Fragmento recortado de 1964

Cut Piece 1964 es una pieza de arte performativo y obra participativa realizada por primera vez por la artista multimedia de vanguardia, música y activista por la paz japonesa-estadounidense Yoko Ono el 20 de julio de 1964 en la Sala de Conciertos Yamaichi en Kioto , Japón. ^{[ 1 ]} Es una de las obras más tempranas y significativas del movimiento artístico feminista y Fluxus .

Ono ha interpretado la obra un total de seis veces. Basándose en una de sus partituras, un conjunto de instrucciones para la performance, Ono se sentó en el escenario, colocó unas tijeras frente a ella e invitó al público a cortar trozos de su ropa. Se entiende que Cut Piece aborda el materialismo, el género, la clase social, la memoria y la identidad cultural, y se ha convertido en una obra icónica del arte escénico protofeminista , pero también contiene un mensaje antibelicista subyacente y se inspira en el budismo zen y sintoísta. Además de las seis representaciones de Ono, Cut Piece ha sido puesta en escena por numerosos artistas y ha inspirado a artistas y colectivos feministas y pacifistas desde su estreno en 1964.

Ono interpretó inicialmente Cut Piece en Kioto y Tokio en el verano de 1964. Una tercera interpretación tuvo lugar en el Carnegie Recital Hall de Nueva York en marzo de 1965, la cuarta y la quinta en el Africa Centre de Londres en septiembre de 1966, y la sexta, y hasta la fecha la última, fue en septiembre de 2003 en París.

Cut Piece es una pieza musical para eventos compuesta por Yoko Ono, y es una de sus obras más conocidas. Estrenada en 1964, se considera un ejemplo temprano de arte performativo. Parte de la intención detrás de sus piezas musicales para eventos es que la obra pueda ser interpretada por cualquier persona, y Cut Piece ha sido interpretada por muchos artistas de ambos sexos. La partitura indica al intérprete que se siente en el escenario y permanezca inmóvil mientras los miembros del público se acercan y cortan trozos de su ropa. Importante para la creación de significado en Cut Piece es la idea de la teoría de la recepción , la idea de que el espectador juega un papel tan importante en la atribución de significado a una obra de arte como el propio artista. ^{[ 2 ]} De hecho, debido a la relativa ambigüedad de la obra, suscita múltiples lecturas, algunas intencionadas por la propia Ono y otras inferidas por el público, otros artistas e historiadores que consideran el género, la identidad nacional, la memoria y el contexto histórico. Basándose en la naturaleza de la interacción entre Ono y el público durante sus actuaciones en Nueva York y Londres, muchos la han interpretado como una obra protofeminista que aborda cuestiones de violencia de género, objetivación y subyugación de las mujeres.

Cut Piece también explora la relación entre artista, obra de arte y espectador. La obra plantea interrogantes sobre la relación entre público y artista, básicamente al convertir al público en colaborador. Debido a la ambigüedad y el potencial de azar, se abre un espacio que permite la creación de múltiples significados. ^{[ 2 ]} Cada performance varía según el tono del público. Algunas performances se desarrollan lentamente y otras a un ritmo rápido. Algunas personas cortan con delicadeza y otras son más agresivas. En 1966, escribió sobre su experiencia en la performance de Londres: «La gente siguió cortando las partes de mí que no les gustaban. Finalmente, solo quedó la piedra que estaba dentro de mí, pero aún no estaban satisfechos y querían saber cómo era estar dentro de la piedra». ^{[ 3 ]}

Según Julia Bryan-Wilson, Cut Piece consta de tres gestos interconectados: la invitación, el sacrificio y el recuerdo. ^{[ 4 ]} La invitación se produce cuando Ono invita al público a participar, concretamente a interpretar la pieza, acercándose al escenario y cortando un trozo de su ropa. Ono ha declarado que siempre vestía su mejor atuendo para la actuación, de modo que fuera una verdadera ofrenda. Esta entrega de Ono al corte por parte del público simboliza el sacrificio. El recuerdo reside en la petición al público de conservar el trozo de tela o, como en la actuación de 2003, de enviárselo a un ser querido, un acto de compartir y de recuerdo perdurable.

