La división de la vida

La obra «La división de la vida» es una serie de más de 80 pinturas al óleo de gran formato realizadas por Nabil Kanso . Las pinturas abarcan el período comprendido entre 1974 y 1994 y abordan temas contemporáneos e históricos relacionados con la guerra y la violencia. ^{[ 1 ]}

El tema de la guerra en la obra de Kanso comenzó entre 1972 y 1974 en Nueva York, cuando realizó una serie de pinturas y dibujos ^{[ 2 ] [ 3 ]} sobre la guerra de Vietnam . Tras una breve pausa, ^{[ 4 ]} en 1975 inició la serie sobre la guerra del Líbano, inspirada en la guerra civil que estalló en su país natal . ^{[ 5 ]} La intersección de ambas series, que refleja similitud en composición, escala, estilo y temática, proporcionó el marco para una serie más amplia cuyo tema subyacente constituyó la base de la serie «Split of Life» al abarcar varias otras series que tratan sobre la guerra. ^{[ 6 ] [ 7 ]}

La serie Split of Life delimita dos períodos: 1974–1985 y 1986–1994. Las obras del primer período se caracterizan por el uso de colores cálidos dominados por el rojo, el naranja, el amarillo y el negro, y la representación de composiciones en las que masas de figuras ocupan todo el plano de la superficie. ^{[ 8 ]} Entre las series de este período se encuentran Vietnam , Líbano , One-Minute on (Hiroshima y Nagasaki) y Time Suspended in Space on (Sudáfrica) . Las obras del período 1986–94 representan composiciones que dividen el lienzo en dos o más secciones que representan figuras pintadas en azul oscuro y negro dentro de un recinto de rojo y naranja rodeado por un espacio blanco. ^{[ 9 ]} En toda la pintura hay una dinámica de transformación, en lugar de formas estáticas de distribución y conocimiento. ^{[ 10 ]} Entre las series de este período se encuentran Cluster Matter, Glory and Cruelty y Living Memory ( Auschwitz ). Se sugiere que la mayoría de las pinturas de la serie «La división de la vida» presentan una recesión en la parte superior central y una simetría bilateral. Esta división suele representarse mediante un rostro contra una V. La violencia parece concentrarse en esa abertura, de modo que el centro queda dominado por una figura de la madre de la guerra, una figura kali. ^{[ 11 ]}

Al examinar las obras de la serie Split of Life , algunos estudios señalan aspectos compositivos y temáticos junto con un conjunto de conceptos distintivos, en particular, el sujeto humano, los dioses, el cielo luminoso y la tierra que se oculta a sí misma. ^{[ 12 ]}

Las figuras humanas aparecen como la carne de la humanidad, siempre impulsada por la ley de la regeneración, ofreciéndose voluntariamente a los tormentos de la dominación y la sumisión. ^{[ 13 ]} El sufrimiento y el tormento humanos parecen haber existido siempre. Soportan el dolor y permanecen en este estado terrible dictado por una realidad social delincuente. En la escisión de la Vida, existen en una realidad nueva y diferente creada por la imaginación del artista en grandes lienzos en los que exponen su caso como seres condenados. Su presencia nos perturba y nos inquieta. Nos encontramos inmersos en su mundo cuya realidad se convierte en nuestra propia realidad. ^{[ 14 ]}

Los dioses parecen inmortales, pero no eternos; cada Sagrada Familia preside únicamente una época en la historia de los hombres junto a los dioses. Los poderes (más allá del Bien y del Mal) en los que se analiza la «Necesidad» carecen de historia; aplastan a la humanidad dentro del círculo eterno de la reflexión impotente y el deseo inconsciente. ^{[ 15 ]}

La superficie de la imagen ocluye el cielo, el espacio vacío del horizonte que hace posible la luz, la oscuridad y sus relaciones, el horizonte como límite entre el cielo y la tierra. La composición cubre ese espacio y todas sus ilusiones cognitivas ^{[ 16 ]} Las explosiones de guerras que causan destrucción y devastación inflaman y oscurecen el cielo azul con formas oscuras que brotan de la tierra ardiente. Las escenas violentas perturban la gama cromática del claroscuro, luz y sombra a través de la cual las víctimas emergen de los lienzos con un suspiro común de una herida abierta sufrida por la realidad social. ^{[ 17 ]} La disposición pictórica se extiende hasta los bordes de los lienzos como luz u oscuridad sin espacio. La luz emana de las figuras y usa el, por lo que la luz, por lo tanto, es en última instancia una fuerza ^{[ 18 ]} Luz, espacio, cielo se relacionan estrechamente con formas de redención a través de la ironía, aceptación de la mortalidad, la historia de las personas, luz contra oscuridad.

