Annie-B Parson

Sacrifice fue la primera obra a gran escala de Parson y su primer trabajo en Dance Theater Workshop , bajo la curaduría de David White, quien defendería la obra de Parson durante décadas. Ambientada en un lugar parecido a una peluquería, esta pieza incorporaba un texto de Harold Pinter y estaba acompañada por una partitura de gestos repetitivos ejecutados por cinco parejas de hombres y mujeres.

La obra The Gag se estrenó en el Dance Theater Workshop en 1993. Esta pieza a gran escala se basó en el mito de Casandra de la mitología griega e incorporó el texto de la escritora feminista radical Andrea Dworkin . Molly Hickok interpretó el papel principal, dando inicio a una colaboración de décadas con Parson. La obra también se inspiró en los escritos de Christa Wolff, con textos de Esquilo , Pinter y Marguerite Yourcenar . Contó con música original de Walter Tompson , interpretada en vivo. Cuatro monitores en el suelo mostraban imágenes de crías de animales correteando. El New York Times describió The Gag como «una mezcla ecléctica de teatro y danza... Hay un poco de tragedia griega, algo de Harold Pinter, una pizca de Tennessee Williams y una gran dosis de moda y travesuras cómicas». ^{[ 8 ]}

Presentada por el Teatro Cucaracha y originalmente creada para los estudiantes de la NYU, Bremen Freedom , del dramaturgo alemán Rainer Fassbinder , contaba la historia de Geesche, una mujer tan harta de ser controlada por los hombres de su vida que los envenenó metódicamente y, finalmente, a sí misma. El Village Voice escribió que la producción incluía «un poco de cabaret, algo de travestismo, algunas dosis de disonancia, mucha puesta en escena estilizada, una pizca de imaginería católica, varias actrices interpretando el mismo papel, un poco de canto coral encantador/inquietante y montones de ese baile tonto y sin motivación que hizo de Brace Up una obra tan divertida». ^{[ 9 ]} Aunque las críticas hicieron referencia a algunas similitudes performativas con Cabaret, (Stacy Dawson como Maestro de Ceremonias recordaba a Joel Grey ), ^{[ 10 ]} el Village Voice insistió en que “estos chicos se presentan como innovadores, no como imitadores, y saben cómo ofrecer un espectáculo ardiente”. ^{[ 9 ]} Aunque altamente coreografiada, esta obra fue la primera “obra” que Big Dance, una compañía basada principalmente en la danza, había puesto en escena.

En 1995, Parson participó en el festival Young Choreographers and Composers del American Dance Festival en Carolina del Norte. Junto al compositor Richard Einhorn, creó “City of Brides”, una obra interpretada por cinco mujeres descalzas y acompañada por una compleja partitura para piano, violín y violonchelo basada en Las bodas de Stravinsky . Esta sería la primera obra de “borrado”, término que Parson utilizaba para referirse a la coreografía basada en una pieza musical que luego se borraba, de modo que, si bien el público nunca escuchaba la música, el material de movimiento inspirado en sus ritmos perduraba.

El News & Observer escribió que “Parson es un talento a tener en cuenta”. ^{[ 11 ]} Un crítico del Toronto Arts Journal CallTime escribió que Parson era “la voz más refrescante entre una nueva generación de coreógrafos” y que su mezcla de danza y teatro había “creado un lenguaje de movimiento accesible a cualquier miembro del público, independientemente de la edad, la raza, el género o el conocimiento previo de la danza”. ^{[ 12 ]} La pieza también se presentó en el Dance Theater Workshop en Nueva York (1995), el Fall for Dance Festival en Nueva York (2004) y el Spoleto Festival en Charleston, Carolina del Sur.