La partitura del evento Cut Piece se imprimió en el programa del Concierto de Despedida de Yoko Ono: Espectáculo de Striptease en el Sogetsu Kaikan Hall de Tokio en 1964, junto con las partituras de varias otras obras interpretadas esa noche. ^{[ 2 ]}   La partitura también se incluyó en su libro de 1964, Grapefruit .

Tiempo promedio de corte de pieza : 30'

Primera versión para un solo intérprete:

El artista se sienta en el escenario con unas tijeras delante.

Se anuncia que los miembros del público podrán subir al escenario, de uno en uno, para cortar un pequeño trozo de la ropa del artista y llevárselo como recuerdo.

El intérprete permanece inmóvil durante toda la pieza.

La pieza finaliza a elección del intérprete.

Segunda versión para el público:

Se anuncia que los miembros del público pueden cortarse la ropa entre sí.

El público puede cortar durante el tiempo que quiera.

^{[ 2 ] [ 5 ]}

Se añade a la partitura publicada en la reimpresión de Grapefruit de 1971 que «la intérprete, sin embargo, no tiene por qué ser mujer». ^{[ 2 ]} Aunque aquí hay dos versiones, Ono parece haber puesto en escena únicamente la Versión 1, que es la más conocida.

En el arte performático, el artista o intérprete asume el rol de objeto artístico. En la mayoría de las performances, existe una relación implícita de entendimiento mutuo entre el espectador y el intérprete. Cut Piece es única en el sentido de que este acuerdo se negocia constantemente debido al alto nivel de participación del público y la interacción directa con el intérprete que se requiere, y siempre existe la amenaza de que una de las partes pueda sobrepasar los límites acordados. ^{[ 5 ]} Cut Piece invierte efectivamente la relación entre intérprete y espectador. En Cut Piece , Ono permanece pasiva y en silencio, y se invita al público a cortar un trozo de su ropa. Para que la obra tenga éxito, el público debe participar, haciéndolo responsable de su propia experiencia, ^{[ 5 ]} y, de hecho, también del desarrollo y el tono de la performance.

En esta obra, Ono asume el rol de un cuerpo exótico "alterado" y de una mujer victimizada. Cut Piece se basa parcialmente en el público y su participación para crear significado en la obra, y ahí reside su éxito: en la ambigüedad y los significados cambiantes que se encuentran en la obra al revisar las diversas representaciones y las diferentes maneras en que el público interactúa con Ono y entre sí. De hecho, Cut Piece redefine la relación y difumina los roles del cuerpo intérprete y el público intérprete ^{[ 4 ]} al convertir esencialmente al público en intérpretes. En el caso de Cut Piece , la obra no sería posible sin la interpretación mutua entre la artista y el público. Ono busca una interpretación específica del público a través de sus instrucciones, la atmósfera y el contexto que ha construido para que el evento tenga lugar. Este modo de interpretación probablemente habría sido completamente nuevo para el público durante las primeras representaciones de la obra en 1964.

La documentación también desempeñó un papel importante en la futura recepción de Cut Piece y en nuestra comprensión de la relación artista-público. Durante todas las representaciones, Ono invitó a fotógrafos y cineastas a documentarlas. Esto difiere de otros artistas de performance de la época, quienes deseaban que su obra permaneciera efímera, existiendo únicamente durante el tiempo en que se presentaba. Dado que la obra de Ono se centra en la memoria, en conmemorar el evento y en llevar este recuerdo al futuro, la documentación de la obra y el poder de la fotografía para transmitir el mensaje fueron fundamentales para la misma.

Como señala Clare Johnson, muchas de las fotos del evento muestran a Ono sentada tranquilamente mientras un miembro del público le corta un pequeño trozo de ropa. Sin embargo, las fotos y el vídeo de los hermanos Maysles también recuerdan al espectador el potencial de violencia durante la performance debido a la incierta relación entre el público y la artista. Las fotos «contribuyen a la interpretación de esta obra como centrada principalmente en la violencia de género». ^{[ 6 ]} El control de Ono se afirma a través de su calma e inmovilidad. Crea un espacio de posibilidad y la cámara fue parte integral de él, sirviendo no solo para documentar sino también como mediadora entre la artista y el público en el presente de las performances. ^{[ 6 ]}

Las seis representaciones de Cut Piece difieren según la ubicación y la participación del público. Debido a sus múltiples iteraciones y a la manera en que cada representación cambia según el contexto de tiempo, lugar, público e intención del artista, Clare Johnson ha descrito Cut Piece como una «serie de tiempos verbales presentes». ^{[ 6 ]}

