Wassily Kandinsky

En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a sus clases de pintura de verano al sur de Múnich, en los Alpes. Ella aceptó la oferta y su relación se volvió más personal que profesional. La escuela de arte, generalmente considerada difícil, resultó fácil para Kandinsky. Fue durante esta época cuando comenzó a destacar como teórico del arte, además de pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo XX; se conservan muchos de los paisajes y pueblos que pintó, utilizando amplias pinceladas de color y formas reconocibles. Sin embargo, en su mayoría, las pinturas de Kandinsky no presentaban figuras humanas; una excepción es Domingo, Vieja Rusia (1904), en la que Kandinsky recrea una vista muy colorida (y fantasiosa) de campesinos y nobles frente a las murallas de una ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, sosteniendo a una mujer mientras cabalgan junto a una ciudad rusa con murallas luminosas al otro lado de un río azul. El caballo permanece apagado, mientras que las hojas de los árboles, el pueblo y los reflejos en el río brillan con destellos de color y luminosidad. Esta obra demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que la profundidad de campo se reduce a una superficie plana y luminiscente. El fauvismo también es evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinsky sobre el tema, no para describir la naturaleza objetiva.

Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década del siglo XX fue El Jinete Azul (1903), que muestra una pequeña figura encapuchada sobre un caballo veloz que atraviesa una pradera rocosa. La capa del jinete es de un azul medio que proyecta una sombra azul más oscura. En primer plano se aprecian sombras azules más amorfas, contrapartes de los árboles otoñales del fondo. El jinete azul en la pintura destaca (aunque no está claramente definido), y el caballo tiene un andar antinatural. Esta disyunción intencional, que permite al espectador participar en la creación de la obra, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años posteriores; culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En El Jinete Azul , Kandinsky muestra al jinete más como una serie de colores que con detalles específicos. Esta pintura no es excepcional en ese sentido si se compara con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección que Kandinsky tomaría solo unos años después.

Entre 1906 y 1908, Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (fue miembro del grupo simbolista Rosa Azul de Moscú) hasta que se estableció en la pequeña ciudad bávara de Murnau . En 1908, compró un ejemplar de * Formas del pensamiento* de Annie Besant y Charles Webster Leadbeater . En 1909, se unió a la Sociedad Teosófica . * La montaña azul* (1908-1909) fue pintada en esta época, demostrando su inclinación hacia la abstracción. Una montaña azul está flanqueada por dos grandes árboles, uno amarillo y otro rojo. Una procesión, con tres jinetes y varios más, cruza al pie. Los rostros, la ropa y las sillas de montar de los jinetes son de un solo color, y ni ellos ni las figuras que caminan muestran detalles reales. Los planos planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El uso extensivo del color en La montaña azul ilustra la inclinación de Kandinsky hacia un arte donde el color se presenta independientemente de la forma y donde cada color recibe la misma atención. La composición es más plana; la pintura se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el árbol amarillo y la montaña azul con los tres jinetes.

En 1909, Wassily Kandinsky presenció una presentación de Aleksandra Unkovskaya (en el Congreso Teosófico de Budapest ) sobre su innovador sistema de educación musical: la sinestesia sonido-color o cromestesia , un tipo de sinestesia en la que el sonido evoca involuntariamente una experiencia de color, forma y movimiento. Esto lo llevó a realizar importantes descubrimientos en su arte. Kandinsky afirmó: «Imprimir una melodía a niños sin aptitudes musicales con la ayuda de los colores  … Ella (Unkovskaya) ha construido un método especial y preciso para "traducir" los colores de la naturaleza en música, para pintar los sonidos de la naturaleza, para ver los sonidos». Esto trascendió lo espiritual en el arte y lo llevó a desarrollar el concepto y la fórmula de una experiencia de reacción en cadena (relación recíproca entre artista y espectador): «Emoción — sensación — obra de arte — sensación — emoción». El concepto se basaba en el principio de resonancia de los instrumentos de cuerda. ^{[ 14 ]}

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  Akhtyrka , 1901, Lenbachhaus , Kunstarealm, Múnich
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  Domingo (ruso antiguo) , 1904, Museo Boijmans Van Beuningen , Rotterdam
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  Lied ( Chanson ), 1906
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  Pareja a caballo , 1906-07, Lenbachhaus , Múnich
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  Montaña Azul , 1908-09, Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York.
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  Casas en Múnich , 1908, Museo Von der Heydt , Wuppertal
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  Murnau, tren y castillo , 1909, Lenbachhaus , Múnich

Las pinturas de Kandinsky de este período son grandes y expresivas masas de color, evaluadas independientemente de las formas y las líneas; estas ya no sirven para delimitarlas, sino que se superponen libremente para formar pinturas de extraordinaria fuerza. La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto, ya que es abstracto por naturaleza; no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa los sentimientos internos del alma de forma inmediata. Kandinsky a veces utilizaba términos musicales para identificar sus obras; llamaba a sus pinturas más espontáneas «improvisaciones» y describía las obras más elaboradas como «composiciones».

