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Ugo Rondinone

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Salida de la luna hacia el este (2008), Basilea, San Francisco
Los Sabios (2014), 10 metros de altura, 84 toneladas
La escultura "La montaña de Liverpool" se instaló en el exterior de la Tate Liverpool en octubre de 2018.

Ugo Rondinone (nacido el 30 de noviembre de 1964) es un artista contemporáneo nacido en Suiza.

Rondinone es conocido por su escultura de arte terrestre temporal y a gran escala , Seven Magic Mountains (2016–2021), con sus siete tótems pintados con colores fluorescentes , hechos de grandes piedras del tamaño de un automóvil apiladas a 9,8 metros (32 pies ) de altura. [ 1 ] 

Primeros años y educación

Ugo Rondinone nació en 1964, hijo de padres italianos, Benito y Eufemia Rondinone, en la ciudad turística de Brunnen , Suiza.

Su padre, Benito, nació en Matera , Italia, una antigua ciudad construida sobre acantilados de piedra caliza y escenario de la película dramática bíblica de Mel Gibson de 2004 , La Pasión de Cristo (2004), y de la película dramática bíblica de Pier Paolo Pasolini de 1964, El Evangelio según San Mateo .

Benito era albañil y construía muros de piedra a mano. Creció en Sassi di Matera , un conjunto de viviendas rupestres del Paleolítico , declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1993, pero que durante su infancia seguía siendo una comunidad activa. Las condiciones eran insalubres e inseguras, y fue la indignación pública que siguió a las memorias de Carlo Levi de 1945 sobre su estancia allí, " Cristo se detuvo en Eboli" , lo que llevó al gobierno a reubicar a los residentes de Sassi di Matera, incluida la familia de Benito Rondinone, en viviendas sociales cercanas.

La educación recibida de su padre ha contribuido enormemente a la obra de Rondinone, influyendo tanto en su extensa producción en piedra como en su interés por los olivos del sur de Italia. En un artículo de 2013 para The New York Times , David Colman escribió sobre el trozo de piedra caliza que Rondinone lleva colgado del cuello con una correa de cuero, que se había transmitido de generación en generación en su familia: «Una piedra, un sasso, perforada con un agujero, se llevaba al cuello como una especie de protoidentificación. Diferentes piedras eran usadas las 24 horas del día, los 7 días de la semana, por diferentes trabajadores en los Sassi, dependiendo del terrateniente al que estuvieran vinculados. Benito nunca la había usado, pues se marchó de la zona siendo aún joven, pero su padre, Federico, la había usado y se la había dado a su hijo, al igual que el padre de Federico la había usado y se la había dado a él, y su padre antes que él». [ 2 ]

Luca, el hermano de Rondinone, siete años menor que él, vive en Brunnen. En Brunnen, Rondinone creció siendo trilingüe, hablando francés, italiano y alemán.

Rondinone se trasladó a Zúrich en 1983 para ser asistente de Hermann Nitsch y estudió en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena , de 1986 a 1990, donde fue alumno del artista Bruno Gironcoli . Rondinone también estudió con Ernst Caramelle. En 1985, durante su época universitaria, conoció a su compañera Eva Presenhuber , quien se convertiría en su marchante de arte en Zúrich y su esposa.

En 1997, Rondinone fue admitido en el Programa de Estudios Internacionales del MoMA PS1 y se mudó a Nueva York , donde continúa viviendo y trabajando. En Nueva York, inició una relación con el artista y poeta John Giorno , tras conocerse en una lectura de poesía en la iglesia St. Mark's Church in-the-Bowery de Nueva York , en la que Giorno participaba. Rondinone y Giorno colaboraron en una exposición en 1999, que derivó en una relación sentimental que duraría hasta la muerte de Giorno en 2019.

Carrera

Rondinone surgió como artista en la década de 1990. [ 3 ] Sus pinturas se caracterizan por sus anillos concéntricos de formas de diana, de colores brillantes; [ 4 ] y paisajes estrictamente en blanco y negro de árboles nudosos. [ 5 ]

Desde 1997, Rondinone ha incluido la práctica de crear letreros en su variada obra; toma frases de canciones pop y exclamaciones cotidianas y las convierte en esculturas de colores arcoíris iluminadas con neón, incluyendo Hell, Yes (2001). [ 6 ] [ 7 ] Otra serie de instalaciones, Clockwork for Oracles (2008–2010), consiste en obras espejadas que cuelgan al estilo de un salón sobre una pared de páginas del periódico local obtenidas en el momento de la instalación. [ 8 ]

Posteriormente, Rondinone creó una serie que incluye aves fundidas en bronce ( primitivo , 2011), caballos ( primal , 2013) y peces ( primordial , 2018). [ 9 ]

