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Transición de película

Un paquete de edición de vídeo Una transición cinematográfica es una técnica utilizada en la postproducción de cine y vídeo para combinar escenas o planos . Generalmente, se rea...

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Un paquete de edición de vídeo

Una transición cinematográfica es una técnica utilizada en la postproducción de cine y vídeo para combinar escenas o planos . Generalmente, se realiza mediante un corte normal al siguiente plano. La mayoría de las películas también incluyen el uso selectivo de otras transiciones, normalmente para transmitir un tono o estado de ánimo, sugerir el paso del tiempo o separar partes de la historia. Estas transiciones pueden incluir disoluciones , cortes en L , fundidos (normalmente a negro), cortes de coincidencia y barridos .

transiciones de tomas

Un montador de cine trabajando en 1946.

Hoy en día, todas las películas, ya sean de acción real, generadas por ordenador o de animación tradicional dibujada a mano, se componen de cientos de planos individuales que se unen durante el montaje para formar la película que ve el público . La transición de planos es la forma en que se unen dos de estos planos individuales. [ 1 ]

Cesura

Principalmente un término literario que denota una pausa rítmica y una interrupción en un verso. En poesía, la cesura se utiliza para diversificar el ritmo y, por lo tanto, enriquecer el verso acentual. [ 2 ]

Algunas aplicaciones

El término cobró importancia en el arte cinematográfico gracias a los experimentos de montaje de Sergei Eisenstein . Al aplicar su concepto de montaje como la "colisión de planos", Eisenstein solía incluir cesuras —pausas rítmicas— en sus películas. Los actos de El acorazado Potemkin (1925) están separados por cesuras que proporcionan un contraste rítmico con la acción precedente. La intensa y frenética acción del motín, por ejemplo, va seguida del lírico viaje de un bote salvavidas hacia la orilla. Las tres secuencias musicales de Burt Bacharach en Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969) proporcionan cesuras contrastantes que separan las principales acciones de la película. Varias secuencias de acción intensas en Master and Commander (2003), incluyendo una furiosa tormenta marina y escenas de lucha, van seguidas de cesuras: interludios tranquilos y escénicos que a menudo van acompañados de música melódica de violonchelo. [ 2 ]

Continuidad

La continuidad se refiere al desarrollo y la estructuración de segmentos e ideas cinematográficas para que el significado deseado sea claro, y a las transiciones empleadas para conectar las partes de la película. En un sentido más específico, "continuidad" se refiere a la correspondencia de elementos escénicos individuales de una toma a otra, de modo que los detalles y las acciones, filmados en diferentes momentos, se editen sin errores. Este proceso se conoce como "edición de continuidad". Para mantener la continuidad dentro de las secuencias, el editor suele cortar en la acción de los personajes para que la escena fluya sin cortes bruscos (véase más abajo). Las interrupciones en el flujo de la acción se pueden evitar mediante transiciones y planos de detalle (véase más abajo). La música y el sonido se utilizan a menudo para proporcionar una sensación de continuidad a una escena o secuencia que puede contener una variedad de tomas inconexas tomadas en diferentes lugares. Por ejemplo, en Rocky (1976), la canción "Getting High" sirvió como recurso de continuidad durante la secuencia altamente fragmentaria que muestra a Rocky en los diversos preparativos de entrenamiento para su pelea por el título. La canción conectó las numerosas tomas breves de modo que aparecieron como una sola unidad completa dentro de la película. [ 3 ]

Cortar

El corte es el tipo de transición más básico y común. En un corte, una imagen en la pantalla es reemplazada instantáneamente por otra, a menudo con un cambio de ángulo de cámara. La toma A termina abruptamente y comienza la toma B. [ 4 ] Los cortes se pueden clasificar en diferentes tipos, [ 5 ] como se detalla a continuación.

