Hispanopedia Wiki
Articulo de referencia

Archibald Motley

Archibald John Motley Jr. (7 de octubre de 1891 - 16 de enero de 1981), [ 1 ] fue un artista visual estadounidense. Motley es famoso por su colorida crónica de la experiencia af...

Hispanopedia WikiContenido en espanolLectura gratuita

Archibald John Motley Jr. (7 de octubre de 1891 - 16 de enero de 1981), [ 1 ] fue un artista visual estadounidense. Motley es famoso por su colorida crónica de la experiencia afroamericana en Chicago durante las décadas de 1920 a 1940, y es considerado uno de los principales contribuyentes al Renacimiento de Harlem o Movimiento del Nuevo Negro , una época en la que el arte afroamericano alcanzó nuevas cotas no solo en Nueva York sino en todo Estados Unidos; su expresión local se conoce como el Renacimiento Negro de Chicago . Nacido en Nueva Orleans y criado en Chicago, Motley estudió pintura en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago durante la década de 1910, graduándose en 1918.

El Movimiento del Nuevo Negro marcó un período de renovación y florecimiento de la psique negra. Surgió una nueva apreciación de la cultura artística y estética negra. En consecuencia, muchos artistas negros sintieron la obligación moral de crear obras que perpetuaran una representación positiva de las personas negras. Durante este tiempo, Alain Locke acuñó el concepto del "Nuevo Negro", que se centraba en crear imágenes progresistas y edificantes de las personas negras dentro de la sociedad. [ 2 ] La síntesis de la representación negra y la cultura visual impulsó la base del trabajo de Motley como "un medio para afirmar el respeto y el orgullo racial". [ 3 ] Su uso del color y las diversas representaciones visuales de los tonos de piel demostraron su representación artística de la negritud como algo multidimensional. El propio Motley tenía ascendencia mestiza y a menudo se sentía incómodo con su propia identidad racial. Por lo tanto, su arte a menudo demostraba la complejidad y la naturaleza multifacética de la cultura y la vida negras.

Primeros años y educación

Archibald Motley, autorretrato

A diferencia de muchos otros artistas del Renacimiento de Harlem, Archibald Motley, Jr., nunca vivió en Harlem. Nació en Nueva Orleans, Luisiana, hijo de Mary Huff Motley y Archibald John Motley Senior. Su madre fue maestra de escuela hasta que se casó. La familia permaneció en Nueva Orleans hasta 1894, cuando se mudaron a Chicago, donde su padre consiguió un trabajo como mozo de vagones Pullman. [ 4 ] De niño, creciendo en el lado sur de Chicago, Motley tuvo muchos trabajos, y cuando tenía nueve años, la hospitalización de su padre durante seis meses obligó a Motley a ayudar a mantener a la familia. [ 5 ]

Cuando Motley era niño, su abuela materna vivía con la familia. Había sido esclava tras ser capturada en el África Oriental Británica . Compartió sus historias sobre la esclavitud con la familia, y el joven Archibald escuchaba atentamente. Describe los recuerdos sorprendentemente positivos de su abuela sobre su vida como esclava en su historia oral, archivada en el Archivo Smithsoniano de Arte Americano. [ 5 ]

Durante la Primera Guerra Mundial , acompañó a su padre en numerosos viajes en tren que lo llevaron por todo el país, a destinos como San Francisco, Los Ángeles, Hoboken, Atlanta y Filadelfia. Fue esta experiencia fuera de Chicago la que propició que Motley se enfrentara al prejuicio racial en sus diversas formas. En su entrevista de historia oral con Dennis Barrie, del Archivo Smithsoniano de Arte Americano, Motley relató este encuentro con un conductor de tranvía en Atlanta, Georgia:

Se suponía que no debía ir al frente. Así que estaba leyendo el periódico y caminando, y al cabo de un rato me encontré en la parte delantera del vagón. El revisor estaba atrás y gritó: «¡Vuelve aquí, fulano!», usando un lenguaje muy grosero, «¡Vuelve aquí! Debes ser uno de esos listillos de Chicago o Nueva York o algún otro sitio». En ese momento me di cuenta y me sentí como un idiota. Nunca había sido blanco en mi vida, pero creo que me volví blanco. Me quedé allí parado, con el periódico en la mano, mirándolo. Volví hacia atrás. Entonces se puso tan desagradable que empezó a insultarme y a llamarme con todo tipo de nombres, usando un lenguaje muy degradante. No pude soportarlo. Y me enfadé muchísimo. [ 5 ]