Don Juan regresa de la guerra se estrenó en la Classic Stage Company de Nueva York en 1996. Fue una producción conjunta de la Classic Stage Company y el Teatro Cucaracha, con Lazar y Parson como codirectores y ella a cargo de la coreografía. El New York Times elogió su dirección, escribiendo que habían construido una “interpretación ingeniosa y elegante” de laagridulce obra de Odon von Horvath . ^{[ 13 ]} La obra sigue a Don Juan cuando regresa a casa de la Primera Guerra Mundial en busca de su prometida, quien, sin que él lo sepa, ha muerto. Su fantasma lo persigue a lo largo de la obra. Horvath, un dramaturgo húngaro que escribió en Alemania hasta que huyó de los nazis, ambientó su obra en el período inmediatamente posterior a la Primera Guerra Mundial, pero la obra está llena de “críticas filosóficas” a sus enemigos. ^{[ 13 ]} Parson y Lazar animaron estas ideas con “una coreografía y arreglos musicales muy estilizados” (de Christopher Berg) que aluden tanto a Don Juan como a la música popular alemana de la década de 1920. El resultado podría haber molestado a Horvath, quien era notoriamente quisquilloso con la puesta en escena, pero probablemente permitieron que el público estadounidense comprendiera su significado, y ciertamente sus estados de ánimo, mejor que cualquier presentación más literal. ^{[ 13 ]}

«El corazón de gas» (1921) es un clásico dadaísta de Tristan Tzara , uno de los fundadores de este movimiento. En la versión de la Big Dance, el texto, a la vez cómico y lírico, cobra vida con una puesta en escena marcadamente coreográfica y una coreografía de marcado carácter teatral. Es como si Tzara hubiera escrito la obra para la Big Dance Company.

De la reseña del NYTimes: «...El triunfo cómico de "He aquí El corazón de gas", de Tristan Tzara, una ingeniosa visión dadaísta de sofisticados vanguardistas que trabajan, coquetean, ejecutan sin esfuerzo pasos de baile imposibles, lucen tan elegantes como los retratos de Cecil Beaton e intercambian diálogos pretenciosos que son un completo disparate. Pocas obras dadaístas han sobrevivido; esta es exquisita y está interpretada de forma exquisita».

Esta adaptación de danza-teatro de Un corazón sencillo de Gustave Flaubert sigue la historia de Félicité, una sirvienta que observa cómo cada ser con el que está conectada muere lentamente o la abandona. Parson eligió a dos bailarinas (Stacy Dawson y Molly Hickock) para interpretar a Félicité, quienes ocasionalmente bailaban al unísono, en paralelo y a veces completamente separadas, pero siempre permaneciendo conectadas. Se separan por primera vez cuando Félicité muere. ^{[ 14 ]} La pieza empleó un uso mínimo del lenguaje, recurriendo en cambio a “viñetas sobrias pero ricas” ^{[ 15 ]} para contar esta sencilla historia con una ternura seca, destinada a coincidir con la tonalidad de Flaubert.

The Village Voice escribió que Parson y Lazar habían creado un “mundo frío y convincente de desintegración emocional”. ^{[ 14 ]} A Simple Heart se estrenó en el Festival GIFT en Tiflis, Georgia, en 1997. También se presentó en el Dance Theater Workshop , Nueva York, Classic Stage Company , Nueva York, Jacob's Pillow Dance Festival , Massachusetts, el Hitchcock Center, Dartmouth New Hampshire, Middlebury College en Vermont, el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago y el Festival Spoleto en Carolina del Sur.

Girl Gone , escrita por Mac Wellman con canciones de Cynthia Hopkins, se estrenó en el Flea Theater en 1998 y se presentó en el Kitchen NYC en 1999. La obra explora la posibilidad de construir realidades alternativas a través de tres adolescentes, Lissa, Lisa y Elyssa, quienes realizan rituales con el objetivo de "escapar" a un mundo de fantasía. Su éxito es tal que se llevan consigo gran parte de su mundo.

En un artículo del Village Voice , la relación laboral entre Parson y Lazar se describió como tan estrecha que los teatros a menudo no saben cómo atribuirles el mérito. Para Girl Gone , Parson ideó coreografías inspiradas en las fantasiosas indicaciones escénicas de Wellman; «Hacen la fusión espinal», escribe Wellman, «Hacen el Cleveland completo». ^{[ 16 ]}

Al describir la obra, Time Out New York renunció a las etiquetas teatrales y en su lugar recurrió a la terminología psicológica, escribiendo que “la obra es esquizofrénica, maníaca, ocasionalmente melancólica y, más a menudo, histérica”. ^{[ 17 ]} Verla fue “una experiencia a la vez alienante y encantadora”. ^{[ 17 ]}

