Betye Saar

Saar comenzó su vida adulta como trabajadora social y posteriormente se dedicó a su pasión por el arte. ^{[ 9 ]} Inició sus estudios de posgrado en 1958, con la intención inicial de dedicarse a la enseñanza del diseño. Sin embargo, una clase de grabado que cursó como optativa cambió el rumbo de sus intereses artísticos. Describió el grabado como su «transición del diseño a las bellas artes». ^{[ 10 ]}

En sus primeros trabajos, Saar recopiló imágenes racistas y continuó haciéndolo a lo largo de su carrera. ^{[ 11 ]} Se inspiró para crear ensamblajes en una exposición de 1967 del escultor de objetos encontrados, Joseph Cornell . ^{[ 12 ]} También recibió una gran influencia de las Torres Watts de Simon Rodia , cuya construcción presenció durante su infancia. Saar dijo que estaba «fascinada por los materiales que usaba Simon Rodia : platos rotos, conchas marinas, herramientas oxidadas, incluso mazorcas de maíz, todo prensado en cemento para crear agujas. Para mí, eran mágicos». ^{[ 13 ]}

En entrevistas de historia oral, Saar recordó más tarde haber visto una gran cantidad de arte africano, oceánico y egipcio durante una visita al Museo Field de Chicago, lo que calificó como «un paso importante en mi desarrollo como artista... Tenían salas y salas llenas de arte. Nunca había visto tanto». La túnica de un jefe africano le resultó especialmente significativa. ^{[ 14 ]}

Comenzó a crear obras que consistían en objetos encontrados dispuestos dentro de cajas o ventanas, con elementos que se inspiraban en diversas culturas para reflejar su propia ascendencia mixta: afroamericana , irlandesa y nativa americana . ^{[ 15 ]}

Saar fue criada por su tía Hattie, quien influyó en su identidad como mujer negra. Saar describió a su tía abuela como una mujer con dignidad y aplomo, lo que impactó su representación del cuerpo femenino negro. ^{[ 16 ]} Este impacto es evidente en una obra que Saar dedicó a su tía abuela titulada Record For Hattie , ^{[ 17 ]} 1972. El rechazo de Saar al feminismo blanco inicialmente impulsó su enfoque artístico hacia el hombre negro, pero en la década de 1970 cambió su enfoque hacia el cuerpo femenino negro. Record For Hattie es un ensamblaje de técnica mixta hecho a partir de un antiguo joyero. Dentro de la parte superior del joyero hay un marco de fotos roto que contiene una foto descolorida de una mujer, que representa a su tía Hattie. Alrededor del marco de fotos hay materiales de rosas cosidos junto con una estrella roja y blanca y un colgante de luna creciente. En la parte inferior del joyero hay una cruz de metal en el lado derecho, una cartera de cuero rojo en el medio, en la parte superior hay una imagen de un niño, y en el lado izquierdo hay materiales de costura. ^{[ 18 ]}

Durante la década de 1970, Saar respondió al racismo, la fetichización y la erotización del cuerpo femenino negro al reivindicarlo. La obra de Saar resistió el estilo artístico del primitivismo, así como el movimiento feminista blanco que se negaba a abordar los problemas de raza. La obra de Saar es el resultado de la convergencia del poder negro , la espiritualidad y el misticismo, la astrología y el feminismo, como se ve en Black Girl's Window , 1969. ^{[ 18 ] [ 19 ]} Black Girl's Window es una pieza de ensamblaje hecha a partir de una ventana antigua, en la que la silueta pintada de una niña presiona su rostro y manos contra el cristal. Sobre su cabeza hay nueve paneles de ventana más pequeños dispuestos de tres en tres, que muestran varios símbolos e imágenes, incluyendo lunas y estrellas, un lobo aullando, un esqueleto esbozado, un águila con la palabra "amor" en su pecho y una mujer en placa de hojalata .

