijas grandes y medianas, como cráteras y jarras, se decoraban principalmente con escenas mitológicas. En el transcurso del siglo IV, la producción de Falerii comenzó a eclipsar la de Vulci. Se desarrollaron nuevos centros de producción en Chiusi y Orvieto . En particular, el Grupo Tondo de Chiusi, que producía principalmente vasos para beber con representaciones interiores de escenas dionisíacas, adquirió gran importancia. Durante la segunda mitad del siglo, Volterra se convirtió en un centro principal. Allí se producían especialmente cráteras con asas de varilla y, sobre todo en las primeras fases, se pintaban con gran detalle.

Durante la segunda mitad del siglo IV a. C., los temas mitológicos desaparecieron del repertorio de los pintores etruscos. Fueron reemplazados por cabezas femeninas y escenas de hasta dos figuras. En lugar de representaciones figurativas, los cuerpos de las vasijas se cubrían con ornamentos y motivos florales. Las grandes composiciones figurativas, como la de un cráter del Pintor del Grupo de los Embudos de La Haya, se producían solo de forma excepcional. La producción, originalmente a gran escala, de Falerii perdió su papel dominante frente al centro de producción de Caere, que probablemente había sido fundado por pintores de Falerii y no puede considerarse una tradición distinta. El repertorio habitual de los talleres de Caere incluía oinochoai , lekythoi y cuencos para beber del Grupo Torcop , pintados con sencillez , y platos del Grupo Genucuilia . El cambio a la producción de vasijas de vidriado negro hacia finales del siglo IV, probablemente como reacción a los gustos cambiantes de la época, marcó el fin de la pintura de vasijas etruscas de figuras rojas. ^{[ 29 ]}