Salón de los Rechazados

Rechazado por el jurado del Salón de 1863, Manet aprovechó la oportunidad para exhibir Déjeuner sur l'herbe y otras dos pinturas en el Salón de los Rechazados de 1863. ^{[ 6 ]} Déjeuner sur l'herbe representa la yuxtaposición de un desnudo femenino y una bañista con poca ropa al fondo, en un picnic con dos hombres completamente vestidos en un entorno rural. La pintura generó notoriedad pública y suscitó controversia, y sigue siendo controvertida hasta el día de hoy. Hay un análisis de ella, desde este punto de vista, en En busca del tiempo perdido de Proust .

Una interpretación de la obra es que representa la prostitución desenfrenada que imperaba en el Bois de Boulogne , un gran parque en las afueras occidentales de París, en aquella época. Esta prostitución era de dominio público en París, pero se consideraba un tema tabú, inapropiado para una pintura. ^{[ 7 ]}

Émile Zola comenta sobre Déjeuner sur l'herbe :

El almuerzo sobre la hierba es la obra cumbre de Édouard Manet, en la que realiza el sueño de todo pintor: situar figuras de grandeza natural en un paisaje. Conocemos el poder con el que venció esta dificultad. Hay algunas hojas, algunos troncos de árboles y, al fondo, un río en el que se baña una mujer con camisón; en primer plano, dos jóvenes están sentados frente a una segunda mujer que acaba de salir del agua y seca su piel desnuda al aire libre. Esta mujer desnuda ha escandalizado al público, que solo la ve a ella en el lienzo. ¡Dios mío! ¡Qué indecencia: una mujer sin la más mínima prenda entre dos hombres vestidos! Eso nunca se ha visto. Y esta creencia es un grave error, pues en el Louvre hay más de cincuenta cuadros en los que se encuentran mezclas de personas vestidas y desnudas. Pero nadie va al Louvre para escandalizarse. Además, el público se ha abstenido de juzgar El almuerzo sobre la hierba como se debería juzgar una verdadera obra de arte; ven en él solo a algunas personas que están haciendo un picnic, terminando de bañarse, y creyeron que el artista había puesto una intención obscena en la disposición del sujeto, cuando el artista simplemente había buscado obtener oposiciones vibrantes y un público directo. Los pintores, especialmente Édouard Manet, que es un pintor analítico, no tienen esta preocupación por el sujeto que atormenta a la multitud por encima de todo; el sujeto, para ellos, es meramente un pretexto para pintar, mientras que para la multitud, el sujeto es lo único que existe. Así, sin duda, la mujer desnuda de El almuerzo sobre la hierba está ahí solo para brindar al artista la ocasión de pintar un poco de carne. Lo que debe verse en la pintura no es un almuerzo sobre la hierba; es todo el paisaje, con sus vigores y sus delicadezas, con sus primeros planos tan grandes, tan sólidos, y sus fondos de una ligera delicadeza; Es esta carne firme y modelada bajo grandes puntos de luz, estos tejidos flexibles y fuertes, y particularmente esta deliciosa silueta de una mujer con camisón que crea, al fondo, un adorable moteado blanco en el medio de las hojas verdes. Es, en resumen, este vasto conjunto, lleno de atmósfera, este rincón de la naturaleza representado con una sencillez tan justa, toda esta admirable página en la que un artista ha colocado todos los elementos particulares y singulares que hay en él. ^{[ 8 ]}

Émile Zola incorporó un relato novelado del escándalo de 1863 en su novela L'Œuvre (La obra maestra) (1886).

En 1861, tras regresar a París por un tiempo, James Abbott McNeill Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, n.° 1: La chica de blanco . Este retrato de su amante y administradora, Joanna Hiffernan, fue creado como un simple estudio en blanco; sin embargo, otros lo interpretaron de manera diferente. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensó que la pintura era una alegoría de la inocencia perdida de una recién casada. Otros la vincularon con La mujer de blanco de Wilkie Collins , una novela popular de la época, o con diversas otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos la consideraron una pintura al estilo prerrafaelita . ^{[ 9 ]} En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en su mano izquierda y está de pie sobre una alfombra de piel de lobo (interpretada por algunos como representación de la masculinidad y la lujuria) con la cabeza del lobo mirando amenazadoramente al espectador.

