Arte para vestir

El arte vestible , también conocido como Artwear o "arte para vestir" , se refiere a piezas de arte con forma de prendas de vestir o joyas . ^{[ 1 ] : 12} Estas piezas suelen ser hechas a mano y se producen solo una vez o en series muy limitadas. Las prendas suelen estar hechas con materiales fibrosos y técnicas tradicionales como el ganchillo, el tejido de punto y el acolchado, pero también pueden incluir láminas de plástico, metales, papel y más. Si bien la creación de cualquier prenda de vestir u otro objeto vestible generalmente implica consideraciones estéticas, el término arte vestible implica que la obra está destinada a ser aceptada como una creación o declaración artística. El arte vestible está diseñado para llamar la atención mientras se exhibe, se modela o se usa en performances . ^{[ 2 ]} Las piezas pueden venderse y exhibirse.

El arte vestible se sitúa en la encrucijada de la artesanía, la moda y el arte. ^{[ 1 ] : 12} La idea moderna del arte vestible parece haber surgido más de una vez en diversas formas. Los historiadores de la joyería identifican un movimiento de arte vestible que abarca aproximadamente los años 1930 a 1960. ^{[ 3 ]} Los historiadores de los textiles y el vestuario consideran que el movimiento del arte vestible floreció en la década de 1960, ^{[ 4 ]} heredando del movimiento Arts and Crafts de la década de 1850. ^{[ 1 ]}

Cobró importancia en la década de 1970, impulsado por las subculturas hippie y mod , y junto con el craftivismo , las artes textiles y el arte feminista . Las artistas que se identifican con este movimiento son abrumadoramente mujeres. ^{[ 1 ] : 8} A finales de la década de 1990, el arte para vestir se volvió difícil de distinguir de la moda, ^{[ 5 ] : 142} y en las décadas de 2000 y 2010 comenzó a integrar nuevos materiales como la electrónica. ^{[ 6 ]}

El movimiento del arte vestible hereda del movimiento Arts and Crafts, que buscaba integrar el arte en la vida cotidiana y en los objetos. La ropa cuidadosamente confeccionada a mano se consideraba un medio de autoexpresión y, además, una estrategia para evitar la marginación de los usuarios y diseñadores de moda por parte de la producción en masa.

El término arte vestible surge alrededor de 1975 para distinguir las obras de arte hechas para ser usadas del arte corporal y la performance. Se usó junto con los términos Artwear y "Art to Wear". ^{[ 1 ] : 22} Un movimiento artístico basado principalmente en los Estados Unidos debido a una combinación de apoyo financiero y educativo, encontró ecos en las artes textiles y feministas en todo el mundo.

En Estados Unidos, el movimiento del Arte Vestible se remonta al renacimiento artesanal estadounidense de principios del siglo XX . Este renacimiento se nutre de diferentes movimientos que buscan unificar el arte y la artesanía y empoderar a artesanos y artistas, como el japonismo , el art nouveau , la Secesión de Viena y, posteriormente, la Bauhaus . ^{[ 5 ] : 173} Durante y poco después de la Segunda Guerra Mundial, mecenas adinerados fundaron instituciones educativas y museísticas, en particular el American Craft Council y el Museum of Contemporary Crafts , para apoyar la renovación de la enseñanza de la artesanía. Esto permitió a los artistas dedicados a la artesanía mantenerse económicamente y formar a nuevas generaciones. Por ejemplo, la famosa tejedora de la Bauhaus, Anni Albers, impartió clases de tejido en el Black Mountain College desde 1938, antes de dirigir el departamento de artesanía del California College of Arts and Crafts de 1960 a 1976. ^{[ 5 ] : 173}

