Bucle de cinta

En música , los bucles de cinta son cintas magnéticas que se utilizan para crear patrones musicales rítmicos y repetitivos o densas capas de sonido al reproducirse en una grabadora . Originarios de la década de 1940 con la obra de Pierre Schaeffer , fueron utilizados por compositores contemporáneos de las décadas de 1950 y 1960, como Éliane Radigue , Steve Reich , Terry Riley y Karlheinz Stockhausen , quienes los emplearon para crear patrones de fase , ritmos, texturas y timbres . Los autores de música popular de las décadas de 1960 y 1970, particularmente en los géneros psicodélico , progresivo y ambiental , utilizaron bucles de cinta para acompañar su música con innovadores efectos de sonido. En la década de 1980, el audio analógico y los bucles de cinta dieron paso al audio digital y a la aplicación de computadoras para generar y procesar sonido.

En un bucle de cinta, se corta un tramo de cinta magnética y se empalman los extremos, creando un círculo o bucle que se puede reproducir de forma continua, normalmente en una grabadora de cinta de carrete a carrete , haciendo que el sonido se repita sin cesar.

La reproducción simultánea de bucles de cinta para crear patrones y ritmos fue desarrollada e inicialmente utilizada por compositores de música concreta y música para cinta , y fue empleada de forma más extensa por Steve Reich en sus piezas de " fasing " como " Come Out " (1966) y " It's Gonna Rain " (1965), y por Karlheinz Stockhausen en Gesang der Jünglinge (1955-56) y Kontakte (1958-60). Stockhausen también utilizó la técnica en sus interpretaciones en directo en Solo (1965-66).

Si, en lugar de simplemente reproducir un bucle grabado, se realiza alguna acción para alterar progresivamente el material grabado entre ciclos, como volver a grabar el sonido antes de que pase por el cabezal de reproducción o añadir material nuevo al bucle, entonces se producirá un proceso de cambio en el contenido, la calidad y la complejidad del material. ^{[ 1 ]}

En una grabadora de cinta de carrete a carrete estándar, un bucle no puede durar más de unos pocos segundos. Algunos compositores se conformaban con este enfoque, pero existían otros métodos para lograr bucles más largos. Por ejemplo, colocar dos grabadoras de carrete a carrete una al lado de la otra con la cinta pasando de una a la otra. Mediante este método, algunos compositores podían crear bucles muy largos que permitían sonidos de mayor duración. Al grabar su emblemático álbum de música ambiental de 1978 , Music for Airports , Brian Eno informó que para una canción en particular, "Uno de los bucles de cinta tenía setenta y nueve pies de largo y el otro ochenta y tres pies". ^{[ 2 ]} El bucle de cinta abierto más largo jamás creado fue realizado por Barry Anderson para interpretaciones de Solo de Stockhausen. ^{[ 3 ]} Hainbach y Look Mum No Computer crearon el bucle de cinta más largo del mundo con 76,62 metros (251 pies) en Ramsgate, Reino Unido en 2023. ^{[ 4 ]} Los cartuchos cerrados como los que se usan en las grabadoras de 8 pistas suelen hacer disponibles longitudes más largas.

Al acelerar la velocidad de un bucle a un grado suficiente (por ejemplo, 1280 veces más rápido), una secuencia de eventos originalmente percibida como un ritmo se escucha como un tono, y la variación del ritmo en la sucesión original de eventos produce diferentes timbres en el sonido acelerado. ^{[ 5 ] [ 6 ]} La aceleración máxima disponible de la mayoría de las grabadoras de cinta de tres velocidades es de cuatro veces.

A finales de la década de 1940, Pierre Schaeffer utilizó discos fonográficos especiales con un surco cerrado para repetir segmentos de sonido en su estudio de música concreta en París. Cuando la tecnología de cinta magnética estuvo disponible, reemplazó esta técnica con bucles de cinta, donde dichos segmentos podían repetirse simplemente o sufrir una transformación electrónica durante la repetición. ^{[ 7 ]}

En 1955, Éliane Radigue , aprendiz de Pierre Schaeffer en Studio d'Essai , aprendió a cortar, empalmar y editar cintas utilizando sus técnicas. Sin embargo, a finales de los 60 se interesó más por la retroalimentación de cinta. Compuso varias piezas ( Jouet Electronique [1967], Elemental I [1968], Stress-Osaka [1969] , Usral [1969] , Ohmnht [1970] , Vice Versa, etc. [1970]) procesando la retroalimentación entre dos grabadoras de cinta y un micrófono. ^{[ 8 ]}

Halim El-Dabh , quien experimentó con música grabada desde principios de la década de 1940 hasta la de 1950, también utilizó bucles de cinta. ^{[ 9 ]} A partir de finales de la década de 1950, el Taller Radiofónico de la BBC comenzó a utilizar bucles de cinta para agregar efectos especiales a algunos programas de la BBC. ^{[ 10 ]} Se emplearon varias configuraciones diferentes de bucles de cinta en los primeros años del estudio WDR en Colonia. Una de estas configuraciones se utilizó para construir texturas multicapa grabando sonidos secuencialmente con el cabezal de borrado desconectado o con una disposición personalizada de los cabezales. Gottfried Michael Koenig aplicó este método en 1954, en su Klangfiguren I. ^{[ 11 ]}

