Anselmo Reyle

Anselm Reyle (nacido en 1970) es un artista visual alemán, residente en Berlín. Es conocido por sus pinturas abstractas, a menudo de gran formato, y sus esculturas realizadas con objetos encontrados. ^{[ 1 ]}

Anselm Reyle nació en Tubinga , Alemania, en 1970. ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]} Estudió en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart ; posteriormente estudió en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe , con el artista Helmut Dorner. ^{[ 3 ] [ 4 ]}

Se trasladó a Berlín en 1997, donde fundó un estudio en colaboración con John Bock , Dieter Detzner, Berta Fischer y Michel Majerus . ^{[ 5 ]}

De 1999 a 2001, Reyle trabajó junto con Claus Andersen y Dirk Bell para la galería cooperativa de artistas "Andersen's Wohnung" y "Montparnasse" con Dirk Bell y Thilo Heinzmann . Después de haber ocupado un puesto como profesor invitado en la Staatlichen Akademie der Bildenden Künste, Karlsruhe, Universität der Künste , Berlín y la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo (HFBK Hamburg). Reyle se convirtió en profesora de dibujo y pintura en HFBK Hamburgo en 2009. ^{[ 6 ]}

Anselm Reyle mostró un interés temprano en el diseño paisajístico y la música antes de finalmente centrarse en la pintura y la escultura. ^{[ 7 ]} Su obra se caracteriza por diversos objetos encontrados que han sido retirados de su función original, alterados visualmente y recontextualizados. Reyle trabaja en diferentes medios, utilizando estrategias de pintura, escultura e instalación y trabajando en grupos de trabajo seriales y estructurados. El artista utiliza un grupo vasto y diverso de materiales tomados tanto del arte tradicional como de entornos comerciales, incluyendo láminas de colores de escaparates, medios y pastas acrílicas, laca automotriz y basura cotidiana inútil tomada de áreas urbanas. ^{[ 1 ]} Al retirar estos materiales de sus contextos y enmascarar su función original, Reyle varía el grado en que cada uno conserva su respectiva referencia visual. Utilizando fórmulas de apropiación, la obra permite al espectador pasar de momentos de identificación de elementos individuales dentro de la obra, a períodos de alienación debido a su nuevo contexto. Incluso los títulos de la exposición y de la obra son muy a menudo citas de diferentes campos, como letras de canciones; funcionan como objets-trouvés del repertorio del artista.

“Originalmente comencé con la pintura gestual, pero al mismo tiempo siempre me interesó experimentar con diferentes materiales. Para mí, en ambos casos, la coincidencia juega un papel importante, así como la necesidad de trabajar con lo inesperado. Después de que mi obra se volviera cada vez más conceptual y técnicamente perfecta en los últimos años, recientemente comencé a abrir mi práctica artística nuevamente a un enfoque más libre y gestual. En definitiva, supongo que son estos dos polos los que determinan mi trabajo.” – Anselm Reyle

Una de las series de obras más conocidas de Anselm Reyle son sus «pinturas de lámina», obras abstractas muy aclamadas creadas con láminas dispuestas e instaladas en cajas de metacrilato de colores. Su materialidad brillante seduce la mirada del espectador y estimula su sentido del tacto, al tiempo que la caja de metacrilato impide cualquier experiencia táctil. La superficie dinámica de estas obras enfatiza su carácter de objeto y presencia espacial, contrastando las frágiles formas de la lámina plegada con su geometría rígida. ^{[ 1 ]}

Las «pinturas de rayas» constituyen otra serie muy conocida del artista. En ellas, Reyle subvierte sistemáticamente el cliché histórico del arte mediante rayas verticales y uniformes. Utiliza conscientemente elementos disruptivos, como pliegues en el papel de aluminio, una mancha de pintura que funciona como firma estandarizada o una última raya cortada en el borde del plano pictórico. Le fascina que un tema tan simple como las rayas le permita crear tantas variaciones, y tan impresionantes, en la composición cromática, como se puede apreciar en un ejemplo posterior con rayas estrechas. Con el paso de los años, Reyle comenzó a utilizar cada vez más papel de aluminio, espejos, pastas de efectos especiales y pastas texturizadas, además de incorporar marcos de acero como elemento estilístico en sus imágenes.

