Arte religioso

La mayoría de las expresiones artísticas budistas tibetanas están relacionadas con la práctica del Vajrayana o tantra budista. El arte tibetano incluye thangkas y mandalas , que a menudo representan a Budas y bodhisattvas . La creación de arte budista suele realizarse como una meditación , además de crear un objeto que sirva de ayuda para la meditación. Un ejemplo de esto es la creación de un mandala de arena por monjes; antes y después de su construcción se recitan oraciones, y la forma del mandala representa el entorno puro (palacio) de un Buda en el que se medita para entrenar la mente. La obra rara vez, o nunca, está firmada por el artista. Otras expresiones artísticas budistas tibetanas incluyen objetos rituales de metal, como el vajra y el phurba .

Dos lugares ilustran con mayor viveza que ningún otro la vitalidad de la pintura rupestre budista desde aproximadamente el siglo V d. C. Uno es Ajanta, un sitio en la India olvidado durante mucho tiempo hasta su descubrimiento en 1817. El otro es Dunhuang, uno de los grandes oasis de la Ruta de la Seda... Las pinturas abarcan desde serenas imágenes devocionales de Buda hasta escenas animadas y concurridas, que a menudo presentan a las mujeres de seductoras curvas y cintura estrecha, más comunes en la escultura india que en la pintura. ^{[ 3 ]}

El arte cristiano primitivo se conserva desde fechas cercanas a los orígenes del cristianismo. Las pinturas cristianas más antiguas que se conservan proceden del yacimiento de Megido , datadas alrededor del año 70, y las esculturas cristianas más antiguas se encuentran en sarcófagos , de principios del siglo II. Hasta la adopción del cristianismo por Constantino, el arte cristiano derivaba su estilo y gran parte de su iconografía del arte popular romano , pero a partir de entonces, los grandes edificios cristianos construidos bajo el patrocinio imperial generaron la necesidad de versiones cristianas del arte romano de élite y oficial, de las cuales los mosaicos de las iglesias de Roma son los ejemplos más destacados que se conservan. El arte cristiano pronto se convertiría en la base de las iglesias de toda Europa. Las vidrieras a menudo representan escenas bíblicas que se reflejan en el interior del edificio. Los murales y los retablos también llenan las iglesias con imágenes cristianas intrincadas y expresivas.

Durante el desarrollo del arte paleocristiano en el Imperio bizantino (véase Arte bizantino ), una estética más abstracta reemplazó el naturalismo previamente establecido en el arte helenístico . Este nuevo estilo era hierático, lo que significa que su propósito principal era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. La perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color fueron ignorados en favor de la simplificación geométrica de las formas, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para representar individuos y eventos. La controversia sobre el uso de imágenes talladas , la interpretación del Segundo Mandamiento y la crisis de la iconoclasia bizantina llevaron a una estandarización de la iconografía religiosa dentro de la ortodoxia oriental .

El Renacimiento presenció un aumento en la producción de obras seculares monumentales, pero hasta la Reforma Protestante el arte cristiano continuó produciéndose en grandes cantidades, tanto para iglesias y clérigos como para los laicos. Durante este período, Miguel Ángel Buonarroti pintó la Capilla Sixtina y esculpió la famosa Piedad ; Gian Lorenzo Bernini creó las enormes columnas de la Basílica de San Pedro ; y Leonardo da Vinci pintó La Última Cena . La Reforma tuvo un impacto enorme en el arte cristiano , paralizando prácticamente la producción de arte público cristiano en los países protestantes y provocando la destrucción de gran parte del arte ya existente.

A medida que surgió en la Europa occidental del siglo XIX una noción de arte secular, no sectaria y universal, los artistas seculares ocasionalmente trataron temas cristianos ( Bouguereau , Manet ). Solo en raras ocasiones se incluyó a un artista cristiano en el canon histórico (como Rouault o Stanley Spencer ). Sin embargo, muchos artistas modernos como Eric Gill , Marc Chagall , Henri Matisse , Jacob Epstein , Elisabeth Frink y Graham Sutherland han producido obras de arte reconocidas para iglesias. ^{[ 4 ]} A través de una interpretación social del cristianismo, Fritz von Uhde también revitalizó el interés por el arte sacro, mediante la representación de Jesús en lugares cotidianos de la vida.

