Soneto 73

El soneto 73 , uno de los más famosos de los 154 sonetos de William Shakespeare , se centra en el tema de la vejez. El soneto está dirigido al Joven Hermoso . Cada una de las tres estrofas contiene una metáfora : el otoño, el paso del día y la extinción de un fuego. Cada metáfora propone una manera en que el joven puede ver al poeta. ^{[ 2 ]}

Barbara Estermann analiza el Soneto 73 de William Shakespeare en relación con el inicio del Renacimiento. Argumenta que el hablante del Soneto 73 se compara con el universo a través de su transición desde "el acto físico de envejecer hasta su acto final de morir, y luego hasta su muerte". ^{[ 3 ]} Estermann aclara que, a lo largo de los tres cuartetos del Soneto 73 de Shakespeare, el hablante "demuestra la relación del hombre con el cosmos y las propiedades paralelas que, en última instancia, revelan su humanidad y su vínculo con el universo. Shakespeare compara así el desvanecimiento de su juventud con los tres elementos del universo: el desvanecimiento de la vida, el desvanecimiento de la luz y la extinción del fuego". ^{[ 3 ]}

La primera estrofa es descrita por Seymour-Smith como: «una metáfora muy condensada en la que Shakespeare visualiza los arcos en ruinas de las iglesias, el recuerdo de voces que aún resuenan en ellos, y lo compara con las ramas desnudas del principio del invierno con las que se identifica». ^{[ 4 ]}

En la segunda estrofa, Shakespeare se centra en el «crepúsculo de ese día» mientras la muerte se acerca durante la noche. Barbara Estermann afirma que «le preocupa el cambio de luz, del crepúsculo al atardecer y a la noche oscura, revelando las últimas horas de vida». ^{[ 3 ]}

Sobre la tercera estrofa, Carl D. Atkins comenta: «Así como el fuego se apaga cuando se consume la leña que lo alimenta, así se extingue la vida cuando la fuerza de la juventud se desvanece». ^{[ 5 ]} Barbara Estermann dice que trata sobre «el desvanecimiento de la energía vital». ^{[ 3 ]}

El soneto 73 es un soneto inglés o shakesperiano . El soneto inglés consta de tres cuartetos , seguidos de un pareado final . Sigue el esquema de rima de la forma del soneto inglés, ABAB CDCD EFEF GG. Está compuesto en pentámetro yámbico , una métrica poética que tiene cinco pies por verso, y cada pie tiene dos sílabas acentuadas, primero débil y luego fuerte. Casi todos los versos siguen esta estructura sin variación, incluido el segundo:

 × / × / × / × / × / Cuando cuelgan hojas amarillas, o ninguna, o pocas (73.2) 

/ = ictus , una posición silábica métricamente fuerte. × = nonictus .

John Prince afirma que el hablante le cuenta a su oyente sobre su propia vida y la certeza de la muerte en su futuro cercano. El lector percibe esta muerte inminente y, por ello, ama aún más al autor. Sin embargo, una interpretación alternativa del soneto, presentada por Prince, sostiene que el autor no pretende abordar la muerte, sino el paso de la juventud. De esta manera, el tema del soneto se traslada de la vida del hablante a la del oyente. ^{[ 9 ]}

Respecto a la última línea, "esto lo percibes, lo que hace más fuerte tu amor, amar bien aquello que pronto tendrás que dejar", Prince pregunta:

¿Por qué, si el hablante se refiere a su propia vida, afirma que el oyente debe «abandonar» la vida del hablante? Si el «que» en el último verso se refiere a la vida del hablante, ¿por qué no dice el último verso «Amar bien aquello que pronto perderás»? ¿O por qué la acción de irse no tiene como sujeto al «yo», el poeta, que en la muerte dejaría atrás a su oyente? ^{[ 9 ]}

Bernhard Frank critica las metáforas que Shakespeare utiliza para describir el paso del tiempo, ya sea la llegada de la muerte o simplemente la pérdida de la juventud. Aunque líricas, son lógicamente erróneas y bastante clichés, al tratarse de los temas recurrentes del cambio de estación, la puesta de sol y el fuego. De hecho, el único verso notablemente original es el que se refiere a las hojas, que afirma que "cuando las hojas amarillas, o ninguna, o pocas cuelgan, de esas ramas". ^{[ 6 ]} La lógica exigiría que "pocas" precediera a "ninguna"; de hecho, si las ramas estuvieran desnudas, no colgarían hojas. Frank argumenta que Shakespeare lo hizo a propósito, evocando la compasión del lector, quien "desea cuidar y atesorar lo poco que queda", llevándolo a través de la lógica del patetismo: arrepentimiento, a resignación, a compasión. ^{[ 10 ]} Esta lógica, afirma Frank, dicta todo el soneto. En lugar de avanzar de la hora al día, al año con el fuego, luego la puesta de sol, luego las estaciones, Shakespeare retrocede. Al acortar cada vez más el tiempo, la fugaz mortalidad del lector se hace más evidente, mientras crece la simpatía por el hablante. Esta lógica del patetismo se puede apreciar en las imágenes de los tres cuartetos del soneto. Frank explica:

Imaginemos ahora los tres cuartetos del soneto como una cuadrícula rectangular con una fila para cada una de las imágenes principales y con cuatro columnas verticales:

