Pintura de paisajes

En el arte medieval occidental temprano, el interés por el paisaje desaparece casi por completo, manteniéndose vivo solo en copias de obras de la Antigüedad tardía como el Salterio de Utrecht ; la última reelaboración de esta fuente, en una versión gótica temprana, reduce los paisajes anteriormente extensos a unos pocos árboles que llenan los huecos en la composición, sin una sensación de espacio general. ^{[ 11 ]} Un resurgimiento del interés por la naturaleza se manifestó inicialmente principalmente en representaciones de pequeños jardines como el Hortus Conclusus o los de los tapices de mil flores . Los frescos de figuras trabajando o jugando frente a un fondo de árboles densos en el Palacio de los Papas, Aviñón, son probablemente una supervivencia única de lo que fue un tema común. ^{[ 12 ]} Se han conservado varios frescos de jardines de casas romanas como la Villa de Livia . ^{[ 13 ]}

Durante el siglo XIV, Giotto di Bondone y sus seguidores comenzaron a reconocer la naturaleza en su obra, introduciendo cada vez más elementos del paisaje como telón de fondo para la acción de las figuras en sus pinturas. ^{[ 14 ]} A principios del siglo XV, la pintura de paisaje se estableció como género en Europa, como escenario de la actividad humana, a menudo expresada en un tema religioso, como los temas de El descanso en la huida a Egipto , El viaje de los Reyes Magos o San Jerónimo en el desierto . Los lujosos manuscritos iluminados fueron muy importantes en el desarrollo inicial del paisaje, especialmente las series de Los trabajos de los meses como las de las Très Riches Heures du Duc de Berry , que convencionalmente mostraban pequeñas figuras de género en escenarios paisajísticos cada vez más grandes. Un avance particular se muestra en las menos conocidas Horas de Turín-Milán , ahora en gran parte destruidas por un incendio, cuyos desarrollos se reflejaron en la pintura primitiva de los Países Bajos durante el resto del siglo. El artista conocido como "Hand G", probablemente uno de los hermanos Van Eyck , tuvo un éxito particular en la reproducción de efectos de luz y en una progresión aparentemente natural desde el primer plano hasta la vista lejana. ^{[ 15 ]} Esto fue algo que otros artistas encontraron difícil durante un siglo o más, resolviendo a menudo el problema mostrando un paisaje de fondo desde lo alto de un parapeto o alféizar, como si fuera desde una altura considerable. ^{[ 16 ]}

Los fondos paisajísticos para diversos tipos de pintura se volvieron cada vez más prominentes y hábiles durante el siglo XV. El período alrededor de finales del siglo XV vio dibujos y acuarelas de paisajes puros de Leonardo da Vinci , Albrecht Dürer , Fra Bartolomeo y otros, pero los temas de paisajes puros en pintura y grabado , todavía pequeños, fueron producidos por primera vez por Albrecht Altdorfer y otros de la Escuela del Danubio alemana a principios del siglo XVI. ^{[ 17 ]} Sin embargo, los exteriores de las alas de un tríptico de Gerard David , fechado en "alrededor de 1510-15", son los más antiguos de los Países Bajos , y posiblemente de Europa. ^{[ 18 ]} Al mismo tiempo, Joachim Patinir en los Países Bajos desarrolló el " paisaje mundial ", un estilo de paisaje panorámico con figuras pequeñas y utilizando un punto de vista aéreo elevado, que siguió siendo influyente durante un siglo, siendo utilizado y perfeccionado por Pieter Brueghel el Viejo . El desarrollo italiano de un sistema completo de perspectiva gráfica era ya conocido en toda Europa, lo que permitía pintar vistas amplias y complejas con gran eficacia.