En Canadá, Hugh Le Caine produjo en 1955 «un ejemplo particularmente claro y memorable de música concreta » titulado Dripsody . Se construyó a partir del sonido de una sola gota de agua, utilizando una grabadora de cinta de velocidad variable, bucles de cinta y tan solo 25 empalmes. ^{[ 12 ]} En esa misma época, en Colonia, Karlheinz Stockhausen produjo una obra más ambiciosa, Gesang der Jünglinge (1955-56), que hizo un uso extensivo de bucles de cinta, en particular para sus grupos de impulsos estratificados y enjambres corales. ^{[ 13 ]}

El compositor minimalista Terry Riley comenzó a utilizar bucles de cinta a finales de la década de 1950. Con sencillas grabadoras Wollensak , grabó música de piano, voz y otras muestras de sonido, que luego reproducía en altavoces que rodeaban al público junto con la interpretación en vivo, creando «texturas orquestales», como lo describe Edward Strickland. Con la ayuda de Richard Maxfield y Ramon Sender , Riley combinó bucles de cinta con dispositivos de eco , produciendo la pieza «acid trip» Mescalin Mix (1961), compuesta a partir de muestras de sonido de sus obras anteriores. Posteriormente, experimentó con la combinación de diferentes cintas, creando piezas como Music for the Gift (1963) y culminando en el uso de un sistema de retardo/retroalimentación de cinta que empleaba dos grabadoras (descritas colectivamente por Riley como el «acumulador de retardo temporal») en actuaciones en solitario en vivo. ^{[ 14 ] [ 15 ]}

El uso de bucles de cinta en la música popular se remonta al dub jamaicano de la década de 1960. El productor de dub King Tubby utilizó bucles de cinta en sus producciones, improvisando con unidades de retardo caseras . Otro productor de dub, Sylvan Morris, desarrolló un efecto de eco de repetición rápida utilizando bucles de cinta tanto mecánicos como hechos a mano. Estas técnicas fueron adoptadas posteriormente por músicos de hip hop en la década de 1970. ^{[ 16 ]}

Steve Reich también utilizó bucles de cinta para componer, empleando una técnica que denominó " fasing ". Unía dos bucles de cinta a velocidades ligeramente diferentes, de modo que comenzaban a reproducirse simultáneamente y luego se separaban. Algunas piezas creadas con este método son It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966). En Violin Phase (1967) combinó el bucle de cinta con una partitura instrumental. Posteriormente, Gavin Bryars exploró un concepto similar en la composición 1, 2, 1-2-3-4 (1971), interpretada por un pequeño conjunto en el que cada músico intentaba reproducir de forma independiente una grabación de cinta. ^{[ 17 ]}

En las décadas de 1960 y 1970, el uso de bucles de cinta supuso un gran avance en la música popular . A medida que avanzaban hacia su fase " psicodélica ", los Beatles experimentaron cada vez más con nuevas tecnologías y grabadoras de cinta, un proceso que culminó con Revolver (1966) y su último tema, " Tomorrow Never Knows ", basado en cinco bucles de cinta reproduciéndose simultáneamente. " Revolution 9 " (1968) fue una aventura aún más experimental, consistente casi en su totalidad en bucles de cinta que aparecían y desaparecían gradualmente. ^{[ 18 ]}

La introducción de nuevas tecnologías, como los secuenciadores y sintetizadores analógicos en la década de 1970, seguidos por los secuenciadores digitales en 1977, marcó el fin de la era de los bucles de cinta en la industria musical. Con la llegada del MIDI en 1983, las computadoras y los dispositivos digitales asumieron la producción de efectos de sonido que antes realizaban los dispositivos analógicos. ^{[ 19 ]} Las composiciones con bucles de cinta solo han experimentado resurgimientos esporádicos desde entonces, como la serie The Disintegration Loops de William Basinski (2002-2003), que evidencia la lenta desaparición de sus cintas grabadas originalmente en la década de 1980. ^{[ 20 ]}

• Cartucho de cinta sin fin (sistema de cinta de circuito cerrado)
• Doblaje (música)
• doblaje
• El estudio de grabación como instrumento

• Bill Gibson; Secuenciación de muestras y bucles (Método de grabación de Hal Leonard, Libro 4); Nueva York: Hal Leonard Books, 2007. ISBN 978-1-42343-051-3.

• De los bucles de cinta al MIDI: Cuarenta años de música electrónica de Karlheinz Stockhausen en la Wayback Machine (archivado el 13 de abril de 2018)
• El nacimiento del loop: una breve historia de la música con loops, por Michael Peters