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Ukiyo-e

De arriba a la izquierda: La belleza mirando hacia atrás , Moronobu , finales del siglo XVII. Shibai Uki-e , Masanobu , c. 1741-1744 Otani Oniji III , Sharaku , 1794 Peine , Uta...

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Un conjunto de tres láminas a color de un samurái siendo amenazado por un esqueleto gigantesco.
De arriba a la izquierda:

El ukiyo-e (浮世絵) es un género artístico japonés que floreció entre los siglos XVII y XIX. Sus artistas producían grabados en madera y pinturas de temas como bellezas femeninas, actores de kabuki y luchadores de sumo , escenas históricas y cuentos populares, paisajes y escenas de viajes, flora y fauna , y erotismo . El término ukiyo-e (浮世絵) se traduce como «imágenes del mundo flotante».

En 1603, la ciudad de Edo ( Tokio ) se convirtió en la sede del shogunato Tokugawa . La clase chōnin (comerciantes, artesanos y obreros), situada en la parte inferior de la escala social , fue la que más se benefició del rápido crecimiento económico de la ciudad. Comenzaron a disfrutar y a frecuentar el teatro kabuki, las geishas y las cortesanas de los barrios de placer . El término ukiyo («mundo flotante») pasó a describir este estilo de vida hedonista. Las estampas ukiyo-e, tanto impresas como pintadas, eran populares entre la clase chōnin , que había alcanzado la riqueza suficiente para permitirse decorar sus hogares con ellas.

Las primeras obras de ukiyo-e surgieron en la década de 1670, con las pinturas y grabados monocromáticos de bellas mujeres de Hishikawa Moronobu . Los grabados a color se introdujeron gradualmente y, al principio, solo se utilizaban para encargos especiales. En la década de 1740, artistas como Okumura Masanobu empleaban múltiples planchas de madera para imprimir áreas de color. En la década de 1760, el éxito de los "grabados brocados" de Suzuki Harunobu llevó a que la producción a todo color se convirtiera en la norma, utilizando diez o más planchas para crear cada grabado. Algunos artistas de ukiyo-e se especializaron en la pintura, pero la mayoría de las obras eran grabados. Los artistas rara vez tallaban sus propias planchas de madera para imprimir; en cambio, la producción se dividía entre el artista, que diseñaba los grabados; el tallador, que cortaba las planchas; el impresor, que entintaba y prensaba las planchas sobre papel hecho a mano ; y el editor, que financiaba, promocionaba y distribuía las obras. Como la impresión se realizaba a mano, los impresores podían lograr efectos imposibles de conseguir con máquinas, como la mezcla o la gradación de colores en el bloque de impresión.

Los especialistas han valorado los retratos de bellezas y actores de maestros como Torii Kiyonaga , Utamaro y Sharaku , creados a finales del siglo XVIII. El siglo XIX también vio la continuación de la tradición ukiyo-e, con la creación de La gran ola de Kanagawa de Hokusai , una de las obras más conocidas del arte japonés, y Las cincuenta y tres estaciones del Tōkaidō de Hiroshige . Tras la muerte de estos dos maestros, y en contra de la modernización tecnológica y social que siguió a la Restauración Meiji de 1868, la producción de ukiyo-e entró en un fuerte declive.

Sin embargo, en el siglo XX se produjo un renacimiento del grabado japonés: el género shin-hanga («nuevos grabados») aprovechó el interés occidental por los grabados de escenas tradicionales japonesas, y el movimiento sōsaku-hanga («grabados creativos») promovió obras individualistas diseñadas, talladas e impresas por un solo artista. Desde finales del siglo XX, los grabados han mantenido esta línea individualista, a menudo utilizando técnicas importadas de Occidente.

El ukiyo-e fue fundamental para la formación de la percepción occidental del arte japonés a finales del siglo XIX, en particular los paisajes de Hokusai y Hiroshige. A partir de la década de 1870, el japonismo se convirtió en una tendencia destacada y tuvo una fuerte influencia en los primeros impresionistas franceses como Edgar Degas , Édouard Manet y Claude Monet , así como en postimpresionistas como Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec .

Historia

Historia temprana

El arte japonés desde el período Heian (794-1185) siguió dos caminos principales: la tradición nativista Yamato-e , centrada en temas japoneses, conocida principalmente por las obras de la escuela Tosa ; y el kara-e de inspiración china en una variedad de estilos, como las pinturas monocromáticas a la tinta de Sesshū Tōyō y sus discípulos. La escuela de pintura Kanō incorporó características de ambas. [ 1 ]

Desde la antigüedad, el arte japonés había encontrado mecenas en la aristocracia, los gobiernos militares y las autoridades religiosas. [ 2 ] Hasta el siglo XVI, la vida del pueblo llano no había sido un tema principal de la pintura, e incluso cuando se incluía, las obras eran artículos de lujo hechos para los samuráis gobernantes y las clases mercantiles ricas. [ 3 ] Posteriormente aparecieron obras hechas por y para los habitantes de las ciudades, incluyendo pinturas monocromáticas económicas de bellezas femeninas y escenas de los distritos teatrales y de placer. La naturaleza artesanal de estos shikomi-e (仕込絵) limitó la escala de su producción, una limitación que pronto fue superada por géneros que recurrieron a la impresión en madera de producción masiva . [ 4 ]

Una mampara pintada compuesta por seis paneles que representan un entorno similar a un parque en el que los visitantes disfrutan del paisaje.
La obra "Contemplación de arces en Takao" (mediados del siglo XVI), de Kanō Hideyori, es una de las primeras pinturas japonesas que representa la vida de la gente común. [ 2 ]

Durante un prolongado período de guerra civil en el siglo XVI, se desarrolló una clase de comerciantes políticamente poderosos. Estos machishū , predecesores de los chōnin del período Edo , se aliaron con la corte y ejercieron poder sobre las comunidades locales; su mecenazgo de las artes impulsó un renacimiento de las artes clásicas a finales del siglo XVI y principios del XVII. [ 5 ] A principios del siglo XVII, Tokugawa Ieyasu (1543-1616) unificó el país y fue nombrado shōgun con poder supremo sobre Japón. Consolidó su gobierno en la aldea de Edo (actual Tokio), [ 6 ] y exigió que los señores territoriales se reunieran allí en años alternos con sus séquitos. Las demandas del creciente capital atrajeron a muchos trabajadores varones del campo, de modo que los hombres llegaron a constituir casi el setenta por ciento de la población. [ 7 ] La aldea creció durante el período Edo (1603–1867) de una población de 1800 a más de un millón en el siglo XIX. [ 6 ]

El shogunato centralizado puso fin al poder de los machishū y dividió a la población en cuatro clases sociales , con la clase samurái gobernante en la cima y la clase mercantil en la base. Si bien se vieron privados de su influencia política, [ 5 ] aquellos de la clase mercantil fueron los que más se beneficiaron de la economía en rápida expansión del período Edo, [ 8 ] y su mejor situación les permitió disfrutar del ocio que muchos buscaban en los distritos de placer —en particular Yoshiwara en Edo [ 6 ] — y coleccionar obras de arte para decorar sus hogares, lo que en épocas anteriores había estado muy por encima de sus posibilidades económicas. [ 9 ] La experiencia de los barrios de placer estaba abierta a aquellos con suficiente riqueza, buenos modales y educación. [ 10 ]

Pintura de un hombre asiático medieval sentado y vestido con esplendor.
Tokugawa Ieyasu estableció su gobierno a principios del siglo XVII en Edo (actual Tokio).
Retrato de Tokugawa Ieyasu , pintura de la escuela Kanō, Kanō Tan'yū , siglo XVII

La impresión con bloques de madera en Japón se remonta al Hyakumantō Darani en el año 770  d. C. Hasta el siglo XVII, dicha impresión estaba reservada para sellos e imágenes budistas. [ 11 ] La imprenta de tipos móviles apareció alrededor de 1600, pero como el sistema de escritura japonés requería aproximadamente 100 000 piezas de tipos, [ b ] el grabado manual del texto en bloques de madera era más eficiente. En Saga, Kioto , el calígrafo Hon'ami Kōetsu y el editor Suminokura Soan combinaron texto impreso e imágenes en una adaptación de Los cuentos de Ise (1608) y otras obras literarias. [ 12 ] Durante la era Kan'ei (1624-1643), los libros ilustrados de cuentos populares llamados tanrokubon ('libros naranja-verdes') fueron los primeros libros producidos en masa utilizando la impresión con bloques de madera. [ 11 ] Las imágenes de bloques de madera continuaron evolucionando como ilustraciones para el género kanazōshi de cuentos de la vida urbana hedonista en la nueva capital. [ 13 ] La reconstrucción de Edo tras el Gran Incendio de Meireki en 1657 propició una modernización de la ciudad, y la publicación de libros impresos ilustrados floreció en el entorno de rápida urbanización. [ 14 ]

El término ukiyo (浮世) , que puede traducirse como «mundo flotante», era homófono del antiguo término budista ukiyo (憂き世) , que significa «este mundo de dolor y tristeza». El término más reciente se usaba a veces para significar «erótico» o «elegante», entre otros significados, y llegó a describir el espíritu hedonista de la época para las clases bajas. Asai Ryōi celebró este espíritu en la novela Ukiyo Monogatari ( Cuentos del mundo flotante , c. 1661 ): [ 15 ]

Vivir solo el momento, saboreando la luna, la nieve, las flores de cerezo y las hojas de arce, cantando canciones, bebiendo sake y entreteniéndose simplemente flotando, sin preocuparse por la perspectiva de una pobreza inminente, alegre y despreocupado, como una calabaza llevada por la corriente del río: esto es lo que llamamos ukiyo .