Los paisajes se idealizaban, reflejando en su mayoría un ideal pastoral extraído de la poesía clásica, expresado plenamente por primera vez por Giorgione y el joven Tiziano , y que permaneció asociado sobre todo con el paisaje montañoso y boscoso italiano, representado por artistas del norte de Europa que nunca habían visitado Italia, del mismo modo que los intelectuales de China y Japón, que vivían en llanuras, pintaban montañas vertiginosas. Aunque a menudo se animaba a los jóvenes artistas a visitar Italia para experimentar la luz italiana , muchos artistas del norte de Europa podían ganarse la vida vendiendo paisajes italianizantes sin siquiera molestarse en hacer el viaje. De hecho, ciertos estilos fueron tan populares que se convirtieron en fórmulas que podían copiarse una y otra vez. ^{[ 19 ]}

La publicación en Amberes en 1559 y 1561 de dos series de un total de 48 grabados (los Pequeños Paisajes ), basados ​​en dibujos de un artista anónimo conocido como el Maestro de los Pequeños Paisajes, marcó un cambio con respecto a los paisajes imaginarios y distantes con contenido religioso del paisaje mundial, hacia representaciones en primer plano, a la altura de los ojos, de fincas y pueblos identificables, poblados por figuras que realizaban actividades cotidianas. Al abandonar la perspectiva panorámica del paisaje mundial y centrarse en lo humilde, rural e incluso topográfico, los Pequeños Paisajes sentaron las bases de la pintura paisajística neerlandesa del siglo XVII. Tras la publicación de los Pequeños Paisajes, los paisajistas de los Países Bajos continuaron con el paisaje mundial o adoptaron el nuevo estilo presentado por los Pequeños Paisajes. ^{[ 20 ]}

La popularidad de los paisajes exóticos se evidencia en el éxito del pintor Frans Post , quien dedicó el resto de su vida a pintar paisajes brasileños tras un viaje a Brasil entre 1636 y 1644. Otros pintores que nunca cruzaron los Alpes podían ganar dinero vendiendo paisajes de la región del Rin , y otros más creando escenas fantásticas por encargo, como la vista de Smeerenburg pintada por Cornelis de Man en 1639.

Se desarrollaron fórmulas compositivas que utilizaban elementos como el repoussoir , las cuales siguen siendo influyentes en la fotografía y la pintura modernas, especialmente por Poussin ^{[ 21 ]} y Claude Lorrain , ambos artistas franceses que vivieron en la Roma del siglo XVII y pintaron principalmente temas clásicos o escenas bíblicas ambientadas en los mismos paisajes. A diferencia de sus contemporáneos holandeses, los paisajistas italianos y franceses a menudo querían mantener su clasificación dentro de la jerarquía de géneros como la pintura histórica, incluyendo pequeñas figuras para representar una escena de la mitología clásica o la Biblia. Salvator Rosa aportó un atractivo pintoresco a sus paisajes al mostrar el campo agreste del sur de Italia, a menudo poblado por bandidos . ^{[ 22 ]}

La pintura de la Edad de Oro holandesa del siglo XVII experimentó un auge espectacular del paisaje, en el que muchos artistas se especializaron, y el desarrollo de técnicas realistas sumamente sutiles para representar la luz y el clima. Existen diferentes estilos y periodos, así como subgéneros de pintura marina y animal, además de un estilo distintivo de paisaje italianizante. La mayoría de los paisajes holandeses eran relativamente pequeños, pero los paisajes del barroco flamenco , que aún solían incluir figuras humanas, a menudo eran de gran tamaño, sobre todo en la serie de obras que Peter Paul Rubens pintó para sus propias casas. Los grabados de paisajes también fueron populares, considerándose generalmente los de Rembrandt y las obras experimentales de Hercules Seghers como los mejores.