Además de pintor, Kandinsky fue un teórico del arte; su influencia en la historia del arte occidental proviene quizás más de sus obras teóricas que de sus pinturas. Contribuyó a fundar la Neue Künstlervereinigung München (Asociación de Nuevos Artistas de Múnich), llegando a ser su presidente en 1909. Sin embargo, el grupo no pudo integrar el enfoque radical de Kandinsky (y otros) con los conceptos artísticos convencionales y se disolvió a finales de 1911. Kandinsky formó entonces un nuevo grupo, El Jinete Azul ( Der Blaue Reiter ), con artistas afines como August Macke , Franz Marc , Albert Bloch y Gabriele Münter . El grupo publicó un almanaque ( El Jinete Azul Almanaque ) y realizó dos exposiciones. Se planearon más de ambas, pero el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 frustró estos planes y obligó a Kandinsky a regresar a Rusia vía Suiza y Suecia.

Sus escritos en el Almanaque del Jinete Azul y el tratado "Sobre lo espiritual en el arte" (publicado en 1910) constituían tanto una defensa como una promoción del arte abstracto, así como una afirmación de que todas las formas artísticas eran igualmente capaces de alcanzar un nivel de espiritualidad. Creía que el color podía utilizarse en la pintura como algo autónomo, al margen de la descripción visual de un objeto u otra forma.

Estas ideas tuvieron un impacto internacional casi inmediato, particularmente en el mundo angloparlante. ^{[ 15 ]} Ya en 1912, Michael Sadleir reseñó Sobre lo espiritual en el arte en la revista londinense Art News. ^{[ 16 ]} El interés por Kandinsky creció rápidamente cuando Sadleir publicó una traducción al inglés de Sobre lo espiritual en el arte en 1914. Extractos del libro se publicaron ese mismo año en la revista Blast de Percy Wyndham Lewis y en el periódico cultural semanal The New Age de Alfred Orage . Sin embargo, Kandinsky ya había recibido cierta atención en Gran Bretaña; en 1910, participó en la Exposición de Artistas Aliados (organizada por Frank Rutter ) en el Royal Albert Hall de Londres . Esto dio como resultado que su obra fuera elogiada en una reseña de dicha exposición escrita por el artista Spencer Frederick Gore en The Art News . ^{[ 17 ]}

El interés de Sadleir por Kandinsky también propició que las primeras obras de Kandinsky ingresaran en una colección de arte británica; el padre de Sadleir, Michael Sadler , adquirió varios grabados en madera y la pintura abstracta Fragmento para composición VII en 1913, tras una visita de padre e hijo a Múnich para conocer a Kandinsky ese mismo año. Estas obras se exhibieron en Leeds , ya sea en la universidad o en las instalaciones del Leeds Arts Club , entre 1913 y 1923. ^{[ 18 ]}

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  Primera acuarela abstracta sin título , 1910–1913, Centro Pompidou , París ^{[ 19 ]}
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  La vaca , 1910, Lenbachhaus , Múnich
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  Estudio para la improvisación V , 1910
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  Lírico , 1911
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  Paisaje con dos álamos , 1912
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  Mit Dem Schwarzen Bogen , 1912, Centro Pompidou , París ^{[ 20 ]}
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  Paisaje con manchas rojas, n.º 2 , 1913
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  Estudio de color: Cuadrados con círculos concéntricos , 1913
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  Composición 6 , 1913
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  Pintura con una mancha roja , 1914

El sol funde toda Moscú hasta reducirla a un único punto que, como una tuba enloquecida, hace vibrar el corazón y el alma. Pero no, esta uniformidad de rojo no es la hora más hermosa. Es solo el acorde final de una sinfonía que lleva cada color al cenit de la vida y que, como el fortissimo de una gran orquesta, Moscú la impulsa y la permite resonar.

Entre 1918 y 1921, Kandinsky participó en la política cultural de Rusia y colaboró ​​en la educación artística y la reforma de los museos. Pintó poco durante este periodo, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística con un programa basado en el análisis de la forma y el color; también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística de Moscú (del que fue su primer director). Su visión espiritual y expresionista del arte fue finalmente rechazada por los miembros radicales del instituto por considerarla demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius .

En mayo de 1922, asistió al Congreso Internacional de Artistas Progresistas y firmó la "Proclamación Fundacional de la Unión de Artistas Internacionales Progresistas". ^{[ 22 ]}

Kandinsky impartió la clase básica de diseño para principiantes y el curso de teoría avanzada en la Bauhaus ; también dirigió clases de pintura y un taller en el que amplió su teoría del color con nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular sobre puntos y formas de línea, condujo a la publicación de su segundo libro teórico ( Punto y línea al plano ) en 1926. Sus análisis de los efectos de las fuerzas sobre las líneas rectas, que dieron lugar a los tonos contrastantes de las líneas curvas y angulares, coincidieron con la investigación de los psicólogos de la Gestalt, cuyo trabajo también se discutió en la Bauhaus. ^{[ 23 ]} Los elementos geométricos adquirieron una importancia creciente tanto en su enseñanza como en su pintura, en particular el círculo, el semicírculo, el ángulo, las líneas rectas y las curvas. Este período fue intensamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de planos ricos en colores y gradaciones, como en Amarillo - rojo - azul (1925), donde Kandinsky ilustra su distanciamiento de los movimientos constructivistas y suprematistas influyentes en ese momento.

La obra «Amarillo, rojo y azul» (1925) , de dos metros de ancho (6 pies y 7 pulgadas), se compone de varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo azul oscuro. Una multitud de líneas negras rectas (o sinuosas), arcos circulares, círculos monocromáticos y tableros de ajedrez de colores dispersos contribuyen a su delicada complejidad. Esta sencilla identificación visual de las formas y las principales masas de color presentes en el lienzo es solo un primer acercamiento a la realidad interna de la obra, cuya apreciación requiere una observación más profunda, no solo de las formas y los colores que intervienen en la pintura, sino también de su relación, sus posiciones absolutas y relativas en el lienzo y su armonía.  

Kandinsky fue uno de los Cuatro Azules , un grupo formado en 1923 por Paul Klee , Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky, a instancias de Galka Scheyer , quien promovió su obra en Estados Unidos a partir de 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, la Bauhaus abandonó Weimar y se trasladó a Dessau en 1925. Tras una campaña de desprestigio nazi, la Bauhaus se mudó de Dessau a Berlín en 1932, donde permaneció hasta su disolución en julio de 1933. Posteriormente, Kandinsky dejó Alemania y se estableció en París.

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  Mundos pequeños I , 1922, Galería Nacional de Dinamarca , Copenhague ^{[ 24 ]}
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  Sobre blanco II , 1923, Centro Pompidou , París
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  Círculos dentro de un círculo , 1923, Museo de Arte de Filadelfia , Filadelfia
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  Varios círculos , 1926, Museo Solomon R. Guggenheim , Ciudad de Nueva York
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  Soft Hard , 1927
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  Alianza interior , 1929, Albertina , Viena

Kandinsky, que vivía en un apartamento de París, creaba su obra en un estudio que había en su sala de estar. En sus pinturas aparecen formas biomórficas con contornos flexibles y no geométricos, formas que sugieren organismos microscópicos pero que expresan la vida interior del artista. Kandinsky empleaba composiciones cromáticas originales, que evocaban el arte popular eslavo. En ocasiones, también mezclaba arena con pintura para dar a sus cuadros una textura granulada y rústica.

Este período corresponde a una síntesis de la obra anterior de Kandinsky en la que utilizó todos los elementos, enriqueciéndolos. En 1936 y 1939, pintó sus dos últimas composiciones importantes, el tipo de lienzos elaborados que no había producido durante muchos años. Composición IX tiene diagonales poderosas y de alto contraste cuya forma central da la impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de color destacan sobre el fondo negro de Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos ), mientras que enigmáticos jeroglíficos con tonos pastel cubren una gran masa granate que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky, algunas características son obvias, mientras que ciertos toques son más discretos y velados; se revelan progresivamente solo a quienes profundizan su conexión con su obra. ^{[ 25 ]} Su intención era que sus formas (que armonizó y colocó sutilmente) resonaran con el alma del observador.