Surgimiento del ukiyo-e (finales del siglo XVII  - principios del siglo XVIII)

Los primeros artistas de ukiyo-e provenían del mundo de la pintura japonesa . [ 16 ] La pintura Yamato-e del siglo XVII había desarrollado un estilo de formas delineadas que permitía que las tintas se gotearan sobre una superficie húmeda y se extendieran hacia los contornos; este delineado de formas se convertiría en el estilo dominante del ukiyo-e. [ 17 ]

Un biombo pintado con figuras japonesas jugando sobre un fondo dorado.
El biombo de Hikone podría ser la obra ukiyo-e más antigua que se conserva, datada entre 1624 y 1644 aproximadamente .

Hacia 1661, los rollos colgantes pintados conocidos como Retratos de bellezas de Kanbun ganaron popularidad. Las pinturas de la era Kanbun (1661-1673), la mayoría anónimas, marcaron los inicios del ukiyo-e como escuela independiente. [ 16 ] Las pinturas de Iwasa Matabei (1578-1650) tienen una gran afinidad con las pinturas ukiyo-e. Los estudiosos discrepan sobre si la obra de Matabei en sí misma es ukiyo-e; [ 18 ] las afirmaciones de que fue el fundador del género son especialmente comunes entre los investigadores japoneses. [ 19 ] En ocasiones, se le ha atribuido a Matabei la autoría del biombo Hikone sin firmar , [ 20 ] un biombo plegable byōbu que podría ser una de las primeras obras ukiyo-e que se conservan. El biombo es de un refinado estilo Kanō y representa la vida contemporánea, en lugar de los temas prescritos por las escuelas pictóricas. [ 21 ]

Una ilustración en blanco y negro de una pareja de amantes con espléndidas vestimentas jugando.
Grabado en madera antiguo, Hishikawa Moronobu , finales de la década de 1670 o principios de la de 1680.

En respuesta a la creciente demanda de obras ukiyo-e, Hishikawa Moronobu (1618-1694) produjo los primeros grabados en madera ukiyo-e. [ 16 ] Para 1672, el éxito de Moronobu era tal que comenzó a firmar sus obras, siendo el primero de los ilustradores de libros en hacerlo. Fue un ilustrador prolífico que trabajó en una amplia variedad de géneros y desarrolló un estilo influyente para retratar la belleza femenina. Lo más significativo es que comenzó a producir ilustraciones, no solo para libros, sino como imágenes de hojas sueltas, que podían usarse solas o como parte de una serie. La escuela Hishikawa atrajo a un gran número de seguidores, [ 22 ] así como a imitadores como Sugimura Jihei , [ 23 ] y marcó el comienzo de la popularización de una nueva forma de arte. [ 24 ]

Tras la muerte del maestro, Torii Kiyonobu I y Kaigetsudō Ando se convirtieron en destacados imitadores del estilo de Moronobu, aunque ninguno pertenecía a la escuela Hishikawa. Ambos descartaron los detalles del fondo en favor de centrarse en la figura humana: actores de kabuki en el yakusha-e de Kiyonobu y la escuela Torii que le sucedió, [ 25 ] y cortesanas en el bijin-ga de Ando y su escuela Kaigetsudō . Ando y sus seguidores produjeron una imagen femenina estereotipada cuyo diseño y pose se prestaban a una producción masiva eficaz, [ 26 ] y su popularidad creó una demanda de pinturas que otros artistas y escuelas aprovecharon. [ 27 ] La ​​escuela Kaigetsudō y su popular "belleza Kaigetsudō" terminaron tras el exilio de Ando por su papel en el escándalo Ejima-Ikushima de 1714. [ 28 ]

Nishikawa Sukenobu (1671-1750) , originario de Kioto, pintó cuadros técnicamente refinados de cortesanas. [ 29 ] Considerado un maestro del retrato erótico, fue objeto de una prohibición gubernamental en 1722, aunque se cree que continuó creando obras que circularon bajo diferentes nombres. [ 30 ] Sukenobu pasó la mayor parte de su carrera en Edo, y su influencia fue considerable tanto en la región de Kantō como en la de Kansai . [ 29 ] Las pinturas de Miyagawa Chōshun (1683-1752) retrataron la vida de principios del siglo XVIII con colores delicados. Chōshun no realizó grabados. [ 31 ] La escuela Miyagawa que fundó a principios del siglo XVIII se especializó en pinturas románticas con un estilo más refinado en línea y color que la escuela Kaigetsudō. Chōshun permitió una mayor libertad expresiva a sus seguidores, un grupo que más tarde incluyó a Hokusai . [ 27 ]

Grabados en color (mediados del siglo XVIII)

Incluso en los primeros grabados y libros monocromáticos, se añadía color a mano para encargos especiales. La demanda de color a principios del siglo XVIII se satisfizo con grabados tan-e [ c ] teñidos a mano con naranja y, a veces, verde o amarillo. [ 33 ] A estos les siguió en la década de 1720 una moda por los beni-e [ d ] de color rosa y, más tarde, la tinta similar a la laca del urushi-e . En 1744, los benizuri-e fueron los primeros éxitos en la impresión a color, utilizando múltiples bloques de madera, uno para cada color, el primero de ellos rosa beni y verde vegetal. [ 34 ]

Entre las innovaciones que Okumura Masanobu reivindicó se encontraban la perspectiva gráfica de estilo occidental y un mayor uso del color impreso .
Disfrutando del fresco de la tarde junto al puente Ryōgoku , c. 1745

Gran promotor de sí mismo, Okumura Masanobu (1686-1764) desempeñó un papel fundamental durante el período de rápido desarrollo técnico de la imprenta desde finales del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. [ 34 ] Estableció un taller en 1707 [ 35 ] y combinó elementos de las principales escuelas contemporáneas en una amplia gama de géneros, aunque el propio Masanobu no pertenecía a ninguna escuela. Entre las innovaciones de sus imágenes románticas y líricas se encuentran la introducción de la perspectiva geométrica en el género uki-e [ e ] en la década de 1740; [ 39 ] las impresiones hashira-e largas y estrechas ; y la combinación de gráficos y literatura en grabados que incluían poesía haiku de su propia autoría . [ 40 ]

El ukiyo-e alcanzó su apogeo a finales del siglo XVIII con la llegada de las estampas a todo color, desarrolladas después de que Edo recuperara la prosperidad bajo el mandato de Tanuma Okitsugu tras una larga depresión. [ 41 ] Estas populares estampas a color llegaron a denominarse nishiki-e , o «imágenes de brocado», ya que sus brillantes colores parecían asemejarse a los brocados chinos Shuchiang importados , conocidos en japonés como Shokkō nishiki . [ 42 ] Las primeras en aparecer fueron costosas estampas de calendario, impresas con múltiples bloques en papel muy fino (o más fino que el estándar) con tintas densas y opacas. Estas estampas tenían el número de días de cada mes oculto en el diseño y se enviaban en Año Nuevo [ f ] como saludos personalizados, con el nombre del mecenas en lugar del del artista. Los bloques para estas estampas se reutilizaron posteriormente para la producción comercial, borrando el nombre del mecenas y sustituyéndolo por el del artista. [ 43 ]

Las delicadas y románticas estampas de Suzuki Harunobu (1725-1770) fueron de las primeras en lograr diseños de color expresivos y complejos, [ 44 ] impresas con hasta una docena de bloques separados para manejar los diferentes colores [ 45 ] y medios tonos. [ 46 ] Sus estampas sobrias y elegantes evocaban el clasicismo de la poesía waka y la pintura Yamato-e . El prolífico Harunobu fue el artista dominante de ukiyo-e de su tiempo. [ 47 ] El éxito de los coloridos nishiki-e de Harunobu a partir de 1765 llevó a una fuerte disminución en la demanda de las paletas limitadas de benizuri-e y urushi-e , así como de las estampas coloreadas a mano. [ 45 ]

Tras la muerte de Harunobu en 1770, surgió una tendencia contra el idealismo de los grabados de Harunobu y la escuela Torii. Katsukawa Shunshō (1726–1793) y su escuela produjeron retratos de actores de kabuki con mayor fidelidad a los rasgos reales de los actores que la tendencia anterior. [ 48 ] Los colaboradores ocasionales Koryūsai (1735  – c. 1790 ) y Kitao Shigemasa (1739–1820) fueron destacados retratistas de mujeres que también alejaron el ukiyo-e del dominio del idealismo de Harunobu al centrarse en la moda urbana contemporánea y celebrar a las cortesanas y geishas del mundo real . [ 49 ] Koryūsai fue quizás el artista de ukiyo-e más prolífico del siglo XVIII y produjo un mayor número de pinturas y series de grabados que cualquier predecesor. [ 50 ] La escuela Kitao que fundó Shigemasa fue una de las escuelas dominantes de las últimas décadas del siglo XVIII. [ 51 ]