Las escuelas de arte fueron esenciales para el desarrollo del movimiento Arte para Vestir. A finales de los años sesenta, un grupo de estudiantes de la Academia de Arte de Cranbrook y del Instituto Pratt ^{[ 5 ] : 2} comenzaron a integrar técnicas textiles en sus proyectos de diseño. Entre ellos se encontraban varias figuras importantes del movimiento Arte para Vestir, incluido el diseñador Jean Cacicedo . ^{[ 7 ]} Las galerías más conocidas que apoyaban el Arte Vestible eran Obiko (fundada en 1972 por Sandra Sakata ^{[ 8 ]} ) en San Francisco, y Julie: Artisans' Gallery (fundada en 1973 por Julie Schafler-Dale ) en Nueva York. ^{[ 5 ]}

Al estar la artesanía y la enseñanza del arte más separadas fuera de Estados Unidos, es más difícil identificar el arte para vestir como un movimiento artístico independiente. Sin embargo, el renovado interés por las artesanías textiles tradicionales, como el teñido shibori, despertó el interés de artistas de todo el mundo. ^{[ 1 ]}

Japón desempeñó un papel significativo en la definición del arte vestible durante las décadas de 1970 y 1980 a través del trabajo de diseñadores como Rei Kawakubo, Issey Miyake y Yohji Yamamoto. ^{[ 9 ]} Los estudiosos han descrito a estos diseñadores como parte de un movimiento "antimoda" que transformó las prendas en formas conceptuales y escultóricas. ^{[ 10 ] [ 11 ]}

En toda África, las tradiciones artísticas vestibles han combinado históricamente funciones estéticas, ceremoniales, espirituales y políticas. El trabajo con cuentas, las artes textiles y los adornos corporales suelen comunicar identidad, estatus social, linaje y significado religioso. ^{[ 12 ]}

Los diseñadores europeos contribuyeron significativamente al desarrollo de la moda conceptual y ponible a finales del siglo XX y principios del XXI. Diseñadoras como Iris van Herpen se hicieron famosas por sus prendas esculturales que incorporaban impresión 3D, fabricación digital y materiales poco convencionales. Las exposiciones de museos describieron su obra como una fusión de "expresión artística, artesanía y creatividad". ^{[ 13 ]} El diseñador Alexander McQueen desarrolló desfiles teatrales que a menudo se describen como formas de arte escénico. El Museo Metropolitano de Arte señaló que su obra expandió la moda "más allá de la utilidad, hacia una expresión conceptual de cultura, política e identidad". ^{[ 14 ]}

El arte vestible decayó como movimiento independiente a finales de la década de 1990 debido a la competencia de la industria, que permitió la personalización a gran escala, la migración de artistas hacia la alta costura o la producción de series pequeñas, y la mayor disponibilidad de prendas hechas a mano de todo el mundo. ^{[ 5 ]} Las interpretaciones contemporáneas del arte vestible pueden centrarse en la integración de tecnologías en las prendas; ^{[ 15 ]} el uso de nuevas técnicas de fabricación para ampliar las siluetas posibles, como Iris Van Herpen ^{[ 16 ]} y Damselfrau ; la reinterpretación de motivos del mundo del arte en la alta costura, como el desfile de alta costura de otoño de 2015 de Viktor y Rolf ; ^{[ 17 ]} o trabajos utilizados en artes escénicas como los Soundsuits de Nick Cave . ^{[ 18 ]} Además, las obras originadas en la moda pueden cuestionar la vestimenta cotidiana con piezas provocativas. Un ejemplo es trashion , donde los artistas crean prendas artísticas extravagantes a partir de basura. ^{[ 19 ] [ 20 ]}

Si bien el arte para vestir puede utilizar cualquier material o forma que se use habitualmente, existen tendencias en las técnicas y los tipos de piezas producidas debido a las posibilidades que ofrecen a los artistas.

El ganchillo, el bordado, el tejido de punto, el encaje, el acolchado y el fieltro se encuentran comúnmente en piezas de arte para vestir. El ganchillo siguió siendo un arte doméstico hasta finales de la década de 1960, cuando nuevos artistas comenzaron a experimentar con el ganchillo a mano alzada. Esta práctica permitió a los artistas trabajar en cualquier forma y emplear el uso de colores libremente, sin la guía de un patrón. ^{[ 21 ]} El trabajo de Janet Lipkin en las décadas de 1970 y 1980 es un buen ejemplo de esta técnica. ^{[ 22 ] [ 23 ]} El tejido a máquina, debido a que permitió la creación rápida de diseños de punto complejos, fue igualmente popular como lo ejemplifica el trabajo de Susanna Lewis .