Las figuras totémicas de Rondinone se han instalado en todo el mundo, desde el Jardín de las Tullerías en París (2009) hasta la Trienal de Yokohama (2011). [ 10 ] En 2013, exhibió una instalación llamada Human Nature en el Rockefeller Center de Nueva York, un grupo de nueve figuras monumentales hechas de losas toscamente talladas de piedra azul de una cantera en el norte de Pensilvania, que se asemejan a tótems de roca rudimentarios. [ 11 ] [ 12 ] De manera similar, Soul (2013) es un grupo de treinta y siete figuras de piedra azul encontrada en el norte del estado de Nueva York, que varían desde poco menos de un metro hasta casi dos metros de altura. [ 13 ] Otra instalación escultórica, Vocabulary of Solitude (2016), incluye cuarenta y cinco esculturas de payasos nombrados y posicionados realizando tareas cotidianas como "despertar, sentarse, caminar y ducharse". [ 8 ]

Obras tempranas

Si se consulta el catálogo oficial de la obra de Rondinone, su producción artística comienza con una serie de esculturas de flores en yeso y vaselina , fechadas en 1988. Sin embargo, el artista suele iniciar su trayectoria con paisajes dibujados con tinta china , en un estilo que recuerda tanto al arte holandés del siglo XVII como al romanticismo alemán .

Basándose en bocetos preparatorios que realizó durante sus paseos por el campo a las afueras de Viena, estos paisajes nostálgicos introdujeron una serie de elementos que también se pueden encontrar en sus obras posteriores: un protocolo que lo lleva a crear obras de arte basadas en "estudios" hechos a mano que, a través de varios "transportes" o transferencias que potencialmente incorporan pasos delegados a contratistas independientes, dan como resultado otra imagen; una atracción por las variaciones sobre un mismo tema; el uso de "ciclos" y "sistemas", en particular los que se transmiten a través de la nomenclatura en los títulos que atribuye a sus obras; y, por último, la creación de obras relacionadas con su autobiografía.

Esos primeros paisajes fueron, de hecho, creados como respuesta a una pérdida: la muerte de su pareja, Manfred Kirchner, a causa del sida en 1988. «En medio de la crisis del sida», recuerda Rondinone, «me aparté de mi dolor y encontré en la naturaleza un refugio espiritual, un lugar de consuelo, regeneración e inspiración. En la naturaleza, uno entra en un espacio donde lo sagrado y lo profano, lo místico y lo secular vibran entre sí». [ 14 ]

El primer paisaje fue pintado el 23 de febrero de 1989. Rondinone mostraría otros tres, realizados en marzo, junio y octubre, respectivamente, en una exposición en el Kunstmuseum Luzern en Suiza ese mismo año, en la que su enfoque de presentación podría considerarse la matriz de sus exposiciones posteriores. [ 15 ]

Un arte de exposición

Es imposible disociar las exposiciones de Rondinone de sus obras, las cuales, en consecuencia, evolucionan en formas de presentación que el artista reinventa constantemente. Al igual que ocurre con la forma en que sus obras están sujetas a variaciones, modifica la manera en que se muestran su "contenido" y su "contenedor" de una exposición a otra. Estas modificaciones pueden ser mínimas o, por el contrario, implicar cambios profundos. Pueden abrir nuevas perspectivas o desplazarlas. Y pueden implicar la elaboración de un "escenario" de modo que, en cada presentación, la obra o las obras se puedan apreciar como si nunca se hubieran mostrado antes. Las exposiciones son también una forma para que el artista juegue con vectores complementarios, si no contradictorios; una obra de Rondinone mostrada en un contexto específico suele yuxtaponerse con propuestas "opuestas".

Esto se aprecia en sus paisajes. En la exposición de 1989, sus dibujos a tinta china se dispusieron de forma homogénea, mientras que una segunda exposición, celebrada en el mismo lugar un año después y dedicada a sus paisajes de 1990, los presentó junto a una pared provisional de listones de madera pintados de blanco. Esta pared, una extensión de la entrada de la galería, aislaba el sistema expositivo de la fachada del espacio y lo disociaba de su vida cotidiana, creando una especie de corredor cuya confinamiento —propicio para la contemplación espiritual e introspectiva— contrastaba poderosamente con la apertura al mundo y a la naturaleza que sugerían los paisajes. Esta primera "pared" ideada por Rondinone le permitió incorporar un nuevo protagonista o figura a la obra, para la cual el espacio expositivo sería el escenario ideal.

Tras su primera exposición en la Galerie Walcheturm de Zúrich en 1991, en la que perpetuó la «narrativa» del Kunstmuseum Luzern y enfatizó la «dualidad» formada por paisajes abiertos al mundo y un espacio aislado de él, en 1992, Rondinone presentó una serie de obras decididamente distintas : sus pinturas solares . Relacionadas a su manera con el retiro espiritual y la «actividad sin sentido», estas pinturas son consideradas por el artista como una continuación de los paisajes, salvo, por supuesto, en que sustituyen los dibujos «figurativos» en blanco y negro por un espectro cromático tan iridiscente e hipnótico como «abstracto». Distante . Una especie de contraparte diurna de las escenas nocturnas, que refleja una vez más la ley de los contrastes tan prominente en la obra de Rondinone.

