Steven Siegel

Las obras públicas de Siegel, concebidas específicamente para cada lugar, se dividen en tres grandes categorías: estructuras temporales hechas con periódicos al aire libre; obras orgánicas y lineales, realizadas principalmente con caucho triturado; y grandes cubos o esferas de materiales de desecho aglomerados, a menudo envases de plástico o aluminio triturados.

Las obras de Siegel realizadas con periódicos suelen adoptar formas monolíticas y concentradas, como cilindros, colmenas, muros o torres. Hacen referencia al tiempo a través de sus capas de papel de periódico fechado, un proceso de construcción reiterativo y metódico, y una desintegración gradual. ^{[ 1 ] [ 5 ]} La primera obra de este tipo realizada por completo por Siegel fue New Geology #2 (1992), una instalación de periódico, piedra y flora en el bosque cerca de su casa en Milan, Nueva York. Fue emprendida como un experimento sobre el cambio, la decadencia y el renacimiento, y para el año 2000, había desaparecido en gran medida en un paisaje de vegetación exuberante. ^{[ 17 ]} Hood (Portland, 1993) fue una escultura cónica de trece pies coronada por flora colorida, cuyas distintas capas fueron creadas mediante la colocación alternada de pliegues de periódico hacia adentro o hacia afuera. ^{[ 20 ]} Siegel construyó Squeeze II (1998, Appalachian State University) con periódicos escolares viejos y césped, encajando una estructura ondulada entre un bosquecillo de cicutas, cuyas curvas orgánicas crean un diálogo con las colinas onduladas del lugar. ^{[ 30 ] [ 28 ]} Para Very Slow (1999, Art Omi), construyó dos torres de periódicos en un grupo de arces. ^{[ 15 ] [ 17 ]}

Entre sus trabajos periodísticos posteriores se incluyen "Scale" (2002, Abington Art Center ), ^{[ 29 ]} Stories of Katrina (2005, Montalvo Arts Center), ^{[ 7 ]} Bridge 2 (2009, Arte Sella, Italia), ^{[ 13 ]} Suncheon Weave (2016, Corea) y Hill and Valley (2015, Sculpture in the Wild, Lincoln, MT), su obra periodística de mayor tamaño. ^{[ 3 ] [ 5 ] [ 31 ] [ 19 ]} Los escritores han señalado la "vida útil" cíclica de tales obras, desde sus orígenes materiales en papel producido a partir de árboles, hasta el arte que regresa al paisaje, a través de la biodegradación por hongos, setas y mohos en el suelo del que crecen nuevos árboles. ^{[ 3 ] [ 7 ]}

Mientras que la integración de las obras periodísticas de Siegel difumina los límites entre las formas naturales y construidas, sus instalaciones lineales que utilizan caucho sugieren intrusiones orgánicas, a veces amenazantes, en entornos arquitectónicos. ^{[ 32 ] [ 1 ] [ 33 ] [ 26 ]} La obra de interior Repose (1997, Atlanta) consistía en un montículo oscuro de neumáticos triturados sobre una pila de cartones de zumo parecida a la pizarra que se retorcía a través de un gran espacio de exposición. ^{[ 34 ] [ 35 ]} Para Carbon String (2001, Museo de Arte Neuberger ), creó una forma orgánica esbelta y lúdica de 200 pies que serpenteaba incongruentemente a través de la plaza arquitectónica, por lo demás austera, de SUNY Purchase . ^{[ 26 ] [ 1 ] [ 33 ]} Las formas de tentáculos de goma o raíces de árbol de Carbon (2013, Canberra, Australia) —la obra pública permanente más grande de Siegel— rezuman desde un alero y a través de la fachada de un edificio de usos múltiples que alguna vez albergó el Departamento de Cambio Climático de Australia. ^{[ 36 ] [ 19 ]}

En otras instalaciones, Siegel creó obras que contrastaban con sitios paisajísticos e idílicos que sugerían tanto escultura minimalista como objetos funcionales, como colecciones de material en camino a ser reciclado. ^{[ 25 ] [ 1 ] [ 37 ]} Por ejemplo, Bale (2001, Universidad de Virginia ) era un cubo minimalista de diez pies de botellas de plástico aplastadas unidas con mangueras de goma. ^{[ 37 ]} Instalaciones similares incluyeron Can Can (Universidad Estatal de Bowling Green, 2002), una esfera deformada de latas de aluminio desechadas; E-virus (2006, Universidad de Stanford ), un cilindro formado a partir de residuos electrónicos; cubos de Grass Paper Glass (2006, Grounds For Sculpture ), y Like a Buoy, like a Barrel (2019, Providence, RI), entre otras. ^{[ 25 ] [ 8 ] [ 14 ] [ 38 ]}