Another Telepathic Thing se inspiró en el cuento moral de Mark Twain , “El extraño misterioso”, y se describe como “una parábola de danza-teatro prismática y compleja”. ^{[ 18 ]} Fue interpretada por Tymberly Canale, Stacy Dawson, Molly Hickok, Cynthia Hopkins, Paul Lazar y David Neumann, y contó con música original de Cynthia Hopkins. “A la vez cínica y espiritual, la obra se centra en un extraño carismático cuya visita rompe la paz de una aldea mítica. El escenario medieval se ve reflejado en una realidad contemporánea de Hollywood, con un guion que entrelaza la sublime escritura de Twain con textos ‘encontrados’ de años de audiciones. Culmina en una exploración sutil y sorprendente de la fragilidad de nuestra condición humana”. ^{[ 18 ]}

La pieza se presentó en Dance Theater Workshop NYC (2000), STUC Theater, Bélgica (2000), Performing Garage NYC (2000), Rotterdam, Gante y Münster, Alemania (2001), y el Walker Art Center , Minneapolis, Minnesota (2002), donde fue la primera de la muestra de 2002 del Walker de actuaciones que desafían los géneros, acertadamente titulada la serie "Out There". El final de la pieza, en el que Satanás pronuncia un discurso final que describe la existencia humana como nada más que "un pensamiento sin hogar" y luego desaparece, fue descrito por el Star Tribune como una "conclusión poderosa e inquebrantable de esta meditación ontológica" ^{[ 19 ]} . El espectáculo también fue extremadamente bien recibido en Alemania. La crítica Susanne Lang describió el escenario como "una bola de nieve que se puede agitar para ver el mundo, al menos por un momento, a través de la ráfaga onírica de copos de nieve artificiales... todo está en movimiento, todo es llevado por la música". ^{[ 20 ]} El Münstersche Zeitung elogió la obra como una “mezcla muy exitosa de danza y teatro hablado… se crean espacios acústicos a través del habla y el canto, que crean sin fisuras una superestructura para la danza. Al traer esta obra, Pumpenhaus no solo ha traído un estreno a Münster, sino que ha traído una obra excepcional de teatro de danza”. ^{[ 21 ]}

Jonathan Demme filmó una presentación en vivo de la pieza en 2000 en Dance Theater Workshop en Nueva York. La película se proyectó en el Baryshnikov Arts Center en Nueva York en junio de 2015. ^{[ 18 ]} En 2000, Big Dance ganó un premio Obie por la música de Another Telepathic Thing . Esta pieza, considerada una obra emblemática de Big Dance, se convirtió en un libro publicado por 53 State Press, que incluye el texto de la pieza, dibujos de Parson del vestuario y los accesorios, y entrevistas con los intérpretes sobre cómo se generó la obra.

En 2002, Big Dance Theater creó una adaptación de Antígona, su segunda colaboración con el dramaturgo Mac Wellman . Se estrenó en el Dance Theater Workshop de Nueva York y realizó una gira por On the Boards en Seattle, Washington, UCLA Live en Los Ángeles, Kampnagel en Hamburgo, Alemania, Theater im Pumpenhaus en Münster, Alemania, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Illinois y Classic Stage Company en Nueva York, NY. El New York Times calificó el espectáculo como una "experiencia curiosa y fascinante, aunque en gran medida impenetrable", y afirmó que Parson había creado un movimiento "cuya vivaz inteligencia es en sí misma suficientemente significativa". ^{[ 22 ]}

Plan B, una obra original con texto de Len Jenkin y la compañía, se estrenó en 2004 en el Walker Arts Center de Minneapolis.