Ono ha dicho que la intención original de la pieza era sobre el poder de dar y dejar ir el ego, diciendo: "En lugar de darle al público lo que el artista elige dar, el artista da lo que el público elige tomar". ^{[ 2 ]} Continúa diciendo que durante las actuaciones, miraba al vacío como si estuviera rezando, y sentía que se estaba sacrificando voluntariamente. ^{[ 2 ]} Ono ha citado historias budistas, específicamente la historia de Jataka , o la Tigresa Hambrienta ^{[ 12 ]} , como inspiración para Cut Piece y el espíritu de entrega y rendición suprema que pretendía para las actuaciones. ^{[ 5 ]} En la historia, Buda le dio al mundo todo lo que se le pidió, incluso hasta el punto de permitir que una tigresa consumiera su cuerpo para poder producir leche para sus cachorros. ^{[ 5 ]} En una entrevista de 2000 agrega que Cut Piece reflejaba cómo se sintió después de la brutal crítica que recibió sobre una exposición de su trabajo en Tokio. "Me hicieron muchas cosas en aquel entonces, y seguí luchando", recuerda. ^{[ 13 ]}

En el contexto del budismo sintoísta, que inspiró a Ono y con el que el público japonés estaría familiarizado, existe la interconexión entre lo sexual y lo espiritual. La afirmación de Ono sobre el artista que "da lo que el público elige tomar" ^{[ 5 ]} alude a antiguas prácticas sintoístas, incluidas las de las Kumano bikuni , un grupo de monjas que viajaban dando sermones y también ejerciendo la prostitución para recaudar fondos, lo que puede interpretarse como una "donación femenina al servicio de un fin superior". ^{[ 5 ]}

También resulta interesante la asociación de la ropa con el espíritu de quien la lleva en la tradición espiritual japonesa. ^{[ 5 ]} Según Liza Dalby , en Japón, la ropa está tan estrechamente asociada con quien la lleva que la prenda se impregna de la esencia del espíritu de una persona. El concepto de kami, que se refiere a "la espiritualización de todas las cosas en el universo", ^{[ 5 ]} así como la espiritualización del objeto, o mono , nos ayudan a comprender la reverencia expresada por el público en las representaciones de Kioto y Tokio, así como el significado de la destrucción de la ropa occidental como representación de la tensión entre Japón y Occidente. ^{[ 5 ]} Considerar la ropa en el contexto de kami y "el poder de dar" significa que cada persona que corta está cortando y tomando un pedazo de su alma. Esto puede verse tanto como un acto violento como algo parecido a un acto de comunión, donde Ono ha ofrecido su ropa y, por lo tanto, su espíritu como símbolo de conmemoración.

La propia construcción de identidad de Ono en las actuaciones significó que interpretara un cuerpo exótico tanto en escenarios orientales como occidentales. ^{[ 5 ]} La exploración de la otredad en Cut Piece alimentó las expectativas y expuso los sentimientos que cada público tenía sobre el otro. En el caso del público japonés, alimentó sus expectativas y su ira hacia los estadounidenses o hacia Ono como una japonesa que ahora se identificaba como estadounidense. Mientras que en las actuaciones de Nueva York y Londres alimentó los estereotipos y las fantasías sexuales sobre las mujeres japonesas.

La reacción del público japonés contrasta marcadamente con las actuaciones en el Carnegie Hall en 1965 y en el Africa Center de Londres en 1966, donde Ono se presentó como una artista tradicional japonesa y fue vista como una "joven dama oriental" por el público, como lo demuestra una reseña de Alaster Niven. ^{[ 5 ]} En ambas actuaciones, parece que el público percibió la obra como un striptease, la "exposición de un cuerpo femenino exótico". ^{[ 5 ]}