En la década de 1770, Utagawa Toyoharu produjo una serie de grabados uki-e en perspectiva [ 52 ] que demostraron un dominio de las técnicas de perspectiva occidentales que había eludido a sus predecesores en el género. [ 36 ] Las obras de Toyoharu ayudaron a ser pioneras en el paisaje como tema del ukiyo-e, en lugar de simplemente un fondo para figuras humanas. [ 53 ] En el siglo XIX, las técnicas de perspectiva de estilo occidental se asimilaron a la cultura artística japonesa y se emplearon en los refinados paisajes de artistas como Hokusai y Hiroshige , [ 54 ] este último miembro de la escuela Utagawa que Toyoharu fundó. Esta escuela se convertiría en una de las más influyentes, [ 55 ] y produjo obras en una variedad de géneros mucho mayor que cualquier otra escuela. [ 56 ]

Período de máximo esplendor (finales del siglo XVIII)

Fotografía en color de un primer plano de la cabeza y el torso superior de una mujer japonesa elegantemente vestida. Detrás de ella se ve un biombo de bambú en el que se representa la cabeza y el torso superior de una mujer similar.
Dos bellezas con bambú
Utamaro , c. 1795

Si bien a finales del siglo XVIII se vivieron tiempos económicos difíciles, [ 57 ] el ukiyo-e alcanzó su máximo esplendor en cantidad y calidad de obras, especialmente durante la era Kansei (1789-1791). [ 58 ] El ukiyo-e del período de las Reformas Kansei propició un enfoque en la belleza y la armonía [ 51 ] que degeneró en decadencia y desarmonía en el siglo siguiente, a medida que las reformas fracasaban y las tensiones aumentaban, culminando en la Restauración Meiji de 1868. [ 58 ]

Especialmente en la década de 1780, Torii Kiyonaga (1752–1815) [ 51 ] de la escuela Torii [ 58 ] representó temas tradicionales de ukiyo-e como bellezas y escenas urbanas, que imprimió en grandes hojas de papel, a menudo como dípticos o trípticos horizontales de múltiples impresiones . Sus obras prescindieron de los paisajes oníricos poéticos creados por Harunobu, optando en cambio por representaciones realistas de formas femeninas idealizadas vestidas con las últimas modas y posando en lugares escénicos. [ 59 ] También produjo retratos de actores de kabuki en un estilo realista que incluía músicos acompañantes y coro. [ 60 ]

En 1790 entró en vigor una ley que exigía que las impresiones llevaran el sello de aprobación del censor para poder venderse. La censura se volvió más estricta durante las décadas siguientes, y los infractores podían recibir duros castigos. A partir de 1799, incluso los borradores preliminares requerían aprobación. [ 61 ] Un grupo de infractores de la escuela Utagawa, entre ellos Toyokuni, vieron sus obras reprimidas en 1801, y Utamaro fue encarcelado en 1804 por realizar grabados del líder político y militar del siglo XVI, Toyotomi Hideyoshi . [ 62 ]

Utamaro ( c. 1753-1806 ) se hizo famoso en la década de 1790 con sus retratos bijin ōkubi-e («imágenes de mujeres hermosas con cabezas grandes»), centrándose en la cabeza y el torso superior, un estilo que otros habían empleado previamente en retratos de actores de kabuki. [ 63 ] Utamaro experimentó con la línea, el color y las técnicas de impresión para resaltar sutiles diferencias en los rasgos, las expresiones y los fondos de sujetos de una amplia variedad de clases y orígenes. Las bellezas individualizadas de Utamaro contrastaban marcadamente con las imágenes estereotipadas e idealizadas que habían sido la norma. [ 64 ] Hacia finales de la década, especialmente tras la muerte de su mecenas Tsutaya Jūzaburō en 1797, la prodigiosa producción de Utamaro disminuyó en calidad, [ 65 ] y murió en 1806. [ 66 ]

Apareciendo repentinamente en 1794 y desapareciendo con la misma rapidez diez meses después, las estampas del enigmático Sharaku se encuentran entre las más conocidas del ukiyo-e. Sharaku produjo impactantes retratos de actores de kabuki, introduciendo un mayor nivel de realismo en sus grabados que enfatizaba las diferencias entre el actor y el personaje retratado. [ 67 ] Los rostros expresivos y contorsionados que representaba contrastaban marcadamente con los rostros serenos, casi inexpresivos, más comunes en artistas como Harunobu o Utamaro. [ 46 ] Publicada por Tsutaya, [ 66 ] la obra de Sharaku encontró resistencia, y en 1795 su producción cesó tan misteriosamente como había aparecido; su verdadera identidad aún se desconoce. [ 68 ] Utagawa Toyokuni (1769–1825) produjo retratos de kabuki en un estilo que los habitantes de Edo encontraron más accesible, enfatizando las posturas dramáticas y evitando el realismo de Sharaku. [ 67 ]

Un alto nivel de calidad constante caracteriza al ukiyo-e de finales del siglo XVIII, pero las obras de Utamaro y Sharaku a menudo eclipsan a las de otros maestros de la época. [ 66 ] Uno de los seguidores de Kiyonaga, [ 58 ] Eishi (1756–1829), abandonó su puesto como pintor del shōgun Tokugawa Ieharu para dedicarse al diseño de ukiyo-e. Aportó un sentido refinado a sus retratos de cortesanas gráciles y esbeltas, y dejó tras de sí a varios alumnos destacados. [ 66 ] Con una línea fina, Eishōsai Chōki ( activo entre 1786 y 1808) diseñó retratos de delicadas cortesanas. La escuela Utagawa llegó a dominar la producción de ukiyo-e a finales del período Edo. [ 69 ]

Edo fue el principal centro de producción de ukiyo-e durante todo el período Edo. Otro centro importante se desarrolló en la región de Kamigata , que abarcaba Kioto y Osaka . A diferencia de la variedad de temas en las estampas de Edo, las de Kamigata tendían a ser retratos de actores de kabuki. El estilo de las estampas de Kamigata se diferenció poco del de Edo hasta finales del siglo XVIII, en parte porque los artistas solían ir y venir entre ambas zonas. [ 70 ] Los colores tienden a ser más suaves y los pigmentos más densos en las estampas de Kamigata que en las de Edo. [ 71 ] En el siglo XIX, muchas de las estampas fueron diseñadas por aficionados al kabuki y otros aficionados. [ 72 ]

Floración tardía: flora, fauna y paisajes (siglo XIX)

Una ilustración a color de una ola violenta
La gran ola de Kanagawa, de Hokusai , 1831

Las reformas Tenpō de 1841-1843 buscaron suprimir las ostentaciones de lujo, incluyendo la representación de cortesanas y actores. Como resultado, muchos artistas de ukiyo-e diseñaron escenas de viajes e imágenes de la naturaleza, especialmente aves y flores. [ 73 ] Los paisajes habían recibido poca atención desde Moronobu, y formaron un elemento importante en las obras de Kiyonaga y Shunchō . No fue hasta finales del período Edo que el paisaje se consolidó como género, especialmente a través de las obras de Hokusai y Hiroshige. El género del paisaje ha llegado a dominar las percepciones occidentales del ukiyo-e, aunque el ukiyo-e tenía una larga historia anterior a estos maestros de la última época. [ 74 ] El paisaje japonés se diferenciaba de la tradición occidental en que dependía más de la imaginación, la composición y la atmósfera que de la estricta observancia de la naturaleza. [ 75 ]

Origen de la danza Iwato Kagura Amaterasu, tríptico de Kunisada , 1856, que representa a la diosa solar sintoísta Amaterasu emergiendo de la Cueva de la Roca Celestial , trayendo de vuelta la luz del sol al mundo.

El autoproclamado "pintor loco" Hokusai (1760-1849) disfrutó de una larga y variada carrera. Su obra se caracteriza por la ausencia del sentimentalismo común en el ukiyo-e y por un enfoque en el formalismo influenciado por el arte occidental. Entre sus logros se encuentran sus ilustraciones de la novela Luna creciente de Takizawa Bakin , su serie de cuadernos de bocetos, el Hokusai Manga , y su popularización del género paisajístico con Treinta y seis vistas del monte Fuji , [ 76 ] que incluye su grabado más conocido, La gran ola de Kanagawa , [ 77 ] una de las obras más famosas del arte japonés. [ 78 ] A diferencia de la obra de los maestros anteriores, los colores de Hokusai eran audaces, planos y abstractos, y su tema no eran los distritos de placer, sino la vida y el entorno de la gente común en su trabajo. [ 79 ] Los maestros consagrados Eisen , Kuniyoshi y Kunisada también siguieron los pasos de Hokusai en los grabados de paisajes en la década de 1830, produciendo grabados con composiciones audaces y efectos impactantes. [ 80 ]