«Como en un plato bien cocinado», escribió The New York Times , «los ingredientes se mezclan en las obras del Big Dance Theater, creando sabores y texturas esquivos». ^{[ 23 ]} El Plan B combinó elementos de las cintas de Watergate de Nixon y los diarios de adulto de Kaspar Hauser, el «niño salvaje» del siglo XIX que fue encontrado a los 16 años en las puertas de la ciudad de Núremberg, después de vivir abandonado en un bosque alemán durante 12 años. Su posterior socialización resultó trágica. ^{[ 24 ]} Lazar explicó que los dos textos se conectaron cuando descubrieron una sección de las cintas donde Nixon y sus asesores intentaban encontrar a la persona adecuada para hacer ciertas cosas en su nombre. «Qué contrapunto perfecto podría ser Kaspar», dijo Lazar, «porque es tan maleable y tan inocente». ^{[ 24 ]} Añádele a esos elementos fragmentos del Antiguo Testamento, danza Kabuki y música de películas taiwanesas y tendrás 'Plan B', “un hilo brillante de narración evocadora que logra sugerir mucho sobre la inocencia en todas sus formas”. ^{[ 25 ]} “Combinar todas estas fuentes dispares podría haber sido una receta para el desastre en las manos equivocadas”, escribe Susan Reiter para danceviewtimes, “pero Big Dance Theater las mezcla y transforma con una seguridad de visión... creando una obra que cuenta una historia peculiar y ambigua con una extrañeza resonante y una delicada belleza”. ^{[ 26 ]}

Plan B también se presentó en la Bienal de Bonn en Alemania (2004), Dance Theater Workshop NYC (2004), Under the Radar Festival en Nueva York (2005) y el Philadelphia Live Arts Festival en Pensilvania (2005).

«The Other Here» fue una obra original basada en los escritos de Masuji Ibuse . Fue un encargo de la Japan Society, que solicitó que la pieza estuviera relacionada de alguna manera con la cultura japonesa. La directora de la Japan Society, Yoko Shioya, sugirió que consideraran la obra de Masuji Ibuse.

Parson y su equipo comenzaron con una selección de fuentes: los relatos chejovianos de Ibuse, transcripciones textuales de conferencias estadounidenses sobre seguros de vida, danzas tradicionales japonesas, música pop japonesa, una mesa grande y una cítara. Poco a poco, mediante la exploración colectiva, se descubren los temas comunes entre estos materiales dispares y comienza a surgir una historia. Un hombre que intenta dar un discurso en una conferencia es interrumpido para observar una danza de palmas, para realizar una danza propia y para recibir como regalo un pez. El pez se convierte en el elemento central.

Theatre Forum señaló que la obra existe en ese punto de colisión entre forma y sustancia y que «la complejidad de esa sutil paleta emocional es una de sus grandes fortalezas». ^{[ 27 ]}

La obra The Other Here se desarrolló en el Festival de Nuevas Obras de CUNY en Nueva York, en 2005. Posteriormente se presentó en Lincoln Center Out of Doors (2006) y en la Universidad de Maryland (2006). Su estreno oficial tuvo lugar en The Japan Society en febrero de 2007.

En 2009, Parson fue director asociado y coreógrafo de Orestes , una producción de la Classic Stage Company en Nueva York. La producción, basada en traducciones de Anne Carson, combinó obras de Esquilo, Sófocles y Eurípides y fue dirigida por Paul Lazar. ^{[ 1 ]}

Esta obra original se inspiró en la película francesa de la Nouvelle Vague de 1962, Cleo de 5 a 7 , y fue encargada por el Instituto Francés Alliance Française . La película narra la historia de Cleo, una joven cantante de pop que espera ansiosamente los resultados de una biopsia para detectar cáncer. La película la sigue casi en tiempo real durante dos horas, mientras se distrae con compositores, amantes, amigos, una adivina y un soldado. La producción de Big Dance honró, se apropió, reinventó y se apartó del modelo de la película. En palabras de Philip Lopate, quien escribió para el Performance Arts Journal, Parson «se centra en el tema tan francés (piénsese en La Rochefoucauld) de la crueldad egoísta de la humanidad». ^{[ 28 ]} Al crear la pieza, Parson utilizó el guion, pero no vio la película hasta bien avanzado el proceso, para no estar (en palabras de Lazar) “bajo la influencia” de Varda. ^{[ 29 ]} El New York Times escribió que en la pieza, “el significado surge de una interacción compleja pero austera de acciones y objetos: una canción folclórica francesa, un video de Jeff Larson, vestuario y utilería suntuosos que evocan la alta costura francesa, incluso una rutina de baile deslumbrante que hace referencia a la coreografía de una película de Godard”. ^{[ 30 ]}

La obra se estrenó en abril en el Festival Ça Tchatche de Les Subsistance en Lyon, Francia. También se presentó en Le Quartz en Brest, Francia, Le Théâtre National en Rennes, Francia, MCA/Chicago, The Kitchen , Nueva York, en octubre de 2009, y New York Live Arts , Nueva York. Es una obra emblemática de la compañía y todo el equipo, incluyendo al de diseño, ganó un premio Bessie por ella en 2010.