En la década de 1960, Saar comenzó a coleccionar imágenes de la tía Jemima , el tío Tom , el pequeño Sambo negro y otras figuras afroamericanas estereotipadas de la cultura popular y la publicidad de la era de Jim Crow . Las incorporó a collages y ensamblajes, transformándolas en declaraciones de protesta política y social. ^{[ 3 ]} La liberación de la tía Jemima es una de sus obras más notables de esta época. En este ensamblaje de técnica mixta, Saar utilizó la figura estereotípica de la niñera , la tía Jemima, para subvertir las nociones tradicionales de raza y género. ^{[ 20 ]} "Es como si hubieran abolido la esclavitud, pero mantuvieran a las personas negras en la cocina como frascos de niñera", dice Saar sobre lo que la impulsó a crear la pieza. "Tenía esta tía Jemima y quería ponerle un rifle y una granada debajo de la falda. Quería empoderarla. Quería convertirla en una guerrera. Quería que la gente supiera que las personas negras no serían esclavizadas por eso". ^{[ 6 ]}

El ensamblaje de Saar se encuentra dentro de un marco del tamaño de una caja de zapatos, cubierto de anuncios de Aunt Jemima. Una escultura caricaturizada de Aunt Jemima presenta un bloc de notas con una fotografía de una Mammy con un bebé blanco. La escultura de Aunt Jemima sostiene una escoba y un rifle, subvirtiendo su estereotipo de sirvienta y cuidadora feliz mediante un alter ego militante que exige su propia autonomía y poder. Un puño grande y cerrado, que evoca el símbolo del Poder Negro, está pegado sobre la fotografía de Mammy y la oculta parcialmente, reconociendo los medios agresivos y radicales utilizados por los activistas afroamericanos en la década de 1970 para luchar por sus derechos. Aunt Jemima se libera a través de la transformación de una caricatura doméstica racista en una imagen del Poder Negro. ^{[ 21 ]}

Aunque Saar se considera feminista, evita referirse a su obra como tal. En cambio, prefiere enfatizar los elementos de interculturalidad y espiritualidad presentes en sus piezas. A principios de la década de 1970, Saar sufrió racismo en el contexto del movimiento artístico feminista blanco. Estas experiencias la llevaron a interesarse en promover una conciencia negra distinta de la política del poder negro de la época. Las representaciones autobiográficas de la feminidad negra que realiza Saar no son eróticas ni representan el cuerpo de manera explícita; por lo tanto, ejemplifican una resistencia a la representación del cuerpo negro. Esta resistencia sugiere su rechazo al feminismo blanco y a la "estética femenina" determinada por las feministas blancas y basada en la sexualidad femenina. ^{[ 18 ]}

Saar fue apoyada como artista residente en Adelaida , Australia Meridional, por el Movimiento de Arte Femenino de allí en los años 1970 o 1980. ^{[ 22 ]}

El hábito de Saar de recorrer mercadillos y ventas de garaje durante toda su vida profundizó su exposición a los numerosos estereotipos raciales y representaciones denigrantes de personas negras que se encuentran entre los objetos de la cultura comercial y de consumo estadounidense, como anuncios, material publicitario, baratijas, partituras y juguetes. Tres años después, produjo una serie de más de veinte piezas que, en sus propias palabras, "destrozaron el mito" de tales imágenes, comenzando con su retrato fundamental de la tía Jemima. En la década de 1970, Saar pasó a explorar objetos rituales y tribales de África, así como elementos de las tradiciones folclóricas afroamericanas. ^{[ 23 ]} En ensamblajes en cajas, combinó fetiches tribales chamánicos con imágenes y objetos destinados a evocar lo mágico y lo místico. Cuando su tía abuela murió en 1974, Saar adquirió recuerdos familiares y creó una serie de ensamblajes más personales e íntimos que incorporaban recuerdos nostálgicos de la vida de su tía abuela. Dispuso fotografías antiguas, cartas, relicarios, flores secas y pañuelos en cajas a modo de santuarios para evocar la memoria, la pérdida y el paso del tiempo. Esto se convirtió en un conjunto de obras que ella denominó su "serie nostálgica".