Los años noventa

La década de 1990 estuvo marcada por una vertiginosa proliferación de obras, el «efecto dominó» [ 16 ] generado por el artista e impulsado por la «exposición como forma» [ 17 ] que confiere a su arte una perspectiva rizomática. Basta con observar las distintas parejas que se articulan en torno a las pinturas del sol para apreciar la amplia gama de posibilidades. También surgieron otras «figuras» independientes de estas pinturas.

Este es el caso, en particular, de heyday, que parece ser casi idéntica a la exposición Cry Me a River , organizada una vez más en la Galerie Walcheturm de Zúrich en 1995. Un autorretrato escultórico del artista situado en un entorno estéril —pero, a diferencia de las presentaciones anteriores en la galería, un espacio que ya no está aislado del paisaje urbano exterior—, la obra, inspirada en el personaje ficticio Jean Des Esseintes de la novela de Joris-Karl Huysmans de 1884, À rebours ( Contra la naturaleza ), ofrece otra variación sobre las ideas de la introspección y el retiro espiritual.

Otro "referente" se incorporó a la obra de Rondinone en la década de 1990: el payaso. Los payasos aparecieron en su trabajo a principios de la década y luego fueron representados en diversos medios y modos de presentación: en dibujos o murales; en fotografías, vídeos o performances; e instalaciones o esculturas, demostrando una vez más la impresionante versatilidad del artista.

Entre los ejemplos se incluyen dos grupos de esculturas hiperrealistas concebidas entre 2000 y 2002 (si existiera algún lugar que no fuera el desierto) y entre 2014 y 2016 (vocabulario de la soledad). Esta última es una obra espectacular compuesta por cuarenta y cinco payasos "pasivos" dispersos por todo el espacio de la exposición. "En conjunto", explica Rondinone, "los cuarenta y cinco payasos representan a una sola persona, que divide su día de veinticuatro horas en cuarenta y cinco actividades domésticas (...) creando un ciclo de veinticuatro horas".

El tiempo es, de hecho, un tema recurrente para el artista y, como se muestra en el vocabulario de la soledad, puede adoptar una apariencia tan sorprendente como inesperada. Según Ludovico Pratesi , Rondinone «sitúa su arte fuera del tiempo real, proyectándolo sobre una dimensión atemporal donde cada espectador puede crear su propio tiempo y espacio dentro de una obra experiencial, una Gesamtkunstwerk a través de la cual todos pueden reflexionar sobre la vida y la condición del ser humano, o, como sugiere el artista, como "una evasión del mundo exterior hacia el interior"». A partir de ahí, se encuentra, a través del tema de la temporalidad, omnipresente en su obra, otra iteración de la idea de retirada o repliegue, y de la idea de un ciclo.

En la década de 1990, Rondinone consolidó su exploración de dos motivos ya presentes o abordados previamente en su obra: el árbol y la ventana, que se reunieron en una exposición en 1997 en la Galería Bonomo de Roma. Retomar ciertos motivos, cambiar sus perspectivas y abrirlos a nuevas elaboraciones forman parte del modus operandi del artista, una forma de señalar que una familia de obras nunca es estática, que puede dar lugar a supervivencias o mutaciones, a transfiguraciones y metamorfosis, a nuevos diálogos aún no imaginados.

Los árboles de 1997 están «protegidos» con cinta adhesiva; la «protección» y el «aislamiento» son procesos que, en la obra de Rondinone, se ven sometidos a adaptaciones recurrentes y muy diversas. Vienen a la mente las distintas capas de pintura aplicadas a los «objetos» o «ambientes» concebidos por el artista, así como los temas del disfraz o la parodia y de las máscaras que frecuentemente impregnan su obra.

Disfraces. Crean una separación, una distancia basada en el principio del antagonismo. Este concepto recorre y define toda la trayectoria del artista. Blanco y negro o tonos de gris por un lado, color por el otro. Masculino y femenino. Silencio y sonido. Día y noche. Apertura y retraimiento. Interior y exterior. Abstracto y figurativo. Personal e impersonal. Privado y público. Y en cada caso, según el «escenario» elegido o imaginado por el artista, existen sutiles variaciones en cuanto a (dis)uniones e (im)permeabilidades entre estas polaridades.

La década de 2000

drittermaerzzweitausendundelf (2011)

La proliferación de obras (de diversas familias) ha continuado en el siglo XXI a través de un número creciente de exposiciones e instalaciones, lo que permite al artista desarrollar una narrativa cada vez más diversificada. Ya sea en galerías o instituciones artísticas, en espacios urbanos o entornos naturales, estas presentaciones no dejan de expandir el «efecto dominó» que se inició en su trayectoria.