Motley pasó la mayor parte de su vida en Chicago, donde fue contemporáneo de otros artistas de Chicago como Eldzier Cortor y Gus Nall . Vivió en un barrio predominantemente blanco y asistió a escuelas primarias y secundarias mayoritariamente blancas. [ 2 ] Se graduó de la Academia Técnica Preparatoria Englewood en Chicago. [ 6 ] Un amigo de su padre le ofreció una beca para estudiar arquitectura , pero la rechazó para estudiar arte. [ 7 ] Asistió a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , [ 6 ] donde recibió formación clásica, pero sus obras modernistas- realistas estaban desfasadas con la tendencia conservadora de la escuela en aquel entonces. Durante su tiempo en el Instituto de Arte, Motley fue mentorizado por los pintores Karl Buehr y John W. Norton , [ 6 ] y tuvo un desempeño lo suficientemente bueno como para que el amigo de su padre pagara su matrícula. Mientras era estudiante, en 1913, otros estudiantes del Instituto se amotinaron contra el modernismo expuesto en el Armory Show (una colección de lo mejor del arte moderno reciente). [ 8 ] Motley se graduó en 1918, pero mantuvo en secreto sus pinturas modernas, influenciadas por el jazz, durante algunos años. [ 9 ]

Como resultado de su formación en la tradición del retrato occidental, Motley comprendió los matices de la frenología y la fisonomía que acompañaban a la estética. Utilizó estas claves visuales para retratar a los sujetos (negros) de manera más positiva. Por ejemplo, en su "autorretrato", Motley se pintó a sí mismo de una forma que se ajusta a muchas de estas pseudociencias físicas. Los ojos ligeramente entrecerrados y los dedos afilados son indicadores sutiles de perspicacia, inteligencia y refinamiento. [ 2 ]

Estudios e inspiraciones en el extranjero

En 1927 solicitó una beca Guggenheim , pero le fue denegada. Volvió a solicitarla y la obtuvo en 1929. Estudió en Francia durante un año y decidió no extender su beca otros seis meses. Mientras que muchos artistas contemporáneos buscaban inspiración en África, Motley se inspiró en los grandes maestros del Renacimiento cuyas obras se exhibían en el Louvre . [ 5 ] Encontró en las obras de arte una sofisticación formal y una madurez que podían dar profundidad a su propio trabajo, particularmente en los pintores holandeses y en las pinturas de género de Delacroix , Hals y Rembrandt . Los retratos de Motley toman las convenciones de la tradición occidental y las actualizan, permitiendo que los cuerpos negros, específicamente los cuerpos femeninos negros, tengan un espacio en una historia que tradicionalmente los había excluido. Sentía que los retratos, en particular, revelaban una cierta transparencia de la verdad del yo interior. [ 2 ] Así, se centró en la complejidad del individuo para romper con los estereotipos caricaturescos y popularizados de los negros, como el "negro", el "negrito", la "mamá", etc. [ 2 ] Motley comprendió el poder del individuo y las formas en que los retratos podían encarnar una especie de máquina palpable que podía romper esta homogeneidad. Aprovechó su formación educativa occidentalizada para dominar ciertas estéticas visuales que rara vez se asociaban con los negros. De este modo, utilizó su conocimiento como herramienta de expresión individual para crear arte que fuera estética y socialmente significativo para un público estadounidense más amplio. [ 2 ] Al adquirir estas habilidades, Motley pudo romper la barrera de la estética del mundo blanco. El uso de este lenguaje visual adquirido permitió que su obra actuara como vehículo para el empoderamiento racial y el progreso social.

Carrera

Al comienzo de su carrera como artista, Motley pretendía dedicarse exclusivamente a la pintura de retratos . [ 2 ] Tras graduarse en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1918, decidió centrar su arte en temas y sujetos negros, en última instancia como un esfuerzo por aliviar las tensiones raciales. [ 10 ] En 1919, los disturbios raciales del lado sur de Chicago obligaron a su familia a permanecer confinada en casa durante más de seis días. En medio de esta creciente tensión racial, Motley era muy consciente de las claras fronteras y consecuencias que conllevaba la raza. Comprendía que gozaba de ciertos privilegios educativos y socioeconómicos, y por lo tanto, se propuso utilizar estas ventajas para el progreso de la comunidad negra.

