artesanía estadounidense

La artesanía estadounidense se refiere a las obras de artistas independientes que trabajan con materiales y procesos artesanales tradicionales. Algunos ejemplos son la madera ( ebanistería y fabricación de muebles ), el vidrio ( soplado y soplado de vidrio ), la arcilla ( cerámica ), los textiles y el metal ( metalurgia ). Las obras de artesanía suelen tener una función práctica o utilitaria, o bien aluden a ella, aunque con frecuencia se manipulan y exhiben de forma similar a las obras de arte visual.

El movimiento artesanal estadounidense es sucesor de movimientos artesanales europeos anteriores. La artesanía moderna se desarrolló como reacción a la modernidad y, en particular, a la Revolución Industrial . Durante el siglo XIX, el historiador escocés Thomas Carlyle y el crítico social inglés John Ruskin advirtieron sobre la extinción de la artesanía en Europa . El diseñador y teórico inglés William Morris continuó esta línea de pensamiento, convirtiéndose en el padre del movimiento Arts & Crafts de Inglaterra . Morris distinguió al artesano de estudio de esta manera: «Nuestro arte es obra de una pequeña minoría compuesta por personas educadas, plenamente conscientes de su objetivo de producir belleza, y que se distinguen del gran cuerpo de trabajadores por ese objetivo». Tanto las tradiciones artesanales europeas como las estadounidenses también han sido influenciadas por el Art Nouveau . Ambos movimientos influyeron en el desarrollo del movimiento artesanal contemporáneo en los Estados Unidos a finales del siglo XIX, a lo largo del siglo XX y hasta la actualidad.

A principios del siglo XIX, se popularizó entre los estadounidenses de zonas rurales con recursos modestos la idea de decorar sus hogares y muebles por sí mismos. El artista Rufus Porter fue uno de los primeros defensores del movimiento artesanal estadounidense. En 1825 publicó A Select Collection of Valuable and Curious Arts, and Interesting Experiments Which are Well Explained, and Warranted Genuine, and May be Prepared, Safely and at Little Expense , un libro de instrucciones para las artes decorativas domésticas, incluyendo la pintura de paredes, suelos y muebles.

A finales del siglo XIX, los oficios artesanales preindustriales prácticamente habían desaparecido. La expansión industrial y la migración hacia el oeste habían alejado considerablemente la cultura estadounidense de sus raíces artesanales coloniales y nativas americanas. En este contexto, Louis Comfort Tiffany fue un pionero del movimiento artesanal estadounidense, defendiendo la incorporación de objetos bien diseñados y elaborados en los hogares estadounidenses. Las elegantes vidrieras de Tiffany , influenciadas por los valores de William Morris , se convirtieron en la máxima expresión del Art Nouveau en Estados Unidos .

Gustav Stickley , el ebanista , fue uno de los pioneros en el desarrollo del mobiliario de estudio y del movimiento artesanal estadounidense. Los diseños de Stickley se distinguían por su sencillez y por la armonía entre el arte decorativo de interiores y la arquitectura . Su revista, " The Craftsman ", fue un foro para este movimiento desde 1901 hasta 1916. Originalmente centrada en exponer ideas del movimiento Arts and Crafts inglés , "The Craftsman" desarrolló cada vez más conceptos artesanales estadounidenses a lo largo de los años de su publicación. Las ideas de Stickley influyeron posteriormente en Frank Lloyd Wright y en futuras generaciones de artesanos, artistas y arquitectos estadounidenses.

El movimiento Roycroft fue una adaptación estadounidense del movimiento británico de artes y oficios fundado por Elbert Hubbard y su esposa Bertha Crawford Hubbard en la pequeña ciudad de East Aurora, Nueva York, en 1895. Se centraba en la escritura y publicación de libros ornamentados, pero también fabricaba muebles y productos de metal. Roycroft se organizó como una comunidad de artesanos que vivían y trabajaban, siguiendo el modelo de un gremio medieval europeo .

El movimiento de la artesanía artística se impulsó con la creación de programas de artesanía en instituciones de educación superior. En 1894, por ejemplo, se fundó el primer departamento universitario de cerámica de Norteamérica en la Universidad Estatal de Ohio, en Columbus, Ohio . Posteriormente, en 1901, se creó la primera escuela de arte cerámico en la Universidad de Alfred , en Alfred, Nueva York . De manera similar, la Escuela de Diseño de Rhode Island, en Providence, Rhode Island, estableció la primera clase de artes metalúrgicas en 1901 y la primera clase de textiles en 1903.

