Los cazadores de fósiles

«Los cazadores de fósiles» es una pintura del artista estadounidense Edwin Dickinson (1891-1978). Pintada entre 1926 y 1928, fue la obra de mayor tamaño que había realizado hasta entonces y requirió 192 sesiones para su finalización. La pintura, que forma parte de la colección del Museo Whitney de Arte Estadounidense , contiene las referencias más explícitas a las raíces y los seres queridos de Dickinson.

La obra «Los cazadores de fósiles » es una escena oscura y monocromática que representa a un anciano y una joven dormidos en un entorno ambiguo entre cortinas y rocas. La palabra «Sheldrake», grabada en la roca sobre el anciano, nombra un pueblo en el lado oeste del lago Saranac donde el joven Dickinson pasaba los veranos explorando los valles cercanos a la casa de veraneo familiar, donde buscaba fósiles y al que regresaba periódicamente de adulto. ^{[ 1 ]} El suelo rocoso sobre el que descansan las figuras pretende sugerir este terreno. «F2», escrito en la vela que cuelga a la izquierda, se refiere a Frances (Pat) Foley, su prometida, y las letras BD, debajo de la máscara de Beethoven, son las iniciales del hermano mayor del artista, Burgess Dickinson —conocido como Beethoven por sus compañeros de Yale—, quien se suicidó en 1913. La figura femenina en la esquina inferior derecha fue posada para su hermana, Antoinette, o «Tibi». ^{[ 2 ]}

El título hace referencia a los fósiles que Dickinson buscó de niño en Sheldrake, ^{[ 3 ]} y nuevamente durante una visita en el verano de 1926 antes de comenzar a trabajar en la pintura. Se incluyen algunos trilobites, la máscara de Beethoven descansa sobre un gran braquiópodo, ^{[ 4 ]} y la esquina de una fotografía de un fósil es visible bajo el codo derecho del hombre. El cuadro no fue nombrado en sus cartas o diarios hasta después de que leyó una historia de hombres que habían desarrollado vacunas para combatir enfermedades debilitantes, Cazadores de microbios , ^{[ 5 ]} incluyendo la tuberculosis, que mató a su madre. El autor comparó a los científicos que buscaban curas con los artistas y afirmó que la búsqueda de los cazadores de microbios era arriesgada, a veces fatal. ^{[ 6 ]} En lugar de cazadores, las figuras principales parecen estar durmiendo o muertas.

Driscoll cree que todas las imágenes del cuadro son "estimulantes de la memoria" y toma un pasaje de Proust que Dickinson había subrayado como la inspiración del cuadro. ^{[ 7 ]} Sin embargo, resulta notable la ausencia de cualquier detalle en esta pintura que invite a la asociación con las propiedades que Proust destacó en el pasaje citado como portadoras de "la vasta estructura del recuerdo": "el olor y el sabor de las cosas". ^{[ 7 ]}

El psicólogo clínico Eliot Adler (invitado por el historiador de arte Matthew Baigell a realizar algunas observaciones sobre cuatro cuadros de Dickinson, basándose evidentemente solo en la información del catálogo de Lloyd Goodrich de 1965) interpretó el comentario de Dickinson sobre la búsqueda de fósiles "en su país natal" como una vinculación del terreno del cuadro con "la tierra de la que surgió". ^{[ 8 ]} Además de las referencias a la muerte y al regreso a la tierra, Adler señala imágenes que sugieren el nacimiento de una Madre Tierra, incluyendo el drapeado "claramente labial". Ward coincide, señalando a la mujer que aparentemente emerge de un vacío en el acantilado rocoso (en la orientación preferida para el nacimiento, cabeza primero) a través de las cortinas corridas. Sugiere que la idea de la Madre Tierra como escenario del cuadro es deliberada, como lo indica una pista que dejó Dickinson. Justo encima de la mujer que emerge hay un seno presentado como parte de la formación rocosa. Aunque coincide con las rocas en valor y tonalidad, su forma esférica, reforzada por su sombra proyectada, y la sugerencia de un pezón, hacen clara la metáfora. ^{[ 8 ]} Dickinson había pintado en un momento dado un desnudo sentado en la parte superior del cuadro, ^{[ 9 ]} y Adler la identifica como la madre de la que nacieron su hermana en la parte inferior derecha y él mismo (a quien Adler identifica como el anciano). ^{[ 8 ]} La identificación de su hermano con Beethoven (desconocido para Adler) refuerza la idea. El pecho, entonces, puede entenderse como una referencia más sutil a la Madre Tierra que el desnudo al que reemplazó. Dickinson describió a las dos figuras reclinadas como dormidas, ^{[ 10 ]} lo que sugiere que la escena puede ser un sueño del anciano, quien se imagina a sí mismo dormido sobre el cuerpo de su madre, reconfortado por los recuerdos de sus seres queridos.

Ward sugiere que un sueño específico que Dickinson describió en una carta también podría explicar una parte importante del significado de la pintura, sobre todo porque parece que el tema que acababa de tratar le lo recordó. El 12 de noviembre de 1926, cuatro días antes de empezar a pintar su cuadro, pero once días después de empezar a planificarlo, ^{[ 11 ]} escribió sobre el próximo centenario de Beethoven y sobre un hombre de Buffalo que había conocido a Beethoven. Luego, sin transición, escribió: «Anoche soñé que salvaba a un hombre de ahogarse en el puerto de La Habana». ^{[ 12 ]} Dado que escribir sobre Beethoven parece haberle recordado su sueño, Ward sugiere que el hombre al que salvó en su sueño era su hermano, y que expresaba el deseo de haber podido salvarle la vida cuando saltó del apartamento de Edwin en el sexto piso. ^{[ 13 ]} Argumenta que el sueño tiene una referencia artística específica a la pintura de John Singleton Copley , Watson y el tiburón , en el Museo de Bellas Artes de Boston. Representa al joven Brook Watson siendo rescatado de un tiburón (y de ahogarse) en el puerto de La Habana. Es muy posible que Dickinson pretendiera que la pintura que estaba a punto de realizar fuera un medio para "rescatar" a Burgess a través del arte. En marzo siguiente, Dickinson escribió que le habían regalado una máscara mortuoria de Beethoven. ^{[ 14 ]} Significativamente, la máscara mortuoria muestra sus ojos cerrados. Dickinson abrió los ojos en su pintura y, al hacerlo, no solo inmortalizó a su hermano, sino que le devolvió la vida que recordaba que tenía.

Adler ve al anciano sosteniendo un palo (un pincel simbólico) contra la piedra de afilar como expresión del "trabajo" del artista para dar a luz algo eterno, como lo significa la máscara de Beethoven con aspecto de fósil que sostiene en su mano, ^{[ 15 ]} la referencia a la búsqueda de fósiles alude a este deseo de dejar vestigios —arte— que sobrevivan a la muerte, como los hijos de una mujer la sobreviven a ella. El propio Dickinson admitió que el deseo de crear algo tan perdurable como la obra de los antiguos maestros se manifestó en el tamaño de la obra (con 96½  pulgadas de alto, era la pintura más grande que había hecho). ^{[ 16 ]}

La obra Los cazadores de fósiles alcanzó una considerable notoriedad cuando se exhibió en la Carnegie International de 1928, debido a que fue colgada de lado, un error que se perpetuó en exposiciones posteriores en 1929 en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (donde el error se detectó antes de la inauguración) ^{[ 17 ]} y en Nueva York en la Academia Nacional de Diseño , donde causó un revuelo aún mayor al ganar un premio en su estado desorientado. ^{[ 18 ]}

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