Motley tuvo éxito al principio de su carrera; en 1927, su obra Mending Socks fue votada como la pintura más popular en el Museo de Newark en Nueva Jersey . [ 11 ] Recibió el premio de la Fundación Harmon en 1928 y luego se convirtió en el primer afroamericano en tener una exposición individual en la ciudad de Nueva York. Vendió 22 de las 26 pinturas expuestas. [ 5 ] Motley se convertiría más tarde en el primer artista negro en tener un retrato de un sujeto negro expuesto en el Instituto de Arte de Chicago .

La mayor parte de su obra retratística más popular se creó a mediados de la década de 1920. Sin embargo, se produjo un cambio artístico evidente, sobre todo en la década de 1930. Motley se alejó de la estética artística occidental y comenzó a retratar entornos urbanos afroamericanos con un estilo muy poco convencional. Al romper con la estructura conceptualizada del retrato occidentalizado, empezó a representar lo que era, en esencia, un reflejo de una auténtica comunidad afroamericana. En definitiva, su obra retratística fue fundamental para su carrera, ya que demostraba las raíces de sus ideales y privilegios educativos, que le proporcionaron la base para progresar como artista y defensor de la estética social.

Durante la década de 1930, Motley fue contratado por la Administración de Obras Públicas federal para representar escenas de la historia afroamericana en una serie de murales, algunos de los cuales se pueden encontrar en la escuela secundaria Nichols en Evanston, Illinois . Tras la muerte de su esposa en 1948 y una difícil situación económica, Motley se vio obligado a buscar trabajo pintando cortinas de ducha para la Corporación Styletone. En la década de 1950, realizó varios viajes a México y comenzó a pintar la vida y los paisajes mexicanos. [ 12 ]

Tono de piel e identidad

Fotografía en blanco y negro de NARA del cuadro "Getting Religion" de Motley (el cuadro original está en color).

La familia de Motley vivía en un barrio tranquilo del sur de Chicago, en un entorno racialmente tolerante. Durante su juventud, Motley no frecuentaba a otras personas negras. Fue precisamente esta desconexión con la comunidad afroamericana lo que lo convirtió en un marginado. Motley era de piel clara y de ascendencia mestiza, con raíces africanas, nativas americanas y europeas. Incapaz de identificarse plenamente ni con personas negras ni blancas, Motley luchó toda su vida con su propia identidad racial.

Si bien Motley refuerza la asociación entre un estatus social elevado y la "blancura" o los cánones de belleza estadounidenses, también expone la diversidad dentro de la raza en su conjunto. Su obra dificultó enormemente que los espectadores clasificaran a una persona como estrictamente negra o blanca. Mostró los matices y la variabilidad que existen dentro de una raza, dificultando la imposición de una ideología racial rígida.

Motley utilizó el retrato "como una forma de conocer a su propia gente". [ 2 ] Se dio cuenta de que, en la sociedad estadounidense, se atribuían diferentes estatus a cada gradación de tono de piel. Motley representó el color de la piel y los rasgos físicos como pertenecientes a un espectro. Utilizó las distinciones en el color de la piel y los rasgos físicos para dar significado a cada matiz afroamericano.

En las décadas de 1920 y 1930, durante el Movimiento del Nuevo Negro, Motley dedicó una serie de retratos a distintos tipos de personas negras. Se centró principalmente en mujeres de ascendencia racial mixta y realizó numerosos retratos que documentaban a mujeres con diferentes grados de sangre africana ("octavo", " cuarterón ", "mulato"). Al titular sus obras, Motley utilizó estas clasificaciones criollas de la época anterior a la Guerra Civil ("mulato", "octavo", etc.) para mostrar las implicaciones sociales de la "regla de la gota de sangre" y la dinámica de lo que significa ser negro. Exponía estos diferentes "tipos de negros" como una forma de contrarrestar la falacia de etiquetar a todas las personas negras como un grupo homogéneo. Estos reflejos visuales directos del estatus representaban la construcción social más amplia de la negritud y su impacto en las relaciones entre las personas negras. Al afirmar la individualidad de los afroamericanos en el retrato, Motley demostró esencialmente que la negritud era "digna de una representación formal". [ 10 ] Estos retratos celebran el tono de piel como algo diverso, inclusivo y pluralista. [ 13 ] También demuestran comprender que estas categorizaciones se vuelven sinónimo de identidad pública e influyen en las oportunidades de vida de una persona. [ 14 ] A menudo es difícil, si no imposible, determinar qué tipo de mezcla racial tiene el sujeto sin hacer referencia al título. Estos marcadores físicos de la negritud, entonces, son inestables y poco fiables, y Motley expuso esa diferencia.