Corte transversal

Un plano insertado en una escena que presenta información que no forma parte del primer plano. El plano de corte suele ir seguido de un retorno al plano original y se utiliza a menudo para condensar el tiempo en una escena eliminando acciones no deseadas o para disimular una pérdida de continuidad en la acción. Por ejemplo, una serie de planos de una mujer fumando un cigarrillo puede no coincidir correctamente en el montaje debido a las diferentes longitudes de la ceniza en cada plano. Un plano de corte a un reloj de sobremesa, marcando el paso del tiempo, proporcionaría la distracción suficiente para disimular la pérdida de continuidad. O bien, el plano de corte del reloj podría insertarse entre un plano de la mujer fumando un cigarrillo y otro de la mujer leyendo un libro. El plano de corte permitiría al editor avanzar la acción en el tiempo. [ 6 ]

Corte

Un plano que presenta el material de una escena con mayor detalle, generalmente mediante un primer plano. Un plano de detalle aísla y enfatiza un elemento de la puesta en escena con fines dramáticos o informativos. Cada movimiento progresivo a través de la secuencia de planos, desde un plano general hasta un primer plano , constituye una forma de plano de detalle. Un plano de detalle que pasa de un plano general a un primer plano puede tener un efecto sorprendente en el espectador debido a esta ampliación inmediata. Esta técnica es frecuentemente utilizada en el montaje de películas de suspense.

Relacionado con esto, está el plano insertado , que es un plano con detalles visuales insertado en una escena con fines informativos o para dar énfasis dramático. Un primer plano de material impreso en un libro, intercalado mientras un personaje lee, es un tipo de plano insertado informativo desde el punto de vista del lector. La intercalación de un primer plano de una pistola sobre un escritorio en una habitación donde se desarrolla una discusión violenta constituye un tipo de plano insertado dramático. Plano de detalle es otro término para plano insertado corto. [ 6 ]

Corte de contraste

Un editor puede realizar cortes estratégicos para yuxtaponer dos sujetos. Por ejemplo, alguien que sueña con un hermoso campo de flores (toma A) puede despertar repentinamente dentro de un edificio en llamas (toma B). El sonido sería sereno y pacífico en la toma A, y de repente fuerte y doloroso en la toma B. Este contraste entre paz y caos se intensifica mediante la transición repentina. [ 1 ]

Corte dinámico

El montaje dinámico es un enfoque de edición cinematográfica en el que el corte de una toma a la siguiente se hace abruptamente evidente para el espectador. En el montaje simultáneo o invisible , los cortes no son tan obvios para el espectador porque estos enfoques se adhieren a procedimientos de continuidad diseñados para ocultar el corte, por ejemplo, el corte en la acción. El montaje dinámico, por otro lado, es consciente de sí mismo y a menudo sorprende al espectador al moverse abruptamente en el tiempo o el espacio o mediante cortes rápidos dentro de una escena con fines tanto expresivos como narrativos. Películas como All That Jazz (1979) de Bob Fosse , The Stunt Man (1980) de Richard Rush y JFK (1991) y Natural Born Killers (1994) de Oliver Stone emplearon el montaje dinámico de forma extensiva. El montaje dinámico es un elemento de edición destacado en las películas de Quentin Tarantino , desde Reservoir Dogs (1992) hasta Django Unchained (2012). [ 7 ]

Corte directo

En relación con el montaje dinámico, el corte directo es un cambio instantáneo de planos, generalmente a una nueva ubicación o marco temporal, y se ejecuta sin un dispositivo de transición óptica. El corte directo sirve para reemplazar, dinámicamente, un plano por otro. [ 8 ]

corte en L

Un corte en L es una técnica de edición que produce un corte en un momento diferente para el audio que para el vídeo. Por ejemplo, podemos oír las voces de los personajes unos segundos antes de verlos en la película. Para lograr este efecto, el editor tenía que hacer un corte en forma de L en la propia tira de película. Incluso hoy en día, con la llegada de los sistemas de edición no lineal computarizados , la representación digital de la película en el programa sigue teniendo esta apariencia en forma de L. [ 9 ]

