Dibujó Shiflett

Drew Shiflett (nacida en 1951) es una artista visual estadounidense afincada en Nueva York. ^[1] Es conocida por sus construcciones en capas y collages de papel y tela que se mueven entre el dibujo, el relieve y la escultura. ^{[2] [3]} Estas obras híbridas hechas a mano, a las que ella llama "dibujos construidos", ofrecen exámenes sutiles de la superficie, la estructura y la textura a través de su atención a los materiales, los procesos intuitivos y los patrones sueltos. ^{[4] [5] [6]} Consisten en secciones monocromáticas entrelazadas de papel y tela hechos a mano sobre los que dibuja líneas y marcas repetitivas y seccionadas, produciendo "cuadrículas de cuadrículas" meditativas, similares a una colcha. ^{[5] [7] [8]} Al escribir sobre su obra posterior, el crítico Raphael Rubinstein observó: "Uno de los placeres del arte de Shiflett es poder seguir su proceso paso a paso, saboreando el cuidado con el que se ha colocado cada elemento, las interrupciones impredecibles pero de alguna manera siempre oportunas del diseño. Empleando una modularidad excéntrica distintiva, [ella] deja que cada una de sus piezas de pared se desarrolle gradualmente". ^[5]

Shiflett recibió una beca Guggenheim en 1992 y el premio Anonymous Was A Woman en 2023. ^{[9] [10]} Su trabajo ha sido exhibido en lugares como el Drawing Center , ^{[11] [12]} el Museo de Arte de Baltimore , ^[13] el SculptureCenter , ^[14] el Weatherspoon Art Museum , ^[15] el Kentucky Museum of Art and Craft ^[16] y la Kunststiftung K52 (Berlín). ^[17]

Shiflett nació en Chicago, Illinois, en 1951. ^[1] Estudió arte en el Columbia College Chicago (BA, 1974) y obtuvo una maestría en Bellas Artes de la Hoffberger School of Painting en el Maryland Institute College of Art en 1978. ^{[18] [7]}

Después de graduarse y dedicarse a la escultura, Shiflett recibió reconocimiento por exposiciones individuales en lugares de Nueva York como Fashion Moda (1983), White Columns (1984) y The InterArt Center (1993), ^{[19] [20] [21]} y exposiciones colectivas en Art in General , Artists Space , SculptureCenter y Snug Harbor Cultural Center , entre otros. ^{[22] [14] [23] [24]} En la década de 2000, realizó exposiciones individuales en el Islip Art Museum (2004), ^[25] la Lesley Heller Gallery de Nueva York (2006-18), ^{[3] [2]} y el Drawing Room (2010), el Guild Hall Museum (2011) y el Arts Center at Duck Creek en East Hampton, NY (2022). ^{[18] [7] [26]}

Tiene su sede en la ciudad de Nueva York y East Hampton. ^[1]

El arte de Shiflett, incluida su escultura, se ha basado en el dibujo. ^{[27] [5]} En la primera mitad de su carrera, produjo relieves y esculturas hechas de madera, productos de papel reutilizados, tela, poliestireno , relleno de poliéster y papel maché , entre otros materiales. ^{[28] [29] [27]} Comenzó a explorar el papel hecho a mano a principios de la década de 2000 y desde entonces se ha centrado en sus dibujos construidos hechos con papel entretejido o pegado, gasa y lienzo. ^{[8] [7]} Las características distintivas de ambos cuerpos de trabajo incluyen: un enfoque improvisado de las materias primas; ^[29] una superposición de elementos que sugiere tejido; ^[3] procesos obsesivos y repetitivos tanto de construcción como de creación de marcas; ^{[30] [2]} y un enfoque generalmente no objetivo de las imágenes que, no obstante, está abierto a múltiples asociaciones y referencias. ^{[27] [5]}

Los críticos han relacionado su arte con las obras minimalistas de Agnes Martin , Robert Ryman y Alan Shields , así como con artistas posminimalistas y feministas que emplean procesos autoinventados basados ​​en los ámbitos artesanal y doméstico, como Eva Hesse , Lee Bontecou y Ruth Asawa . ^{[7] [5]}