Vida nocturna (1943), óleo sobre lienzo
Blues (1929), óleo sobre lienzo

En sus retratos, Motley se dirigía a un público amplio, tanto blanco como negro, con el objetivo de educarlos sobre la política del tono de piel, aunque de diferentes maneras. Esperaba demostrar a las personas negras, a través del arte, que su propia identidad racial era algo digno de ser apreciado. Para el público blanco, esperaba poner fin a los estereotipos y al racismo contra los negros, mostrando la belleza y los logros de los afroamericanos. Al mostrar la riqueza y la diversidad cultural de los afroamericanos, el atractivo de la obra de Motley se extendió a un público amplio. Muchos quedaron cautivados por sus retratos porque contradecían las imágenes estereotipadas y, en cambio, mostraban la "experiencia negra contemporánea". [ 10 ] Esto concuerda con los objetivos de Motley de retratar una representación absolutamente precisa y transparente de los afroamericanos; su compromiso con la diferenciación entre los tipos de piel muestra sus meticulosos esfuerzos por especificar incluso las más mínimas diferencias entre los individuos. En una entrevista con la Institución Smithsonian, Motley explicó sus motivos y la dificultad de pintar los diferentes tonos de piel de los afroamericanos:

No todos son del mismo color, no todos son negros, no todos son, como se decía hace años, de un amarillo intenso, no todos son marrones. Intento darles a cada uno un carácter propio. Y eso es difícil de lograr cuando tienes tantas figuras que crear, juntarlas todas y que aún conserven sus características. (Motley, 1978)

Al pintar las diferencias en sus tonos de piel, Motley también intenta resaltar las diferencias de personalidad de sus sujetos. Podría interpretarse que, a través de esta diferenciación, Motley pide a los espectadores blancos que no engloben a todos los afroamericanos en la misma categoría o estereotipo, sino que los conozcan individualmente antes de emitir juicios. [ 15 ] De esta manera, su obra utilizó el colorismo y la clase social como mecanismos centrales para subvertir los estereotipos. [ 16 ] Al aprovechar el poder del individuo, su obra generó propaganda positiva que incorporaría la "participación negra en una cultura nacional más amplia". [ 16 ] La obra de Motley impulsó el ideal de la multiplicidad de la negritud de una manera estéticamente accesible y popular. En última instancia, esto infundiría un sentido de identidad e individualidad en los negros a través del vehículo de la visualidad.

Muchos blancos no le encargaban a Motley que pintara sus retratos, sin embargo, la mayoría de sus coleccionistas eran blancos. [ 10 ] Pudo exponer una parte de la comunidad negra que a menudo no era vista por los blancos y, por lo tanto, a través de la estética, ampliar el alcance de la auténtica experiencia negra.

Durante este tiempo, Alain Locke acuñó la idea del "Nuevo Negro", que se centraba en crear imágenes progresistas y edificantes de los negros dentro de la sociedad. Además, muchas revistas como el Chicago Defender, The Crisis y Opportunity se alinearon con los problemas predominantes de la representación negra. [ 2 ] La estética tuvo una poderosa influencia en la expansión de las definiciones de raza. En consecuencia, muchos fueron alentados a adoptar un enfoque artístico en el contexto del progreso social. En The Crisis , Carl Van Vechten escribió: "¿Qué son los negros cuando son pintados continuamente en su peor versión y juzgados por el público tal como son pintados... impidiendo que los artistas blancos conozcan otros tipos (de personas negras) e impidiendo que los artistas negros se atrevan a pintarlos  ..." [ 2 ] Motley usaría el retrato como vehículo de propaganda positiva al crear representaciones visuales de la diversidad y la humanidad negras. Rompería la dicotomía entre la negritud y la americanidad al demostrar el progreso social a través de narrativas visuales complejas.

Obras y observación de la cultura del jazz

Fotografía en blanco y negro de NARA de "Black Belt", pintura de Motley (la pintura original es a color).