La tierra absorbe las fuerzas que ocultan, y se ocultan a sí mismas en, todo lo que sale a la luz. ^{[ 19 ]} La tierra no puede aparecer por sí misma; necesita de la pintura, de la elección del pintor, incluso mientras las consume. Kanso explora el terror que rodea el acto de elección, de auto-elección, de pintar. ^{[ 20 ]} Las pinturas sacan a la luz las pesadillas terrenales que han ocultado la serenidad del paraíso y la paz, y transmiten un nuevo llamado a un despertar. ^{[ 21 ]}

Al analizar las tendencias artísticas, se observa que Kanso rompe con las tradiciones pictóricas tanto de Oriente como de Occidente. Nos ofrece, en cambio, lo Medio, «el abismo de la necesidad que se abre en el corazón de la contingencia humana y la contingencia universal». ^{[ 22 ]}

La brecha en el medio proporcionó el terreno para una redefinición total de la pintura en un estilo en el que Kanso se apartó de las convenciones pictóricas tanto de Oriente como de Occidente. ^{[ 23 ]} Presenta una visión del mundo y sus formas en términos de su multiplicidad e interrelación. Un mundo en el que las fronteras políticas no son trazadas arbitrariamente por las superpotencias. ^{[ 24 ]} En palabras de Edward Said: «Cuanto más capaz sea uno de abandonar su hogar cultural, más capaz será de juzgarlo, y también al mundo entero, con el desapego espiritual y la generosidad necesarios para una visión verdadera. Más fácilmente, además, uno se evalúa a sí mismo y a las culturas ajenas con la misma combinación de intimidad y distancia». ^{[ 25 ]}

La cuestión de la multiplicidad cultural, en contraposición a la dislocación cultural, entra en juego. El orientalismo es una forma de dislocación cultural porque impuso una cultura occidental sobre el «Oriente» de tal manera que lo que Oriente refleja no es la cultura oriental, sino una cultura colonizada. ^{[ 26 ]} La multiplicidad cultural, por otro lado, consiste en mantener la propia identidad cultural y presentarla junto con otras culturas. ^{[ 27 ]} Se señala que «Nabil Kanso es el primer artista de Oriente Medio que emerge fuera, si no en contra, del marco del colonialismo». ^{[ 28 ]} Presenta una visión del mundo a través de las situaciones límite de la muerte, el amor, el sufrimiento y la culpa. La organización de estas situaciones límite, señala un crítico, constituye su poética, que se basa en una profunda relación de humanidad con Occidente y un asombrado y expectante desapego de él. De este círculo deriva su extraordinario poder expresivo. ^{[ 29 ]}