Los holandeses solían hacer pinturas más pequeñas para casas más pequeñas. Algunas especialidades paisajísticas holandesas mencionadas en los inventarios de la época incluyen la Batalje , o escena de batalla; ^{[ 23 ]} la Maneschijntje , ^{[ 24 ]} o escena a la luz de la luna; la Bosjes , ^{[ 25 ]} o escena de bosque; la Boederijtje , o escena de granja, ^{[ 26 ]} y la Dorpje o escena de pueblo. ^{[ 27 ]} Aunque no se la denominó en su momento como un género específico, la popularidad de las ruinas romanas inspiró a muchos pintores paisajistas holandeses de la época a pintar las ruinas de su propia región, como monasterios e iglesias destruidas tras la Beeldenstorm . ^{[ 28 ]}

Jacob van Ruisdael es considerado el más versátil de todos los pintores paisajistas de la Edad de Oro holandesa. ^{[ 29 ]} La popularidad de los paisajes en los Países Bajos fue en parte un reflejo de la virtual desaparición de la pintura religiosa en una sociedad calvinista , y el declive de la pintura religiosa en los siglos XVIII y XIX en toda Europa, combinado con el Romanticismo , dio a los paisajes un lugar mucho más importante y prestigioso en el arte del siglo XIX del que habían tenido antes.

En Inglaterra, los paisajes inicialmente servían principalmente como fondo para los retratos, sugiriendo típicamente los parques o fincas de un terrateniente, aunque en su mayoría eran pintados en Londres por artistas que nunca habían visitado los extensos terrenos de sus retratados. La tradición inglesa fue fundada por Anthony van Dyck y otros artistas, en su mayoría flamencos , que trabajaban en Inglaterra, pero en el siglo XVIII las obras de Claude Lorrain fueron muy apreciadas por los coleccionistas e influyeron no solo en la pintura de paisajes, sino también en los jardines paisajísticos ingleses de Capability Brown y otros.

En el siglo XVIII, la acuarela , sobre todo de paisajes, se convirtió en una especialidad inglesa, con un mercado floreciente para las obras profesionales y un gran número de pintores aficionados, muchos de los cuales seguían los sistemas populares que se encontraban en los libros de Alexander Cozens y otros. A principios del siglo XIX, los artistas ingleses con mayor reputación moderna eran en su mayoría paisajistas, mostrando la amplia gama de interpretaciones románticas del paisaje inglés que se encuentran en las obras de John Constable , J.M.W. Turner y Samuel Palmer . Sin embargo, todos ellos tuvieron dificultades para establecerse en el mercado del arte contemporáneo, que aún prefería la pintura histórica y los retratos. ^{[ 30 ]}

En Europa, como dijo John Ruskin , ^{[ 31 ]} y confirmó Sir Kenneth Clark , la pintura de paisajes fue la "principal creación artística del siglo XIX" y "el arte dominante", con el resultado de que en el período siguiente la gente era "propensa a asumir que la apreciación de la belleza natural y la pintura de paisajes es una parte normal y duradera de nuestra actividad espiritual" ^{[ 32 ]} En el análisis de Clark, las formas europeas subyacentes para convertir la complejidad del paisaje en una idea fueron cuatro enfoques fundamentales: la aceptación de símbolos descriptivos, una curiosidad por los hechos de la naturaleza, la creación de fantasía para aliviar los miedos profundamente arraigados a la naturaleza y la creencia en una Edad de Oro de armonía y orden, que podría recuperarse.

El siglo XVIII fue también una época dorada para el grabado topográfico , que representaba con bastante precisión una vista real, algo que la pintura de paisaje rara vez hacía. Inicialmente, estos grabados se centraban principalmente en un edificio, pero a lo largo del siglo, con el auge del Romanticismo, los paisajes puros se hicieron más comunes. El grabado topográfico, a menudo destinado a ser enmarcado y colgado en la pared, siguió siendo un medio muy popular hasta bien entrado el siglo XX, aunque con frecuencia se lo consideraba una forma de arte inferior a un paisaje imaginario.