Desde la invención de la imprenta, la venta de reproducciones de obras religiosas ha sido un elemento fundamental de la cultura cristiana popular. En el siglo XIX, esto incluía a pintores de género como Mihály Munkácsy . La invención de la litografía en color propició la amplia circulación de estampas religiosas . En la era moderna, las empresas especializadas en artistas cristianos comerciales contemporáneos, como Thomas Blackshear y Thomas Kinkade , aunque consideradas en el mundo del arte como kitsch , ^{[ 5 ]} han tenido mucho éxito.

Antes de la dinastía Han , la jerarquía artística china consideraba la música como la forma más elevada de arte y descartaba la caligrafía , la poesía y la pintura como formas de arte y artesanía practicadas por la clase baja. Sin embargo, la poesía también era popular durante la época de Confucio, y era elogiada y gozaba de un alto estatus junto con la música. Según Confucio y sus discípulos, la música busca crear y reflejar la armonía en el mundo; por lo tanto, la educación debe comenzar con los fundamentos de la poesía y la conducta moral, y concluir con la música. ^{[ 7 ] [ 8 ]} Con el tiempo, el desarrollo del sistema de escritura chino impulsó el crecimiento de la caligrafía y las artes visuales en términos de estatus social. La estética y los valores confucianos contribuyeron aún más al desarrollo de estas formas de arte visual, con pinturas de paisajes y obras caligráficas que se centraban en las obras escritas y las enseñanzas del confucianismo. ^{[ 7 ]}

La resistencia islámica a la representación de seres vivos se basa, en última instancia, en la creencia de que la creación de formas vivientes es exclusiva de Dios. Por esta razón, el papel de las imágenes y de quienes las crean ha sido objeto de controversia.

Las afirmaciones más contundentes sobre el tema de la representación figurativa se encuentran en los Hadith (Tradiciones del Profeta), donde se desafía a los pintores a "dar vida" a sus creaciones y se les amenaza con el castigo en el Día del Juicio.

El Corán es menos específico, pero condena la idolatría y utiliza el término árabe musawwir («creador de formas» o artista) como epíteto de Dios. En parte como resultado de este sentimiento religioso, las figuras en la pintura a menudo se estilizaban y, en algunos casos, se destruían obras de arte figurativas. La iconoclasia ya se conocía en el período bizantino y el aniconicismo era una característica del mundo judío, lo que sitúa la objeción islámica a las representaciones figurativas en un contexto más amplio. Sin embargo, como ornamento, las figuras carecían en gran medida de un significado mayor y, quizás por lo tanto, planteaban menos desafíos. ^{[ 12 ]} Al igual que con otras formas de ornamentación islámica, los artistas adaptaban y estilizaban libremente formas humanas y animales básicas, dando lugar a una gran variedad de diseños basados ​​en figuras.

El arabesco es un estilo de arte decorativo caracterizado por patrones repetitivos e intrincados de plantas entrelazadas y motivos curvilíneos abstractos. ^{[ 13 ]} Se cree que se originó en el mundo islámico y su uso se extendió por Oriente Medio, Europa y el norte de África. Ha desempeñado un papel importante en el arte islámico, sirviendo a menudo como una forma de expresión religiosa. El término «arabesco» es un término francés derivado de la palabra italiana arabesco, que significa «al estilo árabe». ^{[ 14 ]} Los patrones arabescos se pueden encontrar en diversos medios, incluyendo cerámica, arquitectura, caligrafía y textiles. Desde el siglo XIX, el arte arabesco ha sido muy influyente en el arte y el diseño occidentales, con muchos diseñadores y artistas incorporando patrones en su trabajo.

La caligrafía es un elemento muy apreciado del arte islámico. El Corán se transmitió en árabe, y la escritura árabe posee inherentemente el potencial para las formas ornamentales. El uso de la caligrafía como ornamento tenía un claro atractivo estético, pero a menudo también incluía un componente talismánico subyacente . Si bien la mayoría de las obras de arte tenían inscripciones legibles, no todos los musulmanes habrían podido leerlas. Sin embargo, siempre se debe tener presente que la caligrafía es principalmente un medio para transmitir un texto, aunque de forma decorativa. ^{[ 15 ]} Desde sus ejemplos iniciales, simples y primitivos, de los siglos V y VI d. C., el alfabeto árabe se desarrolló rápidamente tras el auge del islam en el siglo VII, convirtiéndose en una hermosa forma de arte. Las dos principales familias de estilos caligráficos eran los estilos secos, generalmente llamados cúficos , y los estilos cursivos suaves, que incluyen el naskhi , el thuluth , el nastaliq y muchos otros . ^{[ 16 ]}