Aunque no recibió con frecuencia la atención de sus antepasados ​​más conocidos, la escuela Utagawa produjo algunos maestros en este período de decadencia. El prolífico Kunisada (1786–1865) tuvo pocos rivales en la tradición de hacer grabados de retratos de cortesanas y actores. [ 81 ] Uno de esos rivales fue Eisen (1790–1848), quien también era hábil en paisajes. [ 82 ] Quizás el último miembro significativo de este período tardío, Kuniyoshi (1797–1861) probó suerte con una variedad de temas y estilos, al igual que Hokusai. Sus escenas históricas de guerreros en combate violento fueron populares, [ 83 ] especialmente su serie de héroes del Suikoden (1827–1830) y Chūshingura (1847). [ 84 ] Era hábil en paisajes y escenas satíricas, estas últimas un área raramente explorada en la atmósfera dictatorial del período Edo; Que Kuniyoshia se atreviera a abordar tales temas era una señal del debilitamiento del shogunato en aquel momento. [ 83 ]

Hiroshige (1797–1858) es considerado el mayor rival de Hokusai en cuanto a estatura. Se especializó en pinturas de aves y flores, y paisajes serenos, y es más conocido por sus series de viajes, como Las cincuenta y tres estaciones del Tōkaidō y Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaidō , [ 85 ] esta última un esfuerzo conjunto con Eisen. [ 82 ] Su obra era más realista, de colores sutiles y atmosférica que la de Hokusai; la naturaleza y las estaciones eran elementos clave: la niebla, la lluvia, la nieve y la luz de la luna eran partes prominentes de sus composiciones. [ 86 ] Los seguidores de Hiroshige, incluyendo a su hijo adoptivo Hiroshige II y a su yerno Hiroshige III , continuaron el estilo paisajístico de su maestro hasta la era Meiji. [ 87 ]

Declive (finales del siglo XIX)

Tras las muertes de Hokusai y Hiroshige [ 88 ] y la Restauración Meiji de 1868, el ukiyo-e sufrió un fuerte declive en cantidad y calidad. [ 89 ] La rápida occidentalización del período Meiji que siguió hizo que la impresión xilográfica se volcara al periodismo y se enfrentara a la competencia de la fotografía. Los practicantes del ukiyo-e puro se volvieron más escasos, y los gustos se alejaron de un género visto como un vestigio de una era obsoleta. [ 88 ] Los artistas continuaron produciendo obras notables ocasionalmente, pero para la década de 1890 la tradición estaba moribunda. [ 90 ]

Los pigmentos sintéticos importados de Alemania comenzaron a reemplazar a los tradicionales orgánicos a mediados del siglo XIX. Muchos grabados de esta época hicieron un uso extensivo de un rojo brillante y se denominaron aka-e ('imágenes rojas'). [ 91 ] Artistas como Yoshitoshi (1839-1892) lideraron una tendencia en la década de 1860 de escenas espeluznantes de asesinatos y fantasmas, [ 92 ] monstruos y seres sobrenaturales, y héroes legendarios japoneses y chinos. Su obra Cien aspectos de la luna (1885-1892) representa una variedad de temas fantásticos y mundanos con un motivo lunar. [ 93 ] Kiyochika (1847-1915) es conocido por sus grabados que documentan la rápida modernización de Tokio, como la introducción de los ferrocarriles, y sus representaciones de las guerras de Japón con China y con Rusia . [ 92 ] Anteriormente pintor de la escuela Kanō, en la década de 1870 Chikanobu (1838–1912) se dedicó a los grabados, en particular de la familia imperial y escenas de la influencia occidental en la vida japonesa durante el período Meiji. [ 94 ]

Introducción a Occidente

Aparte de los comerciantes holandeses, que habían mantenido relaciones comerciales desde principios del período Edo, [ 95 ] los occidentales prestaron poca atención al arte japonés antes de mediados del siglo XIX, y cuando lo hicieron, rara vez lo distinguieron de otras expresiones artísticas de Oriente. [ 95 ] El naturalista sueco Carl Peter Thunberg pasó un año en el asentamiento comercial holandés de Dejima , cerca de Nagasaki, y fue uno de los primeros occidentales en coleccionar grabados japoneses. La exportación de ukiyo-e creció lentamente a partir de entonces, y a principios del siglo XIX la colección del comerciante holandés Isaac Titsingh atrajo la atención de los conocedores de arte en París. [ 96 ]

Fotografía en blanco y negro de un edificio japonés de estilo tradicional.
El pabellón japonés de Satsuma en la Exposición Internacional de París de 1867.

La llegada a Edo del comodoro estadounidense Matthew Perry en 1853 condujo a la Convención de Kanagawa en 1854, que abrió Japón al mundo exterior después de más de dos siglos de aislamiento . Las estampas ukiyo-e fueron algunos de los objetos que trajo de regreso a los Estados Unidos. [ 97 ] Dichas estampas habían aparecido en París al menos desde la década de 1830, y para la década de 1850 eran numerosas; [ 98 ] la recepción fue mixta, e incluso cuando se elogiaba, el ukiyo-e generalmente se consideraba inferior a las obras occidentales que enfatizaban el dominio de la perspectiva naturalista y la anatomía. [ 99 ] El arte japonés llamó la atención en la Exposición Internacional de 1867 en París , [ 95 ] y se puso de moda en Francia e Inglaterra en las décadas de 1870 y 1880. [ 95 ] Las estampas de Hokusai y Hiroshige desempeñaron un papel destacado en la configuración de las percepciones occidentales del arte japonés. [ 100 ] En el momento de su introducción en Occidente, la impresión con bloques de madera era el medio de comunicación de masas más común en Japón, y los japoneses la consideraban de poco valor duradero. [ 101 ]

Entre los primeros promotores y estudiosos europeos del ukiyo-e y el arte japonés se encontraban el escritor Edmond de Goncourt y el crítico de arte Philippe Burty , [ 102 ] quien acuñó el término japonismo . [ 103 ] [ g ] Se abrieron tiendas que vendían productos japoneses, incluidas las de Édouard Desoye en 1862 y el marchante de arte Siegfried Bing en 1875. [ 104 ] De 1888 a 1891, Bing publicó la revista Artistic Japan [ 105 ] en ediciones en inglés, francés y alemán, [ 106 ] y comisarió una exposición de ukiyo-e en la École des Beaux-Arts en 1890 a la que asistieron artistas como Mary Cassatt . [ 107 ]

Portada de un libro de partituras que representa una ola estilizada.
No solo las artes visuales, sino también la música se inspiraron en el ukiyo-e en Occidente: portada de la partitura orquestal de La mer de Debussy (1905).

El estadounidense Ernest Fenollosa fue el primer occidental devoto de la cultura japonesa e hizo mucho por promover el arte japonés: las obras de Hokusai figuraron prominentemente en su exposición inaugural como primer curador del Museo de Bellas Artes de Boston, y en Tokio, en 1898, comisarió la primera exposición de ukiyo-e en Japón. [ 108 ] A finales del siglo XIX, la popularidad del ukiyo-e en Occidente hizo que los precios fueran inalcanzables para la mayoría de los coleccionistas; algunos, como Degas , intercambiaron sus propias pinturas por tales grabados. Tadamasa Hayashi era un destacado comerciante parisino de gustos refinados cuya oficina en Tokio se encargaba de evaluar y exportar grandes cantidades de grabados ukiyo-e a Occidente, en tales cantidades que los críticos japoneses lo acusaron posteriormente de despojar a Japón de su tesoro nacional. [ 109 ] El desvío pasó inicialmente desapercibido en Japón, ya que los artistas japoneses se estaban sumergiendo en las técnicas pictóricas clásicas de Occidente. [ 110 ]

El arte japonés, y en particular las estampas ukiyo-e, llegó a influir en el arte occidental desde la época de los primeros impresionistas . [ 111 ] Los primeros pintores-coleccionistas incorporaron temas y técnicas compositivas japonesas en sus obras ya en la década de 1860: [ 98 ] los papeles pintados y alfombras con motivos en las pinturas de Manet se inspiraron en los kimonos con motivos que se encuentran en las imágenes ukiyo-e, y Whistler centró su atención en elementos efímeros de la naturaleza como en los paisajes ukiyo-e. [ 112 ] Van  Gogh fue un ávido coleccionista y pintó copias al óleo de grabados de Hiroshige y Eisen . [ 113 ] Degas y Cassatt representaron momentos fugaces y cotidianos en composiciones y perspectivas de influencia japonesa. [ 114 ] la perspectiva plana y los colores no modulados del ukiyo-e fueron una influencia particular en los diseñadores gráficos y los creadores de carteles. [ 115 ] Las litografías de Toulouse-Lautrec mostraron su interés no solo en los colores planos y las formas delineadas del ukiyo-e, sino también en su temática: artistas y prostitutas. [ 116 ] Firmó gran parte de esta obra con sus iniciales en un círculo, imitando los sellos de las estampas japonesas. [ 116 ] Otros artistas de la época que se inspiraron en el ukiyo-e incluyen a Monet , [ 111 ] La Farge , [ 117 ] Gauguin , [ 118 ] y miembros de Les Nabis como Bonnard [ 119 ] y Vuillard . [ 120 ] El compositor francés Claude Debussy se inspiró para su música en las estampas de Hokusai y Hiroshige, sobre todo en La mer (1905). [ 121 ] Poetas imagistas como Amy Lowell y Ezra Pound encontraron inspiración en las estampas ukiyo-e; Lowell publicó un libro de poesía titulado Pictures of the Floating World (1919) sobre temas orientales o en un estilo oriental. [ 122 ]

Tradiciones descendientes (siglo XX)

