Sarah Cain

La práctica de Cain expande las tradiciones de la abstracción hacia terrenos emocionales, corporales y feministas. Sus composiciones a menudo comienzan con un solo color —un punto de energía intuitiva— que irradia hacia afuera en entornos espaciales. Como escribió Andrew Berardini : «Sus pinturas comienzan simplemente, un punto de color puro en el espacio». ^{[ 8 ]} Jonathan Griffin comentó en The New York Times : «Las pinturas de Cain son alegremente desafiantes. Se extienden, envuelven y brillan». ^{[ 1 ]} En una entrevista de 2015 con Flash Art , Cain afirmó: «Pinto a través de ideas y sentimientos que soy incapaz de expresar con palabras», alineando su abstracción visual con formas de expresión poéticas y musicales. ^{[ 9 ]}

Cain desafía la austeridad formal de la abstracción modernista al introducir materiales personales, simbólicos y sensuales, como plumas, cuentas, partituras musicales y objetos domésticos encontrados. Estos elementos desestabilizan las jerarquías de valor al tiempo que afirman una nueva forma de intensidad estética basada en la experiencia vivida y la improvisación. Quinn Latimer observó que Cain «coquetea con ideas aparentemente descabelladas», señalando «dibujos con plumas y tapetes; instalaciones que presentan huevos y retazos de tela al estilo de los profesores de arte hippies», y señaló que «los transforma con tanta destreza en pintura seria que puede llevar un minuto comprender lo que se está viendo». ^{[ 6 ]}

Art in America describió su obra como un equilibrio entre "colores cambiantes y caleidoscópicos en el espacio [y] era física y perceptualmente inmersiva, revelando nuevas dimensiones a los espectadores a medida que se movían a través de ella". ^{[ 10 ]} David Pagel del Los Angeles Times escribió que las pinturas de Cain "revelan que el arte funciona mejor cuando te mantiene en vilo, sin asentarse nunca en un solo tipo, un estilo unificado o un conjunto de movimientos que son predecibles, familiares y reconfortantes". ^{[ 11 ]}

Las pinturas de Cain presentan pinceladas enérgicas y gestuales que “equilibran el rigor formal… pero luego se desata”, creando una interacción dinámica entre control y espontaneidad. A menudo incorpora materiales cotidianos, como “un medallón, algunas cuentas, un colgante”, que funcionan “como elementos formales en composiciones visuales”. ^{[ 11 ]} Estos objetos actúan como componentes estructurales y simbólicos dentro de su obra.[²] “Las partes de mis obras en el sitio que parecen santuarios son personales”, explicó Cain. “Muchos de los objetos son regalos, o encontrados y conservados durante años. Hablan de mi propia vida, pero también de las subculturas por las que he viajado. Los considero un poco como entradas de diario. ^{[ 9 ]}

«Hay libertad en un objeto encontrado», comentó Cain. ^{[ 6 ]} La artista frecuentemente lleva la pintura más allá del bastidor, incorporando intervenciones arquitectónicas y materiales cotidianos para crear entornos inmersivos. Sus obras de gran formato suelen adoptar la forma de murales, suelos, muebles y ventanas, convirtiendo la pintura en un acto espacial y participativo.

En su exposición de 2021, My Favorite Season is the Fall of the Patriarchy ^{[ 12 ]} , en la National Gallery of Art, Cain creó una pintura de 13,7 metros de largo que se extendía más allá del lienzo y por todo el atrio; fue la primera vez que una artista recibió el encargo de crear una obra específica para el atrio del Edificio Este. ^{[ 13 ]} «He realizado más de 50 obras en el lugar», dijo Cain. «Me encanta la fugacidad, el presente y la energía que esto puede capturar». Añadió: «Uno de mis mayores objetivos es crear obras activas, emocionantes y dinámicas». ^{[ 13 ]}

Ella integra elementos como “collares, hilo, cristales, rosas secas, conchas marinas” en su obra. ^{[ 14 ]} “Reúno las palabras alrededor de mi obra como si fueran materiales”, dijo Cain sobre su proceso, refiriéndose a su uso de títulos basados ​​en texto. Un ejemplo, « La libertad es un número primo» , fue tomado de Los detectives salvajes de Roberto Bolaño . ^{[ 9 ]}

Su instalación permanente de vidrieras de 2019 en el Aeropuerto Internacional de San Francisco, We Will Walk Right Up To The Sun , presenta 270 paneles de color únicos, cada uno pintado de manera que no haya dos paneles adyacentes que compartan el mismo tono. ^{[ 5 ]} Cain comentó: "Si una obra va a abarcar tanto espacio, uno quiere que el espectador siga descubriendo cosas". ^{[ 5 ]}

En 2023, completó This is the thing they called life , una pintura específica para el lugar en la sede de Orange Barrel Media, que incluye tres silos de 70 pies de altura. ^{[ 15 ]}

Los críticos han enfatizado las dimensiones escultóricas de su obra. En la exposición de 2021 In Nature en The Momentary, Hyperallergic señaló las “cuentas sintéticas de Cain cosidas y que se desbordan de las pinturas, empujando sutilmente el reino de la pintura hacia lo escultórico”. ^{[ 16 ]} Reflexionando sobre la naturaleza efímera de sus instalaciones, Cain comentó: “Gran parte de mi práctica es efímera, por lo que desaparecer es inherente a mi forma de trabajar. ^{[ 9 ]}