Los paisajes en acuarela sobre papel se convirtieron en una especialidad distintiva, sobre todo en Inglaterra, donde se desarrolló una tradición particular de artistas talentosos que pintaban exclusivamente, o casi exclusivamente, paisajes en acuarela, algo que no ocurrió en otros países. Estas eran con frecuencia vistas reales, aunque a veces las composiciones se modificaban para lograr un efecto artístico. Las pinturas se vendían a precios relativamente bajos, pero su producción era mucho más rápida. Estos profesionales podían complementar sus ingresos formando a los «ejércitos de aficionados» que también pintaban. ^{[ 33 ]}

Entre los artistas más destacados se encontraban John Robert Cozens , Francis Towne , Thomas Girtin , Michael Angelo Rooker , William Pars , Thomas Hearne y John Warwick Smith , todos a finales del siglo XVIII, y John Glover , Joseph Mallord William Turner , John Varley , John Sell Cotman , Anthony Copley Fielding y Samuel Palmer a principios del siglo XIX. ^{[ 34 ]}

El Romanticismo intensificó el interés por el paisaje, y los paisajes remotos y salvajes, que habían sido un elemento recurrente en el arte paisajístico anterior, adquirieron mayor protagonismo. El alemán Caspar David Friedrich poseía un estilo distintivo, influenciado por su formación danesa , donde se había desarrollado un estilo nacional propio, inspirado en el ejemplo holandés del siglo XVII. A esto añadió un Romanticismo casi místico. Los pintores franceses tardaron más en desarrollar la pintura de paisaje, pero a partir de la década de 1830, Jean-Baptiste-Camille Corot y otros pintores de la Escuela de Barbizon establecieron una tradición paisajística francesa que se convertiría en la más influyente de Europa durante un siglo. Por primera vez , los impresionistas y postimpresionistas hicieron del paisaje la principal fuente de innovación estilística en todos los géneros pictóricos.

El nacionalismo de las nuevas Provincias Unidas influyó en la popularidad de la pintura paisajística holandesa del siglo XVII y, en el siglo XIX, a medida que otras naciones intentaban desarrollar escuelas pictóricas nacionales distintivas, el intento de expresar la naturaleza especial del paisaje de la patria se convirtió en una tendencia general. En Rusia, como en América, el tamaño gigantesco de las pinturas era en sí mismo una declaración nacionalista. En Polonia, los principales representantes de la pintura paisajística , en la segunda mitad del siglo XIX, fueron Maksymilian Gierymski , Józef Chełmoński y Stanisław Masłowski ^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ].}

En España, el principal promotor del género fue el pintor belga Carlos de Haes , uno de los profesores de paisaje más activos de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid desde 1857. Tras estudiar con los grandes maestros paisajistas flamencos, desarrolló su técnica para pintar al aire libre. ^{[ 38 ]} De vuelta en España, Haes llevaba a sus alumnos a pintar al campo; bajo su tutela, los pintores proliferaron y aprovecharon el nuevo sistema ferroviario para explorar los rincones más remotos de la topografía del país. ^{[ 39 ] [ 40 ]}

En Estados Unidos, la Escuela del Río Hudson , prominente a mediados y finales del siglo XIX, es probablemente el desarrollo autóctono más conocido en el arte paisajístico. Estos pintores crearon obras de gran envergadura que intentaban capturar la magnitud épica de los paisajes que los inspiraban. La obra de Thomas Cole , considerado el fundador de la escuela, comparte muchas similitudes con los ideales filosóficos de la pintura paisajística europea: una especie de fe secular en los beneficios espirituales que se obtienen al contemplar la belleza natural. Algunos artistas posteriores de la Escuela del Río Hudson, como Albert Bierstadt , crearon obras menos reconfortantes que ponían mayor énfasis (con una gran exageración romántica) en el poder crudo, incluso aterrador, de la naturaleza. Frederic Edwin Church , alumno de Cole, sintetizó las ideas de sus contemporáneos con las de los grandes maestros europeos y los escritos de John Ruskin y Alexander von Humboldt para convertirse en el principal pintor paisajista estadounidense del siglo. ^{[ 41 ]} Los mejores ejemplos del arte paisajístico canadiense se pueden encontrar en las obras del Grupo de los Siete , prominente en la década de 1920. ^{[ 42 ]}

Si bien fueron menos predominantes en el período posterior a la Primera Guerra Mundial, muchos artistas importantes aún pintaban paisajes en la amplia variedad de estilos ejemplificados por Edvard Munch , Georgia O'Keeffe , Charles E. Burchfield , Neil Welliver , Alex Katz , Milton Avery , Peter Doig , Andrew Wyeth , David Hockney y Sidney Nolan .