Tras la Primera Guerra Mundial, un espíritu de internacionalismo de posguerra influyó en la creación de otras importantes instituciones artesanales, como la Academia de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan . Los artesanos de Cranbrook transformaron formas orgánicas y geométricas en el estilo que se conocería como Art Déco . En Cranbrook, profesoras como Maija Grotell realizaron importantes obras por derecho propio, a la vez que formaban a una nueva generación de jóvenes artistas artesanales como Mary Kring Risley .

Durante la Gran Depresión , la Administración de Obras Públicas (Works Progress Administration) financió proyectos artesanales, así como obras públicas y murales, con el fin de mantener a los trabajadores empleados y elevar la moral nacional. Esto permitió que la artesanía floreciera a nivel local. Al mismo tiempo, los programas de arte estadounidenses comenzaron a incluir estudios de artesanía en sus planes de estudio.

La Segunda Guerra Mundial trajo consigo una afluencia de artistas y artesanos europeos. Estos exiliados europeos trajeron consigo una variedad de tradiciones históricas, incluyendo no solo prácticas artesanales europeas, sino también conocimientos de culturas asiáticas y otras culturas no occidentales. Un ejemplo de esta afluencia es Tage Frid, un ebanista danés, quien consolidó la reputación del programa de fabricación de muebles en la Escuela de Diseño de Rhode Island, y sin duda existen otros ejemplos. Asimismo, durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, una insatisfacción general con la sociedad industrial comenzó a impulsar un mayor apoyo a los objetos de arte hechos a mano. En 1943, se fundó el Consejo Estadounidense de Artesanía (ACC) para apoyar a los artesanos y fomentar el aprecio por su trabajo. La fundadora del ACC, Aileen Osborn Webb, era una ceramista interesada en crear oportunidades de comercialización para los artesanos de estudio. La organización creció hasta incluir la revista American Craft y el Museo de Artes y Diseño (entonces llamado Museo de Artesanía Contemporánea y, en un momento dado, Museo Estadounidense de Artesanía). Como resultado de estos fenómenos, la artesanía estadounidense de la posguerra se volvió más refinada estilísticamente y técnicamente más competente.

Durante la década de 1950, algunos artistas se volcaron a la doctrina de la fidelidad a los materiales . Este movimiento implicaba un énfasis en la producción colectiva de artesanías. Los artesanos a veces colaboraban durante este período para desarrollar proyectos más ambiciosos. A lo largo de la década de 1950 y posteriormente, el ceramista Peter Voulkos desarrolló obras de cerámica cada vez más grandes y no tradicionales, influenciado por el expresionismo abstracto , que transformó la comprensión tradicional de los medios artesanales . Al igual que los expresionistas abstractos , Voulkos enfatizó el desempeño, el proceso y la expresión primaria en sus formas cerámicas. En algunos casos, Voulkos deconstruyó y reconstruyó formas tradicionales de recipientes de cerámica , como platos, cubiteras y tazas de té . En otras obras, Voulkos creó nuevas formas no utilitarias, como sus "pilas" cilíndricas de gran escala, puramente escultóricas.

Voulkos también recibió la influencia del budismo zen tras un encuentro en 1952 con el alfarero japonés Shoji Hamada . Hamada animó a Voulkos a adoptar un enfoque zen de la cerámica, basado no solo en la destreza técnica, sino también en una unión mental y espiritual entre el creador y la obra de arte. Posteriormente, Voulkos citó la afirmación de Hamada de que "le llevó diez años aprender a usar el torno de alfarero y otros diez años olvidarlo", una idea que inspiró los primeros intentos de Voulkos por dar forma a una tetera en dos minutos. ^{[ 1 ]}

Voulkos impartió clases en el Black Mountain College en 1953, donde se familiarizó aún más con los movimientos de vanguardia . En 1954, fundó el departamento de cerámica del Otis College of Art and Design (entonces llamado Los Angeles County Art Institute). En California , la cerámica de Voulkos rápidamente adquirió un carácter abstracto y escultórico. Posteriormente, Voulkos se trasladó a la Universidad de California, Berkeley , donde fundó otro departamento de cerámica y enseñó desde 1959 hasta 1985. En Berkeley, Voulkos se hizo cada vez más conocido por sus enormes vasijas agrietadas y con cortes.