Impresión monocromática de un hombre con un abrigo grueso de pie, mirando hacia el océano, lejos del espectador.
Pescador
Kanae Yamamoto , 1904

El cuaderno de bocetos de viaje se convirtió en un género popular a partir de 1905, cuando el gobierno Meiji promovió los viajes dentro de Japón para que los ciudadanos conocieran mejor su país. [ 123 ] En 1915, el editor Shōzaburō Watanabe introdujo el término shin-hanga ("nuevos grabados") para describir un estilo de grabados que publicó que presentaban temas tradicionales japoneses y estaban dirigidos a audiencias extranjeras y japonesas de clase alta. [ 124 ] Entre los artistas prominentes se encontraban Goyō Hashiguchi , llamado el "Utamaro del período Taishō " por su manera de representar a las mujeres; Shinsui Itō , que aportó sensibilidades más modernas a las imágenes de mujeres; [ 125 ] y Hasui Kawase , que realizó paisajes modernos. [ 126 ] Watanabe también publicó obras de artistas no japoneses, un éxito temprano del cual fue una serie de grabados de temática india y japonesa en 1916 del inglés Charles W. Bartlett (1860–1940). Otros editores siguieron el éxito de Watanabe, y algunos artistas de shin-hanga como Goyō y Hiroshi Yoshida establecieron estudios para publicar su propia obra. [ 127 ]

Los artistas del movimiento sōsaku-hanga ('grabados creativos') tomaron el control de cada aspecto del proceso de grabado: el diseño, el tallado y la impresión eran realizados por las mismas manos. [ 124 ] A Kanae Yamamoto (1882–1946), entonces estudiante de la Escuela de Bellas Artes de Tokio , se le atribuye el nacimiento de este enfoque. En 1904, produjo Pescador utilizando la técnica del grabado en madera, una técnica hasta entonces mal vista por la élite artística japonesa por considerarla anticuada y por su asociación con la producción comercial en masa. [ 128 ] La fundación de la Asociación Japonesa de Artistas del Grabado en Madera en 1918 marca el comienzo de este enfoque como movimiento. [ 129 ] El movimiento favoreció la individualidad en sus artistas y, como tal, no tiene temas o estilos dominantes. [ 130 ] Las obras abarcaban desde las totalmente abstractas de Kōshirō Onchi (1891–1955) hasta las representaciones figurativas tradicionales de escenas japonesas de Un'ichi Hiratsuka (1895–1997). [ 129 ] Estos artistas producían grabados no con la esperanza de llegar a un público masivo, sino como un fin creativo en sí mismo, y no limitaban sus medios de impresión al grabado en madera del ukiyo-e tradicional. [ 131 ]

Las estampas de finales del siglo XX y del siglo XXI han evolucionado a partir de las inquietudes de movimientos anteriores, especialmente del énfasis del movimiento sōsaku-hanga en la expresión individual. La serigrafía , el aguafuerte , la mezzotinta , las técnicas mixtas y otros métodos occidentales se han sumado a la xilografía tradicional entre las técnicas de los grabadores. [ 132 ]

Estilo

El manual de pintura chino Jieziyuan Huazhuan ( Manual del Jardín de la Semilla de Mostaza ) llegó a ser utilizado por muchísimos artistas japoneses y fue un elemento fundamental en la formación de artistas y en el desarrollo de la pintura del período Edo.
Estampado a color del rostro de una mujer japonesa. Los colores son intensos y planos, y los contornos están delineados en negro.
Mujer visitando el santuario por la noche , Harunobu , siglo XVII. Líneas gruesas y planas definen y delimitan áreas de color plano.

Los primeros artistas de ukiyo-e trajeron consigo un conocimiento sofisticado y una formación en los principios de composición de la pintura clásica china ; gradualmente, estos artistas abandonaron la influencia china manifiesta para desarrollar un lenguaje japonés propio. A los primeros artistas de ukiyo-e se les ha llamado "primitivos" en el sentido de que el medio de la impresión representó un nuevo desafío al que adaptaron estas técnicas centenarias; sus diseños de imágenes no se consideran "primitivos". [ 133 ] Muchos artistas de ukiyo-e recibieron formación de maestros de la escuela Kanō y otras escuelas pictóricas. [ 134 ]

Una característica distintiva de la mayoría de los grabados ukiyo-e es una línea plana, audaz y bien definida. [ 135 ] Los primeros grabados eran monocromáticos, y estas líneas eran el único elemento impreso; incluso con la llegada del color, esta línea característica continuó predominando. [ 136 ] En la composición ukiyo-e, las formas se disponen en espacios planos [ 137 ] con figuras típicamente en un solo plano de profundidad. Se prestaba atención a las relaciones verticales y horizontales, así como a detalles como líneas, formas y patrones como los de la ropa. [ 138 ] Las composiciones a menudo eran asimétricas, y el punto de vista a menudo era desde ángulos inusuales, como desde arriba. Los elementos de las imágenes a menudo se recortaban , lo que daba a la composición una sensación espontánea. [ 139 ] En los grabados en color, los contornos de la mayoría de las áreas de color están claramente definidos, generalmente por el trazado de líneas. [ 140 ] La estética de las áreas planas de color contrasta con los colores modulados que se esperan en las tradiciones occidentales [ 137 ] y con otras tradiciones contemporáneas prominentes en el arte japonés patrocinado por la clase alta, como las sutiles pinceladas de tinta monocromática de la pintura zenga o los colores tonales de la escuela de pintura Kanō . [ 140 ]

Foto de un tazón de té, de color oscuro, sencillo y asimétrico.
Estética wabi-sabi en un tazón de té del siglo XVI.

Los patrones coloridos, ostentosos y complejos, la preocupación por las modas cambiantes y las poses y composiciones tensas y dinámicas del ukiyo-e contrastan notablemente con muchos conceptos de la estética tradicional japonesa . Entre estos, el wabi-sabi favorece la simplicidad, la asimetría y la imperfección, con evidencia del paso del tiempo; [ 141 ] y el shibui valora la sutileza, la humildad y la contención. [ 142 ] El ukiyo-e puede estar menos en desacuerdo con conceptos estéticos como la elegancia urbana y desenfadada del iki . [ 143 ]

El ukiyo-e muestra un enfoque inusual de la perspectiva gráfica, que puede parecer poco desarrollado en comparación con las pinturas europeas del mismo período. La perspectiva geométrica de estilo occidental era conocida en Japón —practicada de manera más prominente por los pintores Akita ranga de la década de 1770—, al igual que los métodos chinos para crear una sensación de profundidad utilizando una homogeneidad de líneas paralelas. Las técnicas a veces aparecían juntas en las obras de ukiyo-e, la perspectiva geométrica proporcionando una ilusión de profundidad en el fondo y la perspectiva china más expresiva en el primer plano. [ 144 ] Lo más probable es que las técnicas se aprendieran inicialmente a través de pinturas chinas de estilo occidental en lugar de directamente de obras occidentales. [ 145 ] Mucho después de familiarizarse con estas técnicas, los artistas continuaron armonizándolas con métodos tradicionales según sus necesidades compositivas y expresivas. [ 146 ] Otras formas de indicar profundidad incluían el método de composición tripartita chino utilizado en las imágenes budistas, donde una forma grande se coloca en primer plano, una más pequeña en el plano medio y otra aún más pequeña en el fondo; Esto se puede apreciar en La gran ola de Hokusai , con un barco grande en primer plano, uno más pequeño detrás y un pequeño monte Fuji detrás de ellos. [ 147 ]

Desde los inicios del ukiyo-e, existía una tendencia a representar a las bellezas en lo que la historiadora del arte Midori Wakakura denominó una «postura serpentina», [ h ] que implica que los cuerpos de los sujetos se retuerzan de forma antinatural mientras miran hacia atrás. El historiador del arte Motoaki Kōno postuló que esto tenía sus raíces en la danza tradicional buyō ; Haruo Suwa replicó que las poses eran una licencia artística tomada por los artistas de ukiyo-e, lo que provocaba que una pose aparentemente relajada alcanzara extremos físicos antinaturales o imposibles. Esto se mantuvo incluso cuando se aplicaron técnicas de perspectiva realista a otras secciones de la composición. [ 148 ]

Temas y géneros

Los temas típicos eran bellezas femeninas (" bijin-ga "), actores de kabuki (" yakusha-e ") y paisajes. Las mujeres representadas eran con mayor frecuencia cortesanas y geishas en su tiempo libre, y promocionaban los entretenimientos que se encontraban en los distritos de placer. [ 149 ] El detalle con el que los artistas representaban la moda y los peinados de las cortesanas permite datar las estampas con cierta fiabilidad. Se prestaba menos atención a la precisión de los rasgos físicos de las mujeres, que seguían las modas pictóricas de la época: los rostros estereotipados, los cuerpos altos y delgados en una generación y pequeños en otra. [ 150 ] Los retratos de celebridades eran muy solicitados, en particular los del mundo del kabuki y del sumo , dos de los entretenimientos más populares de la época. [ 151 ] Si bien el paisaje ha llegado a definir el ukiyo-e para muchos occidentales, los paisajes florecieron relativamente tarde en la historia del ukiyo-e. [ 74 ]