Sus escenas nocturnas y de multitudes, fuertemente influenciadas por la cultura del jazz , son quizás las más populares y prolíficas. Representó una vívida cultura negra urbana que guardaba poca semejanza con las imágenes rústicas, convencionales y marginadoras de los negros sureños tan comunes en la cultura popular. [ 17 ]

Bronzeville de noche

Fuente: [ 18 ]

En sus pinturas sobre la cultura del jazz, Motley solía representar el barrio de Bronzeville en Chicago , que ofrecía un refugio seguro para los negros que emigraban del Sur. [ 19 ] Una de sus obras más famosas que muestra a la comunidad negra urbana es Bronzeville de noche , donde se representa a los afroamericanos como personas urbanas activas y comprometidas que se identifican con las calles de la ciudad. En la obra, Motley ofrece una imagen central de la animada escena callejera y la retrata como un observador distante, capturando las numerosas interacciones individuales pero prestando atención al panorama general al mismo tiempo. [ 20 ]

Al igual que muchas de sus otras obras, la sección transversal de Bronzeville que presenta Motley carece de una narrativa central. Por ejemplo, un hombre pensativo con las manos en los bolsillos muestra una mirada severa. Detrás del autobús, un hombre levanta los brazos con éxtasis. En el centro, un hombre intercambia palabras con su compañero, con el brazo en alto y la cabeza inclinada como para enfatizar un punto. Al mostrar un equilibrio entre especificidad y generalización, permite que "el espectador se identifique con las figuras y los lugares de las composiciones del artista". [ 20 ]

Pisar muy fuerte

Fuente: [ 21 ]

En Stomp , Motley pintó una animada escena de cabaret que documenta, una vez más, la vibrante cultura urbana afroamericana. La emoción en la pintura es palpable: se puede observar a una mujer con un vestido blanco alzando las manos al ritmo de la música, una pareja abrazándose de la mano al fondo del cabaret, y al animado pianista observando a los bailarines. Parejas tanto blancas como negras bailan y socializan en primer plano. Por ejemplo, a la derecha del cuadro, un hombre afroamericano con esmoquin negro baila con una mujer a la que Motley representa con un tono mucho más ligero. Con ello, esperaba contrarrestar las percepciones de segregación.

Los críticos de Motley señalan que los rasgos faciales de sus personajes son similares a los de los espectáculos de juglares . Pero Motley no tenía intención de estereotipar y esperaba usar las imágenes raciales para aumentar "el atractivo y la accesibilidad de su público". [ 22 ] Esto le permitió llegar a una audiencia más universal para su propósito de representar el progreso y el estilo de vida urbano afroamericano.

La chica de los octorones

Fuente: [ 23 ]

La obra "La chica octava" presenta a una mujer con una octava parte de ascendencia negra. En la imagen, una joven elegante, de cabello y ojos oscuros y tez clara, está sentada en un sofá, apoyada contra una pared roja cálida. Viste un vestido de terciopelo negro con ribetes de satén rojo, un sombrero marrón oscuro y una pequeña cadena de oro con un colgante. En su mano derecha sostiene un par de guantes de cuero. La mujer mira fijamente al espectador con una mirada suave pero serena. Su rostro es imperturbable. Motley equilibra la pintura con un marco y el resto del sofá en el lado izquierdo. Su vestimenta y el fondo sugieren que pertenece a una clase social alta. Su postura erguida y su mirada directa proyectan confianza. La forma en que sus manos alargadas sujetan los guantes demuestra su sentido del estilo y la elegancia. El uso que hace Motley de la fisicalidad y la objetualidad en este retrato demuestra conformidad con los ideales estéticos blancos y muestra cómo estos aspectos artísticos tienen implicaciones históricas muy realistas.

Motley fue «uno de los pocos artistas de la década de 1920 que representó consistentemente a los afroamericanos de manera positiva». [ 24 ] La Chica Octoroon es un ejemplo de este esfuerzo por presentar a las mujeres afroamericanas bajo una luz favorable, o quizás, simplemente para dar a conocer las realidades de la vida de la clase media afroamericana. La representación que Motley hizo de la mujer no solo satisfizo su deseo de celebrar a los negros exitosos, sino que también creó un modelo estético al que podían admirar quienes aspiraban a un estatus de élite. La Chica Octoroon pretendía ser un símbolo de progreso social, racial y económico.