Los patrones geométricos constituyen uno de los tres tipos de decoración no figurativa en el arte islámico. ^{[ 17 ]} Ya sea de forma aislada o combinada con ornamentación no figurativa o representación figurativa, los patrones geométricos se asocian popularmente con el arte islámico, principalmente debido a su cualidad anicónica. ^{[ 17 ]} Estos diseños abstractos no solo adornan las superficies de la arquitectura monumental islámica, sino que también funcionan como el principal elemento decorativo en una amplia gama de objetos de todo tipo. ^{[ 18 ]}

Tipos de estilos geométricos

Los patrones geométricos se asocian frecuentemente con el arte islámico, en parte debido a su atractivo icónico, ya sea que se utilicen solos o en conjunto con representaciones figurativas o adornos no configurables. ^{[ 19 ]} Estos patrones abstractos se utilizan como el principal elemento ornamental en diversos objetos de todo tipo, además de adornar las superficies de grandes edificios islámicos. ^{[ 19 ]} Si bien la ornamentación geométrica pudo haber alcanzado su apogeo en el mundo islámico, los griegos, romanos y sasánidas de Irán fueron las fuentes de las formas geométricas y los patrones elaborados. ^{[ 20 ]} Los artistas islámicos incorporaron componentes significativos del pasado clásico para inventar una nueva forma de decoración que resaltaba la vitalidad del orden y la unidad. Astrónomos, matemáticos y científicos islámicos contribuyeron con estas formas, que fueron cruciales para su estilo artístico. ^{[ 20 ]}

Historia y diseño

Las formas geométricas se asemejan al diseño arabesco que se encuentra en muchos diseños vegetales en términos de su abstracción, motivos repetidos y simetría. Los diseños geométricos frecuentemente coexisten con la decoración caligráfica . ^{[ 21 ]} Los círculos y círculos entrelazados, los cuadrados o polígonos de cuatro lados son el patrón estrella típico que resulta de cuadrados y triángulos inscritos en un círculo. ^{[ 21 ]} Los polígonos de múltiples lados son las cuatro formas fundamentales o “unidades repetitivas” a partir de las cuales se construyen los patrones más complejos. ^{[ 21 ]} Es evidente, sin embargo, que los intrincados diseños que se encuentran en varios objetos vienen en varios tamaños y configuraciones, lo que los hace adecuados para su inclusión más que para su categorización.

La forma geométrica del círculo se utiliza en el arte islámico para significar el símbolo fundamental de la unidad y el curso último de toda la diversidad en la creación. ^{[ 22 ]} Como muestra la ilustración a continuación, muchos patrones islámicos clásicos tienen comienzos rituales en la división básica del círculo en secciones regulares.

Cuatro divisiones circulares dieron como resultado el patrón anterior, creado en Yazd, Irán , en el siglo XV. ^{[ 23 ]} A partir de ahí, se crea una cuadrícula regular de triángulos, y luego se añade el diseño encima. Observe cómo el intrincado patrón se entrelaza con el diseño fundamental, que se muestra en las imágenes anteriores como un contorno blanco. ^{[ 23 ]}

Geometría del Palacio de la Alhambra

En la Alhambra de España, del siglo XIV, se combinan con maestría patrones geométricos, diseño biomórfico (arabesco) y caligrafía. ^{[ 23 ]} El arte islámico se compone de estos tres campos distintos pero complementarios. Se organizan en una jerarquía de tres niveles, con la geometría en la base. ^{[ 23 ]} Esto se evidencia frecuentemente en su uso en la parte inferior de muros o suelos, como en el ejemplo anterior.

Los elementos decorativos empleados utilizan diversas simetrías que ahora se reconocen como pertenecientes a grupos matemáticos distintos; sin embargo, la delicadeza y elegancia de los patrones no tienen parangón en el pensamiento matemático contemporáneo. ^{[ 24 ]} Aunque en el Islam era costumbre utilizar formas geométricas, estos diseños son obras de arquitectura. ^{[ 24 ]} Desde el siglo VIII, calígrafos y diseñadores de patrones geométricos musulmanes han decorado mezquitas, castillos y manuscritos. ^{[ 24 ]} Con mayor frecuencia, los diseños geométricos islámicos se emplean en lugares de culto como una forma de exaltar a Dios. Las grandes estructuras creadas mediante la geometría divina incluyen edificios, jardines y suelos. ^{[ 25 ]} La geometría de la Mezquita Azul