Estampado a color de dos mujeres japonesas elegantemente vestidas junto a un calefactor. El papel pintado y otros elementos presentan un relieve muy marcado.
Los retratos de bellezas eran un elemento fundamental del ukiyo-e. El papel pintado y otros elementos de este estampado de brocado presentan un relieve muy elaborado .
Nieve vespertina en el Nurioke , Harunobu , 1766

Las estampas ukiyo-e surgieron de la ilustración de libros; muchas de las primeras estampas de una sola página de Moronobu eran originalmente páginas de libros que él mismo había ilustrado. [ 12 ] Los libros de ilustraciones E-hon eran populares [ 152 ] y continuaron siendo una importante vía de expresión para los artistas ukiyo-e. En el período tardío, Hokusai produjo Cien vistas del monte Fuji en tres volúmenes y el Hokusai Manga en quince volúmenes , este último un compendio de más de 4000 bocetos de una amplia variedad de temas realistas y fantásticos. [ 153 ]

Las religiones tradicionales japonesas no consideran el sexo ni la pornografía una corrupción moral en el sentido de la mayoría de las religiones abrahámicas , [ 154 ] y hasta que los cambios morales de la era Meiji llevaron a su supresión, las estampas eróticas shunga fueron un género importante. [ 155 ] Si bien el régimen Tokugawa sometió a Japón a estrictas leyes de censura, la pornografía no se consideraba una ofensa importante y generalmente contaba con la aprobación de los censores. [ 62 ] Muchas de estas estampas exhibían un alto nivel de maestría en el dibujo, y a menudo humor, en sus representaciones explícitas de escenas de alcoba, voyeurs y anatomía sobredimensionada. [ 156 ] Al igual que las representaciones de cortesanas, estas imágenes estaban estrechamente ligadas a los entretenimientos de los barrios de placer. [ 157 ] Casi todos los maestros de ukiyo-e produjeron shunga en algún momento. [ 158 ] No existen registros de la aceptación social del shunga, aunque Timon Screech postula que casi con certeza hubo cierta preocupación al respecto, y que su nivel de aceptación ha sido exagerado por recopiladores posteriores, especialmente en Occidente. [ 157 ]

Las escenas de la naturaleza han sido una parte importante del arte asiático a lo largo de la historia. Los artistas han estudiado minuciosamente las formas y la anatomía correctas de plantas y animales, aunque las representaciones de la anatomía humana siguieron siendo más fantasiosas hasta la época moderna. Las estampas de la naturaleza ukiyo-e se denominan kachō-e , que se traduce como «imágenes de flores y pájaros», aunque el género abarcaba más que solo flores o pájaros, y estos no necesariamente aparecían juntos. [ 73 ] Se atribuye a las detalladas y precisas estampas de la naturaleza de Hokusai el establecimiento del kachō-e como género. [ 159 ]

Las reformas Tenpō de la década de 1840 suprimieron la representación de actores y cortesanas. Además de paisajes y kachō-e , los artistas recurrieron a representaciones de escenas históricas, como guerreros antiguos o escenas de leyendas, literatura y religión. El Cuento de Genji del siglo XI [ 160 ] y el Cuento de Heike del siglo XIII [ 161 ] han sido fuentes de inspiración artística a lo largo de la historia japonesa, [ 160 ] incluyendo el ukiyo-e. [ 160 ] Guerreros y espadachines conocidos como Miyamoto Musashi (1584-1645) fueron temas frecuentes, al igual que las representaciones de monstruos, lo sobrenatural y héroes de la mitología japonesa y china . [ 162 ]

Desde el siglo XVII hasta el XIX, Japón se aisló del resto del mundo. El comercio, principalmente con los holandeses y los chinos, se limitaba a la isla de Dejima , cerca de Nagasaki . Se vendían a los turistas imágenes extravagantes llamadas Nagasaki-e que representaban a los extranjeros y sus mercancías. [ 97 ] A mediados del siglo XIX, Yokohama se convirtió en el principal asentamiento extranjero después de 1859, desde donde el conocimiento occidental se extendió por Japón. [ 163 ] Especialmente entre 1858 y 1862, las estampas Yokohama-e documentaron, con diversos grados de veracidad y fantasía, la creciente comunidad de habitantes del mundo con quienes los japoneses entraban en contacto; [ 164 ] los trípticos de escenas de occidentales y su tecnología fueron particularmente populares. [ 165 ]

Entre las estampas especializadas se incluían los surimono , estampas de lujo de edición limitada dirigidas a conocedores, cuyo diseño solía incluir un poema kyōka de cinco versos ; [ 166 ] y los abanicos de mano impresos uchiwa-e , que a menudo se deterioran por haber sido manipulados. [ 12 ]

Producción

Pinturas

Los artistas de ukiyo-e a menudo realizaban tanto grabados como pinturas; algunos se especializaban en uno u otro. [ 167 ] A diferencia de las tradiciones anteriores, los pintores de ukiyo-e preferían colores brillantes y nítidos, [ 168 ] y a menudo delineaban los contornos con tinta sumi , un efecto similar al de las líneas en los grabados. [ 169 ] Sin las limitaciones técnicas de la impresión, el pintor disponía de una gama más amplia de técnicas, pigmentos y superficies. [ 170 ] Los artistas pintaban con pigmentos elaborados a partir de sustancias minerales u orgánicas, como cártamo , conchas molidas, plomo y cinabrio , [ 171 ] y posteriormente con tintes sintéticos importados de Occidente, como el verde de París y el azul de Prusia. [ 172 ] Los rollos colgantes kakemono de seda o papel , los rollos de mano makimono o los biombos plegables byōbu eran las superficies más comunes. [ 167 ]

Bloque de madera tallado para impresión
Bloque de teclas para imprimir, Utagawa Yoshiiku , 1862

Las estampas ukiyo-e eran obra de equipos de artesanos en varios talleres; [ 173 ] era raro que los diseñadores tallaran sus propios bloques de madera. [ 174 ] El trabajo se dividía en cuatro grupos: el editor, que encargaba, promocionaba y distribuía las estampas; los artistas, que proporcionaban la imagen del diseño; los talladores de madera, que preparaban los bloques de madera para la impresión; y los impresores, que hacían impresiones de los bloques de madera en papel. [ 175 ] Normalmente, solo se acreditaban los nombres del artista y del editor en la estampa terminada. [ 176 ]

Las estampas ukiyo-e se imprimían manualmente en papel hecho a mano [ 177 ] , en lugar de mediante prensa mecánica como en Occidente. [ 178 ] El artista proporcionaba un dibujo a tinta sobre papel fino, que se pegaba [ 179 ] a un bloque de madera de cerezo [ i ] y se frotaba con aceite hasta que se podían retirar las capas superiores del papel, dejando una capa translúcida que el grabador podía usar como guía. El grabador cortaba las áreas no negras de la imagen, dejando áreas en relieve que se entintaban para dejar una impresión. [ 173 ] El dibujo original se destruía en el proceso. [ 179 ]

Las impresiones se realizaban con los bloques boca arriba para que el impresor pudiera variar la presión y lograr diferentes efectos, y observar cómo el papel absorbía la tinta sumi a base de agua , [ 178 ] aplicada rápidamente con trazos horizontales uniformes. [ 182 ] Entre los trucos del impresor se encontraba el relieve de la imagen, que se conseguía presionando un bloque de madera sin tinta sobre el papel para lograr efectos como las texturas de los patrones de la ropa o las redes de pesca. [ 183 ] Otros efectos incluían el bruñido [ 184 ] frotar el papel con ágata para realzar los colores; [ 185 ] barnizado ; sobreimpresión ; espolvoreo con metal o mica ; y aerosoles para imitar la nieve que cae. [ 184 ]

La estampa ukiyo-e era una forma de arte comercial, y el editor desempeñó un papel importante. [ 186 ] La publicación era altamente competitiva; se conocen más de mil editores a lo largo del período. El número alcanzó su punto máximo en alrededor de 250 en las décadas de 1840 y 1850 [ 187 ] —200 solo en Edo [ 188 ] —y se redujo lentamente tras la apertura de Japón hasta que quedaron alrededor de 40 a principios del siglo XX. Los editores poseían los bloques de madera y los derechos de autor, y desde finales del siglo XVIII hicieron valer los derechos de autor [ 187 ] a través del Gremio de Editores de Libros Ilustrados y Grabados. [ j ] [ 189 ] [ 189 ] Los grabados que pasaron por varias prensas eran particularmente rentables, ya que el editor podía reutilizar los bloques de madera sin pagar más al artista o al grabador. Los bloques de madera también se intercambiaban o vendían a otros editores o casas de empeño. [ 190 ] Los editores solían ser también vendedores, y comúnmente vendían los productos de los demás en sus tiendas. [ 189 ] Además del sello del artista, los editores marcaban las láminas con sus propios sellos: algunos un simple logotipo, otros bastante elaborados, que incorporaban una dirección u otra información. [ 191 ]

Un sello editorial con forma de flor dentro de una montaña estilizada.
El sello del editor de Tsutaya Jūzaburō , que publicó Utamaro y Sharaku en la década de 1790.