Parece que, aparte de un espectador masculino que la amenaza con las tijeras, según el propio recuerdo de Ono, hubo reverencia y cuidado por parte del público en Japón. ^{[ 5 ]} Ono describió al público cortando lentamente su ropa "con movimientos silenciosos y hermosos". ^{[ 4 ]} En fotos y grabaciones de las actuaciones, se observa que Ono siempre se sentaba en una posición baja de rodillas en el escenario, la posición formal de seiza , que significaba cortesía y habría sido reconocida como tal en Japón. ^{[ 4 ]} Esta misma posición sentada en las actuaciones de Nueva York y Londres podría haber contribuido a la fetichización occidental de una mujer asiática silenciosa y sumisa, ^{[ 4 ]} distorsionando y complicando aún más la dinámica de poder presente en la obra. Clare Johnson observa que Ono dio al público la oportunidad de representar la dinámica de poder implícita en esta fantasía, de una manera que representaba "la objetivación del otro asiático". ^{[ 6 ]} Sin embargo, en la versión de Nueva York, los miembros masculinos del público se sienten casi demasiado seguros al ejercer control y posesión sobre su cuerpo. En el cortometraje de 8 minutos, hubo varios momentos de casi hostilidad, hasta el punto de que algunos espectadores sintieron que estaban presenciando un posible asalto. ^{[ 9 ]}

Jieun Rhee postula que en sus presentaciones de Cut Piece en Japón, Ono tenía una "estrategia para Occidente", una que le permitiría pasar de su identidad como "música vanguardista estadounidense" a la de "artista tradicional japonesa", utilizando sus identidades duales y fluidas para crear contexto y una relación antagónica o de alteridad entre la artista/intérprete y el público en ambos casos, ^{[ 5 ]} señalando que la obra es un marco bien pensado de la fricción entre la cultura japonesa y la estadounidense, el contexto de la posguerra y el género. ^{[ 5 ]} Como mujer que desafió el rol tradicional de la mujer japonesa, y como una de las pocas mujeres involucradas en la vanguardia japonesa, Ono soportó la peor parte de las actitudes patriarcales japonesas y se le hizo difícil encontrar aceptación en el mundo del arte dominado por los hombres, ^{[ 5 ]} lo que probablemente fue una razón para su partida de regreso a los Estados Unidos en 1964 después de sus dos presentaciones de Cut Piece .

Las lecturas feministas de Cut Piece a menudo se centran en el concepto feminista de la " mirada ", refiriéndose a la objetivación del cuerpo femenino y la violencia ejercida sobre él "mediada por regímenes de visión". ^{[ 4 ]} En este contexto, la obra aborda el voyeurismo , la agresión sexual, la subordinación de género, la violación del espacio personal y la violencia contra las mujeres. ^{[ 4 ]} Cut Piece es la primera performance que aborda el potencial de violencia sexual en el espectáculo público. ^{[ 14 ]} Cuando se le preguntó sobre el feminismo de Cut Piece , Ono dijo que "no tenía ninguna noción de feminismo". ^{[ 2 ]} Sin embargo, como mujer que se desenvolvía en el mundo del arte misógino y dominado por hombres de la década de 1960, sin duda habría sido consciente de las dinámicas de poder de género y la subordinación de las mujeres que eventualmente desencadenarían el movimiento de liberación de las mujeres y no se ha opuesto a las lecturas feministas de su obra.

Dentro del espacio escénico reside el potencial de violencia, donde el público es el agresor masculino y Ono desempeña el papel de víctima femenina. Esta interpretación toma el cuerpo de Ono como un sustituto de todos los cuerpos femeninos y la considera como objeto artístico femenino objetivado, impotente, sometida a la violencia y al escrutinio de la mirada del público. ^{[ 4 ]} Observar a algunos de los espectadores masculinos en la filmación de la performance resulta bastante desgarrador, y se puede comprender por qué la obra se ha convertido en una pieza feminista tan importante en relación con estos temas. Durante al menos una de las performances en Londres, Ono fue desnudada por completo. La dinámica de poder presente en la performance de Nueva York se intensificó en la de Londres, donde, según un relato del crítico Alaster Niven, parece que un maestro de ceremonias incitó al público en todo momento, incluso pidiendo a alguien que le quitara la última prenda de ropa interior a Ono. ^{[ 5 ]} Aunque Ono permanece en silencio como parte de los parámetros de Cut Piece , el hecho de que un presentador masculino hablara por ella en esta versión de la obra contribuye a silenciarla y objetivarla aún más. Quizás sean momentos como estos los que han llevado a algunos espectadores a describir Cut Piece como "más una violación que una performance artística". ^{[ 4 ]}

