Animación limitada

Hanna-Barbera Productions utilizó animación limitada durante toda su existencia. Cuando los fundadores de la compañía, William Hanna y Joseph Barbera , se separaron del estudio MGM en 1957, optaron por adoptar un enfoque de animación drásticamente diferente al que habían utilizado para sus cortometrajes completamente animados; dado que las pantallas de televisión eran mucho más pequeñas que las de los cines en ese momento, la animación limitada, con su énfasis en los primeros planos de los personajes y el humor basado en el diálogo, se adaptaba mejor a la experiencia más íntima del espectador en casa. ^{[ 3 ]} En ese momento, la mayoría de los largometrajes (junto con los cortometrajes animados, incluido el propio trabajo de Hanna y Barbera en Tom y Jerry ) estaban en transición al proceso de pantalla ancha CinemaScope , lo que dificultaba replicar la intimidad; The Walt Disney Company , aunque continuó utilizando animación completa, también había utilizado primeros planos de los personajes y humor basado en la personalidad en sus primeras películas. Cuando Disney produjo La dama y el vagabundo en CinemaScope, el proceso dificultó replicar ese estilo, ^{[ 4 ]} un problema que Hanna-Barbera no tuvo con pantallas de televisión más pequeñas y cuadradas.

Los beneficios financieros de la animación limitada llevaron a que las compañías de animación televisiva dependieran extensamente del proceso en la era de la televisión. Jay Ward Productions recurrió a la animación limitada por esas razones, ^{[ 5 ]} compensando con su fuerte sátira de la Guerra Fría y un estilo de comedia inexpresiva que se convertiría en un sello distintivo del estilo del estudio. ^{[ 6 ]} Uno de los usuarios frecuentes de la animación limitada fue el rival de HB de los sábados por la mañana Filmation (creadores de He-Man y los Amos del Universo y BraveStarr ) que le dio a su trabajo una apariencia distintiva. ^{[ 7 ]} Bill Melendez utilizó una forma de animación limitada para adaptar la franquicia Peanuts a la televisión y posteriormente al cine; además de las preocupaciones de costo y tiempo (especialmente para su primer especial A Charlie Brown Christmas , que recibió un presupuesto de solo $76,000 y cuatro meses para producir 30 minutos de animación), Meléndez también señaló que el creador de Peanuts, Charles M. Schulz, había diseñado los personajes con un estilo plano muy adecuado para la animación limitada. ^{[ 8 ]} Los efímeros Cambria Studios produjeron tres seriales (incluido Clutch Cargo ) utilizando uno de los métodos de animación más económicos posibles: conocido como Syncro-Vox , consistía en superponer la película de los labios en movimiento del actor de voz sobre un fotograma fijo del personaje. ^{[ 9 ] [ 10 ]} La propia Disney recurrió a algunos trucos de animación limitados en un esfuerzo por reducir su presupuesto durante la década de 1960, particularmente con su uso de xerografía en Cien y un dálmatas , lo que resultó en un arte con contornos más gruesos y toscos de lo que se había visto en las películas de Disney hasta ese momento. ^{[ 11 ]}

En la década de 1970, el uso de animación limitada en los dibujos animados de los sábados por la mañana se había generalizado. Walter Williams, creador de The Mr. Bill Show , observó que los dibujos animados de los años setenta eran tan estáticos que esperaba que las manos del artista entraran en la pantalla en cualquier momento y comenzaran a mover físicamente los dibujos. Esto lo inspiró a crear el personaje de "Mr. Hands" en The Mr. Bill Show , quien literalmente hacía eso. ^{[ 12 ]}

La animación limitada demostró ser particularmente popular en Japón , de tal manera que la palabra japonesa para animación, anime , entró en el léxico inglés como un préstamo para el estilo distintivo de animación japonesa que echó raíces allí. ^{[ 13 ]} El anime presenta escenas de movimiento de boca con parpadeos ocasionales de ojos, tomas largas renderizadas de fondos detallados, una baja velocidad de fotogramas (especialmente en producciones anteriores) y un uso poco frecuente de fluidez 2D en acción llena de desenfoque de movimiento junto con dibujos reutilizados, utilizando convenciones de estilo de los cómics japoneses ( manga ). También tiene el beneficio de producciones de menor costo y contenido estilizado en contraposición a la animación realista. ^{[ 14 ] [ 15 ]} Como fue el caso en Estados Unidos, la televisión fue un impulso importante para el crecimiento del anime en Japón; la recuperación del país de la Segunda Guerra Mundial condujo a la prosperidad económica y un auge en la propiedad de televisores japoneses, y el desarrollo del anime permitió a Japón competir en un campo de la animación donde, en la era de la Edad de Oro de la animación estadounidense , se había quedado muy rezagado. ^{[ 13 ]} Para la década de 1980, el campo de la animación japonesa era igual o mejor que la industria estadounidense, lo que hacía rentable enviar episodios de series de televisión estadounidenses a Japón para ser animados y luego devueltos para su finalización; este trabajo de animación japonesa no se realizaba con el mismo estilo que el anime, sino que era un estilo híbrido que no era animación completa, pero sí más completo que la animación limitada del anime o la animación de la televisión estadounidense de finales del siglo XX. ^{[ 16 ]}

La animación limitada hizo una historia temprana de la animación filipina en la década de 1970, estableció una película de propaganda histórica Tadhana , dirigida por Nonoy Marcelo . A diferencia de cualquier película animada influyente en Filipinas, TadhanaEl uso que hace de la animación es tosco pero único, con características distintivas. ^{[ 17 ]}

Filipinas ha sido un destino popular para la externalización de animación occidental, debido a la combinación de un amplio conocimiento de la cultura occidental (en parte por su largo período como territorio estadounidense ) y bajos costos. ^{[ 18 ] [ 19 ]}