Corte de coincidencia

El montaje por coincidencia une dos fragmentos de película que contienen dos objetos de forma similar en posiciones similares dentro del encuadre. Uno de los ejemplos más famosos es el montaje de 2001: Una odisea del espacio, donde el hueso lanzado por un simio prehistórico da paso a una estación espacial futurista. [ 1 ]

Corte invisible

Al igual que el corte de continuidad, el corte invisible intenta unir dos planos con fotogramas similares. Sin embargo, el corte invisible está diseñado para ocultar completamente la transición al espectador. El espectador puede deducir que se ha producido un corte, pero le resultaría difícil determinar el momento exacto. Por ejemplo, si un personaje camina hacia la cámara, cubriéndola por completo, el corte se introduce cuando se muestra la espalda del personaje alejándose. El corte invisible también puede ocultarse mediante un paneo rápido , al entrar o salir de un entorno muy oscuro o muy claro, o mediante un objeto que cruza la pantalla.

Corte de edición paralela

Por ejemplo, imaginemos una escena de acción donde un villano persigue al héroe de la película. Intentar mantener al héroe y al villano dentro del encuadre durante toda la escena de persecución se vuelve muy difícil y poco atractivo después de un rato. Una mejor manera de abordar este problema es mediante el montaje paralelo . En este ejemplo, la escena consistiría en varias tomas del héroe corriendo en una dirección y algunas tomas del villano corriendo en la misma dirección. Quizás el héroe mira hacia atrás, fuera de plano, a su perseguidor. En este punto, el editor insertaría una toma del villano. Ninguno de los personajes ocupa el mismo espacio en pantalla, pero el público entiende que uno persigue al otro. [ 10 ]

Corte rápido

A jump cut is usually the result of a continuity error, and not a stylistic choice by the director. But the director can purposely use it to create an effect of passing time without showing the whole event take place. A jump cut occurs when a cut, designed to act merely as a camera angle change (less than 30-degrees), reveals a continuity discrepancy between the two shots. For instance, if a character has their hand over their mouth in a medium shot, and not in their close-up, this little detail, which probably was not noticed on set, is now painfully obvious to the viewers.[10]

Defocus transition

The defocus transition is a type of transition accomplished by rolling the lens focus until the scene becomes blurred. Passage of time within a scene can be suggested by refocusing the shot after alterations are made in the scene: change of costume, lighting, and other continuity elements. The defocus device has also been frequently employed in transitions to dream or fantasy sequences.[11]

Fade in/out

A fade occurs when the picture gradually turns to a single color, usually black, or when a picture gradually appears on screen. Fade ins generally occur at the beginning of a film or act, while fade outs are typically found at the end of a film or act.[12]

Dissolve

A dissolve transition between two still images

Like the fade, a dissolve involves gradually changing the visibility of the picture. However, rather than transitioning from a shot to a color, a dissolve is when a shot changes into another shot gradually. Dissolves, like cuts, can be used to create a link between two different objects, a man telling a story, and a visual of his story, for instance.[12]

Ripple dissolve

A ripple dissolve is a type of transition characterized by a wavering image that is usually employed to indicate a change to flashback material, commonly a character's memory of an event. Sometimes the ripple dissolve is used as a transition to an imagined event or action. A series of three ripple dissolves appeared in Mamma mia! (2008) as Donna (Meryl Streep) discovers her three former lovers in the attic of her Greek villa. The brief ripple dissolves transport each man visually back in time to reveal their 1960's "hippy", "love children" appearances as Donna remembers them.[13]

Washout

El lavado es una transición óptica utilizada en la edición, similar al fundido. A diferencia del fundido, donde las imágenes se desvanecen a negro, en un lavado las imágenes comienzan a blanquearse o a adquirir color repentinamente hasta que la pantalla se convierte en un marco de luz blanca o de color. A continuación, se mostrará una nueva escena.