Entre 1983 y 1993, una amplia gama de pinturas de varias fases de la serie La Escisión de la Vida se exhibieron en varios centros de arte en Argentina ^{[ 30 ]} Brasil ^{[ 31 ]} México , ^{[ 32 ]} Panamá , ^{[ 33 ]} Corea , ^{[ 34 ]} Kuwait , ^{[ 35 ]} Suecia , ^{[ 36 ]} Suiza ^{[ 37 ]} y Venezuela , ^{[ 38 ]} Las exposiciones fueron objeto de artículos, ensayos, poemas, conferencias y proyectos de paz. ^{[ 39 ] [ 40 ] [ 41 ]} En Venezuela, las instalaciones se presentaron como parte del Segundo Simposio Iberoamericano celebrado en Caracas en 1987, ^{[ 42 ]} el Encuentro Internacional por la Paz en Mérida en 1988. ^{[ 43 ]} Las pinturas exhibidas en diferentes exposiciones se consideraron como reflejo de un sentido de "totalidad, de una pintura que se encuentra con otra". ^{[ 44 ]} Se observa que la magnitud de las pinturas sitúa al espectador en medio de una jaula violenta. Su sincronía y diacronía cruzan un punto fijo en el que la exposición ya no es un total de varias piezas, sino una sola pintura. ^{[ 45 ]} Algunos críticos señalan una sensación de atrapamiento ^{[ 46 ]} en la que estar de pie en el espacio central rodeado por las pinturas de Kanso de 3,6 metros de altura es lo más parecido a estar en medio de un incendio. ^{[ 47 ]} «El holocausto pintado que nos rodea», escribió un crítico, «nos atrapó en una jaula de sentimientos». ^{[ 48 ]} «Al encontrarse con estas pinturas», comentó un crítico, «sería imposible escapar. Las escenas atraen al espectador al presenciar los eventos violentos». ^{[ 49 ]} «Nos encontramos inmersos en esta totalidad violenta, terrible e incisiva, estamos atrapados». ^{[ 50 ]} Los horrores parecen brotar de los lienzos, poniendo al espectador cara a cara con escenas que reflejan una continuidad de guerra y violencia que ocurre en nuestro tiempo y espacio. ^{[ 51 ]}

En 1985, Kanso exhibió una serie de siete pinturas que cubrían las paredes de la galería del Nexus Contemporary Art Center, reflejando, en opinión de un crítico, “una muestra monumental de los horrores neoexpresionistas de la guerra”. ^{[ 52 ]} “Los horrores de la guerra en el Líbano”, escribió un crítico de arte, “han alimentado las llamas que arden en estas pinturas tan efectivas”. ^{[ 53 ]} “Ante el horror”, comentó un crítico, “solo hay dos caminos: circunscribir, crear una barrera, una demarcación absoluta, estar “en unidad” con la confluencia y negarse a superarla, o obsesionarse hasta el punto de no retorno, crear un lienzo del tamaño y la forma del original, un mapeo uno a uno de lo real sobre sí mismo, que utiliza el cuerpo del artista “en un sentido transitivo” a través de él. Y eso es lo que ocurre en estas pinturas”. ^{[ 54 ]} Un crítico pensó en las expresiones como “un tapiz de almas, luchando, buscando unas a otras… ritmos de jazz pintados de espíritus desnudos que suben una interminable escalera de Jacob en una conflagración metafórica que nos repele y nos absorbe a todos. ^{[ 55 ]}

Al examinar la serie de siete pinturas realizadas en 1984-85, los críticos de arte señalan diversos temas, en particular, el poder, la muerte y la sexualidad, así como la poética que organiza estos temas dentro de las pinturas. ^{[ 56 ]} La interrelación de estos temas y los símbolos compuestos asociados a ellos proporcionan un marco que otorga un significado crucial a las pinturas. Puertas, centros vacíos y escaleras están presentes en todas ellas. En opinión de la crítica, conllevan un mensaje de cambio o transformación en los modos de poder, desde un sistema que controla mediante la represión y la reducción, vinculado a la ley del soberano, hacia un sistema positivo que busca promover y desarrollar la vida y cuya conexión es con el cuerpo social. ^{[ 57 ]}