Durante una residencia en el Museo Getty de Los Ángeles en 2010, Parson y Lazar comenzaron a trabajar en Supernatural Wife , una adaptación de la obra Alcestis de Eurípides. Parson editó la traducción de Anne Carson para crear una estructura minimalista para la pieza. La obra se basa en el mito del rey Admeto, a quien Apolo le ofrece la vida eterna con la condición de que envíe a una sustituta al inframundo en su lugar. Su esposa, Alcestis, se ofrece voluntaria. Parson describe el tema como primordial: "asuntos de nacimiento, muerte, dolor, duelo y los dioses". ^{[ 31 ]} Supernatural Wife tuvo su estreno estadounidense en el Festival de Danza Jacob's Pillow en 2011. Ella Buff, directora ejecutiva y artística del festival, señaló que "al integrar material de fuentes muy diversas, [Parson y Lazar] crean su propia mitología". ^{[ 31 ]} La pieza se basó en películas mudas yiddish, la partitura física en rutinas de Dean Martin y Jerry Lewis, imágenes de video de un domador de caballos y una grabación de un monólogo de Rosalind Russell. ^{[ 31 ]} Annie-B Parson hizo su debut en la Academia de Música de Brooklyn en el Teatro Harvey con Supernatural Wife en 2011. La pieza realizó una gira por La Filature en Mulhouse, Francia, Les Subsistances en Lyon, Francia, Le Quartz en Brest, Francia, Théâtre National de Chaillot en París, Francia, y el Walker Arts Center en Minneapolis, Minnesota.

Ich, Kurbisgeist fue un encargo conjunto de The Chocolate Factory y Performance Space 122. Se estrenó en octubre de 2012 en The Chocolate Factory en Queens, Nueva York, y posteriormente se presentó en NYLA en 2013.

El espectáculo fue creado en colaboración con la dramaturga Sibyl Kempson y fue escrito en un idioma inventado por la dramaturga, que nadie en el mundo, excepto aquellos involucrados en la producción, habla, o del que tiene conocimiento alguno.” ^{[ 32 ]} Esta obra “impresionantemente inescrutable” es, en palabras de la dramaturga, una “obra de venganza agrícola de antaño para Halloween”. ^{[ 33 ]} La pieza estaba ambientada en la Edad Media, en una tierra mayormente estéril que parece producir solo calabazas, muchas de las cuales serían aplastadas durante la representación.

Cuando se le preguntó cómo encajaba Ich, Kurbisgeist en la historia de lo que hace Big Dance, Parson dijo que anhelaba hacer algo donde el lenguaje fuera abstracto como movimiento, algo “pequeño e íntimo”, y sentía que debía verse “en algún tipo de lugar específico, un espacio realmente íntimo. Pensé que tenía que ser algo con lo que estuvieras muy cerca, para que no solo pensaras en el lenguaje como significado, sino también como una experiencia cinética, porque el lenguaje es extremadamente cinético”. ^{[ 34 ]}

En un artículo para la revista L Magazine , Alexis Clements señaló que Parson y Lazar parecen “disfrutar sintiéndose como forasteros observando una cultura o un tema que les resulta desconocido”. Para ellos, había un “valor en la experiencia de tener que reconocer su propia ignorancia”, que les liberaba para asimilar información que contradecía sus formas de pensar anteriores y les permitía hacer algo familiar de una manera totalmente nueva. ^{[ 34 ]}

El New York Times escribió que «Al igual que las palabras pronunciadas por los astutos bufones de Shakespeare, los mensajes están revueltos. Sin embargo, el mundo de “Ich, Kürbisgeist” es íntegro y sorprendentemente poderoso. A veces, el instinto entiende mejor que la razón». ^{[ 33 ]}