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  John Constable , 1821, El carro de heno . Romanticismo temprano.
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  Joseph Mallord William Turner , El parque de Petworth House , c. 1830
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  Frederic Edwin Church , El corazón de los Andes , 1859. Church formó parte de la Escuela del Río Hudson estadounidense .
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  Ivan Aivazovsky , 1863, El Cáucaso . Romanticismo tardío.
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  Jean-Baptiste-Camille Corot , c. 1867, Galería Nacional de Arte Ville d'Avray , Washington, DC. escuela de barbizon
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  Camille Pissarro , Estación de Lordship Lane , East Dulwich , Londres, Inglaterra, c. 1870. Impresionismo .
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  Paul Cézanne , Mont Sainte-Victoire , 1882-1885, Museo Metropolitano de Arte . Postimpresionismo.
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  Vincent van Gogh , La noche estrellada , 1889, Museo de Arte Moderno , Nueva York. Postimpresionismo.
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  Claude Monet , Brazo del Sena cerca de Giverny, 1897. Los impresionistas a menudo, aunque no siempre, pintaban al aire libre .
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  Ivan Shishkin , Lluvia en un bosque de robles , 1891, Galería Tretiakov . Peredvizhniki
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  Isaac Levitan , Por encima de la paz eterna, 1894.
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  "Las Tierras Altas escocesas" de Henry Bates Joel , de la década de 1890; una interpretación estilizada de la naturaleza, de estilo romántico tardío, típica de la pintura victoriana .
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  "Dando indicaciones" de George Willis-Pryce .
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  Stanisław Masłowski , paisajista polaco - Salida de la luna , 1884, Óleo sobre lienzo , Museo Nacional, Cracovia , Museo Sukiennice div.
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  Stanisław Masłowski , Łubin – Droga polna ( Lupin – Camino de carro), acuarela , 1909 ( Museo Nacional de Varsovia )

Panorama de estilo cortesano a lo largo del río durante el Festival Qingming , una copia del siglo XVIII del original de la dinastía Song del siglo XII del artista chino Zhang Zeduan . La pintura original de Zhang es venerada por los eruditos como "una de las mayores obras maestras de la civilización china". ^{[ 43 ]} El rollo comienza en el extremo derecho y culmina arriba cuando el Emperador aborda su yate para unirse a las embarcaciones festivas en el río. Nótese las piedras de observación excepcionalmente grandes colocadas en el extremo más alejado de la ensenada.

La pintura de paisaje ha sido considerada «la mayor contribución de China al arte mundial» ^{[ 45 ]} y debe su carácter especial a la tradición taoísta (daoísta) de la cultura china. ^{[ 46 ]} William Watson señala que «se ha dicho que el papel del paisaje en la pintura china corresponde al del desnudo en Occidente, como un tema invariable en sí mismo, pero convertido en vehículo de infinitos matices de visión y sentimiento». ^{[ 47 ]}

Desde la dinastía Han en adelante, se observan fondos paisajísticos cada vez más sofisticados que representan escenas de caza, agricultura o animales. Los ejemplos que se conservan se encuentran principalmente en relieves de piedra o arcilla procedentes de tumbas, que se presume que siguen los estilos predominantes en la pintura, sin duda sin capturar el efecto completo de las pinturas originales. ^{[ 48 ]} El estatus exacto de las copias posteriores de obras reputadas de pintores famosos (muchos de los cuales están registrados en la literatura) anteriores al siglo X no está claro. Un ejemplo es una famosa pintura del siglo VIII de la colección imperial, titulada El emperador Ming Huang viajando por Shu . Esta muestra al séquito cabalgando a través de montañas vertiginosas, del tipo típico de las pinturas posteriores, pero está a todo color, "produciendo un patrón general que es casi persa", en lo que evidentemente era un estilo cortesano popular y de moda. ^{[ 49 ]}