En las dos primeras décadas de su carrera, Shiflett produjo una amplia gama de trabajos tridimensionales, incluyendo grandes relieves, estructuras similares a barcos o ataúdes y construcciones intrincadas comparadas con "mundos míticos o arquitecturas interiores" ^[25] y "paisajes de bricolaje". ^{[31] [22] [19]} Estas esculturas se distinguían por su superposición de diversas materias primas y su enfoque de construcción de baja tecnología y bricolaje . ^{[29] [27] [28]} En ellas, a menudo creaba contrastes entre el desorden deliberado de su ensamblaje y la monocromía "prístina" de sus materiales (por ejemplo, poliestireno y tul), así como entre la construcción de volumen a partir de materiales en gran parte unidimensionales (planares). ^[27]

Las construcciones de Shiflett de la década de 1980 variaron desde obras puramente abstractas hasta obras figurativas, como Big Fish (1985), un relieve masivo y texturizado de acrílico, madera y papel que incluía un retrato gráfico similar a un camafeo de un pez grande y una pareja pequeña. ^{[19] [22]} En la década siguiente, las alusiones vagamente arquitectónicas y mecanicistas y los materiales como el poliestireno y el relleno de poliéster cobraron protagonismo. ^{[27] [32]} Estas piezas alternaban entre piezas caprichosas, similares a ensamblajes, como Hairy Pink (1990, descrita como una muestra de "una audaz tontería gustoniana ") ^{[3] [28]} y esculturas elaboradas, espacialmente complejas, lo suficientemente elásticas como para evocar tanto lugares sagrados fantasmales como pinturas abstractas tridimensionales (por ejemplo, Castle/Cutout , 1993). ^{[33] [27] [29]} La crítica Nancy Princenthal elaboró ​​sobre esta cualidad, escribiendo: "Aunque el proceso aditivo de Shiflett es lento y laborioso, su objetivo no son contornos establecidos o masa estable sino más bien formas toscamente talladas que parecen tan estructural y psicológicamente fluidas como una ciudad contemporánea". ^[27]

Shiflett colocó sus esculturas posteriores en el suelo o las colocó sobre marcos que sugerían telares o caballetes. A pesar de tener el volumen de un drapeado pesado, se las describió como aireadas e ingrávidas, con un vocabulario de tramas paralelas que se volvió central en sus dibujos construidos. ^{[7] [34]} Tongues (2000) ofreció una gama de alusiones con formas similares a apéndices que se asemejaban a palancas, pedales o detalles arquitectónicos; Easel Sculpture #2 (2000) fue una navegación irónica del espacio entre la imagen y el objeto, tanto en la forma como en el título. ^{[7] [34]}

Los "dibujos construidos" de Shiflett datan de principios de los años 2000. Combinan relieve, collage y dibujo. ^{[35] [2]} Los ensambla en cuadrículas abigarradas y en capas de papel hecho a mano y estopilla que entrelaza y une con pegamento y pulpa de papel. ^{[7] [8] [5]} Luego dibuja minuciosamente cuadrículas delicadas de marcas, líneas y bandas de color horizontales trémulas y repetidas sobre las estructuras (usando grafito, tinta, crayón Conté o acuarela), que se fusionan en tramas translúcidas y rítmicas de suave geometría orgánica. ^{[25] [36] [7] [2]} Los patrones varían, pasando de efectos totales a pasajes densos y difusos, o secciones unidas en forma de patchwork. ^{[5] [7]}