La cultura de la década de 1960 fue aún más propicia para el desarrollo de la artesanía de estudio. Este período vio un rechazo al materialismo y la exploración de formas de vida alternativas. Para algunos, la creación de artesanías proporcionó precisamente esa vía de escape. En 1962, el entonces profesor de cerámica Harvey Littleton y el químico Dominick Labino iniciaron el movimiento contemporáneo del soplado de vidrio . El impulso para el movimiento consistió en sus dos talleres en el Museo de Arte de Toledo , durante los cuales comenzaron a experimentar con la fusión de vidrio en un pequeño horno y la creación de arte en vidrio soplado. Así, Littleton y Labino fueron los primeros en hacer que el vidrio fundido fuera viable para los artistas en estudios privados. Harvey Littleton extendió su influencia a través de sus propias e importantes contribuciones artísticas y a través de su enseñanza. ^{[ 2 ]} A lo largo de los años, Harvey Littleton formó a muchos de los artistas del vidrio contemporáneo más importantes, incluidos Marvin Lipofsky , Sam Herman (Gran Bretaña), Fritz Dreisbach y Dale Chihuly . Estos estudiantes de Littleton, a su vez, desarrollaron el nuevo movimiento y lo difundieron por todo el país. Por ejemplo, a Marvin Lipofsky se le atribuye ser uno de los fundadores de la Glass Art Society y haber introducido el vidrio artístico en California. En 1967, Lipofsky fundó el programa de vidrio en el California College of Arts and Crafts , que dirigió durante dos décadas.

En 1971, Dale Chihuly y Ruth Tamura fundaron la influyente Escuela de Vidrio Pilchuck cerca del pueblo rural de Stanwood, Washington , con el apoyo financiero de John y Anne Hauberg, quienes respaldaron la idea de un programa de verano de soplado de vidrio en el noroeste rural. El desarrollo posterior de este programa se convirtió en la Escuela de Vidrio Pilchuck . Influenciada por la Escuela de Artesanía de Haystack Mountain (la primera escuela en tener un horno de vidrio) y la Escuela de Artesanía de Penland , la Escuela de Vidrio Pilchuck se ha convertido en un centro del movimiento contemporáneo estadounidense del vidrio artístico , del cual Chihuly es una figura destacada. El artista Toots Zynsky , pionero de Pilchuck, observó que la elección de una ubicación occidental para la escuela reflejaba un rechazo consciente al establishment artístico del este. El nombre de la escuela también reflejaba la atracción contracultural de los fundadores por la cultura nativa americana . Chihuly eligió el nombre "Pilchuck", derivado de las palabras chinook para "rojo" y "agua", en alusión a las aguas ricas en hierro del cercano río Pilchuck .

En 1972, la Galería Renwick de la Institución Smithsonian se fundó como un departamento de artesanía de estudio del Museo Smithsonian de Arte Americano . Ubicada en el edificio original de la Galería de Arte Corcoran, frente a la Casa Blanca , al otro lado de la Avenida Pennsylvania , proporcionó un entorno distinguido para objetos de artesanía de estudio estadounidenses en Washington, D.C.

En 1992, el presidente George H. W. Bush firmó una proclamación que designaba 1993 como el Año de la Artesanía Estadounidense . Como parte de esta conmemoración, el director de la Galería Renwick, Michael Monroe, seleccionó setenta y dos obras de setenta artesanos estadounidenses, las cuales fueron donadas a la Casa Blanca para conformar la Colección de Artesanía Estadounidense de la Casa Blanca . Esta colección se exhibió durante cuatro meses en el Museo Nacional de Arte Estadounidense en 1995.

• Biografía de Peter Voulkos (1924–2002) en Biography.com (Consultado el 1 de septiembre de 2007)
• Timothy Anglin Burgard, El arte de la artesanía: Obras contemporáneas de la colección Saxe. Museos de Bellas Artes de San Francisco , 1999. ISBN 0-88401-098-8(tapa blanda). ISBN 0-8212-2637-1(de tapa dura).
• Barbaralee Diamonstein, «Valores, habilidades y sueños: artesanía en Estados Unidos», en Michael Monroe, The White House Collection of American Crafts, Harry N. Abrams, Inc. 1995. ISBN 0-8109-4035-3.
• Julie Hall, Tradición y cambio: El nuevo artesano estadounidense, EP Dutton , 1977. ISBN 0-525-22195-6.
• Kenneth Trapp y Howard Risatti, Skilled Work: American Craft in the Renwick Gallery. Smithsonian Institution Press, 1998. ISBN 1-56098-806-1
• Pohl, Francis K. Framing America . Una historia social del arte estadounidense. Nueva York: Thames and Hudson, 2002 (páginas 118–122)

• Revista American Craft
• artesanías americanas
• Consejo Estadounidense de Artesanía
• Sitio web oficial de la Galería Renwick
• Redefiniendo la artesanía
• Revista AmericanStyle
• Museo de Artes y Diseño
• La revista de artesanía moderna
• Muebles estadounidenses en el Museo Metropolitano de Arte , un catálogo de exposición de 2 volúmenes totalmente digitalizado.