• Alas en guerra , 3,65 x 10,50 metros (12 x 34 pies), óleo sobre lienzo , 1984 ^{[ 58 ]} Cuatro figuras centrales de guerreros se enfrentan cara a cara blandiendo dos grandes espadas curvas con forma de hoz o guadaña con flechas afiladas que apuntan en múltiples direcciones. Entre ellas, sobresale un rostro enigmático con la boca abierta y los dientes al descubierto. La intersección de las dos espadas forma dos grandes alas entrelazadas que dividen la escena en dos secciones relacionadas con la lucha y llenas de movimiento y tensión constantes que intensifican la atmósfera de brutalidad, opresión, sufrimiento y violencia. “En esta pintura”, escribe un crítico de arte, “Kanso explora la multiplicidad del poder y hace conscientes de sus relaciones móviles al crear un centro sin una figura central. ^{[ 59 ]} Cuatro figuras reemplazan la noción de un centro de poder con la multiplicidad de relaciones móviles. En esencia, “el poder se ejerce desde innumerables puntos, en la interacción de relaciones no igualitarias y móviles”. ^{[ 60 ]} Las figuras alrededor del centro aparecen como “símbolos hegemónicos” de las relaciones móviles, ^{[ 61 ]} donde hay poder hay resistencia”, un término desarrollado como resultado del orientalismo estadounidense. ^{[ 62 ]} Hay cuatro jinetes distribuidos uniformemente frente a cuatro torres con rostros parecidos a máscaras. Algunos críticos sostienen que estos jinetes representan su poder y riqueza acumulados, es decir, corporaciones y directivos corporativos. ^{[ 63 ]} Una figura espectral a caballo se enfrenta a una figura barbuda crucificada que está siendo atravesada por una lanza en el pecho. Parece estar tirando con fuerza con una mirada de rabia. Esta figura alude a Cristo crucificado y simboliza la desaparición del consenso en el centro del poder. Las cabezas que se alzan desde el frente simbolizan las inconstancias, discontinuidades y la naturaleza esquiva del poder sin consenso, que estas cabezas protegen y facilitan mediante el silencio y el secretismo. ^{[ 64 ]}
• La Puerta , 3,65 x 5,50 metros (12 x 18 pies), óleo sobre lienzo, 1985 ^{[ 65 ]} Una figura dominante montada a caballo en la parte superior central de la pintura parece supervisar el evento, simbolizando autoridad y poder. Cabalga cerca de una figura de pie frente a una puerta abierta con una chimenea encendida. Gesticula con los brazos extendidos y mira hacia tres figuras sin cabeza que caminan hacia él. Una figura que sostiene un libro parece observar su paso mientras espera su llegada. En opinión de la crítica, las figuras sin cabeza son símbolos de la conjunción del legalismo y la muerte. La figura en la puerta y la que sostiene el libro simbolizan a los intermediarios que ejecutan la ley obedeciendo y defendiendo el poder. ^{[ 66 ]}
• Entre los muros , 3,65 x 3 metros, óleo sobre lienzo, 1985 ^{[ 67 ]} Todo el lienzo está empapado de sangre, símbolo del poder que se manifestaba a través de ella: el honor de la guerra, el miedo al hambre, el triunfo de la muerte, el soberano con su espada, una realidad con una función simbólica. ^{[ 68 ]} La sangre gotea sobre una prisión construida donde seis niños aterrorizados y llorosos se apoyan en las piedras inferiores del muro, extendiendo sus manos en un gesto suplicante. En la parte superior, seis palomas ensangrentadas intentan volar por encima de los muros que las encierran. Una puerta de alambre de púas brillantemente iluminada, con pájaros negros que intentan entrar y salir, llena el centro. Una escalera se enrosca en el lado izquierdo de la pintura, camuflando al sexto niño y conectándolo con el sexto pájaro. Algunos críticos sostienen que la composición retrata a la humanidad rodeada de torres de poder (muros) y su alma está atrapada en el vuelo, la desesperación emana de la puerta y todo parece sumergido en sangre (la ley). ^{[ 69 ]}
• Fantasmas desnudos , 3,65 x 5,50 metros (12 x 18 pies), óleo sobre lienzo, 1984 ^{[ 70 ]} Un ave gigantesca de mirada amenazante se abalanza sobre una escena turbulenta que se expande con varias divisiones de complejidades, tensiones y contratensiones variables. Figuras con los brazos extendidos en gestos de indignación y rescate emergen de los dos lados superiores del cuadro y se lanzan en diagonal hacia una escena de secuestro, violación, tortura o muerte. Un tigre de aspecto agresivo y amenazador ruge a dos figuras que luchan con una larga lanza. Se observa que la composición aborda la impotencia del sistema represivo en relación con el individuo, simbolizado por una figura delineada por el hombre que se vuelve sobre sí mismo: se evidencia un acto de canibalismo que tiene lugar en la esquina superior derecha del cuadro. Las relaciones de la muerte y las fuerzas móviles del poder se manifiestan en formas de reducción y represión simbolizadas en ejecuciones y castigos. ^{[ 71 ]}
