El entierro del conde de Orgaz

El entierro del conde de Orgaz ( en español : El entierro del conde de Orgaz ) es una pintura de 1586 de El Greco , destacado pintor , escultor y arquitecto renacentista de origen griego . Considerada una de sus mejores obras, ilustra una leyenda popular de la época. De gran tamaño, se divide en dos secciones: una celestial arriba y otra terrenal abajo, pero esta dualidad no se percibe claramente, ya que ambas secciones se integran armoniosamente.

La pintura ha sido elogiada por los estudiosos del arte, caracterizada, entre otras cosas , como "una de las páginas más veraces de la historia de España", como una obra maestra del arte occidental y del Manierismo tardío , y como el epítome del estilo artístico de Greco. ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]}

El tema de la pintura está inspirado en una leyenda de principios del siglo XIV. En 1323, murió un tal Don Gonzalo Ruiz de Toledo , alcalde de la ciudad de Orgaz (su familia recibió posteriormente el título de Conde, por el que se le conoce generalmente y póstumamente). Don Gonzalo Ruiz de Toledo era descendiente de la noble familia Paleólogo , que dio origen a la última dinastía gobernante del Imperio Bizantino . Caballero piadoso , el Conde de Orgaz fue también un filántropo que, entre otros actos de caridad, legó una suma de dinero para la ampliación y embellecimiento de la iglesia de Santo Tomé (la iglesia parroquial de El Greco), donde deseaba ser enterrado. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]}

Según la leyenda, en el momento del entierro del Conde, San Esteban y San Agustín descendieron personalmente del cielo y lo sepultaron con sus propias manos ante los ojos atónitos de los presentes. El suceso se representa en la pintura, con cada detalle del tema descrito en el contrato firmado entre Greco y la Iglesia. El milagro también se menciona en la inscripción epitafiana latina, colocada en la pared debajo de la pintura. ^{[ 7 ] [ 3 ]} Si bien Greco cumplió con los términos del contrato, introdujo algunos elementos que «modernizaron» la leyenda, como una serie de características atribuidas a una procesión fúnebre tradicional del siglo XVI, las vestiduras de los dos santos, así como la representación de figuras destacadas de Toldia de su época. La «modernización» de la leyenda sirve al propósito didáctico de la pintura, que, de acuerdo con las doctrinas de la Contrarreforma , subraya la importancia tanto de la veneración de los santos como de las buenas obras para la salvación del alma. ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]}

La pintura fue encargada por Andrés Núñez, párroco de Santo Tomé, para la capilla lateral de la Virgen de la iglesia de Santo Tomé. ^{[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]} Núñez, quien había iniciado un proyecto para restaurar la capilla funeraria del Conde, aparece retratado en la pintura leyendo (a la derecha de la parte inferior de la composición). ^{[ 14 ] [ 15 ]} El encargo de la pintura fue el último paso en el plan del sacerdote para glorificar la parroquia. ^{[ 16 ]}

Firmado el 18 de marzo de 1586, el contrato entre Núñez y El Greco establecía exigencias iconográficas específicas, estipulaba que el artista pagaría los materiales y preveía la finalización de la obra para la Navidad de 1587. Greco debió trabajar a un ritmo frenético y terminó la pintura entre finales de 1587 y la primavera de 1588. A continuación, se produjo un largo debate entre los sacerdotes y el pintor en relación con el valor de la obra de este último, para lo cual el contrato estipulaba que se determinaría mediante tasación. ^{[ 17 ] [ 18 ]} Inicialmente intransigente, Greco finalmente cedió y aceptó la primera "estimación experta" más baja, aceptando recibir 13.200 reales . ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]}

Ya en 1588, la gente acudía en masa a Santo Tomé para ver la pintura. Esta inmediata acogida popular se debió principalmente al retrato realista de los hombres notables de Toledo de la época. ^{[ 12 ]} Era costumbre que los hombres eminentes y nobles de la ciudad asistieran al entierro de los nobles, y en el contrato se estipuló que la escena debía representarse de esta manera. ^{[ 15 ]}

El Greco rendiría homenaje a la aristocracia espiritual, al clero, a los juristas, a los poetas y a los eruditos que lo honraron a él y a su arte con su estima, inmortalizándolos en la pintura. El Entierro del Conde de Orgaz ha sido admirado no solo por su arte, sino también porque es una galería de retratos de algunas de las personalidades más importantes de la época en Toledo. En 1612, Francisco de Pisa escribió: «La gente de nuestra ciudad nunca se cansa, porque [...] hay retratos realistas de muchos hombres notables de nuestro tiempo». ^{[ 20 ]}

