Alicia Aycock

Alice Aycock (nacida el 20 de noviembre de 1946) es una escultora y artista de instalaciones estadounidense. Fue una de las primeras artistas del movimiento land art de la década de 1970 y ha creado numerosas esculturas de metal a gran escala en todo el mundo. Los dibujos y esculturas de fantasías arquitectónicas y mecánicas de Aycock combinan lógica, imaginación, pensamiento mágico y ciencia.

Aycock nació en Harrisburg, Pensilvania, el 20 de noviembre de 1946. Estudió en el Douglass College de New Brunswick, Nueva Jersey , graduándose con una licenciatura en Artes en 1968. ^[1] Posteriormente se mudó a la ciudad de Nueva York y obtuvo su Maestría en Artes en 1971 en el Hunter College , donde fue enseñada y supervisada por el escultor y artista conceptual Robert Morris . A principios de la década de 1980, Aycock se casó con el artista Dennis Oppenheim . ^[2]

Los primeros trabajos de Aycock se centraron en las asociaciones con el medio ambiente. Sus esculturas ambientales y sus instalaciones artísticas, a menudo construidas sobre el terreno o dentro de él, abordaban cuestiones de privacidad y espacio interior, recinto físico y la relación del cuerpo con la arquitectura vernácula y el entorno construido. Su arte terrestre se centra en situaciones exploratorias y "dirigidas a un objetivo" para el público, y las estructuras en sí mismas son impermanentes debido a la falta de mantenimiento. ^[3] La obra se ha relacionado con empalizadas de indios americanos, el kraal Zuku , laberintos de civilizaciones antiguas y templos griegos . ^[4]

Una de sus obras más conocidas de este tipo es Maze (1972). Instalada en Gibney Farm, cerca de New Kingston, Pensilvania, Maze tiene treinta y dos pies de diámetro y está construida con cinco anillos de madera concéntricos de seis pies de alto con tres aberturas a través de las cuales el espectador puede entrar. ^[5] Una vez dentro, se supone que el participante experimente desorientación a medida que atraviesa su laberinto para llegar a su centro, y que vuelva a sentir una incomodidad similar al salir. Aycock se inspiró en la alineación axial de una brújula, así como en el ensayo del autor Jorge Luis Borges , "La esfera de Pascal", que presenta la idea de que el centro del universo se encuentra dondequiera que se encuentre el perceptor. ^[5] La artista dijo de Maze :

En un principio, había esperado crear un momento de pánico absoluto, cuando lo único que importaba era salir... Al igual que la experiencia de la autopista, pensé en el laberinto como una secuencia de movimientos corporales y oculares de una posición a otra. No se puede comprender el conjunto de una sola vez. Solo se puede recordar como una secuencia... Di por sentado la relación entre mi punto de entrada y el terreno circundante, pero a menudo perdí mi sentido de la orientación cuando volví a salir. De un momento a otro, olvidé las interconexiones entre los caminos y seguí redescubriendo nuevas secciones. ^[6]

Otras obras, como Low Building with Dirt Roof (1973) y A Simple Network of Underground Wells and Tunnels (1975), implicaban la escultura de paisajes naturales mediante la inserción de estructuras artificiales en el suelo. Al igual que las obras de Robert Smithson y otros contemporáneos de la época, Aycock fue una de las pocas mujeres artistas que trabajaban en este estilo. Sus contribuciones a este campo se destacaron en la exposición de 2015 "Decoys, Complexes and Triggers: Feminism and Land Art" (Señuelos, complejos y disparadores: feminismo y land art) en la década de 1970 en el Sculpture Center de Nueva York. ^[7]

La sensación de impermanencia y peligro también se refleja en sus obras en galerías, como Sand/Fans (1971 y nuevamente en 2008), que presentaba cuatro ventiladores industriales apuntando a un montón central de 4000 libras de arena. En la pieza original de 1971, las aspas del ventilador estaban descubiertas, lo que daba una sensación de miedo a quienes se encontraban con la obra. En la recreación de 2008, las aspas estaban enjauladas. El movimiento de la arena de los ventiladores reflejaba su interés por la naturaleza y la ciencia. Inicialmente pensó que los ventiladores crearían un remolino de arena en el medio, pero en lugar de eso crearon ondulaciones u olas. ^[8]