Man in a Case , la colaboración de Parson con el bailarín Mikhail Baryshnikov , se estrenó en 2013 en el Hartford Stage y presentó a Baryshnikov, considerado el mejor bailarín de su generación, como un hombre que se niega a bailar. ^{[ 35 ]} Parson coreografió y dirigió la pieza, que utilizó sus adaptaciones originales de dos cuentos cortos menos conocidos de Chéjov , “Man in a Case” y “About Love”, en combinación con música en vivo, danza y grabaciones de video estilo vigilancia. ^{[ 36 ]} La actuación de Baryshnikov fue ampliamente elogiada, y Elizabeth Bruce describió la “melancólica nitidez” de la actuación como “totalmente chejoviana”. ^{[ 37 ]} La pieza se presentó en la Shakespeare Theatre Company en Washington, DC, Berkeley Repertory Theatre en Berkeley, California, ArtsEmerson en Boston MA, Broad Stage en Santa Mónica, California, y el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago, Illinois.

Alan Smithee dirigió esta obra: una triple función fue encargada conjuntamente por Les Subsistances (Lyon) y la Academia de Música de Brooklyn . Se estrenó en Les Subsistances en Francia en marzo de 2014 y luego se presentó en Jacobs Pillow , Les Subsistances, Tanz im August Berlin y la Academia de Música de Brooklyn .

La pieza era una adaptación/mezcla de las películas La fuerza del cariño , El círculo rojo y Doctor Zhivago . Comenzó cuando Les Subsistances sugirió a Annie-B Parson y Paul Lazar trabajar con un breve fragmento de la película de crimen franco-italiana de 1970, El círculo rojo. Deseando trabajar con otras películas icónicas de otras épocas y países, añadieron Doctor Zhivago y La fuerza del cariño. En el clásico formato de Big Dance, la pieza entrelazó estilos de interpretación dispares e incluyó a siete intérpretes que recitaban textos, bailaban y ejecutaban con precisión los movimientos de los actores de las películas, que a su vez se proyectaban en una gran pared de persianas detrás de ellos. Un momento de puesta en escena teatral podía ir acompañado de una partitura completa de coreografía, un baile podía estar respaldado por una puesta en escena teatral completa. Parson dice que lo que más le interesa son “los sistemas simultáneos que se presionan entre sí y ver qué sucede. Ese es el punto mágico”. ^{[ 5 ]}

El nombre que aparece en el título, Alan Smithee , es el seudónimo utilizado por el Sindicato de Directores de Estados Unidos (Directors Guild of America) hasta el año 2000. Cuando un director quedó tan insatisfecho con una película que pudo demostrar al sindicato que no había podido ejercer control creativo y, por lo tanto, se negó a recibir el crédito por el producto final, su nombre apareció acreditado como Alan Smithee.

Short form tuvo su estreno en Nueva York en The Kitchen en enero de 2015, y fue en parte una celebración del 25 aniversario de la compañía. El espectáculo incluyó cinco obras cortas que se centraron en la danza. El intermedio fue una fiesta de cumpleaños en el escenario con juegos, comida y Lazar como maestro de ceremonias. El espectáculo fue “inspirado en disciplinas de lo conciso: novelas cortas, cuentos populares, entradas de diario, dibujos a lápiz, bocetos en miniatura y la sola página de un cuaderno”, y presentó cinco obras que “abrazan lo breve, granular, cercano, anecdótico y microscópico. Se valora la reducción de tamaño”. ^{[ 38 ]} La pieza tuvo su estreno mundial en el Solange MacArthur Theater en el American Dance Institute en Rockville, MD en 2015. Su estreno en Nueva York fue en The Kitchen en Nueva York, Nueva York, y realizó una gira al Fusebox Festival en Austin, Texas.

La obra This Page Intentionally Left Blank se estrenó mundialmente en el Festival CounterCurrent 2016 del Centro de Artes Cynthia Woods Mitchell de la Universidad de Houston . Esta visita guiada, basada en la performance, deconstruyó «el papel del guía y de la audioguía del museo mediante un encuentro con el teatro y la danza, subvirtiendo y reconsiderando cómo el guía suele conducir a los visitantes a observar el arte en el contexto del museo». Big Dance buscaba democratizar el espacio museístico, para «perturbar, despertar, desmantelar, confundir y, por lo tanto, revitalizar la percepción del arte por parte del espectador». ^{[ 39 ]} El público llevaba auriculares y recorría el espacio en grupos de veinte, mientras la guía (Tymberly Canale) hablaba sobre el arte con un (“no miren eso”, dice en un momento, “eso no forma parte del recorrido”). ^{[ 40 ]} El público viajó desde el edificio principal de la Colección Menil hasta Sin título, 1996 de Flavin, descrito por Arts And Culture como “una especie de viaje más profundo a la psique de Tymberly mientras se abre camino en la nuestra”. ^{[ 40 ]} El movimiento y el teatro comienzan gradualmente a apoderarse de la pieza y, finalmente, el público se convirtió en parte de la representación.