En sus pinturas, Motley apenas distinguía entre mujeres octava y blancas, representando a las octava con símbolos de estatus y rasgos europeos. Al parecer, el mensaje que Motley transmite a su público blanco es que, si bien la mujer octava tiene ascendencia afroamericana, claramente no encaja en el estereotipo de pobre e inculta. Solicita a los espectadores blancos que miren más allá de los indicadores genéticos de su raza y se fijen únicamente en su comportamiento actual: distinguida, serena y digna. En su intento por deconstruir el estereotipo, Motley ha eliminado prácticamente todo rastro de la raza de la octava.

La mulata

En su retrato La mulata (1924), Motley presenta a una mulata muy serena y elegante, al estilo de la "chica octava". La retratada está adornada con joyas y su postura proyecta cierta sofisticación y relajación. Se la representa con elegancia, pero en su expresión facial se aprecian una tensión y una agudeza evidentes. En última instancia, Motley pretendía retratar la naturaleza problemática y compleja de la "mulata trágica". [ 2 ] El propio Motley se identificaba con esta sensación de estar atrapado entre dos identidades. Así, este retrato alude a las implicaciones sociales de la identidad racial al distinguir a la mulata de los estratos superiores de la sociedad negra, reservados para las "octavas". [ 2 ] De esta manera, Motley utilizó el retrato para demostrar la complejidad del impacto de la identidad racial.

Motley empleó ángulos marcados y fuertes contrastes en el rostro de la modelo para indicar emoción o rebeldía. Si bien esto le otorgó mayor personalidad y profundidad, también se puede decir que Motley reforzó el estereotipo de que las mujeres negras son iracundas y vengativas. Muchos de los mensajes contradictorios presentes en sus obras se atribuyen a su posición social relativamente alta, lo que podría generar cierto sesgo, a pesar de que Motley también era negro. Aun así, Motley fue uno de los pocos artistas de la época dispuestos a pintar modelos afroamericanas con tal precisión y exactitud. Trató estos retratos como un estudio casi científico sobre las diferentes gradaciones raciales.

La distinción entre el sofá de la joven y la silla de madera de la mulata también revela las diferencias de clase que Motley asociaba con cada uno de sus modelos. En esta serie de retratos, Motley pone de relieve las diferencias sociales de cada uno de ellos.

Vida nocturna

Fuente: [ 25 ]

Durante este período, Motley desarrolló un lenguaje reutilizable y reconocible en su obra, que incluía colores claros y oscuros contrastantes, perspectivas distorsionadas, patrones marcados y el predominio de un solo tono. También creó un conjunto de personajes que aparecían repetidamente en sus pinturas con posturas, gestos, expresiones y hábitos distintivos. Estas figuras a menudo se representaban muy cerca unas de otras, incluso tocándose o superponiéndose. Nightlife , en la colección del Instituto de Arte de Chicago , representa un bullicioso club nocturno con gente bailando al fondo, sentada en mesas a la derecha y bebiendo en un bar a la izquierda. [ 26 ] Toda la imagen está bañada por una luz burdeos que emana del suelo y las paredes, creando una atmósfera cálida y rica para los asistentes al club. El ritmo de la música se puede sentir en los brazos agitados de los bailarines, que parecen estar realizando el popular Lindy hop . En contraste, el hombre en la esquina inferior derecha está sentado y mira fijamente en un estado de estupor ebrio. Otro hombre en el centro y una mujer hacia la esquina superior derecha también permanecen sentados, aislados y tranquilos, en medio del bullicio del club.

En una entrevista con la Institución Smithsonian , Motley explicó esta desaprobación del racismo que intenta disipar con Nightlife y otras pinturas:

Y por eso digo que el racismo es lo primero que tienen que sacarse de la cabeza, olvidarse de este maldito racismo, al diablo con el racismo. ... Eso no significa nada para un artista. Todos somos seres humanos. Y cuanto antes se olvide eso, antes podrás volver a ser tú mismo y hacer lo que quieres hacer. (Motley 1978)

En este fragmento, Motley aboga por la eliminación del racismo de las normas sociales. Afirma que, especialmente para un artista, el color de piel no debería importar: todos son iguales. Sugiere que, una vez erradicado el racismo, cada persona podrá centrarse en sí misma y disfrutar de la vida. En Nightlife , los asistentes al club parecen haber olvidado el racismo y disfrutan al máximo de una agradable velada escuchando y bailando jazz. Gracias a que los asistentes han dejado atrás el racismo, Motley puede retratarlos con tanta calidez, utilizando colores vibrantes y un lenguaje corporal acogedor. [ 5 ]