El cambio decisivo hacia un estilo paisajístico monocromático, casi desprovisto de figuras, se atribuye a Wang Wei (699-759), también famoso como poeta; sobreviven principalmente copias de sus obras. ^{[ 50 ]} Desde el siglo X en adelante, sobrevive un número creciente de pinturas originales, y las mejores obras de la Escuela del Sur de la dinastía Song (960-1279) siguen estando entre las más apreciadas en lo que ha sido una tradición ininterrumpida hasta nuestros días. La convención china valoraba las pinturas del erudito aficionado , a menudo también poeta, por encima de las producidas por profesionales, aunque la situación era más compleja que eso. ^{[ 51 ]} Si incluyen alguna figura, muy a menudo son personas o sabios contemplando las montañas. Las obras famosas han acumulado numerosos "sellos de apreciación" rojos , y a menudo poemas añadidos por propietarios posteriores; el emperador Qianlong (1711-1799) fue un prolífico añadidor de sus propios poemas, siguiendo el ejemplo de emperadores anteriores.

La tradición shan shui nunca tuvo la intención de representar lugares reales, incluso cuando se les daba su nombre, como en la convención de las Ocho Vistas . ^{[ 52 ]} Un estilo diferente, producido por talleres de artistas profesionales de la corte, pintaba vistas oficiales de giras y ceremonias imperiales, con énfasis principal en escenas muy detalladas de ciudades abarrotadas y grandes ceremonias desde un punto de vista elevado. Estas se pintaban en rollos de enorme longitud con colores brillantes (ejemplo a continuación).

La escultura china también logra la difícil hazaña de crear paisajes tridimensionales efectivos. Existe una larga tradición de apreciación de las " piedras de contemplación" : rocas naturales, generalmente caliza de las riberas de los ríos de montaña, erosionadas hasta adquirir formas fantásticas, que se transportaban a los patios y jardines de los letrados. Probablemente asociada a esto se encuentra la tradición de tallar rocas mucho más pequeñas de jade u otra piedra semipreciosa con forma de montaña, incluyendo diminutas figuras de monjes o sabios. Los jardines chinos también desarrollaron una estética muy sofisticada mucho antes que los occidentales; el karensansui o jardín seco japonés del budismo zen lleva el jardín aún más cerca de ser una obra escultórica, representando un paisaje altamente abstracto.

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  Li Cheng ( chino :李成; pinyin : Lǐ Chéng ; Wade–Giles : Li Ch'eng ; 919 – 967), Bosque exuberante entre picos distantes , detalle, Museo Provincial de Liaoning , China del siglo X
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  Fan Kuan ( chino :范寬; pinyin : Fàn Kuān ; Wade–Giles : Fan K'uan , c. 960 – c. 1030), Viajeros entre montañas y arroyos (谿山行旅), tinta y ligero color sobre seda, dimensiones de 6¾ pies x 2½ pies. Siglo XI, China. ^{[ 53 ]} Museo del Palacio Nacional , Taipéi ^{[ 54 ]}
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  Detalle del rollo manuscrito "Vista pura y remota de arroyos y montañas" , una de las obras más importantes de Xia Gui , China, siglo XIII.
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  Li Kan , Bambúes y rocas, c. 1300 d. C., China
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  Tao Chi , China de finales del siglo XVII
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  Tang Yin , Un pescador en otoño , 1523 d. C., China
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  Shen Zhou , Poeta en una montaña , c. 1500. Pintura y poema de Shen Zhou: «Nubes blancas rodean la cintura de la montaña como una faja, / Escalones de piedra se elevan hacia el vacío donde el sendero estrecho se pierde. / Solo, apoyado en mi bastón rústico, contemplo ociosamente la distancia. / Mi anhelo por las notas de una flauta encuentra respuesta en los murmullos del desfiladero.» ^{[ 55 ]}
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  Cai Han y Jin Xiaozhu, Flores de otoño y faisanes blancos , siglo XVII, China.
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  Shitao , Pabellón de pinos cerca de un manantial , 1675, colección del Museo de Shanghái , siglo XVII, China.