La amenaza de violencia potencial en Cut Piece es palpable, y las lecturas feministas son válidas; sin embargo, esta lectura a menudo pasa por alto la interacción del género con la identidad personal y la historia de Ono de una manera que puede expandirla aún más. Según Julia Bryan-Wilson , en Cut Piece el cuerpo puede leerse como receptor de riesgos y amenazas, pero también como fuente de dones. ^{[ 4 ]} Afirma que Ono conserva su autonomía al instruir al público sobre qué hacer con las tijeras, así como al afirmar su derecho a terminar la actuación "a opción de la intérprete". También toma el control en ciertos momentos, como durante la actuación en Nueva York, después de una interacción particularmente angustiosa con un miembro del público que le corta toda la parte superior y le corta los tirantes del sujetador, mueve los brazos para evitar que los restos caigan y que sus pechos queden expuestos. ^{[ 4 ]} Sus acciones en Cut Piece difieren de obras feministas posteriores, aunque inspiradas en Cut Piece , como Rhythm 0 (1974) de Marina Abromović , donde la artista se entregó por completo a los caprichos y deseos del público durante un evento de seis horas de duración en el que los asistentes podían elegir entre 72 objetos, incluyendo uñas, lápiz labial, fósforos y una pistola. ^{[ 6 ]}

Retomando la idea de una mujer que entrega un pedazo de su alma, o permite que se la arrebaten mediante el corte de su ropa, también se relaciona con la teoría feminista y las expectativas que se imponen a las mujeres para que sacrifiquen todo en aras de las responsabilidades de la maternidad. Ono ha afirmado que «las mujeres son las únicas que conocen el orgullo y la alegría de la rendición». ^{[ 5 ]} Esto puede relacionarse con un tipo de libertad y alegría que se siente en el acto de la verdadera rendición; sin embargo, el concepto de rendición en relación con Cut Piece también podría aludir a la expectativa de pasividad o sumisión de las mujeres en los roles de género tradicionales como esposa, madre y cuidadora. Esto también requiere una rendición ante las circunstancias, ante las dinámicas de poder y ante la dominación masculina.

En el contexto de la entrega que Ono afirma que fue su intención original, así como del concepto de sacrificio, presente tanto en el mito budista que la inspiró como en el análisis de Julia Bryan-Wilson sobre el sacrificio como parte importante de la obra, resulta relevante considerar que una parte fundamental de la performance para Ono consistía en comprometerse a seguir "dando" al público "lo que quisieran recibir", incluso cuando la recepción no siempre fuera amable o gentil. La reflexión sobre la violencia y la generosidad inherentes a la pieza es importante tanto para las interpretaciones feministas como para las antibelicistas.

La obra también puede interpretarse como una protesta contra la guerra y, específicamente, como una respuesta a los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial , incluyendo la experiencia de la propia familia de Ono. ^{[ 4 ]} Esta interpretación es particularmente relevante a la luz del activismo antibelicista que Ono llevó a cabo durante toda su vida. Cut Piece puede analizarse en el contexto de la devastación masiva causada por los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki y sus consecuencias, así como de la inminente violencia de la Guerra de Vietnam , que pronto dominaría la conciencia global. Ambos eventos ignoraron cualquier distinción entre civiles y combatientes, donde la mayoría de las víctimas civiles fueron mujeres y niños. ^{[ 4 ]} Esta interpretación amplía la perspectiva feminista general del «desvestirse como violencia» y abre la obra a un feminismo más amplio que entiende la guerra como una cuestión profundamente feminista y considera la «circulación del cuerpo femenino dentro de la política global». ^{[ 4 ]} Llevar las atrocidades de la guerra y las consecuencias emocionales y materiales que sufren sus víctimas al ámbito de la preocupación feminista abre el discurso a discusiones no solo sobre la violencia infligida al individuo, sino también sobre la devastación infligida a una población colectiva y el impacto de la guerra en las mujeres.