A pesar de su constante compromiso con la abstracción, Reyle también experimenta con motivos figurativos. De hecho, en una serie creada entre 2010 y 2013, Reyle explora de forma lúdica el origen de la figura humana, haciendo referencia explícita a la tradición de la pintura por números, revelando así cómo las formas abstractas pueden fusionarse y convertirse en sujetos reconocibles de la vida real. Mediante una estrategia similar a la de la pintura por números, el tema se disecciona en partes individuales numeradas en serie, como un rompecabezas, donde a cada número se le asigna un color que interactúa con otros campos. Estos se rellenan con materiales o colores que el espectador puede reconocer del repertorio de Reyle, como en sus pinturas de rayas o la serie Otto-Freundlich. Esta yuxtaposición crea la impresión de un relieve plástico con una amplia gama de texturas superficiales que apelan directamente al sentido del tacto del espectador.

Una conocida serie de esculturas de Anselm Reyle son las llamadas «esculturas africanas». Las formas y los títulos originales de estos grupos de obras se inspiran en los mercados turísticos y en las artesanías kitsch de los mercadillos —a menudo hechas de esteatita— que se venden como clichés de la escultura africana. Su obra Armonía (2007), colocada sobre un pedestal bajo de madera de Macasar, se basa en una pequeña escultura de esteatita que su madre compró durante un viaje a África. ^{[ 7 ]} Si bien son baratas y derivativas, en su concepción formal estas formas recuerdan a destacados escultores abstractos del arte moderno como Hans Arp , Alexander Archipenko y Henry Moore . La marcada influencia de la escultura europea en estos objetos africanos se manifiesta en este prototipo sugerido de arte plástico moderno. Reyle utiliza técnicas tradicionales: amplía el objeto original encontrado antes de fundirlo en bronce, cromarlo y lacarlo. Este proceso crea una obra con gran tensión, ya que la técnica escultórica tradicional a mano contrasta con la obra de bronce de alta ingeniería. El conocimiento previo por parte del espectador de las técnicas que Reyle empleó para crear y transformar el objeto es vital para comunicar esta paradoja intencional.

Si bien es conocido por su uso de materiales inusuales y alteraciones físicas, la obra de Reyle se fundamenta en las escuelas de abstracción de la historia del arte que datan de principios del siglo XX, incluyendo el Art Informel, el Cubismo, el Op Art, el Minimalismo y el Pop Art. Y aunque Reyle a menudo trabaja dentro de la tradición de los objetos encontrados, no recurre a la apropiación como en la obra de, por ejemplo, Louise Lawler o Elaine Sturtevant . En cambio, Reyle utiliza su refinado vocabulario estético para cuestionar el papel que desempeña el exceso en el mercado posmoderno, fusionando y mezclando estas diversas tradiciones de maneras inesperadas. De hecho, al explotar ambos lenguajes históricos y desarrollar simultáneamente un vocabulario en constante evolución de nuevas prácticas industriales y métodos de producción en masa, logra reflexionar sobre los diversos «callejones sin salida de la modernidad». ^{[ 8 ]}

La fascinación de Reyle por los efectos de alto brillo y los materiales decorativos tomados del mundo del merchandising enmarca su crítica del kitsch, y lo que el artista ha descrito como «un caminar sobre la cuerda floja que puede ser doloroso de principio a fin». ^{[ 9 ]} Esta crítica aborda con franqueza la distinción entre las categorías normativas de «alta cultura» y «baja cultura», y cuestiona dónde convergen estos extremos. Al yuxtaponer materiales preciosos y basura, y al subcontratar su producción, Reyle logra crear una obra que funciona como testimonio de nuestro tiempo y que provoca una reflexión sobre los valores predominantes de nuestra cultura de consumo. Sin embargo, a pesar de su crítica a los ideales burgueses, la obra no ofrece una alternativa simple con un atractivo moral genuino e insiste en mantener a veces su tono irónico. Al producir obras en serie, Reyle logra desafiar la primacía de la pintura de panel único.

La discrepancia en sus obras entre el ideal principalmente sublime de la abstracción y la orientación visual decorativa aparentemente provocativa genera una tensión ambivalente, y es en este espacio donde la forma y el tema se distancian. La espontaneidad del concepto y la vitalidad dinámica de esta obra contrastan con la compleja transformación técnica, que solo se logra con la ayuda de numerosos procesos técnicos sofisticados utilizados por el artista en colaboración con empresas especializadas. La externalización de su proceso artístico también se encuentra en la estructura de su estudio, donde el artista emplea a un equipo desde 2001. Además de su trabajo de estudio, el interés de Reyle por experimentar con materiales inusuales se expresa también en instalaciones específicas para cada lugar, como su exposición «Acid Mothers Temple» en la Kunsthalle Tübingen (2009) o «Elemental Threshold» (2010) en el Museo Dhondt Dhaenens, Bélgica. En 2017, con motivo de su exposición individual "Eight Miles High" en la König Galerie Berlin, Reyle presentó tres esculturas colgantes inspiradas en campanillas de viento geométricas de metal, como las que se encuentran como artesanía en las ferias.