Según los términos estipulados en el contrato y el enfoque académico predominante, la pintura se divide en dos zonas, yuxtaponiendo el mundo terrenal con el celestial, que se unen compositivamente (por ejemplo, por las figuras de pie, por su variada participación en el evento terrenal y celestial, por las antorchas, la cruz, etc.). ^{[ 21 ] [ 22 ] [ 23 ]} Franz Philipp enfatiza el elemento de la asunción del alma ( assumptio animae ) y argumenta que la obra debe considerarse tripartita: la división central de la pintura está ocupada por la assumptio animae , en forma de un bebé recién nacido, "etéreo". ^{[ 24 ]} La percepción agustiniana del alma y su ascenso, que evolucionó desde una base neoplatónica , es una posible inspiración para la imaginería de la assumptio animae del pintor . ^{[ 25 ]} La manera en que Greco vincula temática y artísticamente la zona superior con la inferior de la pintura ha sido caracterizada por los estudiosos del arte como ingeniosa y como una forma de lograr aún más el mensaje principal de la pintura, que la veneración y las buenas obras conducen a la salvación . ^{[ 26 ]}

En la parte superior, la celestial, las nubes se han abierto para recibir al "hombre justo" en el Paraíso . El cielo se evoca mediante nubes heladas arremolinadas, de forma semiabstracta, y los santos son altos y fantasmales. Cristo , vestido de blanco y en gloria, es un resplandor de luz, y el punto culminante del triángulo formado por las figuras de la Virgen y San Juan Bautista en la composición ortodoxa tradicional de la Deesis . ^{[ 27 ] [ 25 ] [ 28 ]} Estas tres figuras centrales de gloria celestial están rodeadas de apóstoles, mártires, figuras bíblicas (incluidos Moisés , Noé y David ), así como Felipe II de España , aunque aún vivía. El "justo" Felipe II está espiritualmente unido a Cristo y a las criaturas celestiales en una Ciudad de Dios tal como la concibió Agustín. ^{[ 25 ]} La tierra celestial y la terrenal se mezclan de una manera asombrosa, pero hay poca sensación de dualidad. En la parte central de la composición, un ángel empuja poderosamente el alma naciente hacia arriba, un movimiento interpretado una vez más como una visualización de la enseñanza de la salvación de la Contrarreforma. ^{[ 29 ]}

La escena del milagro se representa en la parte inferior de la composición, en la sección terrestre, donde todo es normal en cuanto a la escala y las proporciones de las figuras. ^{[ 27 ]} San Agustín, con las características de Gaspar de Quiroga y Vela , el arzobispo de Toledo , y San Esteban, con vestiduras doradas y rojas respectivamente, se inclinan reverentemente sobre el cuerpo del conde, que está vestido con una magnífica armadura que refleja los amarillos y rojos de las otras figuras. La armadura es contemporánea de la época de Greco y está inspirada en la vestimenta militar ceremonial de la realeza española tal como se representa en los retratos de Tiziano . ^{[ 30 ]} Los nobles contemplan el evento de manera distante y contenida. Su sosegada compostura se ha interpretado como otro elemento visual del propósito didáctico de la pintura bajo la influencia de la Contrarreforma o como una expresión de los orígenes bizantinos del arte de Greco. ^{[ 21 ] [ 22 ]} El joven de la izquierda es el hijo de El Greco, Jorge Manuel; En un pañuelo que lleva en el bolsillo está inscrita la firma del artista y la fecha 1578, año del nacimiento del niño. La inclusión de Jorge Manuel subraya el propósito didáctico de la pintura: el niño ocupa una posición destacada cerca de la mirada del espectador, dirigiéndola con el dedo índice. ^{[ 31 ]} El propio artista puede ser reconocido justo encima de la mano alzada de un caballero de la Orden de Santiago . ^{[ 32 ] [ 15 ]}

La pintura posee una armonía cromática muy rica, expresiva y radiante. Sobre las vestiduras negras de luto de los nobles se proyectan las vestimentas bordadas en oro, creando así un intenso carácter ceremonial. En el espacio celestial predominan las armonías transparentes de iridiscencia y grises marfil, que armonizan con los ocres dorados, mientras que en el manto de la Virgen el azul profundo se combina estrechamente con el rojo brillante. La retórica de las expresiones, las miradas y la traducción gestual hacen que la escena sea muy conmovedora. ^{[ 33 ]}

La composición de la pintura se ha relacionado estrechamente con la iconografía bizantina de la Dormición de la Madre de Dios . La argumentación que apoya este punto de vista se centra en el icono de la Dormición de El Greco, descubierto en 1983 en la iglesia homónima de Syros . ^{[ 27 ]} Robert Byron, según quien el tipo iconográfico de la Dormición fue el modelo compositivo de El entierro del conde de Orgaz , afirma que El Greco, como auténtico pintor bizantino, trabajó a lo largo de su vida con un repertorio de componentes y motivos a su antojo, según las exigencias narrativas y expresivas del arte. ^{[ 34 ]}