La obra también se representó en el Mass MoCa , el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts, en enero de 2016.

Cage Shuffle se estrenó mundialmente en el Abrons Arts Center durante el American Realness Festival en 2016. En Cage Shuffle, Paul Lazar recita una serie de historias de un minuto de John Cage, extraídas de su partitura de 1963, Indeterminacy, mientras interpreta simultáneamente una coreografía de Annie-B Parson. Las historias se narran en orden aleatorio, sin ninguna relación predeterminada con la danza. Chance ofrece su inevitable mezcla de conexiones extrañas e inquietantes entre texto y movimiento. Con grabación en vivo y collage digital, con música e interpretación de la compositora Lea Bertucci.

La obra también se presentó en The Poets House en marzo de 2017; en David Byrne's: This Is How Music Works en junio de 2017; en el Walker Art Center de Minneapolis en julio de 2017; en la galería APE Ltd. de Northampton en agosto de 2017; en Links Hall de Chicago en octubre de 2017; y en el DeBartolo Performing Arts Center de la Universidad de Notre Dame, Indiana, en octubre de 2017.

17c es la obra más reciente del Big Dance Theater, basada en los diarios del siglo XVII de Samuel Pepys. Pepys bailó, cantó, tocó la guitarra, fue de compras, se esforzó, intimidó y manoseó, y lo registró todo en su diario. Anotó sus juanetes, infidelidades, perversiones y encuentros con el rey.

En su obra más reciente, Parson y su equipo incorporaron los diarios de Pepys, la obra feminista radical del siglo XVII de Margaret Cavendish, El convento del placer, tres siglos de anotaciones marginales y las continuas contribuciones de los seguidores en línea en www.pepysdiary.com. La obra «desmantela una figura histórica indiscutible y da voz a las mujeres omitidas en el retrato íntimo que Pepys hizo de su vida».

La obra 17c se presentó como un fragmento en proceso dentro del American Realness Festival en el Agnes Varis Performing Arts Center de Gibney Dance en enero de 2017. Posteriormente, se presentó en el Philadelphia Fringe Festival del 7 al 9 de septiembre.

En octubre se presentó en Mass MoCa, en coproducción con Jacob's Pillow Dance de North Adams, Massachusetts. Su estreno mundial tuvo lugar en noviembre de 2017 en el Carolina Performing Arts de Chapel Hill, Carolina del Norte, y su estreno en Nueva York fue en el festival Next Wave de la Brooklyn Academy of Music, en Brooklyn, Nueva York, también en noviembre de 2017.

Basada libremente en una obra absurda de Ionesco, en este estreno norteamericano, Annie-B Parson escenifica una fiesta de cumpleaños para un grupo de reconocidos bailarines veteranos, entre ellos Bebe Miller, Meg Harper, Keith Sabado, Sheryl Sutton, Douglas Dunn, Betsy Gregory, Brian Bertscher y Black-Eyed Susan. Esta pieza fue creada originalmente para la compañía Sadler's Wells Elixir.

Su historial de actuaciones incluye presentaciones en Sadler's Wells, Londres, en junio de 2017 y en el NYU Skirball en noviembre de 2019.

La producción de Antigonick del Big Dance Theater es un montaje preliminar de la obra de Anne Carson, una versión radicalmente feminista y filosófica de un acto de la Antígona de Sófocles. En la visión teatral de Carson sobre el papel de Antígona como humanista y antagonista, el atractivo intelectual de Antigonick reside en cómo pierde, por qué importa su resistencia pacífica y las consecuencias aleccionadoras del enfrentamiento entre Antígona y Creonte.