Con el desarrollo de la tecnología de computación portátil , los dispositivos cada vez más miniaturizados y estilizados comienzan a integrarse con la estética del arte vestible. La computación móvil de bajo consumo permite el uso de materiales flexibles que emiten luz y cambian de color, así como de tejidos de alta tecnología, de maneras complejas y sutiles. Algunos practicantes del movimiento Steampunk han creado elaborados trajes y accesorios que combinan un estilo pseudovictoriano con tecnología y materiales modernos.

Dos formas recurrentes en el movimiento Art to Wear fueron el kimono y la capa. ^{[ 1 ]} El kimono permite transformar rápidamente una pieza de tela personalizada en una prenda. La capa es igualmente fácil de confeccionar y ofrece muchas posibilidades para la performance. El libro Cut my cote, que presenta patrones de vestimenta folclórica histórica, tuvo una gran influencia en el movimiento Art to Wear de la década de 1970.

Algunos artistas y arquitectos modernos del siglo XX buscaron elevar la ornamentación corporal —es decir, la joyería— al nivel de bellas artes y diseño original, en lugar de considerarla mera decoración, producción artesanal de diseños tradicionales o engastes convencionales para exhibir piedras preciosas o metales preciosos. La joyería fue utilizada por surrealistas, cubistas, expresionistas abstractos y otros artistas modernistas que trabajaron en las décadas centrales del siglo XX. ^{[ 3 ]}

Las obras de arte vestibles pueden usarse o diseñarse para representaciones, mientras que los artistas y escultores que trabajan con fibras u otros materiales pueden crear piezas para vestir. Por lo tanto, los límites del arte vestible son difusos, salvo por la autoidentificación del artista con un movimiento o comunidad artística determinada.

Por ejemplo, Electric Dress es un traje ceremonial similar a un kimono de boda que consiste principalmente en bombillas electrificadas y pintadas de varios colores, entrelazadas en una maraña de cables, creado en 1956 por la artista japonesa Gutai Atsuko Tanaka . Esta prenda extrema era algo así como un traje de escenario, diseñado solo para la actuación. ^{[ 24 ]} De manera similar, en la pieza de performance de Nam June Paik de 1969 llamada TV Bra for Living Sculpture , Charlotte Moorman tocó un violonchelo mientras usaba un sostén hecho de dos pequeños televisores en funcionamiento.

• El Museo de Artes y Diseño ha acogido exposiciones relacionadas con el arte vestible desde 1965.
• Arte para vestir, 1979, Museo de Arte Moderno de San Francisco.
• Arte para vestir, 1987, Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland
• Artwear: Moda y antimoda, 2005, Museo Memorial De Young en San Francisco
• Off the Wall: Arte estadounidense para vestir, 2019-2020, Museo de Arte de Filadelfia

• Premios World of Wearable Art, celebrados anualmente desde 1987 y organizados por Suzie Moncrieff . ^{[ 25 ]}
• Festival Australiano de Arte Vestible, que se celebra anualmente desde 2019.

• El Fiberworks Art Center for Textile Arts, fundado en 1973, cerró sus puertas en 1987 en Berkeley.
• Red Mundial de Shibori
• Arte textil mundial

• Accesorios de moda
• Steampunk
• Computación portátil

• El concurso World of WearableArt Awards Show es una competición internacional de diseño que se celebra anualmente en Wellington, Nueva Zelanda.
• Los Wearable Art Awards : concurso de arte para vestir que se celebra anualmente en Port Moody, Canadá.
• Concurso de arte para vestir que se celebra anualmente en Alice Springs como parte del Festival del Desierto de Alice.