En 1977, Saar creó una obra titulada Spirit Catcher . Si bien se inspiró en un objeto artesanal tradicional utilizado en rituales y tiene la apariencia de este, fue inventada personalmente por ella. Afirma que, aunque el objeto no es de origen auténtico, posee cualidades mágicas. En la parte superior de la obra hay un espejo que podría interpretarse como un amuleto contra el mal de ojo y el racismo. Saar ocasionalmente utilizaba materiales orgánicos en su trabajo, como bambú, calaveras, rafia y ratán, y algunos de estos materiales se pueden apreciar en Spirit Catcher. Esta obra de ensamblaje llevó a muchos artistas de color radicados en Los Ángeles a ver en la paja y las cuentas una forma de explorar una concepción orgánica e incluso misteriosa de la negritud. Saar y esta obra en particular también fueron el tema de un breve documental televisivo titulado Spirit Catcher—The Art of Betye Saar , que se emitió en 1978. ^{[ 24 ]}

A principios de la década de 1980, Saar impartió clases en Los Ángeles, en la UCLA y en el Otis Art Institute . En su propia obra, abordó una escala mayor, del tamaño de una habitación, y creó instalaciones específicas para cada lugar. Estas incluían santuarios con forma de altar que exploraban la relación entre tecnología y espiritualidad, e incorporaban su interés por el misticismo y el vudú . Mediante la combinación de chips informáticos con amuletos y talismanes místicos, estas construcciones monumentales sugerían la necesidad de una alianza entre ambos sistemas de conocimiento: el técnico y el espiritual.

Saar continúa viviendo y trabajando en Los Ángeles, dedicándose principalmente a la escultura con objetos encontrados. Ha recibido doctorados honoris causa del California College of Arts and Crafts , el California Institute of the Arts , el Massachusetts College of Art , el Otis College of Art and Design y el San Francisco Art Institute .

A partir de 2016, celebró su trabajo con un par de fiestas y una exposición individual de obra nueva en la galería Roberts and Tilton (ahora Roberts Projects ). ^{[ 25 ]}

La obra de Saar se incluyó en la exposición de 2025 Fotografía y el Movimiento de las Artes Negras , 1955–1985 en la Galería Nacional de Arte . ^{[ 26 ]}

La liberación de la tía Jemima

La obra de arte de Saar de 1972, La liberación de la tía Jemima,  se inspiró en un objeto decorativo que encontró de la tía Jemima ^{[ 27 ]} , aunque parece una pintura, es un ensamblaje tridimensional de técnica mixta de 11 3/4" x 8" x 3/4". ^{[ 28 ]} La revista Blacks in Higher Education afirma que "su pintura ofrecía una historia detallada de la experiencia negra en Estados Unidos". ^{[ 29 ]} Saar muestra a la tía Jemima exagerada en todos los sentidos por estereotipos. Lleva un vestido grande y exagerado de colores con un tocado brillante a cuadros. Su piel se representa como realmente negra; sus ojos son grandes y saltones. Sus labios son grandes y resaltados con color rojo. Ella dibuja el estereotipo de ser negra. La figura sostiene una escoba en una mano, mostrando que solo servían para limpiar, y está de pie sobre algodón que representa la esclavitud. El Woman's Art Journal afirma: "Artistas afroamericanos tan diversos como Betye Saar recuperan y explorar su identidad. 'No lo suficientemente bueno' y 'Pero lo suficientemente bueno para servir'". ^{[ 30 ]} Mientras que la pieza muestra a la tía Jemima sosteniendo una herramienta de limpieza en su mano derecha, también la muestra sosteniendo un rifle en su izquierda. Esto permite a Saar establecer una conexión visual entre la tía Jemima y el concepto de resistencia. Al hacerlo, la tía Jemima es representada como una figura poderosa que exige la atención y el respeto de los espectadores. ^{[ 31 ]} Angela Davis ha dicho que la obra lanzó el movimiento de mujeres negras. ^{[ 32 ]}