Big Dance Theater presentó por primera vez esta obra, dirigida por Paul Lazar, en 2016 en el Home Theater de Suzanne Bocanegra y David Lang. En 2017, Antigonick fue encargada y producida originalmente por el Williamstown Theatre Festival con el apoyo de Mandy Greenfield. El elenco original incluía a Yvonne Rainer, Chris Giarmo, Kirstin Sieh y Sheena See. Ambas versiones fueron dirigidas por Paul Lazar y codirigidas por Annie-B Parson, con diseño de sonido original de Chris Giarmo y producción de Aaron Mattocks.

Antigonick se estrenó en el Festival de Teatro de Williamstown en el verano de 2017. También se presentó en el Centro de Artes Abrons en noviembre de 2018.

Annie-B Parson aborda el ballet con su propia voz coreográfica. Inspirándose en su experiencia viendo y volviendo a ver Agon de Balanchine , así como en la novela The Complete Ballet de John Haskell, crea un dúo a partir de las imágenes, las acciones fundamentales, los objetos y las narrativas de las tradiciones del ballet.

Su historial de actuaciones incluye el Festival de los Dos Mundos de Spoleto, Umbría, Italia, en julio de 2019 y el NYU Skirball en noviembre de 2019.

La Sra. Parson creó la coreografía para la gira Love This Giant de David Byrne y St. Vincent , y para la gira Songs of David Byrne y Brian Eno en 2008-2009. También creó la danza para la gira Digital Witness de St. Vincent en 2014-2016. Dirigió y coreografió para el cuarteto de cuerdas Ethel . Sus danzas aparecen en la película Ride, Rise, Roar sobre David Byrne. Coreografió para la ópera Dark Sisters de Nico Muhly , Walt Disney en Soho Rep, Orlando de Sarah Ruhl, Futurity en ART, The Broken Heart en TFNA, Lazarus de David Bowie , una obra completa para The Martha Graham Dance Co. y un solo para Wendy Whelan en The Linbury/Royal Opera House.

• "I used to love you" (2017). Coreografiada por Parson para la Martha Graham Dance Co, esta obra se basó en el poco representado Punch and Judy de Graham de 1941. Su objetivo era repensar y deconstruir la coreografía de Graham.
• El camino nos espera (2017): Creada para Elixir Co, una compañía de artistas consagrados de Sadler's Wells en Londres, esta obra nació de la fascinación de Parson por el absurdismo en una época igualmente absurda. Parson creó una edición muy minimalista y no lineal de La cantante calva de Ionesco para Elixir Co. Los intérpretes tenían entre 60 y 89 años, un grupo de bailarines veteranos y muy queridos en la escena londinense. Parson concluyó la obra con una breve edición del elegíaco cuarto acto de El jardín de los cerezos.
• Short Ride Out (2016) Un solo para Wendy Whelan para el Royal Ballet, interpretado con música de Julia Wolf. Se estrenó en el Teatro Lynbbery de Londres en 2016.
• Goats (2016), una obra encargada por The Other Shore Dance Co., se estrenó en BAC en Nueva York y posteriormente fue interpretada por Big Dance Theater en The Kitchen en 2016.
• La nieve cae en invierno : encargada por The Other Shore Dance Co. (Brandi Norton y Sonya Kostich), esta obra basada en La lección de Ionesco se estrenó en BAC en Nueva York.
• 2016 dominio público: el festival mayoritariamente Mozart / Obra coral de David Lang
• Coreógrafos de 2016: David Bowie e Ivo van Hove : Lazarus
• 2015 Creó un solo para Wendy Whelan por encargo del Royal Ballet .
• 2015. Creación de una obra para la Compañía de Danza Martha Graham.
• Coreógrafo (2014-2016): St. Vincent : Gira Digital Witness
• Coreógrafo (2013-2017): David Byrne: Aquí yace el amor
• Coreógrafos de 2012: David Byrne y St. Vincent: Love This Giant Tour
• Coreógrafo de 2008: David Byrne: Gira Songs of David Byrne and Brian Eno .
• Coreógrafo de 2010: David Byrne: Ride, Rise, Roar (Cabalga, asciende, ruge) - Sobre David Byrne
• Coreógrafos de 2015: Rikki y The Flash , Filadelfia
• Coreógrafo de 2020: David Byrne: American Utopia (película) .