Cabe destacar también que, paralelamente a su actividad artística, Rondinone sumó otro logro a su trayectoria como curador, en exposiciones donde promovió una visión inspirada en el tema del antagonismo. En consonancia con el desarrollo previo de sus ideas, el artista profundizó durante este periodo en ciertos «temas» o «motivos», sometiéndolos a variaciones y transformaciones, desplazamientos y fenómenos de supervivencia, al tiempo que inventaba otros nuevos, siempre con el fin de generar diálogos entre diferentes conjuntos de obras. Muchas de estas se inscriben en una estética posminimalista y se articulan en esculturas, a veces asociadas con trabajos sobre sonido y lenguaje, y renegocian formas geométricas que pueden ser cerradas o abiertas según el contexto.

Algunas formas o temas de este período, como el muro, la ventana o la puerta, se ubican sólidamente en el contexto de sus obras anteriores; otros trazan un rumbo completamente nuevo. Los muros, las ventanas y las puertas son motivos que para Rondinone también pueden representar un umbral, un pasaje. Una frontera. Un límite que permite pasar de un lugar o atmósfera a otra. Pueden ser "aislantes", a veces cerrándonos del mundo exterior, otras veces haciéndonos permeables a él, en algunos casos incluso interconectando estos "opuestos". Otra recurrencia: algunas familias de obras están vinculadas a obras de arte históricas, como sus vidrieras metálicas (las primeras creadas entre 2015 y 2018), que hacen referencia a la obra de Caspar David Friedrich .

Para Bob Nickas , la obra de Rondinone es un "campo expandido con múltiples centros". En los últimos años, el artista ha seguido afirmando la ley de los contrastes y opuestos, contraponiendo obras en blanco y negro; otras en tonos grises, terrosos o minerales, y obras multicolores. La primera categoría incluye árboles blancos creados entre 2003 y 2011, la instalación Thank You Silence de 2005, el grupo de esculturas titulado Poem (2006-2007), pinturas de cielos estrellados realizadas entre 2008 y 2012, la familia de máscaras Moonrise (2003-2005) o la instalación "espectral" Thanx 4 Nothing de 2015.

En los tonos más grisáceos, terrosos y minerales: las nubes de 2008 y su diario; los desnudos de 2010-2011; los pájaros de 2011; los caballos de 2013-2014; los peces de 2016; y una gran familia de esculturas "arcaicas" y "atemporales" en piedra azul creadas a partir de 2013. En cuanto al color, nunca deja de impregnar las obras y las presentaciones de la artista, sometiendo regularmente a familias de obras producidas inicialmente en tonos "neutros" a un espectro cromático más amplio.

Un ejemplo es la escultura de cera de una mujer desnuda, expuesta en 2021 en la galería Kamel Mennour de París, donde el carácter policromado del desnudo se reflejaba en el espacio donde se exhibía, iluminando tanto la obra como su entorno. En conclusión, cabe mencionar, dentro de la trayectoria de Rondinone en general y de sus obras policromadas en particular, las series Familias de las Montañas (2015-2018) y Monjas + Monjes (2020).

Las montañas constituyen alternativas coloridas y abstractas a las esculturas figurativas de piedra azul, mientras que Monjas + Monjes (2020), que encapsulan las cuestiones espirituales que Rondinone plantea en su obra, combinan a la perfección muchos de los vectores "contradictorios" que la caracterizan. Realizadas en bronce pintado, estas esculturas fueron concebidas inicialmente como modelos de piedra caliza, lo que permitió al artista combinar en una misma propuesta un origen mineral con un tratamiento cromático sumamente artificial. En ellas convergen naturaleza y cultura. Y el círculo, forma que se ha convertido en icónica en la estética de Rondinone, vuelve a aparecer.

Comisiones

Aunque expone regularmente en galerías, Rondinone es quizás más conocido por sus monumentales obras de arte público, como Human Nature (2014), nueve torres colosales de rocas azules apiladas que fueron descritas como un Stonehenge urbano durante su exposición de 2013 en el Rockefeller Center de Nueva York, donde atrajeron a unos quince millones de espectadores.

Un número similar ha tenido la oportunidad de ver Seven Magic Mountains , una instalación de pilares de piedra pintados con colores intensos y vibrantes que Rondinone colocó en el desierto de Nevada , en las afueras de Las Vegas , y que fue presentada conjuntamente por el Art Production Fund y el Nevada Museum of Art .