• Ritmo de los maestros , 3,65 x 5,50 metros (12 x 18 pies), óleo sobre lienzo, 1984 ^{[ 72 ]} Una figura toca el piano junto a un burro sentado. En el piano de cola, un hombre yace de espaldas con los brazos extendidos alrededor de una mujer que está encima de él. Ella se inclina hacia atrás en un trance extático hacia una figura masculina que baila frenéticamente. El pianista simboliza la autoridad que emite sus decretos desde un piano. La luz de la puerta emana del centro de un círculo de cerebros sangrantes. Las cabezas que flanqueaban los primeros planos en las pinturas Puerta y Alas en guerra se han metamorfoseado de cabezas sin cuerpo a cuerpos sin cerebro. ^{[ 73 ]} Bailan histéricamente en el lado derecho del lienzo, incapaces de unirse con sus cerebros flotantes, ya que los procesos políticos los han vuelto indefensos, un papel desempeñado por la figura del maestro que dirige a las figuras danzantes. ^{[ 74 ]}
• Transgresión , 3,65 x 6,75 metros (12 x 22 pies), óleo sobre lienzo, 1984 ^{[ 75 ]} La composición divide la escena en tres partes triangulares dominadas por una gran sección central que extiende sus bordes hasta las esquinas superiores del lienzo. En la parte superior central, dos escaleras sinuosas se entrelazan en forma de V junto a dos grandes aves rapaces que se abalanzan sobre una escena intensificada por divisiones, formas y simetría de áreas espaciales animadas por figuras que luchan en diversos actos y encuentros. Según el análisis crítico, esta pintura presenta el cuerpo humano como el vehículo más revelador de un nuevo sentido del alma y su transformación del nivel metafísico al comunicativo. ^{[ 76 ]} Kanso se centra en el proceso de transformar el deseo sexual en discurso y pone de relieve el lugar del sexo dentro de las técnicas de comunicación y ausencia de comunicación, tal como se explicita en el psicoanálisis. La única mujer vestida en las pinturas está ubicada en la parte superior derecha del centro. Ella alude a la Virgen María, reflejando connotaciones como el ascetismo, la confesión y el misticismo, conceptos estrechamente relacionados con el psicoanálisis como técnica humana. Su vestimenta intensifica la sensualidad de las figuras desnudas que la rodean. En el lado izquierdo, las figuras de una madre, un padre y un niño son símbolos de la sexualidad secular. ^{[ 77 ]} En primer plano, se ubica prominentemente la espalda de una figura masculina con brazos alzados en forma de alas y la cabeza inclinada casi invisible, que se proyecta hacia las piernas bifurcadas en el centro, rodeada de figuras femeninas. Algunos críticos señalan que la sensualidad y el erotismo de las mujeres en la pintura reflejan aspectos que participan de Kali y su feminidad , encarnando lo erótico y la presencia del cuerpo como revolucionario. De ahí el erotismo de estos cuerpos y su aspecto revolucionario. ^{[ 78 ]}
• Sombras que caen , 3,65 x 3 metros (12 x 10 pies), óleo sobre lienzo, 1985 ^{[ 79 ].} La composición muestra una escalera que se mueve desde el centro de la luz hacia el plano frontal y retrocede a través de una puerta donde se ve desaparecer la mitad inferior de un cuerpo. La figura aparece boca abajo, descendiendo diagonalmente desde la esquina superior izquierda hacia el centro del cuadro, pero no entra en el centro iluminado. Algunos autores sugieren que esta figura ha alcanzado un nuevo punto terminal, uno que considera la muerte no en términos del cuerpo y el alma individuales, sino en términos de una especie, que es la Escisión de la Vida . Algunos críticos señalan que «el hombre ha llegado a una posición en el mundo donde tiene el poder de aniquilarse a sí mismo a través de su tecnología y, si fracasa en esto, se enfrenta a la aniquilación a través de la enfermedad». ^{[ 80 ]} En esta pintura, Kanso nos presenta una masa de cuerpos en la parte inferior mirando hacia arriba; no son los cuerpos que reflejan el esplendor asesino del soberano, sino más bien una especie que reflexiona sobre su destino. La forma en que el artista presenta el cuerpo humano es el vehículo más revelador para un nuevo sentido del alma y su transformación del nivel metafísico al comunicativo. ^{[ 81 ]}

• Líbano
• Los vórtices de la ira (Líbano, 1977)
• Vietnam

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