Además, el desvanecimiento es la forma más extrema de sobreexposición , que consiste en exponer cada fotograma de la película a más luz o durante un período de tiempo más prolongado del necesario para producir una exposición "normal" del mismo sujeto. Hay poco o ningún detalle visible en las zonas iluminadas (las áreas brillantes de la imagen) y las imágenes aparecen descoloridas, más o menos descoloridas. El efecto se logra dirigiendo la cámara hacia una fuente de luz brillante que desvanezca la mayor parte, si no toda, la superficie del fotograma , o procesando el efecto en el laboratorio de revelado. Si bien en 2014 algunos directores de cine aún optaban por materiales fotográficos basados ​​en emulsión de película en lugar de imágenes digitales, el número de quienes lo hacían disminuía rápidamente. [ 14 ]

Algunas aplicaciones

Ingmar Bergman hizo un uso extensivo del desvanecimiento en su película psicológica Gritos y susurros (1972). Bergman varió la técnica tanto para crear transiciones como para continuar su uso expresivo del color en la película. Los desvanecimientos traían un único color intenso al final de una escena para simbolizar las emociones y pasiones psicológicas presentes en la historia. Los desvanecimientos también se emplearon eficazmente en las secuencias fantásticas de Catch-22 (1970). Monster (2003) concluye con un desvanecimiento cuando Aileen Wuornos ( Charlize Theron ) sale de la sala del tribunal tras ser condenada a muerte. De manera similar, un desvanecimiento lento hacia el blanco lleva a Hours (2012) a una conclusión emotiva pero feliz en una toma donde un padre ( Paul Walker ) abraza a su hija prematura, cuya vida salvó en un hospital de Nueva Orleans sin electricidad mientras el huracán Katrina hacía estragos. [ 15 ]

Limpiar

Una transición de barrido consiste en que una toma reemplaza a otra, desplazándose de un lado a otro del encuadre. Imagina una línea vertical que va del lado derecho al izquierdo del encuadre. A la izquierda de esta línea se encuentra la toma A, y a la derecha, la toma B. Cuando esta línea llega al borde izquierdo del encuadre, la toma B llenará completamente la escena y la transición habrá finalizado. Este ejemplo describe una transición de barrido vertical, aunque este es solo un tipo de transición.

Otro tipo común de transición de barrido utiliza objetos de la escena, en lugar de una línea vertical invisible. Una aplicación interesante crea la ilusión de una cámara que atraviesa el techo de la planta baja de una casa de varios pisos hasta el suelo del piso superior. En este caso, la toma A mostraría la cámara ascendiendo hacia el techo, y la toma B, la cámara ascendiendo desde el suelo. Una transición de barrido da la impresión de que la cámara se desplaza entre los pisos de una casa.

Toallitas naturales

Técnica de transición realizada mediante un elemento de la puesta en escena, en lugar de un proceso de laboratorio. Un personaje o un objeto se coloca frente al objetivo de la cámara y borra la escena bloqueando o desenfocando completamente el encuadre. Una puerta que se cierra suele funcionar como una transición natural. A esta transición natural le sigue una nueva escena. Una transición frontal con salida hacia atrás es un tipo de transición natural que se utiliza para finalizar una escena y revelar otra. [ 16 ]

limpieza del iris

La forma del barrido también puede ser circular mediante el uso del iris de la cámara. Al cerrar el iris, un círculo borroso se desplaza hacia el centro del encuadre, atrayendo la atención hacia el sujeto que ocupa este espacio central. [ 1 ]

Morfosis

Aunque no siempre se limita a transiciones de tomas, un morph puede pensarse como una disolución combinada con un efecto visual . En lugar de simplemente mezclar los colores, un morph es capaz de remodelar gradualmente un objeto para convertirlo en otro, creando una conexión mucho más fuerte que la que puede proporcionar una simple disolución. Un ejemplo famoso de esto se puede encontrar hacia el final de la película Salvar al soldado Ryan . El rostro del joven soldado Ryan (interpretado por el actor Matt Damon ) [ 17 ] se transforma lentamente en un soldado Ryan mayor (interpretado por Harrison Young ), [ 17 ] mientras que al mismo tiempo el fondo se disuelve de una ciudad sitiada durante la Segunda Guerra Mundial a un cementerio ambientado en la actualidad; no hay duda en la mente del público de que los dos hombres son la misma persona.