Su serie de arcos de azotea de colores del arcoíris, pintados con lemas como “¡De ninguna manera!” (New Museum, Nueva York) y “Respira, camina, muere” (Rockbund Museum, Shanghái ), continúa en desarrollo. En 2018, la Tate Liverpool encargó Liverpool Mountain (2018), una escultura al aire libre con forma de montaña, como instalación permanente en el patio del edificio. [ 18 ]

Otros proyectos

Siete montañas mágicas (2016–23)

Seven Magic Mountains , encargada, producida y financiada por el Art Production Fund (APF) y el Nevada Museum of Art , siguió a la obra Human Nature de Rondinone, un proyecto del Public Art Fund de figuras monumentales de piedra dispuestas en el entorno altamente artificial del Rockefeller Center en Manhattan , y representa lo opuesto: tótems de neón altamente artificiales ubicados en el entorno natural. [ 1 ]

Una escultura similar, la Miami Mountain de 35 pies , construida en 2015, estaba ubicada afuera del Bass Art Museum en Collins Park, Miami Beach , Florida, en diciembre de 2021. [ 19 ]

Proyectos inmobiliarios

La primera dirección de Rondinone en la ciudad de Nueva York fue un antiguo salón de baile del Lower East Side, en la esquina de la Calle 2 y la Avenida B , donde vivió y trabajó hasta 2003, cuando compró un loft en Broadway, en el East Village .

En 2007, adquirió un estudio tipo loft en la planta baja del número 39 de Great Jones Street . Hoy en día, es la sucursal de la galería Presenhuber en Nueva York, pero Rondinone mantiene un programa de exposiciones de obras nuevas de otros artistas en su [ 20 ] escaparate.

En 2011, adquirió la antigua iglesia bautista Mount Moriah, desacralizada, de 1900 m² (20 000 pies cuadrados ) ubicada en el número 2050 de la Quinta Avenida en Harlem  , por 2,8 millones de dólares. [ 21 ] [ 20 ] La exesposa de Rondinone, Presenhuber, paga el alquiler de uno de los dos apartamentos, que cuenta con su propia escalera y cocina, dentro de su casa en Harlem.   

En 2005, el artista y Giorno compraron una casa de verano en Barryville, Nueva York , cerca del Delaware Water Gap , donde confluyen Nueva York, Pensilvania y Nueva Jersey. El paisaje inspiró directamente dos nuevas series de obras. Sus primeras esculturas de piedra las realizó con rocas que extrajo de muros similares a los que su padre había construido en Matera. Una cantera cercana le proporcionó las monumentales esculturas de piedra azul que creó para la instalación de arte público Human Nature en el Rockefeller Center en 2013.

Desde 2014, dirige un segundo estudio en su casa de vacaciones en Mattituck , Long Island , donde recolecta madera a la deriva para crear esculturas de barcos. También posee una propiedad en Matera , Italia. [ 20 ]

En 2014, Rondinone completó la construcción de la Casa nº 1 , un proyecto que el artista concibió como una Gesamtkunstwerk habitable , construida en un claro del bosque cerca del pequeño pueblo de Würenlos , cerca de Zúrich. [ 22 ] Fue construida junto con los arquitectos Andreas Fuhrimann y Gabrielle Hächler y representa una amalgama de influencias estilísticas, mostrando influencias japonesas así como elementos del estilo europeo Art and Crafts. El interior contiene referencias directas al arte de Rondinone; la chimenea es una "réplica funcional" de STILL.LIFE. (JOHNS FIREPLACE) , una obra de Rondinone de tamaño natural de 2008 hecha en bronce fundido, plomo y pintura. La casa fue vendida al diseñador de moda georgiano Demna Gvasalia , director creativo de Balenciaga y fundador de Vetements .

Trabajo curatorial

Rondinone debutó como curador en 2007 con la exposición The Third Mind en el Palais de Tokyo de París, para la cual se le otorgó total libertad creativa. La muestra se organizó en honor al 70 cumpleaños de Giorno. Esta exposición presentó obras desde la década de 1960 hasta principios de la década de 2000, y Rondinone recibió críticas positivas por su curaduría. [ 23 ]

Cinco años después, en 2012, Rondinone comisarió la exposición The Spirit Level en la Gladstone Gallery de Nueva York, esta vez para celebrar el 75 cumpleaños de Giorno. La muestra, que tuvo lugar simultáneamente en las dos sedes de la Gladstone Gallery en Nueva York, incluyó obras de dieciocho artistas «dispares», «un abanico generacional y geográfico que abarcaba desde neoyorquinos contemporáneos hasta europeos poco conocidos». [ 24 ]

Rondinone recurrió a su propia práctica de crear ambientes cerrados para esta exposición, pintando las puertas de la galería para eliminar cualquier influencia externa, ya sea luz o distracción. Karen Rosenberg elogió la exposición en su reseña para The New York Times , escribiendo: «En conjunto, "The Spirit Level" es un jardín de delicias muy etéreas y un excelente argumento para extender el ciclo de vida de las exposiciones colectivas organizadas por artistas». [ 25 ]

En su tercer proyecto como curador, Rondinone organizó la exposición " Artistas y poetas en la Secesión de Viena " en 2015. Giorno es el único poeta representado en la muestra; más bien, el título proviene de la convicción de Rondinone de que el arte y la poesía están interconectados.