La práctica de Cain se basa en una sensibilidad exacerbada al color como estructura y sujeto. «Cada color es intencional», afirmó en una entrevista de 2019 con T Magazine , refiriéndose a su instalación de vidrieras. ^{[ 5 ]} Andrew Berardini describió su paleta como «Un naranja italiano descarado, un verdín musgoso del color de las pociones de brujas del bosque, una mancha púrpura como un moretón reciente en la piel dura y tierna de un niño de la calle, el brillo arremolinándose sobre él como el resplandor de hadas guardianas, un rojo mercurial y contundente suavizado con ungüentos benditos y aceites esenciales, un verde como un billete de dólar moribundo que se desenrolla en música y talismán... un rayo solitario, desnudo como un fantasma». ^{[ 8 ]}

La poetisa Bernadette Mayer respondió a las pinturas de Cain diciendo: “es como ver un arcoíris en medio del bosque”. ^{[ 17 ]}

Cain describió sus pinturas como “sobre la colisión de varias formas de espacio: físico, emocional y psíquico”, y enfatizó su evolución a lo largo del tiempo: “La obra me dice cómo hacerla... Necesito que la pieza se pierda antes de ser encontrada”. ^{[ 9 ]}

Los títulos de Cain —como Now I'm Going to Tell You Everything y My Favorite Season is the Fall of the Patriarchy— la vinculan con una tradición de poética feminista. Además, suele hacer referencia a figuras feministas en los títulos de sus obras, provenientes de la cultura pop, la política y el arte. ^{[ 10 ]} Según la Henry Art Gallery, Cain «redefine la abstracción en términos feministas como una arquitectura para una experiencia transformadora, encarnada y emotiva», y «subvierte intencionalmente las tradiciones histórico-artísticas dominadas por los hombres al insistir en el valor de la estética femenina, queer y marginada». ^{[ 18 ]}

• 2025 – Tell The Poets, Honor Fraser, Los Ángeles, California
• 2024 – El camino de la totalidad, Serie Spotlight, Fundación de Arte FLAG, Nueva York, NY
• 2024 – Quiet Riot, Anthony Meier, Mill Valley, California
• 2023 – Esto es lo que llamaban vida , Orange Barrel Media, Columbus, OH
• 2023 – Sarah Cain , Henry Art Gallery, Seattle, WA ^{[ 7 ]}
• 2023 – Sarah Cain , Broadway Gallery, Nueva York, NY ^{[ 7 ]}
• 2022 – De la mano , Museo de Arte Colby, Waterville, ME ^{[ 7 ]}
• 2021 – Mi estación favorita es la caída del patriarcado , Galería Nacional de Arte
• 2021 – Entra al Centro , Museo de Enseñanza Tang, Saratoga Springs, NY ^{[ 7 ]}
• 2021 – En la naturaleza , Lo momentáneo, Museo Crystal Bridges, Bentonville, AR
• 2020 – La posibilidad de superar los pensamientos negativos , Vielmetter, Los Ángeles
• 2019 – El sol no esperará , Honor Fraser, Los Ángeles
• 2018 – Flor silvestre , Timothy Taylor, Londres, Reino Unido
• 2017 – Ahora te lo voy a contar todo , Instituto de Arte Contemporáneo, Los Ángeles
• 2015 – La arquitectura imaginaria del amor , Museo de Arte Contemporáneo, Raleigh, Carolina del Norte
• 2015 – Azul en tu cuerpo, rojo cuando toca el aire , Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, California.
• 2013 – Canción de montaña , Museo de Arte de Aspen , Colorado

• 2022 – 13 Mujeres , Museo de Arte del Condado de Orange , Costa Mesa, California
• 2021 – Colecciones permanentes , Museo de Arte Blanton , Austin, Texas
• 2019 – Fuerzas impulsoras: Arte contemporáneo de la colección de Ann y Ron Pizzuti , Museo de Arte de Columbus , Columbus, Ohio
• 2015 – En ___ confiamos: Arte y dinero , Museo de Arte de Columbus, Columbus, Ohio
• 2014 – Variaciones: Conversaciones sobre la pintura abstracta , Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Los Ángeles, California.
• 2013 – Fuera de los límites , Museo de Arte Contemporáneo, Houston, Texas
• 2012 – Made in LA , Hammer Museum y LAXART, Los Ángeles, California
• 2012 – Oro , Museo del Palacio Imperial Belvedere, Viena, Austria
• 2012 – Estirando la pintura , Galería Lelong, Nueva York, Nueva York
• 2011 – Dos escuelas de estilo , Museo de Arte del Condado de Orange, Newport Beach, California
• 2010 – Garganta de Plumas , Grimmuseum, Berlín, Alemania
• 2008 – Bienal de California , Museo de Arte del Condado de Orange, Newport Beach, California
• 2007 – Exposición del Premio de Arte SECA , Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco, California.
• 2006 – Bienal de Busan , Busan, Corea