Efectos sonoros

Sonido superpuesto

Un sonido superpuesto suele ser un efecto de sonido o un diálogo que se repite brevemente de una toma a la siguiente. Un sonido superpuesto puede ser un avance sonoro , donde un diálogo o efecto de sonido de una toma entrante se escucha brevemente en la toma saliente. El sonido superpuesto puede usarse para conectar, dinámicamente, dos secuencias dramáticas separadas o para acelerar el ritmo del desarrollo de la historia. [ 18 ]

Avance de sonido / puente de sonido

Se trata del avance de un sonido, que se escucha en una nueva toma o escena, tomada del final de la escena anterior. Los avances de sonido, comunes en el cine moderno, se combinan con transiciones de corte para impulsar la acción de la historia de forma dinámica. [ 19 ]

Algunas aplicaciones

Alfred Hitchcock patentó prácticamente el avance sonoro en su clásico de 1929, Chantaje . Una joven ( Anny Ondra ), que vaga por las calles de Londres en estado de shock tras matar a un hombre, se topa con un borracho tirado en la acera, con el brazo extendido de la misma manera que el artista que acaba de asesinar en su estudio. La imagen del brazo parece provocar un grito en la joven. Sin embargo, un corte revela que el grito proviene de la casera, que acaba de descubrir el cadáver del artista en su apartamento. El avance sonoro también tiene posibilidades conceptuales, satíricas y dramáticas. En Cinco piezas fáciles (1970), el inesperado sonido de una bola de bolos rodando por la pista se escucha en los últimos segundos de una escena en la habitación de un motel donde Jack Nicholson ha llevado a una novia. Justo cuando la bola golpea el bolo, se realiza un corte a una nueva escena donde Nicholson está jugando a los bolos con la mujer. El avance sonoro combinado con la transición de corte funciona como una metáfora sexual . [ 19 ]

sonido asíncrono

El sonido asíncrono se refiere al sonido que no está sincronizado con la imagen en pantalla . También incluye el uso estético del sonido con fines expresivos. Debido a la naturaleza compuesta del arte cinematográfico, el sonido (música, diálogos, efectos de sonido) es altamente manipulable. El cacareo de una gallina puede yuxtaponerse con la imagen de un político despotricando para lograr un efecto satírico.

Una variante popular del sonido asíncrono en el cine contemporáneo ha sido el uso de avances de sonido en las escenas de edición. Un avance de sonido asíncrono puede ocurrir cuando el editor muestra el rostro de un personaje gritando de horror y, en lugar de usar el sonido natural de su voz aterrorizada, inserta la estridente sirena de un coche patrulla, que se verá en la siguiente escena. El recurso del avance de sonido combina el sonido asíncrono y síncrono de una manera singularmente cinematográfica. Francis Ford Coppola hizo un uso extensivo del sonido combinado síncrono-asíncrono en la escena del bautismo de El Padrino (1972). Cerca del final de la película, tomas de una solemne ceremonia religiosa se yuxtaponen con escenas de una venganza que ocurre simultáneamente en varias partes de la ciudad. Los sonidos de la grandiosa música de la iglesia y las entonaciones sacerdotales del rito bautismal continúan sin interrupción mientras los pistoleros llevan a cabo sus tareas. Mediante el uso del sonido síncrono-asíncrono y el montaje paralelo visual , se produce una conexión irónica y psicológica entre pasado, presente y futuro. El sonido asíncrono puede servir para crear ironía entre sonido e imagen, para satirizar y parodiar situaciones dramáticas y para vincular momentos separados en el tiempo de maneras expresivas. [ 20 ]