Los diseñadores de grabados pasaban por un periodo de aprendizaje antes de obtener el derecho a producir sus propios grabados y firmarlos con sus nombres. [ 192 ] Se esperaba que los jóvenes diseñadores cubrieran parte o la totalidad de los costos de la talla de los bloques de madera. A medida que los artistas ganaban fama, los editores solían cubrir estos costos y los artistas podían exigir honorarios más altos. [ 193 ]

En el Japón premoderno, las personas podían usar numerosos nombres a lo largo de su vida; su nombre personal infantil (yōmyō) era diferente de su nombre artístico ( zokumyō) en la edad adulta. El nombre de un artista constaba de un gasei —un apellido artístico— seguido de un azana, un nombre artístico personal. El gasei se tomaba con mayor frecuencia de la escuela a la que pertenecía el artista, como Utagawa o Torii, [ 194 ] y el azana normalmente tomaba un carácter chino del nombre artístico del maestro; por ejemplo, muchos estudiantes de Toyokuni (豊国) tomaron el "kuni" (国) de su nombre, incluidos Kunisada (国貞) y Kuniyoshi (国芳). [ 192 ] Los nombres que los artistas firmaban en sus obras pueden ser fuente de confusión, ya que a veces cambiaban de nombre a lo largo de sus carreras; [ 195 ] Hokusai fue un caso extremo, ya que usó más de cien nombres a lo largo de sus 70 años de carrera. [ 196 ]

Las estampas se comercializaban masivamente, [ 186 ] y a mediados del siglo XIX, la tirada total de una estampa podía llegar a miles. [ 197 ] Los minoristas y vendedores ambulantes las promocionaban a precios asequibles para los habitantes prósperos de las ciudades. [ 198 ] En algunos casos, las estampas anunciaban diseños de kimonos del artista. [ 186 ] Desde la segunda mitad del siglo XVII, las estampas se comercializaban frecuentemente como parte de una serie, [ 191 ] cada estampa estampada con el nombre de la serie y el número de la estampa dentro de esa serie. [ 199 ] Esta resultó ser una técnica de marketing exitosa, ya que los coleccionistas compraban cada nueva estampa de la serie para mantener completas sus colecciones. [ 191 ] Para el siglo XIX, series como las Cincuenta y tres estaciones del Tōkaidō de Hiroshige llegaban a tener docenas de estampas. [ 199 ]

Producción de impresión en color

Aunque la impresión en color en Japón data de la década de 1640, las primeras estampas ukiyo-e utilizaban únicamente tinta negra. A veces se añadía color a mano, utilizando tinta de minio en las estampas tan-e , o más tarde tinta de cártamo rosa en las estampas beni-e . La impresión en color llegó a los libros en la década de 1720 y a las estampas de una sola hoja en la década de 1740, con un bloque y una técnica de impresión diferentes para cada color. Los primeros colores se limitaban al rosa y al verde; las técnicas se ampliaron durante las dos décadas siguientes para permitir hasta cinco colores. [ 173 ] A mediados de la década de 1760 surgieron las estampas nishiki-e a todo color [ 173 ] hechas con diez o más bloques de madera. [ 201 ] Para mantener los bloques de cada color correctamente alineados, se colocaban marcas de registro llamadas kentō en una esquina y en un lado adyacente. [ 173 ]

Foto de un plato de polvo azul oscuro
El azul de Prusia fue un tinte sintético muy utilizado en el siglo XIX.

Los impresores utilizaron inicialmente tintes naturales elaborados a partir de fuentes minerales o vegetales. Estos tintes poseían una cualidad translúcida que permitía mezclar una variedad de colores a partir de pigmentos primarios rojos, azules y amarillos. [ 202 ] En el siglo XVIII, el azul de Prusia se popularizó y fue particularmente prominente en los paisajes de Hokusai y Hiroshige, [ 202 ] al igual que el bokashi , donde el impresor producía gradaciones de color o mezclaba un color con otro. [ 203 ] En 1864 llegaron de Occidente tintes de anilina sintéticos, más baratos y consistentes. Los colores eran más intensos y brillantes que los pigmentos tradicionales. El gobierno Meiji promovió su uso como parte de políticas más amplias de occidentalización. [ 204 ]

Crítica e historiografía

Los registros contemporáneos de artistas de ukiyo-e son escasos. El más significativo es el Ukiyo-e Ruikō ( "Diversas reflexiones sobre el ukiyo-e" ), una colección de comentarios y biografías de artistas. Ōta Nanpo compiló la primera versión, que ya no existe, alrededor de 1790. La obra no se imprimió durante la era Edo, pero circuló en ediciones copiadas a mano que fueron objeto de numerosas adiciones y alteraciones; [ 205 ] se conocen más de 120 variantes del Ukiyo-e Ruikō . [ 206 ]

Antes de la Segunda Guerra Mundial, la visión predominante del ukiyo-e enfatizaba la importancia de los grabados; esta perspectiva atribuye la fundación del ukiyo-e a Moronobu. Tras la guerra, el pensamiento se centró en la importancia de la pintura ukiyo-e y en establecer conexiones directas con las pinturas Yamato-e del siglo XVII ; esta visión considera a Matabei como el creador del género y es especialmente popular en Japón. Esta perspectiva se había generalizado entre los investigadores japoneses en la década de 1930, pero el gobierno militarista de la época la reprimió, con el fin de enfatizar la división entre las pinturas en rollo Yamato-e asociadas a la corte y los grabados asociados a la clase mercantil, a veces antiautoritaria. [ 19 ]

El erudito estadounidense de arte japonés Ernest Fenollosa fue el primero en completar una historia crítica exhaustiva del ukiyo-e.

Las primeras obras históricas y críticas exhaustivas sobre ukiyo-e procedían de Occidente. Ernest Fenollosa fue profesor de filosofía en la Universidad Imperial de Tokio desde 1878 y comisionado de Bellas Artes del gobierno japonés desde 1886. Su obra Maestros del Ukioye de 1896 fue la primera visión general exhaustiva y sentó las bases para la mayoría de las obras posteriores con un enfoque de la historia en términos de épocas: comenzando con Matabei en una era primitiva, evolucionó hacia una edad de oro de finales del siglo XVIII que comenzó a declinar con la llegada de Utamaro y tuvo un breve resurgimiento con los paisajes de Hokusai y Hiroshige en la década de 1830. [ 207 ] Laurence Binyon , conservador de grabados y dibujos orientales del Museo Británico, escribió un relato en Pintura en el Lejano Oriente en 1908 que era similar al de Fenollosa, pero situó a Utamaro y Sharaku entre los maestros. Arthur Davison Ficke se basó en los trabajos de Fenollosa y Binyon con una obra más completa, Chats on Japanese Prints, en 1915. [ 208 ] La obra de James A. Michener , The Floating World, en 1954, siguió en líneas generales las cronologías de las obras anteriores, pero omitió las clasificaciones por períodos y reconoció a los artistas anteriores no como primitivos, sino como maestros consumados que emergieron de tradiciones pictóricas anteriores. [ 209 ] Para Michener y su colaborador ocasional Richard Lane , el ukiyo-e comenzó con Moronobu en lugar de Matabei. [ 210 ] La obra de Lane, Masters of the Japanese Print, de 1962, mantuvo el enfoque de las divisiones por períodos, al tiempo que situó al ukiyo-e firmemente dentro de la genealogía del arte japonés. El libro reconoce a artistas como Yoshitoshi y Kiyochika como maestros tardíos. [ 211 ]

La obra de Seiichirō Takahashi , *Tallos tradicionales en madera de Japón*, publicada en 1964, clasificó a los artistas de ukiyo-e en tres periodos: el primero, un periodo primitivo que incluía a Harunobu; el segundo, una época dorada de Kiyonaga, Utamaro y Sharaku; y el tercero, un periodo final de decadencia tras la promulgación, a partir de la década de 1790, de estrictas leyes suntuarias que regulaban el contenido artístico. No obstante, el libro reconoce a un mayor número de maestros de este último periodo que las obras anteriores, [ 212 ] y considera la pintura ukiyo-e como un renacimiento de la pintura Yamato-e . [ 17 ] Tadashi Kobayashi perfeccionó aún más el análisis de Takahashi al identificar la decadencia como una coincidencia con los desesperados intentos del shogunato por aferrarse al poder mediante la promulgación de leyes draconianas, mientras su dominio sobre el país se desmoronaba, culminando en la Restauración Meiji en 1868. [ 213 ]

Los estudios sobre el ukiyo-e se han centrado principalmente en la catalogación de artistas, un enfoque que carece del rigor y la originalidad que se han aplicado al análisis artístico en otras áreas. Si bien existen numerosos catálogos de este tipo, tienden a concentrarse mayoritariamente en un grupo de genios reconocidos. Se ha aportado poca investigación original a las primeras evaluaciones fundamentales del ukiyo-e y sus artistas, especialmente en lo que respecta a artistas relativamente menos conocidos. [ 214 ] Aunque siempre se ha reconocido la naturaleza comercial del ukiyo-e, la evaluación de los artistas y sus obras se ha basado en las preferencias estéticas de los expertos y ha prestado poca atención al éxito comercial contemporáneo. [ 215 ]