Obteniendo la religión

Pintada en 1948, Getting' Religion representa a personas paseando y tocando música en una calle de la ciudad por la noche, mientras los residentes observan desde sus casas. En una entrevista con el Museo Whitney , el historiador de arte Davarian Baldwin sostiene que, al igual que en Black Belt y Bronzeville at Night , Motley plasma en esta pintura las actividades nocturnas que se podían observar en The Stroll de Chicago. [ 27 ] Langston Hughes describió este distrito de entretenimiento, ocio y negocios en la comunidad Black Belt de Chicago después de la Primera Guerra Mundial como una calle que estaba "llena de trabajadores y jugadores, prostitutas y proxenetas, gente de iglesia y pecadores". La diversidad de The Stroll está presente en la pintura, desde la figura en la caja de jabón con la etiqueta "Jesús salva", hasta la sugerente pareja en primer plano, pasando por la familia nuclear que observa la escena desde su porche al fondo. Baldwin comenta sobre esta "línea difusa entre el pecado y la salvación": [ 27 ]

Por la noche, se oye a la gente gritar «¡Oh, Dios!» por muchas razones. [La pintura] permite que la oscuridad respire, incluso en su densidad. Desde fuera hacia dentro, las posibilidades de lo que esta oscuridad podría ser están muy limitadas. Él la mantiene desordenada e indeterminada para que pueda ser ambas cosas. Posibilidades totalmente opuestas pueden coexistir en el mismo marco ajustado, en la misma persona.

La pintura fue adquirida por The Whitney en 2016. [ 27 ] Actualmente se exhibe como parte de la exposición de Alvin Ailey , Edges of Ailey . [ 28 ]

Muerte

Motley falleció en Chicago el 16 de enero de 1981.

Vida personal

Motley se casó con su novia de la secundaria, Edith Granzo, en 1924, cuyos padres inmigrantes alemanes se oponían a su relación interracial y la repudiaron por su matrimonio. [ 1 ]

Su sobrino (criado como su hermano), Willard Motley , fue un aclamado escritor conocido por su novela de 1947, Knock on Any Door . Su nuera es Valerie Gerrard Browne .

Motley era católico .

Reconocimientos y premios

  • Premio Frank G. Logan por la pintura "Una mulata" (1925). [ 4 ]
  • Premio Joseph N. Eisendrath del Instituto de Arte de Chicago por la pintura "Síncopa" (1925). [ 4 ]
  • Recibió una beca Guggenheim para continuar sus estudios en París (1929-1930). [ 4 ]
  • Premio de la Fundación Harmon por contribuciones destacadas al campo del arte (1928). [ 4 ]
  • Recibe un doctorado honoris causa de la Escuela del Instituto de Arte (1980). [ 4 ]
  • Homenajeado junto con otros nueve artistas afroamericanos por el presidente Jimmy Carter en la Casa Blanca (1980). [ 4 ]