En sus trabajos recientes, Reyle parece inclinarse aún más hacia lo intuitivo y lo sensual, desarrollando su característico vocabulario formal y trabajando con objetos encontrados. Aquí, la cerámica juega un papel fundamental, que comenzó a producir en 2016. Estas esculturas, con sus llamativos colores y superficies incrustadas, se inspiran en los extravagantes jarrones Fat Lava que aparecieron en la década de 1970 y que poco después terminaron en mercadillos como objetos kitsch. Reyle toma este fenómeno estilístico como motivo para experimentar intensamente con formas y esmaltes y desarrollar un grupo de esculturas con forma de jarrón en gran formato. Para él era importante integrar el azar más de cerca al trabajar con la arcilla, un material natural; literalmente, nunca se sabe con exactitud qué saldrá del horno. Los defectos aleatorios suelen ser estéticamente interesantes. Reyle es intencionadamente gestual; interviene espontáneamente en el proceso para permitir que se produzcan algunos defectos, incluso crea las condiciones necesarias para que estos ocurran: de esta manera, es posible abrir un espacio para el gesto estético y la interpretación. Para ello, Reyle maltrata gestualmente el material antes de introducirlo en el horno, añadiendo arañazos y grietas a la superficie que a menudo rompen la forma cerrada del recipiente. El proceso se completa con la aplicación informal de pasta de lava hirviendo y esmaltes de color naranja brillante o amarillo cadmio, o superficies metálicas monocromáticas. Así es como Reyle crea híbridos estilísticos, arraigados tanto en el kitsch como en rasgos tradicionales del arte contemporáneo (pensemos, por ejemplo, en Lucio Fontana ); los despliega intuitivamente en su puesta en escena, creando una cierta ambivalencia.

En su reciente serie de pinturas, el artista busca explorar el proceso mismo de la pintura, al igual que en su cerámica. Muchas de estas obras están pintadas sobre arpillera gruesa, donde la materialidad y la forma libre vuelven a desempeñar un papel fundamental. Estas pinturas son intensas concentraciones de dinámicas contradictorias; aquí, Reyle despliega los colores disonantes y el canon material que ha desarrollado a lo largo de los años, en una forma abstracta y libre. Todos los elementos de su vocabulario previamente desarrollado —sus gestos característicos— se encuentran presentes en estas obras, a la vez que se entrelazan en una nueva complejidad para adquirir mayor intensidad y un nuevo impacto visual.

Las exposiciones individuales anteriores de Reyle incluyen exposiciones en König Galerie, Berlín (2023), Aranya Art Center Quinhuangdao (2020), König Galerie (2017), Galerie Almine Rech (2017), Gary Tatintsian Gallery (2013), Deichtorhallen Hamburg (2012), Kunsthalle Tübingen (2009); el Instituto Moderno de Glasgow (2007); uno de nuevas esculturas y pinturas en Kunsthaus Zürich (2006); Galerie Giti Nourbakhsch, Berlín y Gavin Brown's Enterprise , Nueva York. Su primera exposición individual en Estados Unidos fue organizada por el Des Moines Art Center . ^{[ 10 ]}

La obra del artista está representada principalmente en colecciones privadas como la Saatchi Gallery de Londres, la Daimler Collection de Berlín, la Fondation Pinault de Venecia y la Rubell Family Collection de Miami.

• Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin , Berlín , Alemania
• Daimler Contemporary, Berlín , Alemania
• Sammlung Boros , Berlín , Alemania
• Sammlung Ingvild Goetz , Múnich , Alemania
• Colección Ringier, Zurich , Suiza
• Colección Pinault , Venecia , Italia
• Centro Pompidou , París , Francia
• Museo Arken de Arte Moderno , Ishøj , Dinamarca
• Leeum, Museo de Arte Samsung , Seúl , Corea del Sur
• Galería Saatchi , Londres , Reino Unido
• Colección de la familia Rubell , Miami , EE. UU.

• Perfil en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo (o HFBK Hamburgo)
• Página del artista en el sitio web de la galería Gary Tatintsian.