Ese mismo año, comisarió la exposición Ugo Rondinone: I Heart John Giorno , que regresó al Palais de Tokyo. Rondinone dedicó cuatro años a la curaduría de esta exposición, que incluía obras de y sobre Giorno. Entre ellas se encontraban la película underground de Andy Warhol de 1964, Sleep , una película de Giorno durmiendo y otra titulada John Washing Dishes . [ 26 ]

Rondinone incluyó su propia obra, una réplica en bronce a tamaño natural de la chimenea de Giorno de 2007, así como un retrato de Giorno realizado por Elizabeth Peyton . Laura Hoptman, curadora del Museo de Arte Moderno y amiga tanto de Rondinone como de Giorno, comentó sobre la exposición: «Si bien la muestra evidencia la notable dedicación de Ugo a la extraordinaria trayectoria de John, la decisión de John de entregarle a Ugo el trabajo de toda su vida —toda su obra— para crear una instalación es un acto de amor que, en mi opinión, no tiene precedentes, al menos en la historia reciente del arte», escribió Hoptman en un correo electrónico. «Es algo legendario. O al menos digno de un cuento de O. Henry ». [ 26 ]

Ugo Rondinone: I ♥︎ John Giorno fue una extensión de la exposición de Rondinone de 2015 en el Palais de Tokyo, que constaba de dieciocho "capítulos" celebrados en trece lugares de Manhattan en 2017: "Cada capítulo toma la forma de una instalación inmersiva diseñada por Rondinone y dedicada a un conjunto de obras, un interés, una relación o una colaboración que ha marcado la vida de Giorno". [ 27 ] Se produjo una edición especial de The Brooklyn Rail para la exposición y sirvió como catálogo de la misma.

Colección de arte

Rondinone posee una extensa colección de arte con al menos doscientas piezas. Esta incluye un gran falo rosa de la serie Penetralia de Sarah Lucas (2008), que se exhibe en la sala de estar de la iglesia renovada de Rondinone en Harlem. Rondinone incluyó obras de la serie Penetralia de Lucas en la exposición The Spirit Level en la galería Gladstone en 2012. El baño de Rondinone en su casa de Harlem contiene una vidriera realizada por su compatriota, el artista suizo Urs Fischer . [ 28 ]

Exposiciones

El debut expositivo de Rondinone tuvo lugar en 1985 en una muestra colectiva en la Galerie Marlene Frei de Zúrich. Su debut más destacado fue en 1989 en la WEIHNACHTSAUSSTELLUNG , la "Exposición de Navidad" de Lucerna . Esta muestra colectiva incluyó tres de sus paisajes, uno de los conjuntos de obras más reconocibles y complejos de Rondinone. En febrero de ese mismo año, Rondinone pintó el primero de estos paisajes de gran formato, una serie que llegaría a incluir 103 obras. Estos paisajes están realizados con tinta china, pintados por el propio Rondinone con un pequeño pincel chino. Los paisajes de Rondinone no están pintados del natural; más bien, "el artista compone sus fantasías forestales a partir de motivos individuales tomados principalmente de obras del siglo XVIII, aunque sin revelar explícitamente sus fuentes de inspiración". [ 29 ] Rondinone no intenta representar una visión mimética de la naturaleza, sino que recopila imágenes y motivos que se ajustan a un estado de ánimo determinado. En las décadas transcurridas desde su debut, las pinturas de paisajes de Rondinone han demostrado ser una obra perdurable y elogiada dentro de la producción artística del artista.

Desde su inicio en 1989, Rondinone ha organizado al menos una exposición, y a menudo muchas más, en diferentes partes del mundo cada año. También en 1989, el mismo año en que Rondinone irrumpió en la escena artística, Presenhuber aceptó la dirección de la galería sin ánimo de lucro Galerie Walcheturm en Zúrich, con la condición de poder dirigir también su propio programa en un espacio para proyectos.

En 1991, presentó los dibujos de paisajes de Rondinone hasta la fecha en una exposición titulada " Soy un árbol" . Tras esta exposición, Presenhuber ha seguido mostrando la obra de Rondinone en Europa y Nueva York. En 1995, Presenhuber volvió a mostrar la obra de Rondinone en la Galerie Walcheturm con la exposición " Llora un río" , que fue la primera exposición de autorretratos escultóricos de Rondinone. Esta instalación es esencial para comprender la obra completa de Rondinone porque funciona como un contrapunto a su método habitual de manipulación artística. Rondinone es conocido por crear "mundos" en sus instalaciones que bloquean el exterior, a menudo tapiando ventanas, cubriendo ventanas y puertas con películas de colores translúcidas o mediante otros medios para crear una instalación autónoma que no contiene ninguna influencia del exterior; esta obra hace lo contrario, obligando tanto a quienes están dentro como a quienes están fuera a interactuar con el otro, y enmarcando a los de ambos lados como participantes de la obra. Un maniquí de peluche que se asemejaba al artista yacía desplomado contra la pared de la sala de exposiciones, visible para los transeúntes a través de un gran ventanal. El título de la exposición fue posteriormente utilizado en su obra de 1997, Cry Me a River , el primero de sus letreros de neón, y un ejemplo de la frecuente reutilización de títulos por parte de Rondinone en exposiciones, obras y poemas.

