El blanqueo artístico

A pesar de la importante presencia de personas negras en Europa desde al menos el siglo XVI, su representación en la historia del arte suele ser sesgada o inexistente. Cuando aparecen, los cuerpos negros generalmente se representan en roles de sumisión, y su humanidad e individualidad a menudo se niegan por completo. ^{[ 4 ]}

Por ejemplo, el retrato de un africano del Museo Royal Albert Memorial (RAMM) fue atribuido erróneamente a Ignatius Sancho . Esto se conoce como ceguera de la nieve y es una práctica común al nombrar a sujetos europeos en retratos desde el siglo XVII en adelante, ya que a las figuras africanas representadas junto a ellos a menudo se las denomina "Un negro" o "un sirviente". ^{[ 5 ]} Además, en la mayoría de las pinturas históricas europeas, una figura negra se utiliza como un accesorio u objeto, existiendo únicamente para enmarcar y reflejar la presencia blanca. Incluso cuando las figuras negras se representan con ropas finas, a menudo se trata de una representación engañosa, donde las lujosas sedas y encajes sirven simplemente como decoración que enmascara la brutal realidad de una vida esclavizada. ^{[ 4 ]}

El actor y autor británico Paterson Joseph califica esta práctica de racista y deshumanizante, e instó a la comunidad artística internacional a realizar esfuerzos para identificar y nombrar a estas figuras. ^{[ 5 ]}

Muchas instituciones están abordando este problema reevaluando cómo adquieren, conservan y exhiben obras. La historia de las personas negras en Europa suele verse a través del prisma de la esclavitud y el colonialismo. ^{[ 4 ]}

En 2017, la exposición "La figura negra en el imaginario europeo" tuvo lugar en el Museo de Bellas Artes de Cornell, en el Rollins College de Winter Park, Florida . Esta exposición reunió 31 obras de arte de los siglos XVIII y XIX, todas creadas por artistas europeos pero procedentes de colecciones estadounidenses. El artículo subraya que la comprensión de las personas negras durante este período a menudo estaba influenciada por sus roles como esclavos, sirvientes o extranjeros exóticos, y estaba moldeada por ideas preconcebidas. Estas percepciones estaban influenciadas en gran medida por el colonialismo, el imperialismo, la esclavitud, la abolición y el racismo. La exposición clasificó las obras de arte en cuatro grupos: esclavos y sirvientes, modelos de artistas, figuras históricas y literarias, y temas exóticos. El artículo destaca una pintura titulada "Retrato de un joven con un chaleco bordado", de la pintora francesa Marie-Victoire Lemoine, como ejemplo de cómo los sirvientes negros a menudo eran representados como accesorios de lujo para la élite. ^{[ 6 ]}

Según la historiadora y curadora de arte Adrienne L. Childs, ^{[ 7 ]} resulta interesante que la exposición indique que los artistas europeos tendían a representar figuras negras con individualidad y dignidad, en contraste con las exageraciones racistas que prevalecían en Estados Unidos durante el mismo período. Sin embargo, estas representaciones también eran complejas y matizadas debido a temas subyacentes de objetivación, servidumbre y actitudes jerárquicas sobre la raza. ^{[ 6 ]}

La exposición «Revelando la presencia africana en la Europa del Renacimiento» en el Museo de Arte de la Universidad de Princeton analiza una muestra que puso de relieve la presencia africana en el arte europeo durante el Renacimiento. La exposición, la primera de su tipo, exhibió más de sesenta obras de arte europeas de entre 1480 y 1605, incluyendo figuras africanas tanto conocidas como anónimas. Las obras se dividieron en dos partes: el contexto europeo y los individuos. La sección del contexto europeo exploró las percepciones y suposiciones sobre África que tenían los europeos de la época. La sección de los individuos presentó retratos de africanos, algunos de los cuales probablemente eran personas reales pintadas del natural. ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]}

Según la curadora de arte renacentista y barroco del Museo de Arte Walters en Baltimore, Joaneath Spicer, ^{[ 11 ]} a menudo un oscuro antípoda del blanco y la claridad, el negro conllevaba un estigma negativo, aunque la piel negra se atribuía a las quemaduras por la exposición al sol en la zona tórrida. Pero las asociaciones posteriores con el pecado de Cam, hijo de Noé, llevaron a la ideología del pigmento de la piel como un marcador maldito de inferioridad moral que tan frecuentemente se repitió en la teoría racista posterior. ^{[ 9 ]}

La representación de Jesucristo como un hombre blanco con rasgos europeos es común en la historia del arte, a pesar de que era un hombre hebreo de Oriente Medio. Esta tendencia se hizo particularmente notoria durante el Renacimiento , con obras famosas como « La Última Cena » de Leonardo da Vinci y « El Juicio Final » de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, que lo representan como blanco. La imagen de Jesús más reproducida es « Cabeza de Cristo » de Warner Sallman , de 1940, que lo muestra con ojos y cabello claros. ^{[ 12 ]}

La reina de Saba , un personaje importante en las historias bíblicas y coránicas, ha sido representada con frecuencia como una mujer blanca en el arte, especialmente durante el Renacimiento. Esto supone un alejamiento de su representación histórica como una mujer de color. Este cambio se hizo más evidente en el Renacimiento, cuando su imagen no solo fue blanqueada, sino también sexualizada. Esto se puede apreciar en obras de arte como la pintura de Edward Poynter de 1890, "La visita de la reina de Saba al rey Salomón". ^{[ 1 ]}

Andrómeda , una princesa de Etiopía en la mitología griega, ha sido objeto de blanqueamiento en el arte, particularmente durante el Renacimiento. ^{[ 1 ] [ 13 ] [ 14 ]} Históricamente, Andrómeda fue representada a menudo como una princesa negra. ^{[ 15 ] [ 16 ] [ 17 ]} Sin embargo, en muchas obras de arte renacentistas, se la representa como blanca. Por ejemplo, en la pintura de Piero di Cosimo "Perseo liberando a Andrómeda" de la década de 1510, Andrómeda es representada como más blanca que todas las figuras que la rodean, incluyendo a un músico negro y a sus padres, que son considerablemente más oscuros. ^{[ 1 ]}

Contrariamente a la creencia popular, las esculturas antiguas no eran de mármol desnudo, sino que estaban pintadas en brillantes tonos de azul, rojo, amarillo, marrón y otros colores. Los romanos hicieron copias de originales griegos de bronce en mármoles de diferentes colores para añadirles tono de piel. Sin embargo, este hecho se ha pasado por alto, y la narrativa del mármol blanco como el epítome de la belleza continúa vigente. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

En las últimas décadas, los científicos han estudiado los restos de pintura, incrustaciones y pan de oro utilizados en estas estatuas y han empleado tecnologías digitales para restaurarlas a su policromía original. A pesar de estos hallazgos, la imaginación popular aún percibe estas estatuas como de un blanco inmaculado. Esta percepción se debe en gran medida a los valores culturales y a la influencia del historiador de arte Johann Joachim Winckelmann , quien propagó la idea de una «Antigüedad pura, blanca como el mármol» y consideraba la escultura clásica de mármol blanco como la encarnación de la belleza ideal. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

En octubre de 2023, el Museo Grévin de París recibió críticas y fue acusado de blanqueamiento racial por la representación del tono de piel de Dwayne Johnson en su figura de cera. ^{[ 20 ]}