Por otro lado, Harold Wethey rechaza como «poco convincente» la opinión de que la composición del Entierro deriva de la Dormición , «ya que la obra está más directamente relacionada con los prototipos del Renacimiento italiano». En relación con la eliminación de la profundidad espacial mediante la compresión de las figuras en primer plano, se mencionan los primeros manieristas florentinos —Rosso Fiorentino , Pontormo y Parmigianino— , así como dos pinturas de Tintoretto : la Crucifixión y la Resurrección de Lázaro , esta última por la hilera horizontal de espectadores detrás del milagro. Se dice que la agrupación elíptica de los dos santos, mientras bajan el cuerpo muerto, está más cerca del Entierro temprano de Tiziano que de cualquier otra obra. Wethey afirma que «el método de composición manierista de El Greco no se expresa en ningún otro lugar con mayor claridad que aquí, donde toda la acción tiene lugar en el plano frontal». ^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ] [ 22 ]}

Philipp argumenta que la pintura está fuertemente influenciada por el arte funerario español contemporáneo , y que Greco se adhirió a esta tradición artística sepulcral al tiempo que adaptaba un tema religioso popular, el Entierro de Cristo , a las necesidades de su encargo. ^{[ 38 ]} Sarah Schroth cree que Greco utiliza el Entierro de Tiziano como modelo para transmitir sutilmente su mensaje didáctico sobre el valor de las buenas obras, y menciona la Adoración de la Trinidad de Albrecht Dürer como inspiración para la composición bipartita de la pintura y la representación de laicos contemporáneos en la zona inferior, terrenal. ^{[ 26 ]} Sin embargo, Scroth se aparta del rechazo absoluto de Wethey a la presencia de elementos bizantinos en la pintura, y acepta la Dormición como influencia para la representación de la assumptio animae en el Entierro . Una tercera obra de Tintoretto, El Juicio Final , es mencionada por Schroth como una posible influencia para la representación de Gloria en El Entierro , ya que Greco quería incorporar elementos de la liturgia funeraria en la parte superior de la pintura. ^{[ 39 ]}

Independientemente de sus diferentes enfoques en relación con las influencias de la pintura, El entierro es celebrado unánimemente por los estudiosos del arte como una obra maestra. También se considera la primera obra completamente personal del artista, la culminación de sus primeros diez años de creatividad en Toledo, que inicia su período artístico maduro, así como los procesos de espiritualización y desmaterialización que continuarán en sus obras posteriores. ^{[ 1 ] [ 15 ]} Según Lambraki-Plaka, El entierro es un hito en la carrera del artista: «Aquí es donde El Greco nos presenta, de forma altamente condensada, la sabiduría que ha aportado a su arte, su conocimiento, su pericia, su imaginación compuesta y su poder expresivo. Es la enciclopedia viviente de su arte sin dejar de ser una obra maestra con continuidad orgánica y entelequia». ^{[ 33 ]}

La impresionante representación de miembros prominentes de la sociedad toledana en la zona inferior establece a Greco como un retratista consumado , con un profundo conocimiento de la fisonomía y los gestos. La armonía cromática y el uso de colores increíblemente ricos, expresivos y radiantes confirman su talento como colorista, mientras que las escenas representadas en las vestiduras bordadas revelan a un miniaturista dotado . La composición general con los elementos innovadores ya mencionados —la peculiar síntesis de lo real con lo surreal, la negación de la profundidad espacial y la impresionante variedad de retratos— desvelan todos los aspectos del extraordinario arte de Greco. ^{[ 1 ] [ 15 ] [ 36 ]} Interpretando el comentario de Francisco de Pisa en relación con la pintura, de que «siempre hay cosas nuevas que contemplar en ella», Schroth caracteriza El entierro como una «fuente inagotable de instrucción y placer». ^{[ 40 ]}

En sus diarios de viaje por el Lejano Oriente, Palestina y España, Albert Einstein caracteriza El entierro como "una pintura magnífica" y "una de las imágenes más profundas que jamás he visto". ^{[ 41 ]}

• Lista de obras de El Greco
• 100 Grandes Pinturas , serie de la BBC de 1980

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• Wethey, Harold (2002). "Greco, El" . Encyclopædia Britannica .

• «Dos cuadros y un escéptico» , conferencia de Stewart Sutherland que relaciona este cuadro con el Guernica de Picasso a través de la cuestión de la fe religiosa, impartida en Gresham College el 26 de febrero de 2008 (disponible en formato de texto, audio y vídeo).
• El entierro del conde de Orgaz : análisis y recepción crítica.