Tiempo psicológico

El tiempo psicológico es un término que se refiere al uso de recursos cinematográficos que, en la continuidad de una narrativa cinematográfica, sugieren no el tiempo cronológico, sino el tiempo tal como lo percibe la mente de un personaje. Una disolución (véase más arriba), por ejemplo, suele revelar el paso del tiempo cuando se utiliza dentro de una escena en curso . La disolución, por tradición, sirve para incluir el tiempo y la acción intermedios. Sin embargo, si se utiliza una disolución en lugar de un corte en una acción continua e ininterrumpida, su ubicación poco convencional conlleva implicaciones psicológicas. Los psicodramas de inspiración subjetiva de cineastas experimentales, como Meshes of the Afternoon (1943) de Maya Deren , a menudo explotan la disolución psicológica para lograr un efecto de tiempo mental. El tiempo psicológico también puede sugerirse mediante el uso repetido de una acción. El último y desesperado esfuerzo del traidor condenado en An Occurrence at Owl Creek Bridge (1962) por llegar hasta su esposa se transmite en tiempo psicológico mediante una toma repetida con teleobjetivo del hombre corriendo por la carretera hacia su casa. Parece suspendido en el tiempo y el espacio, lo cual, de hecho, es cierto; Poco después de estas repeticiones de planos, el espectador descubre que toda la huida del traidor ha sido una fantasía revelada mediante un uso prolongado del tiempo psicológico. Un uso particularmente atractivo y a veces desconcertante de la percepción psicológica de los personajes se da en Memento (2000), una película sobre un hombre que busca al asesino de su esposa. La búsqueda se complica por el hecho de que el hombre ha perdido la memoria a corto plazo. Los eventos aparecen y desaparecen en la pantalla sin que su significado sea claro en la primera revelación. El tiempo psicológico es un elemento distintivo en la película experimental de ciencia ficción de Shane Carruth de 2013 , Upstream Color . Evitando una estructura narrativa bien construida, la trama de Upstream Color se centra en un hombre y una mujer que son víctimas de ingeniería parasitaria y cuyas vidas se disuelven en un desorden mental y psicológico. El tiempo se representa en fragmentos abruptos y discontinuos, donde la realidad cotidiana se entremezcla con apariciones mentales e imágenes abstractas. [ 21 ]

Referencias

  1. 1 2 3 4 Bernard F. Dick (2010). Anatomía del cine - Sexta edición . Bedford/St. Martin's. ISBN 978-0-312-48711-9.
  2. 1 2 Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 39. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  3. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 64. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  4. ↑ Ascher, Steven y Edward Pincus. Manual del cineasta: una guía completa para la era digital . Nueva York: Plume, 1999.
  5. ↑ Heckman, Chris (28 de noviembre de 2021). "Tipos de transiciones de edición en cine: la guía definitiva" . studiobinder.com . Consultado el 6 de febrero de 2023 .
  6. 1 2 Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 75. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  7. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. págs. 96–97 . ISBN  978-1-4331-2727-4.
  8. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 84. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  9. ↑ "Bright Hub - ¿Qué es un corte en L?" . Consultado el 20 de marzo de 2011 .
  10. 1 2 Timothy Corrigan, Patricia White (2009). La experiencia cinematográfica: una introducción - Segunda edición . Bedford/St. Martin's. ISBN 978-0-312-55533-7.
  11. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 77. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  12. 1 2 William H. Phillips (2009). Cine, una introducción - Cuarta edición . Bedford/St. Martin's. ISBN 978-0-312-48725-6.
  13. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 233. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  14. ↑ Beavery, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 105. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  15. ↑ Beavery, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. págs. 284–285 . ISBN  978-1-4331-2727-4.
  16. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 193. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  17. 1 2 "IMDB - Salvar al soldado Ryan" . IMDb . Consultado el 20 de marzo de 2011 .
  18. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. pág. 203. ISBN  978-1-4331-2727-4.
  19. 1 2 Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. págs. 247–248 . ISBN  978-1-4331-2727-4.
  20. ↑ Beaver, Frank (2015). Diccionario de términos cinematográficos . Nueva York: Peter Lang. págs. 21–22 . ISBN  978-1-4331-2727-4.
  21. ↑Beaver, Frank (2015). Dictionary of Film Terms. New York: Peter Lang. pp. 222–223. ISBN 978-1-4331-2727-4.
  • Adobe Premiere Pro Help | Video effects and transitions