En 2007, representó a Suiza en la 52.ª Bienal de Venecia , junto a Urs Fischer . Para esta ocasión, Rondinone produjo una serie de sus característicos olivos fundidos, fabricados en aluminio y esmalte blanco: AIR GETS INTO EVERYTHING EVEN NOTHING (2006); WISDOM? PEACE? BLANK? ALL OF THIS? (2007); y GET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD (2006). GET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD (2006) se exhibió previamente como parte del proyecto colaborativo de Rondinone en noviembre de 2006 con Creative Time's Art on the Plaza en el Ritz Carlton Plaza, Battery Park, Nueva York. De acuerdo con la ley italiana, estos fundidos se realizan in situ en Matera, la ciudad natal de los padres de Rondinone, con caucho, y solo posteriormente en el estudio se transforman mediante cera y luego adquieren su forma final de aluminio. La obra «El aire se mete en todo, incluso en nada » (2006) formó parte de esta instalación del Rockefeller Center y ahora pertenece a la colección permanente del Des Moines Art Center . Nueva York y Des Moines representan entornos urbanos radicalmente diferentes, y en ambos casos, «El aire se mete en todo, incluso en nada» plantea interrogantes sobre «el tiempo, el desplazamiento y la relación entre el entorno natural y el artificial». [ 30 ]

La escultura de neón de Rondinone, Hell, Yes! (2001), estuvo instalada en la fachada del New Museum desde su inauguración en 2007 hasta 2010. [ 10 ]

Las esculturas fundidas del mundo orgánico aparecen a lo largo de la carrera de Rondinone y particularmente en su serie still.life , una variedad de objetos efímeros fundidos en bronce para convertirlos en permanentes. En su exposición Lifelike de 2012 en el Museo de Arte de Nueva Orleans , Rondinone mostró la primera obra de esta serie, STILL.LIFE. (FOLDED CARDBOARD) (2007), hecha para parecer un trozo de cartón doblado que descansa en el suelo y se apoya contra la pared. Thank you Silence en el Museo M de Lovaina en 2012 ejemplificó el interés de Rondinone por estas formas preservadas; allí, el artista exhibió primitivos (2011-2012), cincuenta y nueve pájaros de bronce fundido. Cada pájaro fue esculpido a mano por el artista; sus huellas dactilares visibles en las piezas finales son evidencia de ello. [ 31 ] Rondinone se limitó a crear un pájaro cada día: «Esta imposición de una restricción de tiempo ayudó al artista a lograr una cualidad ingenua e infantil en el modelado del pájaro». [ 31 ]

Las obras de monjas y monjes son una serie de 2019 y 2020 de esculturas de bronce pintado en dos tonos, realizadas a partir de moldes de piedra caliza. La construcción de estas figuras en piedra caliza se alinea con las obras anteriores del artista, pero la inspiración de Rondinone también provino de la escultura italiana de principios del siglo XX: «Cabe explicar que la creación de estas obras se nutrió de la asidua visita de Rondinone al departamento de escultura medieval del Museo Metropolitano de Nueva York, y además de un poderoso encuentro con los Cardenales de Giacomo Manzù, cuya particular modernidad, impregnada de un clasicismo que desafía el tiempo y la categorización, correspondía inevitablemente a su interés». [ 32 ]

Rondinone ha realizado exposiciones individuales en importantes instituciones de todo el mundo, incluyendo Kunstmuseum Luzern (2024); Palais de Tokyo , París (2018); Fundación Casa Wabi , Oaxaca (2018); Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive , Berkeley, California (2017); Garage , Moscú (2017); The Bass Museum , Miami (2016); Place Vendôme , París (2016); Mercati di Traiano , Roma (2016); Rockbund Art Museum , Shanghái (2014); Art Institute of Chicago (2013); Nasher Sculpture Center , Dallas (2013); M Museum , Lovaina, Bélgica (2013); Cycladic Art Museum , Atenas (2012); New Orleans Museum of Art (2012); Aargauer Kunsthaus , Aarau, Suiza (2010); Le Consortium , Dijon (2004); Centro Australiano de Arte Contemporáneo , Melbourne (2004); Museo de Arte Contemporáneo de Sídney (2003); Centro Georges Pompidou , París (2003); Kunsthalle Wien , Viena (2002); y Centro de Arte Contemporáneo , Ginebra (1996).

ferias de arte

Elftermarzzweitausendundzwolf (2015) se exhibió en Art Basel Miami en 2015; Business Insider incluyó la obra en su recopilación de "Las obras de arte más extravagantes que vimos en Art Basel" y dijo que la pieza era "perfecta para selfies": "Los ladrillos de colores brillantes están pintados a un tamaño mayor que el natural, como un decorado teatral visto demasiado de cerca para que surta efecto la ilusión de realismo. Son primitivos, aunque nada es más moderno que una pared decorativa independiente". [ 33 ]