A partir de 1977, el uso de temas recurrentes de peligro e inquietud se vio aumentado por el creciente interés de Aycock en cuestiones metafísicas. Sus esculturas ahora excluían la participación del espectador y parecían más escenarios teatrales; y exploraban combinaciones de ciencia, tecnología y espiritualidad. ^[9] The Beginnings of a Complex (1977), que utiliza fachadas arquitectónicas y ventanas, se presentó en su instalación de galería para Documenta 6 como símbolo de este cambio de estilo. ^[10] The Machine That Makes the World (1979) reiteró este cambio y marcó el comienzo del trabajo de Aycock en esculturas a gran escala e instalaciones públicas durante las siguientes décadas. ^[11] Aycock completó How to Catch and Manufacture Ghosts en 1979. Esta instalación estuvo influenciada por la noción del siglo XIX de que la electricidad tenía el poder de conjurar la vida, popularizada por la novela Frankenstein de Mary Shelley . ^[12] La obra de técnica mixta estaba compuesta por madera, vidrio, agua, componentes de iluminación, contenedores de acero galvanizado, pájaros, un artista con burbujas y tuberías, cobre, zinc y una batería de limón conectada a un pájaro en una botella de vidrio flotando en una olla con agua. ^[13] La instalación fue creada para la John Webber Gallery de Nueva York , junto con The Machine that Makes the World . ^[14] Además de la estructura física de How to Catch and Manufacture Ghosts , Aycock también creó un fotograbado coloreado a mano , producido en 1981, que representa un diagrama de la obra de arte. ^[15]

Después de 1982, su obra giró en torno a las "máquinas de cuchillas", esculturas hechas con cuchillas de metal giratorias y motorizadas. Con su erudición obsesiva, el arte de Aycock de las máquinas cósmicas ha sido comparado nuevamente con los cuentos de Borges que involucran la metafísica privada de la mente, los sueños, el espacio y el tiempo. Al igual que Borges, Aycock provoca el temor de un orden superior existente y en última instancia incomprensible que el hombre intenta comprender sin cesar. ^[16]

En la década de 1990, Aycock se dedicó a la ingeniería más avanzada y a encargos permanentes de esculturas. También empezó a utilizar software de arquitectura para esbozar sus dibujos y planificar sus esculturas a medida que las desarrollaba. ^[8] Hablando de su trabajo relacionado con la arquitectura:

“Lo que intento hacer es tomar el lenguaje arquitectónico normal y hacerlo disyuntivo”. ^[17]

El trabajo reciente de Aycock toma la forma de esculturas a gran escala basadas en formas naturales, cibernética, física y otros temas posmodernos , implementando cada vez más materiales de alta tecnología para crear esculturas complejas en el espacio público. En 2005, Ramapo College presentó su instalación llamada Starsifter, Galaxy, NGC 4314 , una escultura de 30 pies de largo llamada así por la galaxia NGC 4314 que se encuentra a 40 millones de años luz de la Tierra y ha sido fotografiada por el Telescopio Espacial Hubble . ^[10] Su pieza de 2014 Park Avenue Paper Chase se instaló a lo largo de Park Avenue en Nueva York a un costo de más de $ 1 millón e incluyó siete esculturas a gran escala, algunas de las cuales fueron las más grandes jamás instaladas en el programa de arte público en esa ubicación. ^[18] Las siete esculturas hechas de aluminio y fibra de vidrio fueron diseñadas utilizando un software de modelado 3D, luego se formaron cortando y enrollando las piezas. ^[19]

En la década de 2010, ^[20] Aycock comenzó su serie Turbulence, que presenta esculturas de metal en espiral de varios tamaños que toman la forma de un tornado, un sistema de carreteras, hebras de ADN o incluso bailarines en espiral. ^[8] Las obras de esta serie se exhibieron en la Marlborough Fine Art Gallery de Nueva York ^[20] y en el Ulrich Museum of Art de Wichita, Kansas ^[21] , donde una obra de la serie, Twister Grande (tall) (2020), ahora está en exhibición permanente.

Aycock escribió su tesis de maestría sobre la experiencia estadounidense del sistema de carreteras en 1971. ^[8]

Aycock ha ocupado varios puestos de docencia en instituciones académicas centradas en las artes, como la Rhode Island School of Design (1977), la Princeton University (1979), el San Francisco Art Institute (1979), el Hunter College (1972-73; 1982-85), la Yale University (1988-92) y el Maryland Institute College of Art (2010-2014). Ha trabajado en la School of Visual Arts desde 1991.