Los criterios para la inclusión en el canon del ukiyo-e evolucionaron rápidamente en la literatura temprana. Utamaro fue particularmente controvertido, visto por Fenollosa y otros como un símbolo degenerado del declive del ukiyo-e; desde entonces, Utamaro ha sido reconocido como uno de los más grandes maestros de la forma. Artistas del siglo XIX como Yoshitoshi fueron ignorados o marginados, atrayendo la atención académica solo hacia finales del siglo XX. [ 216 ] Las obras sobre artistas de la última etapa de Utagawa, como Kunisada y Kuniyoshi, han revivido parte del aprecio contemporáneo que estos artistas disfrutaron. Muchas obras tardías examinan las condiciones sociales u otras que subyacen al arte, y no se preocupan por valoraciones que lo sitúen en un período de decadencia. [ 217 ]

Novelist Jun'ichirō Tanizaki was critical of the superior attitude of Westerners who claimed a higher aestheticism in purporting to have discovered ukiyo-e. He maintained that ukiyo-e was merely the easiest form of Japanese art to understand from the perspective of Westerners' values, and that Japanese of all social strata enjoyed ukiyo-e, but that Confucian morals of the time kept them from freely discussing it, social mores that were violated by the West's flaunting of the discovery.[218]

Tira cómica en blanco y negro en japonés
Manga histories often find an ancestor in the Hokusai Manga.
Rakuten Kitazawa, Tagosaku to Mokube no Tōkyō Kenbutsu,[k] 1902

Since the dawn of the 20th century historians of manga—Japanese comics and cartooning—have developed narratives connecting the art form to pre-20th century Japanese art. Particular emphasis falls on the Hokusai Manga as a precursor, though Hokusai's book is not narrative, nor does the term "manga" originate with Hokusai.[219] In English and other languages, the word "manga" is used in the restrictive sense of "Japanese comics" or "Japanese-style comics",[220] while in Japanese it indicates all forms of comics, cartooning,[221] and caricature.[222]

Collection and preservation

The ruling classes strictly limited the space permitted for the homes of the social classes below them; the relatively small size of ukiyo-e works was ideal for hanging in these homes.[223] Little record of the patrons of ukiyo-e paintings has survived. They sold for considerably higher prices than prints—up to many thousands of times more, and thus must have been purchased by the wealthy, likely merchants and perhaps some from the samurai class.[10] Late-era prints are the most numerous extant examples, as they were produced in the greatest quantities in the 19th century, and the older a print is the less chance it had of surviving.[224] Ukiyo-e was largely associated with Edo, and visitors to Edo often bought what they called azuma-e[l] as souvenirs. Shops that sold them might specialize in products such as hand-held fans, or offer a diverse selection.[189]

The ukiyo-e print market was highly diversified as it sold to a heterogeneous public, from dayworkers to wealthy merchants.[225] Little concrete information is known about production and consumption habits. Detailed records in Edo were kept of a wide variety of courtesans, actors, and sumo wrestlers, but no such records pertaining to ukiyo-e remain—or perhaps ever existed. Determining what is understood about the demographics of ukiyo-e consumption has required indirect means.[226]

Determining at what prices prints sold is a challenge for experts, as records of hard figures are scanty and there was great variety in the production quality, size,[227] supply and demand,[228] and methods, which went through changes such as the introduction of full-colour printing.[229] How expensive prices can be considered is also difficult to determine as social and economic conditions were in flux throughout the period.[230] In the 19th century, records survive of prints selling from as low as 16 mon[231] to 100 mon for deluxe editions.[232] Jun'ichi Ōkubo suggests that prices in the 1920s and 1930s of mon were likely common for standard prints.[233] As a loose comparison, a bowl of soba noodles in the early 19th century typically sold for 16 mon.[234]

Ilustración impresa a color de una mujer japonesa en cuclillas. La imagen combina dos fotografías de la misma figura. El lado derecho de la fotografía está descolorido.
Ukiyo-e prints are sensitive to light. The left half shows this print in 1989, the right shows the same print after being on display until 2001.
Utagawa Yoshitaki, 19th century

The dyes in ukiyo-e prints are susceptible to fading when exposed even to low levels of light; this makes long-term display undesirable. The paper they are printed on deteriorates when it comes in contact with acidic materials, so storage boxes, folders, and mounts must be of neutral pH or alkaline. Prints should be regularly inspected for problems needing treatment, and stored at a relative humidity of 70% or less to prevent fungal discolourations.[235]

The paper and pigments in ukiyo-e paintings are sensitive to light and seasonal changes in humidity. Mounts must be flexible, as the sheets can tear under sharp changes in humidity. In the Edo era, the sheets were mounted on long-fibred paper and preserved scrolled up in plain paulownia wood boxes placed in another lacquer wooden box.[236] In museum settings, display times are heavily limited to prevent deterioration from exposure to light and environmental pollution, and care is taken in the unrolling and rerolling of scrolls, with scrolling causing concavities in the paper, and the unrolling and rerolling of the scrolls causing creasing.[237] The humidity levels that scrolls are kept in are generally between 50 percent and 60 percent, as scrolls kept in too dry an atmosphere become brittle.[238]

Because ukiyo-e prints were mass-produced, collecting them presents considerations different from the collecting of paintings. There is wide variation in the condition, rarity, cost, and quality of extant prints. Prints may have stains, foxing, wormholes, tears, creases, or dogmarks, the colours may have faded, or they may have been retouched. Carvers may have altered the colours or composition of prints that went through multiple editions. When cut after printing, the paper may have been trimmed within the margin.[239] Values of prints depend on a variety of factors, including the artist's reputation, print condition, rarity, and whether it is an original pressing—even high-quality later printings will fetch a fraction of the valuation of an original.[240]

Ukiyo-e prints often went through multiple editions, sometimes with changes made to the blocks in later editions. Editions made from recut woodblocks also circulate, such as legitimate later reproductions, as well as pirate editions and other fakes.[241] Takamizawa Enji (1870–1927), a producer of ukiyo-e reproductions, developed a method of recutting woodblocks to print fresh colour on faded originals, over which he used tobacco ash to make the fresh ink seem aged. These refreshed prints he resold as original printings.[242] Amongst the defrauded collectors was American architect Frank Lloyd Wright, who brought 1500 Takamizawa prints with him from Japan to the US, some of which he had sold before the truth was discovered.[243]

Ukiyo-e artists are referred to in the Japanese style, the surname preceding the personal name, and well-known artists such as Utamaro and Hokusai by personal name alone.[244] Dealers normally refer to ukiyo-e prints by the names of the standard sizes, most commonly the 34.5-by-22.5-centimetre (13.6 in × 8.9 in)aiban, the 22.5-by-19-centimetre (8.9 in × 7.5 in)chūban, and the 38-by-23-centimetre (15.0 in × 9.1 in)ōban[203]—precise sizes vary, and paper was often trimmed after printing.[245]

Fotografía de un edificio modernista
The Japan Ukiyo-e Museum

Many of the largest high-quality collections of ukiyo-e lie outside Japan.[246] Examples entered the collection of the National Library of France in the first half of the 19th century. The British Museum began a collection in 1860[247] that by the late 20th century numbered 70000 items.[248] The largest, surpassing 100000 items, resides in the Museum of Fine Arts, Boston,[246] begun when Ernest Fenollosa donated his collection in 1912.[249] The first exhibition in Japan of ukiyo-e prints was likely one presented by Kōjirō Matsukata in 1925, who amassed his collection in Paris during World War I and later donated it to the National Museum of Modern Art, Tokyo.[250] The largest collection of ukiyo-e in Japan is the 100000 pieces in the Japan Ukiyo-e Museum in the city of Matsumoto.[251]

See also

Notes

  1. ↑The obsolete transliteration "ukiyo-ye" appears in older texts.
  2. ↑Many of these type pieces were repeat characters; as certain characters were used multiple times on the same page, multiples of these characters needed to be available to the printer.
  3. ↑tan (丹): a pigment made from red lead mixed with sulphur and saltpetre[32]
  4. ↑beni (紅): a pigment produced from safflower petals.[34]
  5. ↑Torii Kiyotada is said to have made the first uki-e;[36] Masanobu advertised himself as its innovator.[37]
    A Layman's Explanation of the Rules of Drawing with a Compass and Ruler introduced Western-style geometrical perspective drawing to Japan in the 1734, based on a Dutch text of 1644 (see Rangaku, "Dutch learning" during the Edo period); Chinese texts on the subject also appeared during the decade.[36]
    Okumura likely learned about geometrical perspective from Chinese sources, some of which bear a striking resemblance to Okumura's works.[38]
  6. ↑Until 1873 the Japanese calendar was lunisolar, and each year the Japanese New Year fell on different days of the Gregorian calendar's January or February.
  7. ↑Burty coined the term le Japonisme in French in 1872.[103]
  8. ↑jatai shisei (蛇体姿勢, "serpentine posture")
  9. ↑Traditional Japanese woodblocks were cut along the grain, as opposed to the blocks of Western wood engraving, which were cut across the grain. In both methods, the dimensions of the woodblock was limited by the girth of the tree.[180] In the 20th century, plywood became the material of choice for Japanese woodcarvers, as it is cheaper, easier to carve, and less limited in size.[181]
  10. ↑Jihon Toiya (地本問屋, "Picture Book and Print Publishers Guild")[189]
  11. ↑Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu (田吾作と杢兵衛の東京見物, Tagosaku and Mokube Sightseeing in Tokyo)
  12. ↑azuma-e (東絵, "pictures of the Eastern capital")

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