En su artículo de 2016, «Influencias», para la revista Frieze , Saar explica directamente algunas de sus decisiones artísticas en la obra: «Encontré una pequeña figura de la tía Jemima, una caricatura de una esclava negra, como las que luego se usaron para anunciar panqueques. Tenía una escoba en una mano y, en la otra, le puse un rifle. Delante de ella, coloqué una pequeña postal de una niñera con un niño mulato, que es otra forma en que las mujeres negras fueron explotadas durante la esclavitud. Usé la imagen despectiva para empoderar a la mujer negra, convirtiéndola en una revolucionaria, como si se rebelara contra su esclavitud pasada». ^{[ 33 ]}

En el libro Parodias [sic] de la propiedad , Richard Schur afirma: "Saar empleó la imagen de la tía Jemima para promover el nacionalismo cultural durante las décadas de 1960 y 1970 [...] [ella] buscó corregir la injusticia cometida por más de cien años de publicidad estereotipada y representa a la tía Jemima en poses enojadas, desafiantes y/o rebeldes". ^{[ 34 ]} En la obra, que originalmente se inspiró en el asesinato del Dr. Martin Luther King Jr., ^{[ 11 ]} quería promover el apoyo a la independencia política y romper los estereotipos utilizados para describir a las mujeres negras.

En "The Women's Art Journal Betye Saar: Extending the Frozen Monument", James Cristen Steward afirma: "Con el telón de fondo de un envase de panqueques, aparece una 'Mammy' sonriente con los ojos saltones, una escoba en una mano y un rifle en la otra. En primer plano, otra caricatura antigua de una Mammy alegre, casi coqueta, con un brazo sosteniendo a un niño blanco dispuesto contra su cintura de reloj de arena con corsé [sic] simplemente deja que las imágenes despectivas hablen por sí mismas". ^{[ 30 ]} La escoba simboliza la domesticidad impuesta a las mujeres negras para ocupar trabajos de servicio, confinándolas a lugares específicos. La perspectiva de las personas blancas sobre las mujeres negras era que solo servían para servir a los demás. Ella retrata a través de su arte las dos representaciones de las mujeres negras y cómo los estereotipos las retratan desfeminizándolas y desexualizándolas de la realidad. La intención de Saar al incluir el estereotipo de la mammy sosteniendo un rifle era simbolizar que las mujeres negras son fuertes y pueden soportar cualquier cosa, representar a una guerrera. ^{[ 27 ]} Saar ha declarado que "el razonamiento detrás de esta decisión es empoderar a las mujeres negras y no dejar que la narrativa de una persona blanca determine cómo una mujer negra debe verse a sí misma". ^{[ 35 ]}

A finales de la década de 1990, Saar era un crítico reconocido y vocal de la obra de la artista Kara Walker . Walker creó obras de arte que, según algunos estudiosos, exhibían "la dimensión psicológica de los estereotipos y la obscenidad del inconsciente racial estadounidense". ^{[ 39 ]} Entre las obras controvertidas de Walker se encontraban Gone, An Historical Romance of a Civil War as it Occurred Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart (1994) y The End of Uncle Tom and Grand Allegorical Tableau of Eva in Heaven (1995). ^{[ 40 ]} Según sus partidarios, las impactantes imágenes desafiaban las representaciones racistas y estereotipadas de los afroamericanos al ofrecer crudas imágenes de su degradación. ^{[ 41 ]}

Otros críticos, como Saar y Howardena Pindell , discreparon del enfoque de Walker y creyeron que la artista estaba reforzando el racismo y los estereotipos racistas sobre la vida de los afroamericanos. En una entrevista con NPR Radio, Saar declaró: «...la obra de Kara Walker era una especie de repulsión negativa y una forma de traición a los esclavos, en particular a las mujeres y los niños, y que básicamente era para el entretenimiento y la inversión del establishment artístico blanco». La diferencia de edad entre Saar y sus contemporáneos y Walker puede explicar las reacciones de los críticos mayores ante la obra de Walker. ^{[ 41 ]} Cuando Walker recibió el Premio Genius de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur en 1997, Saar escribió cartas a personas de la industria del arte, protestando por el premio y preguntando: «¿Se está traicionando a los afroamericanos bajo el pretexto del arte?». ^{[ 42 ]}