En respuesta a las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con contenido espiritual" y que personificaba su teoría de que el arte debía ocuparse esencialmente de la disposición armoniosa de los colores, no de una representación literal del mundo natural. ^{[ 10 ]}

Whistler comenzó a trabajar en La chica blanca poco después del 3 de diciembre de 1861, con la intención de presentarla a la prestigiosa exposición anual de la Royal Academy . A pesar de sufrir episodios de enfermedad, terminó la pintura en abril. ^{[ 11 ]} La pintura blanca que Whistler usó contenía plomo, y su trabajo en el lienzo de siete pies de altura le había provocado una intoxicación por plomo. ^{[ 12 ]} El retrato fue rechazado para su exhibición en la conservadora Royal Academy de Londres. Whistler presentó entonces la pintura al Salón de París de 1863, donde también fue rechazada. El público pudo ver la pintura expuesta junto con otras obras rechazadas en el Salón de los Rechazados. El Salón de los Rechazados fue un evento sancionado por el emperador Napoleón III para apaciguar al gran número de artistas que se unieron para protestar contra las duras decisiones del jurado en 1863. ^{[ 12 ]} De las más de 5000 pinturas presentadas en 1863, 2217 fueron rechazadas.

En una carta a George du Maurier a principios de 1862, Whistler escribió sobre la pintura:

... una mujer con un hermoso vestido blanco de batista, de pie junto a una ventana que filtra la luz a través de una cortina transparente de muselina blanca; pero la figura recibe una luz intensa desde la derecha y, por lo tanto, la imagen, salvo el cabello rojo, es una magnífica masa de blanco brillante. ^{[ 13 ]}

Whistler presentó la pintura a la Academia, pero según Joanna Hiffernan, esperaba que fuera rechazada. ^{[ 11 ]} El año anterior, en 1861, otra pintura había causado un pequeño escándalo. La obra de Edwin Henry Landseer , La fierecilla domada, mostraba un caballo con una mujer descansando en el suelo cerca. La modelo se llamaba Ann Gilbert, ^{[ 14 ]} una destacada amazona de la época, ^{[ 15 ]} sin embargo, pronto corrió el rumor de que en realidad era Catherine Walters , la notoria cortesana londinense . ^{[ 16 ]} La pintura de Whistler recordaba lo suficiente a la de Landseer como para que los jueces dudaran en admitirla. ^{[ 17 ]} La jovencita blanca fue presentada a la Academia junto con tres grabados, los tres aceptados, mientras que la pintura no lo fue. ^{[ 18 ]} Whistler la exhibió en la pequeña galería de Berners Street en Londres. ^{[ 13 ]} Al año siguiente, Whistler intentó que la pintura se exhibiera en el Salón de París —la exposición de arte oficial de la Académie des Beaux-Arts— , pero también fue rechazada allí. ^{[ 19 ]} En cambio, fue aceptada en el Salón de los Rechazados alternativo —la «exposición de los rechazados» que abrió sus puertas el 15 de mayo, dos semanas después del Salón oficial . ^{[ 20 ]}

Aunque la pintura de Whistler fue ampliamente reconocida, quedó eclipsada por la obra más impactante de Manet, Le déjeuner sur l'herbe . ^{[ 19 ]} La controversia en torno a las pinturas fue descrita en la novela de Émile Zola , L'Œuvre (1886). ^{[ 11 ]} Sin embargo, la recepción que recibió la pintura de Whistler fue mayoritariamente favorable y, en gran medida, lo reivindicó tras el rechazo que había sufrido tanto en Londres como en París. ^{[ 21 ]} La pintura fue muy admirada por sus colegas y amigos Manet, el pintor Gustave Courbet y el poeta Charles Baudelaire . El crítico de arte Théophile Thoré-Bürger la consideró dentro de la tradición de Goya y Velázquez . No obstante, hubo quienes fueron menos favorables; algunos críticos franceses consideraron la tendencia prerrafaelita inglesa como algo excéntrica. ^{[ 22 ]}