Los críticos caracterizan el enfoque de Shiflett como intuitivo y deliberado, con un sentido de rigor y precisión en sus marcas y una aceptación de la "improvisación desordenada y torpe" ^[2] y la serendipia (por ejemplo, Untitled #53 , 2008). ^{[7] [4]} Peter Frank señaló: "A pesar de los métodos de ensamblaje claramente intensivos en trabajo del artista, el resultado físico de estos métodos es ligero y delicado y aparentemente sin esfuerzo". ^[35] Shiflett desarrolla cada pieza orgánicamente, dejando evidencia visible de sus adiciones, sustracciones e idiosincrasias de construcción como pandeo y estratificación. ^{[7] [16] [5] [2]} Su gama cromática y tonal apagada acentúa las superficies vivas y fruncidas, los ritmos, las texturas y la atmósfera sutil de la obra. ^{[12] [7]} Raphael Rubinstein observó: "Sus sinfonías de blancos —acentuadas con sepias, grises y, fundamentalmente, las sombras proyectadas por las tiras de papel o lienzo colocadas en cruz— no colocan ninguna sustancia que interfiera, ningún color que distraiga entre nuestros ojos y las materias primas". ^[5]

Aunque abstractos, los dibujos construidos varían ampliamente en sus alusiones (por ejemplo, Untitled #98 , 2023); entre los analizados se encuentran cuadros arquitectónicos (por ejemplo, columnatas, portales o arcos), paisajes, materiales tejidos y estratos en capas de tiempo geológico. ^{[2] [4] [7] [37] [36]} Los críticos han comparado obras onduladas e inscritas como Untitled #62 (2011) o Untitled #66 (2012) con cuadros andrajosos o telas seersucker , por ejemplo, y han notado afinidades entre sus líneas finas y ligeramente onduladas y el hilo; ^{[38] [7] [16] [12]} Newsday denominó otras obras "pseudotextiles" o "tapices helados". ^[36] En un nivel más analítico, los escritores identifican una interacción compleja entre la estructura interna y la superficie táctil (imagen), una distinción que a veces se eclipsa, que su trabajo comparte con los materiales tejidos. ^[5] En 2009, dArt International comparó las demarcaciones obsesivamente extensas (seccionadas de forma vaga por formas geométricas subyacentes) de la exposición de Shiflett en Lesley Heller con fragmentos de tapices antiguos o ruinas grecorromanas (por ejemplo, un coliseo, un puente o un conducto de agua) resecos por el sol y el tiempo. La reseña remarcaba: "Tienen una solemnidad meditativa; hay una elocuencia discreta en el acto repetitivo de su creación improvisada que es reflexiva como un mantra visual". ^[4]

Las reseñas de exposiciones posteriores en el Guild Hall Museum (2011) y Lesley Heller (2012, 2017) ampliaron estos temas, destacando el modo de la obra de marcar el tiempo de maneras que sugerían atemporalidad y lenguaje. ^{[30] [7] [2] [5] Elisa Decker de} Art in America comentó: "Los dibujos de Shiflett proporcionan una metáfora de la condición humana; son contenidos, pero tienen una calidad expansiva que sugiere que podrían continuar y continuar". ^[2] La curadora Janet Goleas ha sugerido que los campos de horizontalidad de Shiflett reflejaban la influencia de la palabra escrita en su aprehensión de la estructura. ^[25] No es sorprendente que varios escritores comparen su creación de marcas con un léxico formal privado (de runas , símbolos topográficos, marcas de conteo) o un lenguaje computacional aparentemente legible, pero resistente a ser descifrado. ^{[35] [2] [5]} Los detalles en forma de parche o venda de algunas obras posteriores han sido descritos como evocadores de artefactos preciados (como los textiles informativos de los incas o la tela kente africana ), transmitidos de generación en generación y continuamente reparados. ^[5]

Shiflett ha recibido un premio John Simon Guggenheim Memorial Foundation (1992), el premio Anonymous Was A Woman Award (2023) y subvenciones de la New York Foundation for the Arts (1990, 2009, para escultura y dibujo respectivamente) y de la Mid Atlantic Arts Foundation / National Endowment for the Arts (1993, para escultura). ^{[9] [1] [8] [39]} Su obra pertenece a colecciones privadas y públicas que incluyen el Museo de Arte de Baltimore , la Colección Francis J. Greenburger , el Museo Guild Hall y el Museo de Arte de Islip. ^{[40] [1]}

• Sitio web oficial de Drew Shiflett
• Drew Shiflett, Galería Lesley Heller