Existen patrones observables que abarcan mil años de historia islámica y se encuentran en todo el mundo islámico, ya que estos patrones geométricos también están conectados con la cultura islámica. ^{[ 24 ]} En algunas obras arquitectónicas, los arquitectos islámicos siguen las mismas pautas, como en la Mezquita Azul y la Alhambra de Granada, que se muestran en la imagen superior. El palacio de la Alhambra en España y la mezquita de Samarcanda en Uzbekistán son solo dos ejemplos del arte de los diseños geométricos repetitivos que se pueden apreciar en todo el mundo. ^{[ 26 ]}

El sijismo fue fundado en el siglo XVI por Guru Nanak , cuyo primer retrato apareció más de 200 años después de su muerte. Los retratos de los diez gurús sijs, ampliamente populares , surgieron recién en la primera mitad del siglo XVIII. ^{[ 31 ]} Una de las primeras series de pinturas de los Gurús fue encargada por Baba Ram Rai , el hijo mayor del séptimo gurú sij, Guru Har Rai . ^{[ 32 ]}

La mayoría de los primeros retratos de los Gurús Sikh fueron pintados al estilo cortesano mogol. Bajo el Imperio mogol , los artistas punjabíes de la época se formaron en el estilo pictórico mogol, lo que resultó en una gran influencia de este estilo artístico en su obra. ^{[ 32 ]} Los primeros retratos de los Gurús Sikh y los elementos que contienen, como sus atuendos, turbantes y poses, se asemejaban a los de los nobles y príncipes mogoles. Los Gurús son identificados en escritura devanagari , gurmukhi y persa , también compuesta al estilo mogol. ^{[ 32 ]} En una pintura de alrededor de 1750, el sexto gurú sikh aparece representado con vestimenta y en un entorno cortesano mogol. ^{[ 33 ]}

Una de las primeras imágenes de Guru Nanak lo representa como un hombre piadoso y religioso, con ropa sencilla y un rosario en la mano, reflejando su naturaleza contemplativa. Las imágenes de los primeros de los diez Gurús se inspiraron en la piedad y sencillez de Guru Nanak. Se observa una transformación con el sexto Gurú, al incorporar elementos de resistencia política y poder, mostrando las luchas políticas sij de la época. Posteriormente, con Guru Gobind Singh , se añadieron elementos de grandeza, como vestimenta real, joyas preciosas, zapatos elegantes, un gran turbante y una espada de guerrero.  

Los Gurús también aparecen ampliamente representados en los Janamsakhis ( hagiografías del Gurú). Existen numerosas pinturas y representaciones de la vida de Guru Nanak, en particular en el Janamsakhi B-40. Se le muestra creciendo desde niño hasta adolescente, joven, hombre de mediana edad y, finalmente, anciano sabio. ^{[ 34 ]} Las imágenes también representan muchos valores fundamentales del sijismo, junto con las fuerzas políticas y culturales que influyeron en su vida y su religión.

El reinado del Maharaja Ranjit Singh (1801-1839) tiene una importancia primordial en la historia sij. Fue un gran mecenas del arte y la arquitectura, y patrocinó la construcción de numerosos fuertes, palacios, templos, gurdwaras , joyas preciosas, vestimentas, pinturas coloridas, la acuñación de monedas y lujosas tiendas y doseles. ^{[ 35 ]} Los más significativos fueron el trono de oro construido por Hafez Muhammad Multani y el dosel enjoyado para el Guru Granth Sahib . ^{[ 35 ] [ 36 ]}

La contribución más notable de Ranjit Singh fue la renovación del Harmandir Sahib . Invitó a arquitectos, artistas, talladores de madera y otros artesanos a Amritsar para la renovación. También contrató a un experto técnico para el chapado en oro del Harmandir Sahib. ^{[ 35 ]} El Harmandir Sahib ahora está embellecido con piedras semipreciosas como lapislázuli y ónix junto con sus paredes de mármol en el exterior. Las paredes también lucen diseños arabescos y caleidoscópicos . El interior está revestido con espejos y vidrios de colores y su parte superior está cubierta con placas de cobre dorado. ^{[ 35 ]} Además del Harmandir Sahib, Ranjit Singh también contribuyó a los embellecimientos de muchos otros gurdwaras, tomando imágenes espectaculares del Guru Granth Sahib , las vidas de los Gurus y los Janamsakhis . ^{[ 35 ]} También contribuyó a templos y mezquitas, siendo una de las más significativas las costosas puertas de plata de un templo hindú de la diosa Kali . Bajo el Maharajá Ranjit Singh, ciudades como Lahore , Amritsar, Multan , Sialkot , Srinagar y Patiala prosperaron como centros de las artes. ^{[ 35 ]}