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  Marrón con suplemento , 1935, Museo Boijmans Van Beuningen , Róterdam
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  Composición IX , 1936, Musée national d'art moderne , París
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  Composición X , 1939, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf
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  Diversas acciones , 1941, Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York

Al escribir que «la música es la maestra suprema», ^{[ 26 ]} Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez Composiciones . Las tres primeras sobreviven únicamente en fotografías en blanco y negro tomadas por su colega y amiga, la artista Gabriele Münter . Composición I (1910) fue destruida por un bombardeo británico sobre la ciudad de Braunschweig, en Baja Sajonia, la noche del 14 de octubre de 1944. ^{[ 27 ]}

Aunque existen estudios, bocetos e improvisaciones (en particular de Composición II ), una redada nazi en la Bauhaus en la década de 1930 resultó en la confiscación de las tres primeras composiciones de Kandinsky . ^{[ 28 ]} Las tres fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 29 ]}

Algunas obras de Kandinsky, como su cuadro ahora perdido Zweierlei Rot (1916), se exhibieron en la exposición de Arte Degenerado patrocinada por el Estado . ^{[ 30 ]} Las obras confiscadas durante la campaña de "arte degenerado" fueron vendidas, intercambiadas o destruidas. ^{[ 31 ]} Se puede acceder a un inventario completo de más de 16 000 piezas de arte a través del sitio web del Museo Victoria y Alberto . Esto incluye obras de Kandinsky. ^{[ 32 ]}

Fascinado por la escatología cristiana y la percepción de una Nueva Era venidera, ^{[ 33 ]} un tema común entre las primeras siete composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Al escribir sobre el "artista como profeta" en su libro Acerca de lo espiritual en el arte , Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que mostraban un cataclismo venidero que alteraría la realidad individual y social. Con una fe devota en el cristianismo ortodoxo , ^{[ 34 ]} Kandinsky se inspiró en las historias bíblicas del Arca de Noé , Jonás y la ballena, la resurrección de Cristo , los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro del Apocalipsis , cuentos populares rusos y las experiencias mitológicas comunes de muerte y renacimiento. Sin intentar jamás representar ninguna de estas historias como una narración, utilizó sus imágenes veladas como símbolos de los arquetipos de muerte-renacimiento y destrucción-creación que sentía inminentes en el mundo anterior a la Primera Guerra Mundial .

Como afirmó en Sobre lo espiritual en el arte (véase más abajo), Kandinsky sentía que un artista auténtico, que crea arte por «una necesidad interna», habita la cúspide de una pirámide ascendente. Esta pirámide en constante evolución penetra y avanza hacia el futuro. Lo que ayer era extraño o inconcebible, hoy es común; lo que hoy es vanguardista (y comprendido solo por unos pocos), mañana será conocimiento general. El artista-profeta moderno se alza solo en la cima de la pirámide, realizando nuevos descubrimientos y anunciando la realidad del mañana. Kandinsky era consciente de los recientes avances científicos y de los progresos de los artistas modernos que habían contribuido a formas radicalmente nuevas de ver y experimentar el mundo.

La Composición IV y las pinturas posteriores se centran principalmente en evocar una resonancia espiritual tanto en el espectador como en el artista. Al igual que en su cuadro del Apocalipsis junto al agua ( Composición VI ), Kandinsky sitúa al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos, traduciéndolos a términos contemporáneos (con una sensación de desesperación, agitación, urgencia y confusión). Esta comunión espiritual entre espectador, pintura y artista/profeta puede describirse dentro de los límites de las palabras y las imágenes.

Como indican los ensayos del Almanaque Der Blaue Reiter y sus teorías con el compositor Arnold Schoenberg , Kandinsky también expresó la comunión entre artista y espectador como accesible tanto a los sentidos como a la mente ( sinestesia ). Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del do central en una trompeta de latón; el negro es el color del cierre y del final de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871, el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. ^{[ 35 ] [ 36 ]}

Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando (por ejemplo) que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea al plano .

El legendario diseño escénico de Kandinsky para una representación de Cuadros de una exposición de Mussorgsky ilustra su concepto sinestésico de una correspondencia universal entre formas, colores y sonidos musicales. ^{[ 37 ]} En 1928, la producción escénica se estrenó en un teatro de Dessau. En 2015, los diseños originales de los elementos escénicos se animaron con tecnología de vídeo moderna y se sincronizaron con la música según las notas preparatorias de Kandinsky y el guion del director Felix Klee.

En otro episodio con Münter durante los años del expresionismo abstracto bávaro , Kandinsky trabajaba en Composición VI . Tras casi seis meses de estudio y preparación, su intención era que la obra evocara simultáneamente una inundación, un bautismo, la destrucción y el renacimiento. Después de esbozar la obra en un panel de madera de gran tamaño, se bloqueó y no pudo continuar. Münter le dijo que estaba atrapado en su intelecto y que no alcanzaba el verdadero tema del cuadro. Le sugirió que simplemente repitiera la palabra überflut («diluvio» o «inundación») y que se centrara en su sonido en lugar de en su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la monumental obra en tan solo tres días. ^{[ 38 ]}

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