Mercado del arte

El precio más alto alcanzado por Rondinone en una subasta fue por su obra de 2009, A DAY LIKE THIS.MADE OF NOTHING AND NOTHING ELSE, vendida en Sotheby's en noviembre de 2018 por 1.131.000 dólares. La pieza perteneció anteriormente al mecenas, coleccionista y fideicomisario de museo David Teiger, quien instaló la escultura de casi cinco metros de alto y cinco metros de ancho, hecha de aluminio fundido y esmalte blanco, en el jardín delantero de su casa en Nueva Jersey. La obra se vendió como parte de The History of Now: The Collection of David Teiger Sold to Benefit Teiger Foundation for the Support of Contemporary Art .

La venta de A DAY LIKE THIS.MADE OF NOTHING AND NOTHING ELSE superó el récord anterior de Rondinone para una obra vendida en subasta, que ostentaba su obra de 2006, Get up girl a sun is running the world, vendida a través de Phillips de Pury & Company en junio de 2011 por 864.340 dólares, también un olivo fundido en aluminio y esmalte blanco. Esta obra había sido expuesta previamente en la iglesia de San Stae , Venecia, como parte del Pabellón Suizo en la 52.ª Bienal de Venecia junto con obras de Urs Fischer. [ 34 ]

Rondinone está representado por Esther Schipper, Galerie Eva Presenhuber (Zúrich, Nueva York) , [ 35 ] Sadie Coles HQ (Londres), [ 36 ] Galerie Kamel Mennour (París), Kukje Gallery (Seúl), Krobath (Viena) y Gladstone Gallery (Nueva York, Bruselas). [ 37 ] Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas el Centre Georges Pompidou (París), el Museo Albertina (Viena), el Museo de Israel (Jerusalén), el Museo de Arte de Dallas , el Museo de Arte Carnegie (Pittsburgh, Pensilvania), el Kunsthaus Zürich y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur (Sídney, Australia).

Otras actividades

Vida personal

Durante la última etapa de su vida, Rondinone mantuvo una larga relación sentimental con el poeta y activista John Giorno. En 2017, Rondinone organizó una exposición titulada « Yo ♥ John Giorno» en trece espacios de Manhattan. Una exposición que él mismo describió como una extensa carta de amor a Giorno. [ 40 ] La pareja se conoció en 1997, cuando Rondinone invitó a Giorno a participar en una de sus exposiciones. [ 40 ]

En 2017, a Rondinone le diagnosticaron cáncer de vejiga de alto grado . [ 41 ] En septiembre de 2019, el artista organizó una subasta en Sotheby's Nueva York llamada Stop Blood Cancer . Rondinone y otros catorce artistas donaron sus obras a la subasta, cuyos ingresos se destinaron a la investigación del tratamiento del cáncer de vejiga en el Weill Medical College de la Universidad de Cornell , donde el oncólogo de Rondinone trabaja para desarrollar un tratamiento para esta enfermedad. [ 42 ]

Bibliografía seleccionada

  • Laura Hoptman, Erik Verhagen, Nicholas Baume, Ugo Rondinone , Phaidon , Londres, 2022.
  • Lionel Bovier, Morgan Falconer, Ugo Rondinone: Puro sol , JRP | Más timbre, 2018.
  • Iwona Blazwick , Alison Gingeras, Ugo Rondinone: Zero Built a Nest in My Navel , JRP | Ringier, 2015.
  • Agustín Pérez Rubio, Madeleine Schuppli, Ugo Rondinone: La noche del plomo , JRP | Más timbre, 2010.

Véase también

Referencias

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Lecturas adicionales

  • Grosenick, Uta; Riemschneider, Burkhard, eds. (2005). Art Now (  edición del 25 aniversario). Colonia: Taschen. págs. 276-279 . ISBN  9783822840931OCLC 191239335 .​ 
  • ugorondinone.com , sitio web oficial de Rondione
  • La exposición "Naturaleza humana" de Ugo Rondinone en el Rockefeller Center, organizada por Public Art Fund.
  • Esculturas de Ugo Rondinone de 2005-2006 en Pappajohn Sculpture Park, Greater Des Moines Public Art Foundation en Iowa
  • Información biográfica y de exposiciones de Ugo Rondinone
  • Crítica de arte de Joseph Nechvatal sobre LA TERCERA MENTE de Ugo Rondinone en Le Palais de Tokyo, París.
  • 'Si hubiera algún lugar que no fuera desierto, sería el miércoles'.Archivado el 24 de abril de 2012 en la Wayback Machine , Colección de la Familia Kaldor, Galería de Arte de Nueva Gales del Sur.
  • Página del artista Ugo Rondinone en el sitio web de la galería de arte contemporáneo Sommer.
  • Exposición "One-on-One: Ugo Rondinone / Louis Eilshemius" 2023-2024 en The Phillips Collection.
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