El arte japonés inicialmente adaptó los estilos chinos para reflejar su interés en los temas narrativos en el arte, con escenas ambientadas en paisajes que se mezclaban con aquellas que mostraban escenas de palacios o ciudades utilizando el mismo punto de vista elevado, recortando los tejados cuando era necesario. Estas aparecieron en los largos rollos yamato-e de escenas que ilustraban la Historia de Genji y otros temas, principalmente de los siglos XII y XIII. El concepto del pintor aficionado caballero tenía poca resonancia en el Japón feudal , donde los artistas eran generalmente profesionales con un fuerte vínculo con su maestro y su escuela, en lugar de los artistas clásicos del pasado lejano, de los que los pintores chinos solían tomar su inspiración. ^{[ 56 ]} La pintura inicialmente era completamente colorida, a menudo brillantemente, y el paisaje nunca opaca a las figuras que a menudo son bastante grandes.

La escena de la Biografía del Sacerdote Ippen que se ilustra a continuación proviene de un rollo que mide 37,8  cm × 802,0  cm, siendo solo uno de los doce rollos que ilustran la vida de un monje budista ; al igual que sus homólogos occidentales, los monasterios y templos encargaban muchas obras de este tipo, y estas han tenido más probabilidades de sobrevivir que sus equivalentes cortesanos. ^{[ 57 ]} Aún más raras son las que se conservan biombos y rollos colgantes de paisajes byōbu , que parecen haber sido comunes en los círculos cortesanos; la Historia de Genji tiene un episodio en el que los miembros de la corte presentan las mejores pinturas de sus colecciones para un concurso. Estas se asemejaban más al shan shui chino, pero aún estaban completamente coloreadas. ^{[ 58 ]}

Se conservan muchos más paisajes puros del siglo XV en adelante; varios artistas clave eran clérigos budistas zen y trabajaban en un estilo monocromo, con mayor énfasis en las pinceladas al estilo chino. Algunas escuelas adoptaron un estilo menos refinado, con vistas más pequeñas que daban mayor protagonismo al primer plano. Un tipo de imagen que tuvo un atractivo perdurable para los artistas japoneses, y que llegó a conocerse como el «estilo japonés», se encuentra en realidad por primera vez en China. Este estilo combina una o más aves, animales o árboles grandes en primer plano, generalmente a un lado en una composición horizontal, con un paisaje más amplio al fondo, que a menudo solo cubre partes del mismo. Las versiones posteriores de este estilo a menudo prescindían por completo del fondo paisajístico.

El estilo ukiyo-e, que se desarrolló a partir del siglo XVI, primero en la pintura y luego en las xilografías a color, económicas y de fácil acceso, se centró inicialmente en la figura humana, tanto individualmente como en grupo. Sin embargo, desde finales del siglo XVIII, el ukiyo-e paisajístico se desarrolló bajo la dirección de Hokusai y Hiroshige hasta convertirse en el tipo de arte paisajístico japonés más conocido. ^{[ 59 ]}

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  Tenshō Shūbun , monje budista zen , figura clave en el resurgimiento de los estilos chinos en Japón. Leyendo en un bosque de bambú, 1446, Japón.
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  Kanō Masanobu , fundador en el siglo XV de la escuela Kanō , que dominó la pintura japonesa con pincel hasta el siglo XIX, Zhou Maoshu Apreciando los lotos , rollo colgante ^{[ 60 ]}
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  El puente de Ubi , una famosa composición de biombo, que se encuentra en muchas versiones de los siglos XVI o XVII, muestra el colorido estilo abstracto de los pintores profesionales. ^{[ 61 ]} Estilo Yamato-e de pintura japonesa .
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  Una escena del rollo Biografía del sacerdote Ippen yamato-e , 1299.