En la década de 2000, Siegel centró su atención en el trabajo de estudio, produciendo obras abstractas inspiradas en procesos evolutivos que abarcaban desde esculturas íntimas hasta ambiciosas instalaciones multimedia. ^{[ 28 ] [ 31 ] [ 9 ]} Este trabajo se relaciona con su obra a gran escala al aire libre por su uso continuo de materiales posconsumo y procesos evolutivos de acumulación incremental y artesanía que se construyen en conjuntos más grandes. ^{[ 8 ] [ 28 ]} En 2001, exhibió pequeñas piezas de pared y mesa que comprimían piedra, papel desechado, caucho triturado y corteza y ramas de árboles en formas que sugerían nidos, flora y formaciones rocosas. ^{[ 28 ]}

Este trabajo se convirtió en “Wonderful Life” (2002–8), una serie cronológica de 52 piezas murales hechas con una gama limitada de materiales que se inspiraron en parte en el libro homónimo de Stephen Jay Gould , que reevaluó la teoría de la evolución, y que lleva su nombre. ^{[ 6 ] [ 14 ]} La serie reproduce el detalle y la diversidad de la vida natural, progresando desde formas simples hasta formas más elaboradas y sofisticadas. ^{[ 39 ]} Sin embargo, en lugar de imitar los resultados de la naturaleza, Siegel se apropió de su metodología, explorando cambios simples y acumulativos en la “evolución” (es decir, el refinamiento de la técnica) que generan la forma de generación en generación (de obra en obra). ^{[ 8 ] [ 2 ] [ 39 ]} El crítico John Perreault señaló una diferencia clave con respecto a las obras de Siegel casi monocromáticas publicadas en periódicos, describiendo los “colores llamativos, contrastantes, casi pop” de la serie como “no necesariamente alegres, sino exuberantes y amenazantes a la vez”. ^{[ 8 ]}

Durante este tiempo, Siegel también produjo instalaciones interiores a gran escala. Creó Collection (2001) para una exposición de obras que respondían al vertedero de Fresh Kills; The New York Times describió su montaña de basura doméstica —catalogada mediante listas descriptivas proporcionadas por las personas que donaron los artículos clavados en una pared opuesta— como poesía y una "simulación impresionante" de un basurero. ^{[ 27 ]} Para Did God Make a Worm? (2005, Ingolstadt , Alemania), Siegel utilizó 9000 libras de restos de carrocerías de aluminio de Audi donados para crear una forma gigante, parecida a una babosa, que sobresalía de una pared y se extendía por todo el espacio de la galería y sus columnas. ^{[ 7 ]}

Biografía (2008–13) se basa en elementos de las piezas íntimas y las grandes instalaciones de Siegel, combinando detalles densos y entrelazados, diversos materiales posconsumo y un barrido horizontal épico y ondulante. ^{[ 40 ]} Con 156 pies de largo, la pieza de pared de técnica mixta solo se ha visto en grandes secciones (de hasta 100 pies) exhibidas en Marlborough (2011, 2013) y el Aeropuerto de Albany (2018– ) o digitalmente, a través de fotografías compuestas. ^{[ 9 ] [ 41 ] [ 19 ]} Funcionando como una línea de tiempo geológica y personal, fue construida orgánicamente de derecha a izquierda sin un punto final fijo, utilizando las estrategias características de Siegel de acumulación, compresión y transformación. ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 5 ]} Los escritores lo han comparado en escala y densidad con las pinturas expresionistas abstractas de Jackson Pollock y los ensamblajes pop de Nancy Rubins , y visualmente, con la tectónica cambiante del paisaje, un vasto mapa topográfico o ADN. ^{[ 41 ] [ 9 ]} Allese Thomson Baker de Artforum escribió: «Siegel ordena los detritos de nuestra cultura en un ritmo frenético, clavando las ansiedades contemporáneas sobre el medio ambiente en la pared. [Él] puede imaginar nuestro mundo a partir de la basura, pero el resultado es deslumbrante, brillante y reluciente en toda su maravilla sintética e inorgánica». ^{[ 9 ]}

Desde 2013, Siegel ha producido grandes collages y películas que combinan fotografía, creación de objetos y manipulación digital como formato alternativo para su obra de estudio de gran formato. Estas obras emplean perspectivas tanto de primer plano como de plano general y múltiples pantallas en forma de cuadrícula. A Puzzle for Alice (2016) consta de 169 paneles de pared en cuadrícula, una fotografía maestra y una película de ocho minutos narrada por su esposa, Alice, a quien está dedicada. ^{[ 3 ] [ 42 ]} Entre sus películas posteriores se incluyen 35 Pieces (2017) y An Art Video (2018). ^{[ 43 ]}