• Beca del Fondo Nacional para las Artes , 1975, 1980, 1986
• Beca de servicio público para artistas creativos del estado de Nueva York, 1976
• Académico Nacional de la Academia Nacional de Diseño , 2013
• Premio a la trayectoria en escultura contemporánea del Centro Internacional de Escultura, 2018
• Premio de la Academia de las Artes al Logro en Artes Visuales de Guild Hall, 2019

Aycock ha creado instalaciones en el Museo de Arte Moderno (1977), el Instituto de Arte de San Francisco (1979), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1983) y en lugares fuera de los Estados Unidos, incluidos Israel, Alemania, los Países Bajos, Italia, Suiza y Japón. Ha tenido dos grandes retrospectivas: la primera examinó su trabajo entre 1972 y 1983 y fue organizada por el Wurttembergischer Kunstverein en Stuttgart, y la otra, una retrospectiva titulada "Complex Visions", fue comisariada por el Storm King Art Center . En septiembre de 2005, The MIT Press publicó la primera monografía de tapa dura de la artista, titulada Alice Aycock, Sculpture and Projects , escrita por Robert Hobbs . En abril de 2013 se inauguró una exposición retrospectiva de sus dibujos, Alice Aycock Drawings: Some Stories Are Worth Repeating , en el nuevo Museo de Arte Parrish en Water Mill, Nueva York (coincidiendo con la Grey Art Gallery de la ciudad de Nueva York) y viajó al Museo de Arte Universitario de la Universidad de California, Santa Bárbara y al Museo de Arte de Santa Bárbara en 2014.

Las obras de Aycock se pueden encontrar en las colecciones del MoMA, el Museo de Brooklyn , el Museo Whitney de Arte Americano , el Museo del Condado de Los Ángeles , la Galería Nacional , la Fundación Louis Vuitton y en Italia en la Fattoria di Celle-Collezione Gori. Aycock también ha expuesto en la Bienal de Venecia , Documenta 6 y 8 en Kassel, Alemania y la Bienal Whitney .

Las esculturas públicas de Aycock se pueden ver en todo Estados Unidos, incluida una obra suspendida permanente completada en 2012 en el Aeropuerto Internacional Dulles , su proyecto Star Sifter para la Terminal 1 del Aeropuerto Internacional John F. Kennedy , una pieza en la Biblioteca Pública de San Francisco , una pieza al aire libre en la Colección de Esculturas Públicas de la Universidad Western Washington y una instalación escultórica a gran escala en el techo del Pabellón East River Park en la Calle 60 de la ciudad de Nueva York. Otras obras notables incluyen un encargo de GSA para el Edificio Fallon en Baltimore; una pieza al aire libre titulada Strange Attractor en el Aeropuerto Internacional de Kansas City ; Ghost Ballet para East Bank Machineworks en Nashville, Tennessee; y una escultura flotante para el condado de Broward, Florida. De marzo a julio de 2014, la serie de siete esculturas de Aycock titulada Park Avenue Paper Chase se instaló en los centros comerciales Park Avenue de la ciudad de Nueva York.

Actualmente Aycock está representado por la Galería Marlborough de Nueva York.

• Fineberg, Jonathan. Dibujos de Alice Aycock: algunas historias vale la pena repetir. Yale University Press, 2013. 160pp. ISBN 0300191103 
• Hobbs, Robert . Alice Aycock: Escultura y proyectos. The MIT Press, 2005. 400 págs. ISBN 0-262-08339-6 
• Sondheim, Alan . Individuals: Post-Movement Art in America [Individuos: arte posmovimiento en Estados Unidos]. EP Dutton, 1977. 316pp. ISBN 978-0525474289 
• Stiles, Kristine y Peter Selz . Teorías y documentos del arte contemporáneo. University of California Press, 2012. 1168pp. ISBN 978-0-520-25718-4 

• Sitio web oficial
• Aycock en la Galerie Thomas Schulte, Berlín Archivado el 26 de marzo de 2017 en Wayback Machine.
• Aycock en el Museo Judío de Nueva York
• Aycock y la Comisión Municipal de Arte de Kansas City Archivado el 27 de marzo de 2017 en Wayback Machine.
• Aycock en ^[1]
• Aycock en la galería Marlborough de Nueva York
• Aycock en el Museo de Arte Moderno
• Aycock en la Galería Nacional de Arte
• Viento solar
• Aycock en el Storm King Art Center Archivado el 30 de julio de 2017 en Wayback Machine
• Archivos de Arte Americano, Instituto Smithsonian: entrevista de historia oral