Estas divisiones de las imágenes parecen perfectamente congruentes, pero no lo son. En el año, el frío del invierno ocupa una cuarta parte de la fila; en el día, la noche ocupa la mitad de la fila; en la última fila, sin embargo, la muerte comienza en el momento en que el árbol es cortado en troncos. ^{[ 10 ]}

Esta es una progresión gradual hacia la desesperanza. El sol se va en invierno, pero regresa en primavera; se pone al atardecer, pero volverá a salir por la mañana; pero el árbol que ha sido cortado en troncos y reducido a cenizas jamás volverá a crecer. Frank concluye argumentando que el pareado final, comparado con la lógica del patetismo bellamente elaborada creada previamente, resulta anticlimático y redundante. Los tres primeros cuartetos del poema significan más para el lector que la aparentemente importante conclusión del pareado final. ^{[ 10 ]}

Aunque coincide con Frank en que el poema parece crear dos temas —uno que aboga por la devoción de un amante joven hacia aquel que no estará presente por mucho tiempo, y otro que insta al joven amante a disfrutar de su fugaz juventud—, James Schiffer afirma que el pareado final, lejos de ser innecesario e insignificante, une ambas interpretaciones. Para comprender esto, explica que el lector debe examinar los sonetos precedentes, 71 y 72, y el soneto subsiguiente, 74. Explica:

El poeta mayor puede desear un amor más intenso por parte del joven, pero siente, como revela el verso 72, que no lo merece. Este conflicto psicológico explica por qué el pareado oscila ambiguamente entre las conclusiones «ámame», que el personaje no se atreve a pedir directamente, y «ama tu juventud», la alternativa impersonal que le impone su autodesprecio. ^{[ 11 ]}

Al leer el pareado final de esta manera, el lector se dará cuenta de que los dos significados discordantes de la última frase se fusionan para ofrecer una impresión más compleja del estado mental del autor. Además, esto logra centrar la atención del lector en la psique del "yo", tema del soneto 74.

Se han sugerido algunas posibles fuentes para ambos pasajes de las obras de Shakespeare: una escena de la obra Pericles y el tercer cuarteto del Soneto 73. En la escena de Pericles, se describe un emblema o impresa sobre un escudo con la imagen de una antorcha encendida invertida, junto con la frase latina Qui me alit, me extinguit («lo que me alimenta, me destruye»). ^{[ 12 ]} En el cuarteto del Soneto 73, la imagen es la de un fuego sofocado por las cenizas, lo cual difiere un poco de una antorcha invertida; sin embargo, el cuarteto contiene en inglés la misma idea que se expresa en latín en la impresa de Pericles : «Consumido por aquello que lo alimentaba». «Consumido» puede no ser la palabra más obvia para referirse a ser extinguido por las cenizas, pero permite la ironía de un fuego consumidor siendo consumido. ^{[ 13 ] [ 14 ]}

Una sugerencia que se ha planteado con frecuencia es que la fuente de Shakespeare podría ser el libro de Geoffrey Whitney de 1586, A Choice of Emblemes , en el que aparece una imprenta o emblema con el lema Qui me alit me extinguit , junto con la imagen de una antorcha invertida. A continuación, se ofrece una explicación:

Así como la cera alimenta y apaga la llama,

Así, el amor da la vida; y el amor, la desesperación da:

El amor divino, hace que los amantes se arrodillen de fama:

Los malvados aman, en la vergüenza los hacen vivir.

Entonces deja de amar, o ama como lo dicte la razón,

For, louers lewde doe vainlie langishe still. ^{[ 15 ] [ 16 ] [ 17 ]}

Joseph Kau sugiere una posible fuente alternativa: Samuel Daniel . En 1585, Daniel publicó el primer tratado y comentario en inglés sobre emblemas, The Worthy Tract of Paulus Jovius, ^{[ 18 ]} que era una traducción de Dialogo Dell' Imprese Militari et Amorose de Paolo Giovio (Roma, 1555). A esta obra se le adjunta "A discourse of Impreses", la primera colección en inglés de emblemas, en la que Daniel describe una prensa que contiene la imagen de una antorcha invertida:

"Un caballero enamorado de Milán portaba en su estandarte una antorcha figurada ardiendo, y al inclinarse hacia abajo, la cera derretida, al caer en gran abundancia, apagaba la llama. Con esta imagen al respecto. Quod me alit me extinguit. Aludiendo a una dama cuya belleza alimentó su amor, y cuyo desdén dañó su vida." ^{[ 19 ]}

Sin embargo, la sugerencia de Kau ha sido refutada, porque Kau hizo crucial para su argumento que tanto Shakespeare como Daniel usaran la palabra latina quod en lugar de qui , sin embargo, Shakespeare en realidad no usa la palabra quod en ninguna parte . ^{[ 20 ]}

Según Alan R. Young, la fuente más probable es el libro Devises Heroïques de Claude Paradin , posterior a 1561 , principalmente debido a la exactitud y el detalle con que respalda la escena en Pericles . ^{[ 21 ]}

• Paul Kelly , para el álbum de 2016, Seven Sonnets & a Song

Primera edición y facsímil

Ediciones Variorum

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