Exposición retrospectiva

Referencias

  1. 1 2 "Archibald Motley, artista de la vida afroamericana" . Teatro/Artes . El Registro Afroamericano. Archivado del original el 5 de mayo de 2015. Recuperado el 14 de julio de 2015 .
  2. 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 Mooney, Amy (1999). "Representando la raza: disyunciones en la obra de Archibald Motley, Jr." Art Institute of Chicago Museum Studies . 24 (2): 163– 265. doi : 10.2307/4112967 . JSTOR 4112967 . 
  3. ↑ Mooney, Ann M. (2004). Archibald J. Motley Jr. Petaluma, California: Pomegranate Communications, Inc. pp. v. ISBN  9780764928864.
  4. 1 2 3 4 5 6 7 Reich, Howard (20 de marzo de 2015). "Algunos momentos clave en la vida y el arte de Archibald Motley" . Chicago Tribune . Recuperado el 23 de mayo de 2015 .
  5. 1 2 3 4 5 6 Motley, Archibald, Jr. Entrevista de historia oral con Archibald Motley . Entrevista realizada por Dennis Barrie para los Archivos Smithsonianos de Arte Americano.
  6. 1 2 3 Georgiady, N., L. Romano y R. Green, Archibald J. Motley: Artista negro estadounidense . Franklin Publishers, Inc., Milwaukee, Wisconsin, 1969.
  7. ↑ "Motley, Archibald Jr. 1891–1981" , Encyclopedia.com.
  8. ↑ Martínez, Andrew, "Una recepción mixta para el modernismo: la exposición Armory Show de 1913 en el Instituto de Arte de Chicago", The Art Institute of Chicago Museum Studies , vol. 19, n.º 1, 1993, pág. 31.
  9. ↑ Woodall, Elaine D., "Mirando hacia atrás: Archibald J. Motley y el Instituto de Arte de Chicago: 1914–1930," Chicago History: The Magazine of the Chicago Historical Society , primavera de 1979, vol. VIII, núm. 1, págs. 53–57.
  10. 1 2 3 4 Greenhouse, Wendy (1998). "Un retrato temprano de Archibald Motley, Jr." American Art Journal . 29 (1/2): 97– 102. doi : 10.2307/1594621 . JSTOR 1594621 . 
  11. ↑ Robinson, Jontyle Theresa y Charles Austin Page Jr., " Remendando calcetines y cuentos de África ", The Christian Science Monitor , 15 de octubre de 1987. Recuperado el 3 de octubre de 2015 de www.csmonitor.com.
  12. ↑ Biografía de Archibald Motley
  13. ↑ Harris, Michael D. «Color Lines: Mapping Color Consciousness in the Art of Archibald Motley, Jr.». Colored Pictures: Race and Visual Representation . Chapel Hill: University of North Carolina Press, 2003.
  14. ↑ De Souza, Pauline. "El despertar negro: género y representación en el Renacimiento de Harlem." en Katy Deepwell (ed.), Mujeres artistas y modernismo , Manchester University Press, 1998, pp. 55-69.
  15. ↑ Entrevista de historia oral con Archibald Motley, del 23 de enero de 1978 al 1 de marzo de 1979 - Historias Orales | Archivos de Arte Americano, Institución Smithsoniana
  16. 1 2 Wolfskill, Phoebe (2009). "La caricatura y el nuevo negro en la obra de Archibald Motley Jr. y Palmer Hayden". The Art Bulletin . 91 (3): 343– 365. doi : 10.1080/00043079.2009.10786158 . S2CID 191463495 . 
  17. ↑ Pilgrim, David. "La caricatura de la Mammy" . El Museo Jim Crow de recuerdos racistas. Big Rapids: Ferris State University, 2000.
  18. ↑ "Bronzeville de noche, 1949 - Archibald Motley - WikiArt.org" . www.wikiart.org . Consultado el 8 de diciembre de 2023 .
  19. ↑ Amy M. Mooney, Archibald J. Motley Jr. (2004), pág. 86.
  20. 1 2 Amy M. Mooney, Archibald J. Motley Jr. (2004), pág. 95.
  21. ↑ "Stomp, 1927 - Archibald Motley - WikiArt.org" . www.wikiart.org . Consultado el 8 de diciembre de 2023 .
  22. ↑ Amy M. Mooney, Archibald J. Motley Jr. (2004), pág. 88.
  23. ↑ "La chica de los octorones, 1925 - Archibald Motley - WikiArt.org" . www.wikiart.org . Consultado el 8 de diciembre de 2023 .
  24. ↑ Coleman, Floyd (1995). "De lo rural a lo sofisticado: Archibald Motley, Jr. y la evolución del arte afroamericano". American Heritage . 1 (46): 18.
  25. ↑ "Vida nocturna, 1943 - Archibald Motley - WikiArt.org" . www.wikiart.org . Consultado el 8 de diciembre de 2023 .
  26. ↑ Motley, Archibald John Jr. "Vida nocturna" . El Instituto de Arte de Chicago . Consultado el 24 de mayo de 2021 .
  27. 1 2 3 "Más allá de la documentación: Davarian Baldwin sobre Gettin' Religion de Archibald Motley" , www.whitney.org , consultado el 29 de enero de 2025
  28. ↑ "Colección Whitney" , www.whitney.org , consultado el 29 de enero de 2025

Lecturas adicionales

  • Powell, Richard; Mooney, Amy M. (10 de febrero de 2014). Archibald Motley: Modernista de la era del jazz (  Edición de bolsillo). Duke University Press Books. ISBN 978-0938989370.
  • Reich, Howard. "La era del jazz de Chicago aún vive en el arte de Archibald Motley" . Chicago Tribune . N.°  20 de marzo de 2015. Consultado el 26 de mayo de 2015 .
  • Robinson, Jontyle Theresa y Wendy Greenhouse, El arte de Archibald John Motley , Jr. Chicago: Sociedad Histórica de Chicago, 1991.