Tras los bombardeos, el ejército estadounidense documentó la devastación y los efectos en los supervivientes, incluyendo numerosas fotografías de personas cuyas prendas habían quedado parcialmente desgarradas por la explosión. Inicialmente censuradas, estas imágenes, así como los testimonios de los supervivientes, se hicieron públicos y algunas de las prendas originales se exhibieron en museos. Esto se acompañó de una avalancha de relatos personales y obras de arte creadas por los hibakusha , los supervivientes japoneses de la guerra atómica, muchas de las cuales representaban ropa desgarrada. ^{[ 4 ]} Estas imágenes son precedentes de Cut Piece, y el cuerpo de Ono en la obra puede interpretarse como un diálogo con ellas. ^{[ 4 ]} El acto de cortar en Cut Piece , que reduce la ropa de Ono a jirones mientras permanece firme en su ofrenda, es una recreación viva y cambiante de la violencia de las explosiones nucleares, que funciona como un acto de recuerdo. Al dejar a los participantes con el recuerdo de la tela que cortaron, se trata de un gesto esperanzador de reparación, así como de un símbolo de memoria, algo que les impide olvidar. ^{[ 4 ]} En este contexto, "el arte de Ono no presenta a la mujer superviviente como herida, sino a la superviviente como testigo; no el cuerpo como una fuente auténtica de dolor y experiencia, sino como mediado por la historia y sus efectos. ^{[ 4 ]}

El acto de dar y recordar presente en Cut Piece refleja el optimismo inherente a muchas de sus obras, como Promise Piece (1966) y Morning Piece (1964), las cuales, al igual que Cut Piece, emplean nociones de conmemoración y dejan al público con objetos conmemorativos, los recuerdos, que también sirven para incluir al espectador en la historia del evento y lo encomiendan a la construcción de la memoria. ^{[ 4 ]} Este acto de dar y recibir conecta pasado, presente y futuro y convierte al espectador/participante en portador de la memoria. El optimismo, aunque teñido por la violencia del pasado, evoca una promesa para el futuro, si podemos evitar futuras guerras y violencia. Los fragmentos de estas performances sirven como recordatorios de la devastación de esa violencia. Las lecturas antibélicas dan espacio para que la obra funcione como "un gesto de reparación y un ritual de recuerdo" ^{[ 4 ]}  , así como para explorar la compleja relación entre agresión y generosidad en la obra. La posterior actuación de Ono en 2003 deja más claro este aspecto de la obra, ya que declara explícitamente su intención de difundir la paz y la reconciliación tras los atentados terroristas del 11 de septiembre y la inminente guerra, compartiendo un objeto de la actuación: un trozo de su ropa.

Cut Piece causó sensación e inspiró mucha discusión. Después de su presentación inicial, Ono mencionó que uno de los propósitos del espectáculo era compartir y dar una parte de lo mejor de ella. ^{[ 15 ]} Por eso eligió usar su mejor traje. En una de sus primeras entrevistas, dijo: "Fue una forma de dar, dar y recibir. Fue una especie de crítica contra los artistas, que siempre dan lo que quieren dar. Quería que la gente tomara lo que quisiera, así que era muy importante decir que puedes cortar donde quieras". ^{[ 2 ]} Y también mencionó que parte de su inspiración provino del budismo .

Paradójicamente, Cut Piece es una obra feminista clásica y universalmente reconocida en el ámbito público. En una entrevista de 1994, Ono negó tener ideas feministas cuando la estrenó. ^{[ 15 ]} En la performance, invita a una reflexión más profunda que la simple revelación de la conexión entre la intérprete (el objeto) y el público. Crea su relación con el público al brindarles la oportunidad de participar en la performance, así como de contemplar la obra y reflexionar sobre ella desde su propia perspectiva.

Cut Piece presenta con audacia la violencia contra los cuerpos de las mujeres en forma de prendas de vestir recortadas. La mayoría la define como arte performativo feminista. Sin embargo, Ono mantiene una postura ambigua al respecto, otorgando casi por completo al espectador la responsabilidad y el derecho de juzgar la obra. La interpretación de esta pieza la catapultó a la fama, pero también generó mucha controversia. Thomas E. Crow la elogió en 1966: «Es difícil pensar en una obra de arte anterior que señale con tanta precisión la cuestión política de la vulnerabilidad física de las mujeres, mediada por regímenes de visión». ^{[ 16 ]} En 1994, Marcia Tanner criticó Cut Piece como «realmente espantosa, más parecida a una violación que a una performance artística». ^{[ 17 ]} Argumenta que la obra está repleta de agresión y violencia contra las mujeres, y que es deliberadamente pasiva y sexualmente controladora. Ono queda reducida a un objeto para ser escrutado, violado por el público y sometido a la mirada masculina. Al mismo tiempo, el rol del público cambia de voyeur a victimario, sádico y agresor, siendo peligroso y amenazante. ^{[ 4 ]}